Moroder dans le clip de «Right Here, Right Now, ft. Kylie Minogue».
« Forget « Touch », « Instant Crush » ou encore « Get Lucky » : la meilleure chanson d'amour de l'album primé aux Grammy Awards 2013 de Daft PunkMémoires à accès aléatoireest "Giorgio par Moroder», un duo labyrinthique, libre et étrange entre un homme et la machine qu'il utiliserait pour changer à jamais la musique pop. Il s'agit du producteur Giorgio Moroder, 75 ans, légendairement moustachu, qui, dans un segment de créations orales du morceau de Daft Punk, se montre nostalgique des débuts grisants de la musique électronique (« Je savais que ça pouvait être un son de l'avenir », dit-il avec son fort accent italien. « Mais je n'avais pas réalisé l'ampleur de l'impact »). La machine est le synthétiseur modulaire Moog, qui, au début des années 70, coûtait à peu près autant qu'une petite maison. (Moroder avait la chance de connaître un riche compositeur allemand qui en possédait un et le laissait parfois venir expérimenter.) Atterrissant quelque part dans le vaste espace entre un documentaire radiophonique et un tube de club, « Giorgio by Moroder » est une chanson étrange, une qui aurait pu devenir un prêcheur de respect de ses aînés sans la chaleur et la joie de vivre contagieuse de la personnalité en son centre. "Je m'appelle Giovanni Giorgio", dit-il de manière mémorable lorsque le rythme s'arrête, "Mais… tout le monde m'appelle Giorgio."
À la fin des années 70 et pendant une grande partie des années 80, ce nom était omniprésent. Giorgio était le gars que vous appeliez lorsque vous vouliez un hit sonore aventureux mais mélodiquement direct – ses plus grandes productions incluent « I Feel Love » de Donna Summer, « Take My Breath Away » de Berlin, « Call Me » de Blondie et le « Flashdance » impeccablement ponctué… Quel sentiment. En 1979, il remporte un Oscar pour la partition historique, pilotée par un synthétiseur, deMinuit Express; quelques années plus tard, il consolide encore davantage son statut de culte, en composant la partition troublante deFoulard.La plus grande vertu de Moroder était, en fait, sa gaucherie – à laquelle il était si attaché que cela devenait une sorte d'iconoclasme passionnant. En 1984, Moroder devient l'entreprise de Fritz Lang.Métropoledans unvidéo musicale étendue, redécoupant le chef-d'œuvre muet sur des airs de Freddie Mercury et Bonnie Tyler. A l'époque, MoroderMétropolea obligé les puristes du cinéma à serrer leurs perles ; aujourd'hui, cela ressemble à un précurseur de tout un sous-genre de vidéos YouTube dans lesquelles des monteurs de films amateurs associe des films muets à des chansons pop. Au moins lorsqu'il était au sommet du jeu, Moroder semblait toujours avoir les pieds fermement sur le sol mais les yeux tournés vers un avenir pas si lointain.
Il a commencé sa carrière en tant qu'artiste solo à la fin des années 60, chantant et composant des chansons qui combinaient la compacité structurelle du rock and roll des années 50 avec l'expérimentation sans limites du psychédélisme et de la musique proto-électronique. (L'une de ses meilleures premières chansons est l'hymne « Son of My Father », une chanson qui prouve que tout ce qui manquait à « Spirit in the Sky » était un solo de Moog.) Moroder était un chanteur décent, un guitariste médiocre et - comme une performance télévisée française de 1969 sur YouTube qui vaut vraiment la peine de son hit bubblegum "Regarde regarde» prouve – un danseur profondément maladroit. L'une des plus grandes forces de Moroder est la conscience de ses limites, et il savait que s'il voulait que sa musique perce aux États-Unis, il lui faudrait trouver un avatar. C'est exactement ce qui s'est passé lorsqu'il a rencontré sa muse, une chanteuse américaine inconnue qui traînait en Allemagne. Elle s'appelait LaDonna Gaines… mais tout le monde l'appelait Donna Summer.
En commençant par la ballade disco « Love to Love You Baby », Moroder a connu un succès international en travaillant avec Summer, et leurs collaborations sont devenues de plus en plus avant-gardistes. Tout a atteint son apogée avec « 1977 »Je ressens de l'amour"- non seulement la chanson par excellence de Moroder, mais l'une des chansons pop les plus influentes de tous les temps. Des artistes techno, new wave et contemporains comme Robyn, Grimes et Daft Punk proviennent tous de « I Feel Love ». Son génie réside dans la façon dont il affiche son caractère surhumain : la partie la plus innovante de la chanson est l'effet de retard ajouté à sa séquence de clavier à trois notes, faisant que les notes arrivent à l'auditeur légèrement plus rapidement que ce que des mains humaines pourraient jouer. "Jamais auparavant", écrit Peter Shapiro dans son histoire du discoRenversez le rythme,"avait un disque tellement délecté de ses propres artifices."
Malgré toute son influence, la carrière de Moroder s'est arrêtée dans les années 90 (il n'a pas pu suivre le rythme de la prise de contrôle commerciale du hip-hop). "Giorgio by Moroder" de Daft Punk l'a essentiellement attiré hors de sa retraite et a attiré une toute nouvelle génération de fans vers ses grands albums solo de la fin des années 70, toujours prémonitoires,D'ici à l'éternitéetE=MC2.Un nouvel album semblait presque inévitable, et Moroder a eu la bonne idée de frapper alors que le fer était encore relativement chaud.Déjà Vu,Le premier album studio solo de Moroder en 30 ans ressemble en quelque sorte à un morceau complémentaire àMémoires à accès aléatoire,sur lequel Daft Punk cherchait à recréer les sons immaculés et l'ambiance scintillante de l'apogée du disco. Mais, à l’exception du tube léger et conquérant mondial « Get Lucky »,Mémoires à accès aléatoirecela ressemblait souvent à un disque lourd et même pédant, distribuant des leçons d'histoire au lieu de crochets. (Son morceau d'ouverture s'intitule comme un énoncé de thèse : « Give Life Back to Music ».) Le disque de Moroder n'a pas la portée tentaculaire ni l'attention méticuleuse aux détails deBÉLIER,mais il a quelque chose de très important que Daft Punk n'a pas : un manque rafraîchissant d'estime de soi et une compréhension que le disco était avant tout une question de plaisir. "Le son disco, vous devez le voir, n'est pas de l'art ou quoi que ce soit d'aussi sérieux", a dit un jour Moroder. "Le disco est une musique pour danser et je sais que les gens voudront toujours danser."
Et, à juste titre,Déjà Vuest un disque relativement simple et implacablement amusant. La plupart des 12 titres montrent Moroder collaborant avec des pop stars contemporaines, les rencontrant parfois sur leur territoire (l'électro-pop de "Diamonds" de Charli XCX aurait pris tout son sens sur son dernier disque,Ventouse) et d'autres fois en les habillant avec les proverbiales chaussures à plateforme pailletées (la chanson titre de Sia). Les meilleures collaborations servent également de rappel de l'influence de Moroder ; Kylie Minogue semble tellement à l'aise sur le glorieusement rétro "Right Here, Right Now" que vous vous souvenez une fois de plus à quel point ses premiers singles doivent à Moroder et Summer.Déjà Vune fait que faiblir lorsqu'il met en avant des personnalités plus fades. La chanteuse suédoise Marlene ne parvient pas à vendre le générique « I Do This for You ». Le plus grand moment d'humanité de Moroder sur l'album pourrait être "Don't Let Go", une sorte d'aveu que même lui ne peut pas rendre Mikky Ekko intéressant.
Déjà VuLe moment le plus mémorable de est aussi le plus bizarre : oui, il s'agit d'un disque sur lequel Britney Spears à la voix robotique interprète « Tom's Diner » de Suzanne Vega, l'unique couverture de l'album. Britney a été critiquée pour sa voix mécanisée à la fin des années 90, mais son entrée spectaculaire surDéjà Vunous rappelle que sa voix a en réalité ouvert la voie à la normalisation de l'Auto-Tune et, par extension, au retour du vocodeur. "Le restaurant de Tom» met plus de confiance créative en Spears que quiconque depuis des années ; c'est infiniment plus agréable que "Jolies filles», son duo actuel avec Iggy Azalea, ou, d'ailleurs, l'intégralité de son dernier album. La collaboration de Giorgio et Britney est un coup de génie de la musique pop : deux artistes avisés aux capacités « naturelles » limitées qui ont utilisé la technologie pour explorer un tout autre domaine de possibilités musicales. S'il y a un Dieu au paradis (ou à Las Vegas), ils feront un disque entier ensemble.
*Cet article paraît dans le numéro du 15 juin 2015 deNew YorkRevue.
