Les 15 meilleurs films que nous avons vus cette année à Sundance

Photo-illustration : Vautour ; Photos : Cinéma Inutile, Néon, Ley Line Entertainment, Protagonist Pictures

Oubliez les bavardages des métiers et ceux qui s'inquiètent du manque de grosses ventes, c'était en fait l'une des meilleures programmations de Sundance depuis des années. Bien sûr, peut-être que le gagnant du meilleur film de l'année prochaine ne faisait pas partie de cette équipe. Et peut-être que l’argent ne circulait pas aussi librement étant donné le paysage de distribution troublé. Et peut-être qu’après des années de festival cherchant à attirer des célébrités de plus en plus grandes et des prétendants potentiels à des prix, le buzz général s’est atténué. Mais il y avait là un programme de films véritablement indépendants, comprenant des œuvres audacieuses de cinéastes émergents et une créativité rajeunie d'artistes plus confirmés. Le festival célébrait cette année son 40e anniversaire et a profité de cette occasion pour honorer certains des grands noms qui se sont illustrés au fil des décennies. Mais en réalité, la meilleure façon de célébrer cette histoire était de rassembler une programmation de films quifeutrecomme Sundance, comme le festival qu'il était avant de devenir une étape supplémentaire sur l'éternel tapis rouge d'Hollywood. Nous avons vu beaucoup de très bons films cette année. Tous ne figurent pas sur la liste définitive. Mais voici les 15 meilleurs films que nous avons vus à Sundance cette année.

Lorsque Mats Steen est décédé d'une maladie musculaire évolutive incurable à l'âge de 25 ans en 2014, ses parents ont supposé que leur cher fils, après avoir passé la dernière décennie à jouer à des jeux vidéo depuis un fauteuil roulant dans le sous-sol de leur maison d'Oslo alors que son corps s'affaiblissait, avait raté presque toute la vie. Mais ils ont ensuite découvert que Mats était un membre bien connu et apprécié d'une guilde très unie de World of Warcraft, où son robuste avatar, Ibelin Redmoore, avait des relations amoureuses et de bons amis, et avait même fait une véritable différence dans l'autre. la vraie vie des joueurs. Le film extrêmement puissant de Benjamin Ree raconte l'histoire de Mats à trois reprises, chaque mouvement du film ajoutant de nouveaux détails émotionnels. Le plus remarquable d'entre eux est un segment animé étendu qui donne vie aux aventures et aux interactions d'Ibelin. Les films qui tentent de capturer les qualités de la vie virtuelle finissent souvent par être inregardables, un mélange désagréable d'avatars et de graphismes douteux. Mais les animations dansIbelinsont astucieusement réalisés : on ressent l'appréhension des personnages et on comprend que derrière ces avatars maladroits se cachent de vraies personnes, quelque part, aspirant à se connecter.

Un film de maison hantée du point de vue du fantôme, de Steven SoderberghPrésencecombine les ambitions formalistes actuelles du réalisateur avec un théâtre de genre épuré et passe-partout. Une famille achète une nouvelle maison et bientôt, la fille ressent des événements étranges tandis que les autres restent inconscients. La caméra (contrôlée par le réalisateur lui-même) dérive à travers les espaces, tourne autour des acteurs, monte et descend les escaliers et regarde par les fenêtres – généralement en prises uniques qui constituent l'intégralité d'une scène. La présence de la caméra, la question de savoir où elle va et pourquoi, et sur quels personnages elle se concentre, tout va ainsi des questions stylistiques aux questions narratives et thématiques. La figure invisible du fantôme devient une expression du pouvoir du cinéaste sur le cadre, évoquant la nature sadique-voyeuriste du cinéma en général et du cinéma de genre en particulier. Le résultat est un film d’art qui fonctionne également comme un film d’horreur envoûtant, et c’est peut-être la meilleure chose que Soderbergh ait faite depuis des lustres.

Photo de : Protagonist Pictures

Saoirse Ronan donne l'une de ses performances les plus transcendantes dans le drame balayé par le vent de Nora Fingscheidt, dans le rôle d'une femme essayant de reconstruire sa vie après son retour dans sa maison d'enfance dans les îles Orcades. Le film, basé sur les mémoires d'Amy Liptrot sur la dépendance et le rétablissement de 2016, oscille entre le présent de sa protagoniste et son passé d'alcoolique incontrôlable à Londres. Il passe également par différentes périodes de sa rééducation, sans jamais vraiment suivre une ligne narrative claire et régulière, ce qui confère une certaine responsabilité à la performance de Ronan. Nous retraçons la progression de son personnage à travers ses yeux et son physique. Les observations du protagoniste sur la vie dans la région, ses mythes, sa flore et sa faune sont entrelacées tout au long du film, présentées via des voix off, des images d'archives, des instantanés et même des passages animés. Tout cela témoigne de l’impuissance fondamentale des humains au milieu de la nature, mais cela fait également allusion à un fantasme de pouvoir : si un autre être peut exercer un tel contrôle sur nos mondes, alors peut-être que nous le pouvons aussi. Cette idée – pleine de tension, de frustration, de possibilités – alimente tout le film, et la performance de Ronan en particulier.

Une femme de 94 ans part à la recherche des escrocs qui lui ont escroqué 10 000 $. Cela ressemble à la mise en scène d'une mauvaise comédie d'une personne âgée qui fait des choses, mais le film de Josh Margolin parvient à être si charmant et sincère que les rires ne semblent jamais paresseux, bon marché ou cruels. Ses observations sur la déconnexion entre sa protagoniste âgée (jouée par la merveilleuse June Squibb, également âgée de 94 ans) et la société qui l'entoure sont étonnamment pertinentes. Pour aider notre héroïne dans sa quête, un camarade retraité, joué par Richard Roundtree, a l'occasion de montrer son talent dans son dernier rôle. Alors que le film génère un divertissement intelligent et inoffensif à partir de défis variés pour les personnes âgées et filme des tâches apparemment simples avec la verve d'unMission : Impossiblefilm, où il brille vraiment, c'est dans sa représentation d'un monde qui tourne toujours en avant pendant que le reste d'entre nous —tousde nous - restent confus dans son sillage.

Photo de : Matador Content

Le 6 janvier 2023, un groupe d'anciens hommes politiques et responsables de l'armée et des services de renseignement américains se sont réunis pour jouer un jeu de rôle à quoi pourrait ressembler la prochaine insurrection du pays. La simulation s’est déroulée le 6 janvier 2025, mais elle a été conçue pour ressembler au 6 janvier 2021 sous stéroïdes. Un thriller politique sous forme documentaire, de Jesse Moss et Tony GerberJeu de guerrenous montre les allers-retours haletants du président fictif et de ses conseillers fictifs (beaucoup d'entre eux joués par de véritables décideurs politiques), les « mises à jour » constantes de l'information (provenant d'une fausse chaîne de télévision créée pour l'occasion), ainsi que la fausse insurrection. les dirigeants font des heures supplémentaires pour envenimer la situation. MaisJeu de guerreLes moments les plus puissants de la série surviennent lorsqu'elle prend du recul par rapport aux événements de cette journée particulière pour nous en dire plus sur certaines des personnes réellement impliquées. Cela soulève également des questions troublantes : ce groupe de démocrates modérés réfléchis et de conservateurs de principe s’adresse-t-il à quelqu’un d’autre qu’à eux-mêmes ? Le jeu de guerre, joué principalement par des gens sans pouvoir, peut-il vraiment aider quiconque à se préparer à la folie qui nous attend ? La simulation peut se terminer, mais la tension ne se détend jamais.

Une étude de personnage touchante ancrée par une performance animée de Kieran Culkin, celle de Jesse Eisenberg.Une vraie douleursuit deux cousins ​​​​au tempérament différent lors d'une tournée sur l'Holocauste à travers la Pologne d'aujourd'hui. Nous les regardons se chamailler et créer des liens alors qu'ils visitent des monuments aux morts, des cimetières et le camp de concentration de Majdanek, et il peut sembler étrange de voir une douce comédie se dérouler dans un contexte de lieux aussi sinistres. Mais c'est aussi en partie le but du film. Il s'agit de la façon dont nous pouvons vivre dans un monde de mal et de folie infinis tout en passant la journée – comment nous « ignorons le proverbial abattoir pour savourer les steaks », comme le dit un personnage. Les surfaces agréables et les rythmes doux du film, accompagnés de plusieurs morceaux familiers de Chopin, incarnent la dissonance qui entoure les personnages. Ils errent dans un monde moderne dans lequel ils ne voient que de petits aperçus du passé. Les lieux qu'ils visitent ne sont pas sans rappeler les gens en général : il n'est pas toujours facile de voir quelle obscurité ils abritent.

Sur ordre du roi du Bhoutan, le pays a créé un « indice de bonheur » pour évaluer le bonheur relatif de ses citoyens selon une série de paramètres. Ensuite, il a embauché 75 travailleurs pour parcourir le pays, interroger les gens sur leur vie et leur attribuer des niveaux de bonheur. Le documentaire fascinant et magnifiquement tourné d'Arun Bhattarai et Dorottya Zurbó suit deux de ces agents alors qu'ils parcourent l'Himalaya et parlent aux gens de leurs espoirs, de leurs rêves, de leurs peurs, de leurs luttes et de la quantité de bétail et/ou de leurs moyens de transport. Il va sans dire que le bonheur s’avère être une chose complexe et en constante évolution. De plus, l'une de ces agents du bonheur, Amber, est elle-même aux prises avec ce concept. Il entre dans la cinquantaine, prend soin de sa mère fragile, veut trouver une épouse et se demande ce qu'il va faire de sa vie. De plus, sa famille a été déchue de sa citoyenneté dans les années 90, ce qui signifie qu'il ne peut pas obtenir de passeport ni quitter le pays. Le regard patient et compatissant des cinéastes permet à tous ces gens de parler pour eux-mêmes. Ce faisant, ils nous incitent à prendre en compte notre propre vie.

Dans cette photo de passage à l'âge adulte remarquablement tendre et intelligente du réalisateur indien Shuchi Talati, Mira (Preeti Panigrahi), élève vedette et lycéenne, se débat avec ses nouvelles responsabilités de préfète en chef de son internat d'élite tout en essayant de naviguer dans les émotions de son premier amour avec le Nouveau garçon beau, mondain et affectueux en classe, Srinivas (Kesav Binoy Kiron). Le déférent Srinivas semble toujours savoir les bonnes choses à dire, et son charme captive même la mère de Mira (jouée par la merveilleuse Kani Kusruti), qui commence à conspirer avec sa fille pour amener le garçon chez eux pour des séances d'étude. Le film pourrait à tout moment prendre un certain nombre de directions horribles et mélodramatiques, mais les cinéastes apportent de la profondeur et une honnêteté d'observation à ces personnages et situations. Le résultat est un drame captivant et complexe sur les mères, les filles, les émotions romantiques, la vulnérabilité de la jeunesse et le pouvoir écrasant des institutions.

Nous avons vu de nombreux films sur le deuil et le pouvoir de guérison de l'art, mais nous n'avons jamais vraiment vu quelque chose de pareil. Dan (Keith Kupferer), un ouvrier du bâtiment facilement distrait, triste et colérique, se retrouve invité à rejoindre une troupe de théâtre communautaire hétéroclite qui monte une petite production deRoméo et Juliette.À mesure que nous en apprenons davantage sur la source de sa tristesse et de sa rage – et sur le chagrin accablant auquel sa famille est confrontée – une résonance presque surréaliste émerge entre la vie réelle et la pièce de Shakespeare. Incroyablement bien joué par Kupferer, sa femme Tara Mallen et leur fille Katherine Mallen, le film de Kupferer, Kelly O'Sullivan et Alex Thompson commence de manière discrète et finit par devenir si intense que vous risquez de vous retrouver à crier. -pleurer tout au long de son acte final.

Le documentaire de Carla Gutierrez sur Frida Kahlo utilise les propres mots de la peintre légendaire – tirés d'entretiens, de lettres et de journaux – pour créer une voix off qui nous guide tout au long de sa vie. Plus étonnant encore, Gutierrez prend également les œuvres de Kahlo, ses peintures et les images de ses journaux visuels, et les anime pour évoquer le voyage émotionnel de Frida. Il ne s’agit pas ici d’un documentaire parlant ou d’une étude aride de la carrière d’un grand artiste. Il s'agit plutôt d'un regard intime sur ce que l'on a dû ressentir en étant Frida Kahlo, et plus que toute représentation cinématographique précédente de sa vie et de sa carrière (il y en a eu plusieurs), ce film nous donne l'impression que nous savons vraiment son. Certains verront dans son utilisation de l'animation une profanation de l'art de Frida, mais ici, cela prend tout son sens et répond à un objectif expressif.Fridaraconte comment l'art évoquait toujours la joie, l'anxiété, la peur, la douleur et la rage de l'humain derrière lui.

La scénariste-réalisatrice Theda Hammel a réalisé l'impossible dans son premier long métrage,Positions de stress: Elle a réalisé une comédie COVID qui marche vraiment ! Cette farce de Brooklyn met en vedette John Early dans le rôle de Terry Goon, un millénaire vieillissant qui s'isole dans une ancienne maison de fête appartenant à son ex-mari, joué par un John Roberts parfaitement gluant (Linda deLes hamburgers de Bob !!). Le cadre de verrouillage permet à Early de faire ce qu'il fait de mieux, à savoir une comédie physique hyper spécifique. Le niveau de stress de ce personnage est de dix depuis le début et n'augmente que jusqu'à vingt ; les tâches de base semblent déjà plus difficiles que nécessaire pour le pauvre Terry, même si ce n'était pas le printemps 2020 et qu'il n'essayait pas de prendre soin de son neveu mannequin de 19 ans Bahlul (mannequin palestinien Qaher Harhash) , qui s'écrase dans sa cave avec une jambe cassée. Il traîne, Lysolant un billet de cinq dollars pour donner un pourboire au livreur de GrubHub, Ronald (Faheem Ali, avec un crédit de co-écriture) et se jetant le dos en glissant sur du poulet dans la cuisine. Au-delà de la burlesque axée sur les personnages d'Early, l'écriture est un envoi parfaitement venimeux de la façon dont une certaine espèce de millénaires côtiers queer parle d'elle-même, des autres et de problèmes qui échappent à sa portée. Si vous aimez le podcast de HammelNymphowars,vous apprécierez la fréquence chaotique sur laquelle vibre cette comédie.

Photo de : Ley Line Entertainment

Le cinéaste indépendant Nathan Silver a soumis 13 films à Sundance au fil des ans avant d'en finalement obtenir un. Et c'est peut-êtrebeshert,parce que sa comédie intimiste et décaléeEntre les Templesse sent vraiment le bienvenu à ce moment précis, une fois que le désespoir du milieu de l'hiver s'est infiltré. C'est un film sur l'écoute et le fait d'être écouté, et Sean Price Williams met en scène Jason Schwartzman et Carol Kane dans des gros plans extrêmes et granuleux, nous montrant à quel point ils sont heureux. ils doivent se parler pendant des heures, pour toujours. C'est un chantre qui a perdu la voix à cause du chagrin et elle est son ancienne professeure de musique, le suppliant de lui donner des cours pour la Bat Mitzvah qu'elle n'a jamais eue lorsqu'elle était enfant. Il y a des performances de soutien époustouflantes de Madeline Weinstein dans un rôle d'évasion et de Dolly de Leon dans le rôle d'un agent immobilier converti, jugé et trop zélé, marié à Caroline Aaron (un casting au gros cerveau). Le meilleur de tout, ce sont les répliques très drôles et les détails de la vie de ces personnages, comme Robert Smigel dans le rôle d'un rabbin avec une plaque d'immatriculation « TKN OLM » qui s'entraîne à son putting en tapant une balle de golf dans un shofar.

Le premier long métrage de Sean Wang mérite toutes les distinctions qui lui parviennent, et je crois vraiment que les prix qu'il a remportés à Sundance (le Prix du public ainsi que le Prix spécial du jury : Ensemble) ne sont que le début de cet excellent film sur le passage à l'âge adulte.Didiest une pièce d'époque de 2008 mettant en vedette le très adorable Izaac Wang dans le rôle de Chris, un Américain taïwanais de 13 ans qui passe l'été avant le lycée dans sa banlieue de Bay Area à filmer des tricks de skate avec un appareil photo numérique, envoyant des SMS à son béguin sur un Motorola Razr, et désespérément,atrocementessayer de s'intégrer aux autres et de se sentir bien dans sa peau… avec des résultats parfois drôles, parfois ruineux. Votre cœur se brise lorsqu'on le traite de « plutôt mignon… pour un asiatique » ou lorsqu'il découvre qu'il a été expulsé du Top 8 Myspace de son meilleur ami. Votre cœur se brise dix fois lorsqu'il se bat avec sa mère, interprétée par Joan Chen (Oscar la campagne commence MAINTENANT). Cela se brise cent fois quand ils se réconcilient.Didia tout l'humour lâche et maladroit deCHAPITRE 15et le recul empathique dehuitième année,avec la perspective fraîche et profondément personnelle de Wang qui le distingue. De plus, il contient la meilleure bande originale du festival (une nouvelle chanson de Motion City Soundtrack incluse) et le meilleur caméo du festival : SmarterChild !

Tourné sur de nombreuses années, ce documentaire captivant (et souvent exaspérant) de Peter Murimi et Daphne Matziaraki suit plusieurs groupes de personnes qui luttent pour la région du titre au Kenya, où éleveurs nomades, propriétaires agricoles et défenseurs de l'environnement se retrouvent tous en désaccord à cause de la sécheresse et du climat. changement. Les éleveurs pauvres ont constaté que leur bétail meurt de faim et meurt à cause du manque d’herbe et d’eau. Lorsque leurs troupeaux empiètent sur des terres privées, les agriculteurs (pour la plupart blancs et lourdement armés) ripostent, souvent soutenus par la police. Les discours de tous bords enveniment la situation. Les cinéastes ont acquis un degré extraordinaire d’accès à tous ces gens et ils capturent des moments époustouflants – des commentaires inconsidérés aux confrontations irritables, en passant par les cas de violence choquante, le tout dans un paysage étonnamment majestueux. C'est un film tendu, beau et déchirant.

J'ai vu la télé brillervient deJane Schönbrun, qui a réalisé en 2021 le film obsédant et semi-opaqueNous allons tous à l'Exposition universelle, un film sur une adolescente solitaire créant des vidéos dans le cadre d'un défi d'horreur en ligne.J'ai vu la télé briller, qui vient d'être présenté en première à Sundance, sera distribué par A24 et est une production beaucoup plus élégante avec des acteurs familiers, des camées de Phoebe Bridgers etBuffyd'Amber Benson, et une esthétique suburbaine-gothique luxuriante qui cède périodiquement la place à une reconstitution parfaite en basse résolution d'une série télévisée des années 90. Mais les films sont très thématiques, en tant qu'explorations de l'isolement et de la connexion à travers les écrans, et en tant qu'œuvres sur la transité - Schoenbrun a commencé à travailler surJ'ai vu la télé brillerau début de leur propre transition, peu de temps après le début de l’hormonothérapie. Ce qui est passionnant dans le travail de Schoenbrun, c'est qu'il donne l'impression qu'ils travaillent sur des choses au fur et à mesure qu'ils avancent dans leurs films, et c'est une excellente raison de continuer à regarder.

Correction : Une version antérieure de cet article était mal orthographiéeLumière fantômeLe nom de famille de la star Tara Mallen.