Photo de : Weinstein Company
Un peu plus d'une semaine après sa sortie à grande échelle, le film de Paul Thomas AndersonLe Maîtres'est déjà imposé comme cette bête rare, un film populaire avec beaucoup de choses en tête – un film qui supporte et peut même exiger des visionnages répétés. (Les critiquesStéphanie ZachareketDana Stevenschacun se demande si un film doit ou non être vu plus d'une fois. Nos propres actions David Edelsteinses propres pensées ici.) Et chacune de ces visualisations peut donner lieu à des interprétations nouvelles et variées. Alors, qu'est-ce queLe Maîtreà propos de? Voici cinq pistes de réflexion potentielles. (Naturellement, il y a des spoilers à venir. Vous êtes prévenu.)
La recherche d'une famille et de la stabilité.
Plusieurs fois, on voit un plan de Freddie Quell (Joaquin Phoenix) allongé à côté d'une sculpture de sable représentant une femme. Certes, c'est une sculpture de sable qu'il baise dans les premières minutes du film, mais la tendresse avec laquelle il se blottit ensuite contre elle suggère que ce qu'il recherche n'est pas vraiment du sexe mais de la chaleur, du contact, de la famille, du confort. Lorsque le médecin VA l'interroge sur une « vision » qu'il a eue, Freddie la décrit ainsi : « J'ai fait un rêve. Ma mère, mon père et moi. Assis autour d'une table. Boire… » Puis il marmonne quelque chose qui ressemble à « rire » ou à « aimer ». En tout cas, c'est sa vision : une famille heureuse. Anderson passe de cette scène au nouveau travail de Freddie en tant que photographe : prendre des photos de femmes au foyer heureuses, d'enfants heureux, de maris heureux. Il aspire à faire partie de ce monde, mais, un peu comme un cinéaste, il ne peut que le photographier : avant de se battre avec l'homme qu'il photographie au grand magasin, Freddie lui demande : « Est-ce pour ta femme ? (Pendant ce temps, quelque part en arrière-plan, nous entendons un bébé crier.) Ensuite, il allume les lumières sur l'homme, essayant de l'évincer, et commence à le battre.
La recherche d'une famille par Freddie le mène à Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) et à sa femme Peggy (Amy Adams). Dans le plan remarquable où il découvre le yacht de Dodd, la caméra fait constamment le point entre un Freddie froid titubant sur le quai au premier plan et la fête joyeuse et chaleureuse sur le yacht, avec Lancaster et Peggy dansant au loin : c'est comme si la caméra (et par extension Freddie) essaie constamment de les placer tous dans le même plan, et échoue. En effet, Anderson maintient ces personnages séparés visuellement tout au long du film. On ne les voit presque jamais seuls ensemble sur un même plan. Presque.
Dans la scène bizarre, finale et énigmatique de Londres, où les trois sont brièvement réunis, Peggy exprime d'abord une sorte d'intérêt maternel pour Freddie (« Tu as l'air malade. Freddie, tu n'as pas l'air en bonne santé ») avant de le rejeter complètement (« Tu as l'air malade. Freddie, tu n'as pas l'air en bonne santé ») avant de le rejeter complètement (« Tu as l'air malade. Freddie, tu n'as pas l'air en bonne santé ») avant de le rejeter complètement (« Tu as l'air malade. Freddie, tu n'as pas l'air en bonne santé ») Qu’espériez-vous qu’il se passe en venant ici aujourd’hui ? » Ce à quoi il répond de manière révélatrice : « J’ai fait un rêve. »). En fait, cette scène finale pourrait bien être la seule fois où nous voyons enfin ces trois personnages – Peggy, Lancaster et Freddie – seuls ensemble dans le même plan. À la fin de la scène, Lancaster chante « (I'd Like to Get You On) A Slow Boat to China » à Freddie. Et oui, c'est étrange et peut-être plus qu'un peu homoérotique, mais cela ressemble aussi à une version tordue d'une berceuse - les actions les plus domestiques et familiales transformées en quelque chose de terrifiant et d'étrange - montrant clairement une fois pour toutes que le rêve de Freddie de former une famille avec Lancaster et Peggy Dodd est une impossibilité. Et le libérer, ironiquement, pour essayer de former une nouvelle famille – peut-être avec Winn, la fille qu'il a rencontrée dans les scènes finales du film, juste avant de le voir allongé à côté de la sculpture de sable féminine, suggérant que sa recherche continue.
La politique des sectes et les cultes de la politique.
Bien qu'Harvey Weinstein ait présenté la première new-yorkaise deLe Maîtreavec un coup à Mitt Romney, Paul Thomas Anderson n'a jamais été un cinéaste particulièrement politique. Sauf quand il a été :Il y aura du sangest peut-être une méditation intemporelle sur la volonté, le pouvoir, l'ambition et la duplicité, mais c'est aussi une représentation saisissante de la collusion et du conflit entre le capitalisme et la spiritualité au début du XXe siècle en Amérique, avec des résonances particulières pour l'époque à laquelle elle a été réalisée, lorsque le Les États-Unis menaient deux guerres dans des pays lointains – une pour le pétrole et une autre contre un groupe d’extrémistes religieux avec lesquels ils avaient collaboré des décennies plus tôt. Un peu comme Stanley Kubrick avant lui, Anderson semble avoir une étonnante capacité à intégrer des échos contemporains dans ses films sans les rendre ouvertement d'actualité.
Ainsi,Le Maître, même s'il ne s'agit que de manière tangentielle de L. Ron Hubbard et de la Scientologie, décrit la relation humiliante mais symbiotique entre les causes et les adeptes à l'ère moderne, lorsque les systèmes de croyance ne sont plus des cadres directeurs mais simplement des logiciels à renouveler et à remplacer. On peut le voir dans la réponse irritée du Maître à Helen Sullivan (Laura Dern) qui, en lisant son nouveau livre, s'enquiert d'une différence majeure qu'elle a remarquée : « J'ai noté qu'à la page 13, il y a un changement. Vous avez modifié la question de la plateforme de traitement de « Vous en souvenez-vous ? » à 'Pouvez-vous imaginer ?' C'est peut-être ainsi que Freddie gèresondoutes, en redoublant d'obéissance au Maître.
Il s’agit certes d’une sorte de mutabilité volontaire qui caractérise les sectes, mais c’est aussi l’une des dynamiques de la politique moderne, où l’appartenance à l’équipe (et sa défense) est bien plus importante que ce que l’équipe représente réellement. (Il suffit de lire n'importe quel titre électoral de cette année pour voir les membres d'une équipe politique défendre des politiques et des convictions auxquelles ils ne souscrivent pas vraiment – qu'ils soient de gauche ou de droite.) Freddie est, en fin de compte, le symbole de l'homme ordinaire qui rejoint une cause. non pas parce qu'il y croit, mais parce que cela l'aura.
Double.
Il n'a probablement pas échappé à de nombreux téléspectateurs que, bien que Lancaster Dodd et Freddie Quell semblent être des opposés psychologiques et physiques (l'un est bavard, confiant et rond, l'autre laconique, nerveux et d'une maigreur alarmante), le film présente aussi souvent les dans des plans et des situations symétriques : soyez témoin de la façon dont Anderson les filme lorsqu'ils sont en prison, se criant dessus comme si chacun était dans l'esprit de l'autre. Et n'oublions pas non plus que les deux hommes sont en quelque sorte des alchimistes : l'un ala capacité de transformer des choses comme le carburant des torpilles en une délicieuse boisson, l’autre a la capacité de transformer tout ce qui l’entoure en un aphorisme spirituel absurde. Ces hommes peuvent d'une manière ou d'une autre être conjoints – Dodd est, après tout, le seul qui semble être capable de boire régulièrement les concoctions Moonshine de Freddie et de survivre. (Cela aide aussi, bien sûr, que les femmes autour d'eux se ressemblent – Doris, la fille que Freddie aimait chez lui avant la guerre, ressemble étrangement à Peggy Dodd.)
Si le traitement/audit encouragé par le Maître est conçu pour se débarrasser des émotions négatives et des troubles de nos vies passées, considérez la possibilité que Freddie puisse en réalité être, au moins à un niveau métaphorique, l'une des vies antérieures de Lancaster Dodd. (Ce qui rend la question souvent posée dans le film de savoir où ils auraient pu se rencontrer.) Si Dodd laisse constamment ses ennuis derrière lui, Freddie semble être maquillé.entièrementde problèmes – la famille qui l'a abandonné, la fille de retour à la maison qui ne l'a pas attendu, la guerre qui l'a brisé. (Dans une version antérieure du scénario, le problème d'alcool de Freddie était assorti d'un besoin obsessionnel de se faire tatouer de plus en plus, et sa première hospitalisation au VA était due à une maladie plutôt symboliquement chargée – un appendice éclaté.) Comme l'énergie négative. des New-Yorkais qui se rassemblent dans les égouts de la ville enSOS Fantômes II, Freddie est, à bien des égards, le retour du refoulé pour Lancaster Dodd – un monstre de Frankenstein fait de souvenirs troublés, de rejets et de désirs spirituels tacites.
L'ennui d'après-guerre.
C'est bien sûr là, dans le deuxième plan du film : Freddie Quell, homme de la marine, levant la tête au-dessus du bord d'un bateau, regardant le monde d'un air interrogateur. Nous entendons beaucoup parler de la plus grande génération dans les médias, mais c'est aussi un fait que beaucoup d'hommes qui ont combattu pendant la Seconde Guerre mondiale sont rentrés chez eux dans un monde en évolution rapide et qui n'avait plus les certitudes (si elles ont jamais existé) de la guerre. (« Naturellement, il y aura des gens à l'extérieur qui ne comprendront pas votre état. ») Même si nous voyons, au cours du film, un bref aperçu de la vie de Freddie avant la guerre, il est révélateur que nous ne voyons jamais la guerre. lui-même, le marquant comme une sorte d’absence déterminante.
Qu'est-ce que la guerre a fait à Freddie, et qu'est-ce qui le relie à Dodd ? Vaut-il la peine de noter que le culte de la personnalité créé par Dodd est, en miniature, le reflet des cultes politiques de la personnalité – ceux d’Hitler, Mussolini et Hirohito – que les Alliés ont vaincus pendant la Seconde Guerre mondiale ? De telles choses ne sont jamais clairement énoncées dans le film, et nous ne voyons certainement jamais « l'ennemi » dans les brèves scènes qui montrent le passage de Freddie dans la Marine. Mais nous voyonsunennemi autour de nous plus tard dans le film – les sceptiques, les autorités, les sceptiques qui remettent en question et défient le pouvoir de Dodd. Après tout, nous sommes à l’époque du maccarthysme, de la paranoïa et de la peur. Peut-être qu'Anderson suggère que des gens comme Freddie sont sortis de la guerre en ayant besoinles deuxle réconfort de la vie de famille et un ennemi à combattre ?
Par intérim!
Lors d'entretiens, Anderson a suggéré queLe Maîtrea suivi un processus de développement encore plus souple que ses scripts précédents, il rassemblant instinctivement une variété d'éléments juste pour voir comment ils fonctionneraient. (Les versions du scénario qui ont été divulguées pendant le tournage du film étaient très différentes du produit fini.) Alors, considérez la possibilité que, à un certain niveau de base,Le MaîtreIl s’agit peut-être moins de son histoire apparente que de ses surfaces. C'està proposmettre l'angularité nécessiteuse et nerveuse de la performance de Joaquin Phoenix à côté de la générosité avunculaire et confortable de Philip Seymour Hoffman, et voir ce qui se développe, quels écosystèmes de caractère se forment dans le va-et-vient entre ces personnages.
Dans sonexcellente analyse du filmpourLe New-YorkaisSur le site Web de la secte, Richard Brody note à juste titre que de nombreuses séances de thérapie de la secte ressemblent à des exercices de méthode. De même, il est peut-être remarquable que la performance de Phoenix semble représenter les styles de jeu physiques et tourmentés de la seconde moitié du XXe siècle (les Brando, les Deans, les Clifts), tandis que le jeu de Hoffman semble rappeler la manière contrôlée et insaisissable du personnage. la moitié précédente (beaucoup ont qualifié son tour de « wellésien »). Dans ces styles d’acteur, nous voyons une version miniature du parcours de la société américaine au cours de cette période – et, plus particulièrement, de la masculinité américaine. Et avant de suggérer que c'est exagéré, rappelez-vous qu'il s'agit d'un réalisateur qui, enSoirées Boogiea utilisé différents styles d'acteur porno pour raconter l'histoire des bouleversements sociaux américains de la fin des années 70 et du début des années 80.
