Photo : Vautour et photos de Paramount Pictures, Miramax, Columbia Pictures, Warner Bros et Universal Pictures
Cet article a été initialement publié le 31 octobre 2019. Il a été mis à jour pour inclureTueurs de la Lune des Fleurs,qui est désormais disponible pourdiffuser sur Apple TV+.
Lorsque Martin Scorsese a décidé de ne pas devenir prêtre, ses raisons étaient simples. « J'ai commencé à penser que cette vocation que j'avais était pour de mauvaises raisons – elle ne devrait pas concerner vous », explique-t-il au critique Richard Schickel dans l'excellent livreConversations avec Scorsese, "cela devrait concerner les autres." De plus, ayant grandi avec de l'asthme et incapable de faire du sport, il n'était pas sûr de vouloir une vie qui viendrait aggraver son isolement. « [I]l s’agissait de me couper du monde », a-t-il déclaré à propos de devenir un homme en tissu, « sans y participer ».
Dans le meilleur sens du terme, les films de Scorsese ont toujours porté sur lui – des œuvres passionnées et profondément personnelles qui cataloguent ses complexes et ses obsessions, abordant la religion, les tourments spirituels, la culpabilité et le chemin difficile vers la transcendance, souvent à travers des images de gangsters et des drames policiers. . Et bien qu'il reste l'un des réalisateurs les plus cinématographiques de tous, ses films donnent rarement l'impression d'être l'œuvre d'un homme coupé du monde. Bien au contraire, ils sont pleinement engagés dans leurs milieux spécifiques, qu'il s'agisse du Tibet ou du Petit Italie. Ses films semblent vivants et invitants, même lorsque ses personnages sont des truands ou des monstres. Ils sont l'œuvre d'un vrai croyant.
Cette dévotion inspire un public tout aussi ravi et, en tant que tel, il est probablement préférable de vous avertir maintenant que notre classement des films de Scorsese ne chevauchera pas parfaitement votre propre liste. Parce que ses films sont toujours réalisés avec soin et une ferveur quasi religieuse, même les plus faibles ont leurs arguments de vente – il a autant de classiques que de chefs-d’œuvre négligés, et personne ne sera d’accord sur lequel est lequel. Alors, avecTueurs de la Lune des Fleursmaintenant en salles, nous présentons notre récapitulatif des meilleurs et des pires films de l'acteur oscarisé. (Une remarque : nous n'avons pas inclus ses documentaires HBO ouUn parcours personnel avec Martin Scorsese à travers les films américainsouMon voyage en Italie.) Comme vous le verrez, il n'y a pas grand-chose de « pire » ici – plutôt des ratés ambitieux ou des curiosités imparfaites. Dieu merci, Scorsese a rejeté le sacerdoce et a suivi une vocation plus élevée.
Photo de : American International Pictures
Gene Siskel, qui était enclin à des crises de panique morale à propos de la violence dans les films, était dégoûté parWagon couvert Bertha,le qualifiant de « trash ». Le deuxième film de Scorsese est un peu trash, nous supposons, comparé à ce qu'il ferait plus tard, mais étant donné qu'il s'agit d'une production de Roger Corman, le trash n'est que le point de départ… et ce que Scorsese essaie de contourner. C'est un effort noble et met en vedette une formidable performance principale de Barbara Hershey, 23 ans, mais il s'agit essentiellement d'une audition pour Scorsese pour montrer ce qu'il pourrait faire s'il devait un jour faire un film.réelfilm.
La musique des Rolling Stones aa longtemps été la bande originale des films de Scorsese, il n'est donc pas surprenant que lorsqu'il a finalement décidé de faire un film sur le groupe, ce soit un document respectueux, un film pour les fans de longue date d'un fan de longue date. Ce film de concert est léger : il n'a pas l'avantage de capturer un moment de l'histoire de la musique commeLa dernière valse— mais, surtout dans sa présentation originale Imax,Faire briller une lumièreest une preuve assez convaincante que les Stones restent des spécimens physiques époustouflants, capables d'incarner un esprit de rock star à la fois magistral et pavanant. C'est un film réalisé par un vieux pro sur d'autres vieux pros – d'autres survivants de l'âme, pourrait-on dire.
Après la révélation qui a étéChauffeur de taxi, les critiques et le public ont d'abord été déconcertés par le fait que la suite de Scorsese serait… un hommage musical à l'ancienne aux beaux jours d'Hollywood ?New York, New YorkCe fut un échec retentissant que Scorsese attribue depuis longtemps à son effondrement dans la dépendance à la cocaïne. Mais vu des années plus tard, eh bien, Marty aurait dû prendre les choses plus facilement avec lui-même. Le film est inégal et étrange et ne forme jamais vraiment un tout cohérent, mais il est toujours plein de moments captivants, et il semble beaucoup plus en phase avec la carrière de Scorsese aujourd'hui qu'à la suite deChauffeur de taxi. New York, New Yorkest évidemment un Scorsese de niveau inférieur, mais si un cinéaste débutant avait réalisé cela, ils l'auraient tous qualifié de génie en herbe.
Photo de : Buena Vista Distribution
Cela a fini par rapporter à Paul Newman son Oscar tant attendu, et le film a souvent l'impression qu'il existe en grande partie pour cette raison.La couleur de l'argentse sent plus astucieux, plus consciemment « mainstream » que ce à quoi nous sommes habitués chez Scorsese, pour une bonne raison : le projet était celui de Newman, pas celui de Scorsese, et c'est aussi proche qu'il ait jamais pu être un mercenaire. S'il avait choisi cette direction pour sa carrière – et Dieu merci, il ne l'a pas fait – il aurait été brillant dans ce domaine : le film est un divertissement génial, Scorsese donnant vie à une histoire familière et à un récit généralement conventionnel. Le film donne l'impression que Scorsese se fait passer pour un cinéaste moins talentueux mais toujours talentueux, ce qui le rend désorientant à regarder, voire nécessairement désagréable. Cela reste le seul film de Scorsese à avoir reçu « Two Thumbs Down » surSiskel et Ebert.
Un exercice de réalisation de trois courts métrages sur des personnages de New York réalisés par les trois réalisateurs américains les plus accomplis de l’époque (Scorsese, Francis Ford Coppola et Woody Allen) finit aujourd’hui comme une compétition entre les trois… et Scorsese l’emporte haut la main. Son histoire d'un peintre passionné et autodestructeur (Nick Nolte) dont le travail est alimenté par une discorde romantique avec une série d'amants plus jeunes et tumultueux semble un peu problématique aujourd'hui. (Vous voulez dire à ces femmes qui travaillent comme son assistante de s'éloigner de cet imbécile et ensuite de le poursuivre en justice.) Mais l'aisance de Scorsese avec ce matériel va de soi. Le film d'Allen est habituel ; Celui de Coppola est ennuyeux et précieux. Celui de Scorsese est le seul qui brûle de vie.
Nicolas Cage, même à son apogée, n'a jamais été un acteur du type Scorsese : lorsqu'il monte le ton, il a tendance à trop souligner, voire à saper, ce qu'un réalisateur du niveau de contrôle de Scorsese essaie d'atteindre. Cage peut être hanté et il peut être maniaque, mais bien équilibrer les deux est quelque chose dans lequel il serait meilleur dansMandy20 ans plus tard qu'il est ici. Ce film, scénarisé par Paul Schrader dans une autre descente aux enfers d'un homme solitaire devenant fou dans un monde fou, ne s'installe jamais tout à fait sur un ton cohérent. Le film n'est pasmauvais, exactement, et Cage non plus, mais cela ne se déroule jamais comme vous pouvez le sentir comme le souhaite Scorsese.
de ScorseseautreLe film Netflix 2019 est un pseudo-documentaire sur la célèbre tournée de concerts de Bob Dylan en 1975, dans laquelle Dylan lui-même a lutté dans un film de fiction pour la plupart inregardable intituléRenaldo et Clara.Scorsese utilise les images de la tournée, qui sont toujours à couper le souffle 40 ans plus tard, et les associe à une série d'entretiens avec Dylan et d'autres membres de la tournée… ainsi que, s'avère-t-il, divers acteurs (dont Sharon Stone) jouant un rôle entièrement fictif. personnages soi-disant liés à la tournée. Scorsese passe un bon moment à jouer avec l'esthétique de Dylan, même si Scorsese n'est pas, au fond, un farceur. Mais il retrouve l'âme de la tournée et, curieusement, même Dylan, avec une fin qui surgira de nulle part pour vous surprendre par sa chaleur et même son triomphe.
Parmi les films de Scorsese sur la foi,Paquetest le moins convaincant – même s’il pourrait être le plus immersif et visuellement captivant. En collaboration avec le directeur de la photographie Roger Deakins et le compositeur Philip Glass, Scorsese présente la vie du 14e Dalaï Lama (quatre acteurs différents jouent le rôle à différents âges) alors qu'il voyage pour accomplir sa destinée spirituelle – au moment même où l'indépendance du Tibet est menacée par la Chine. . "[Nous] avons fini par couper l'image uniquement sur un plan émotionnel, presque comme un documentaire, de sorte que nous avons mélangé des scènes qui avaient été tournées pour d'autres sections de l'image et également dans des endroits différents", a déclaré Scorsese.dit à l'époque. "Et ce qui a le plus fonctionné pour nous, ce sont les états oniriques plutôt que les scènes narratives." Par conséquent,Paquetest un film qui ravit l'oreille et les yeux – il est extrêmement beau à voir – mais ne fait pas entièrement craquer l'homme ni la complexité de ses croyances. C'est une représentation du mystère de la foi qui finit par être un peu trop opaque pour être pleinement connectée.
Martin Scorsese était sur le point d'avoir 25 ans lorsque son premier film a été présenté en première mondiale au Festival du film de Chicago.Qui frappe à ma porte ?est vraiment le film d'un jeune réalisateur qui travaille sur ses influences, essayant de trouver sa propre voix. Et pourtant, c'est du pur Scorsese : Harvey Keitel incarne JR, un gars qui vit pour traîner avec ses copains quand il n'essaye pas de se mettre en couple. Puis arrive une belle fille sans nom (Zina Bethune) qu'il veut épouser – jusqu'à ce qu'elle lui révèle un terrible secret. Le complexe Madone/pute qui apparaîtra dans les films ultérieurs de Scorsese tels queTaureau enragéa été diffusé pour la première fois ici, tout comme les obsessions du réalisateur pour la culpabilité et la luxure. C'est un film brut et vital que des auteurs underground new-yorkais comme John Cassavetes ont profondément creusé. Ils n'avaient encore rien vu.
Cette adaptation du livre pour enfants de Brian Selznick est arrivé au zénith de l'engouement pour la 3D, deux ans seulement aprèsAvatar, mais Scorsese a veillé à apposer sa propre petite empreinte sur le format.Hugoest vertigineux et ludique d'une manière à laquelle Scorsese aime se livrer de temps en temps, et son cœur est profondément investi dans Georges Méliès de Ben Kingsley, l'un des personnages que vous sentez être parmi les plus autobiographiques de Scorsese. Le film est indulgent, mais jamais coupable, et même s'il a remporté cinq Oscars, Hollywood ne le laissera sûrement jamais faire un autre film en 3D - c'estl'un des plus gros échecs financiers de sa carrière.
Un film qui est désormais souvent éclipsé par l'enfer qui a présidé à sa réalisation — Scorsese a qualifié le tournage de « cauchemardesque » dansConversations avec Scorsese—Gangs de New Yorkest une bonne épopée historique qui n'est pas assez grande pour transcender le drame qui entoure sa production et sa campagne aux Oscars. (Le tournage a été long et coûteux, et Harvey Weinstein a essentiellement essayé de culpabiliser l'Académie en donnant à Scorsese son premier Oscar.) Il ne vous reste que la première collaboration difficile de Leonardo DiCaprio avec Scorsese (tout ce qu'il a fait avec le réalisateur depuis a été meilleur ), dans lequel il incarne un enfant irlandais coriace qui jure de se venger de son père assassiné, et Daniel Day-Lewis dans le rôle du monstrueux Bill le boucher. Une sorte d'histoire d'origine du style de vie de gangster que Scorsese a relaté dans de nombreux films,Gangs de New Yorkest un gâchis fascinant, souvent convaincant, qui déborde d'ambition et est miné par une myriade de petites lacunes. (Comme DiCaprio, Cameron Diaz se sent mal à l'aise face à son intérêt amoureux, coriace.) Pourtant, c'est un exploit de conception et de vision de la production, même si la portée de Scorsese dépasse sa portée.
Scorsese avait essentiellement tenté de faireSilencependant toute sa carrière, et en le regardant, vous pouvez comprendre pourquoi il a eu tant de difficulté à convaincre quiconque de lui donner l'argent pour y parvenir. Ce film est un long et exténuant voyage de foi et de douleur sur deux prêtres (Andrew Garfield et Adam Driver) dans leur propre voyage de foi et de douleur.SilenceIl s'agit d'une illumination née des conflits et de la torture, et cela peut parfois se ressentir, ce qui est l'intention de Scorsese. Mais là où il atterrit, et où nous aboutissons tous dans l'histoire, avec l'émergence du mentor du prêtre (Liam Neeson), cela vaut finalement le chemin qu'ils (et nous) avons dû parcourir pour le trouver - même si les leçons qu'il a en fin de compte, l'enseignement se sent décidément moins que purifiant.
Photo de : Universal Pictures
Le blasphème entendu dans le monde entier, cette adaptation du roman de Nikos Kazantzakis a osé dépeindre Jésus comme un individu profondément humain, rempli d'une gentillesse et d'une humilité surnaturelles mais également tenté d'abandonner sa sainte mission et de s'enfuir avec Marie-Madeleine (Barbara Hershey).La dernière tentation du Christest, à ce jour, la seule collaboration de Scorsese avec Willem Dafoe, qui apparaît comme un acteur idéal pour l'esthétique passionnée et torturée du réalisateur. Néanmoins, Dafoe a fait en sorte que cela compte, jouant Jésus comme un mortel qui aspire à être à la hauteur de l'image de Dieu - "Il voulait le ramener dans le corps d'un homme et je me sentais prêt à le faire", Dafoedit plus tardde la vision de Scorsese sur le Christ - et bien que le film ait ses faiblesses et ses segments sans inspiration, ce qui ressort est la véritable recherche spirituelle du réalisateur, sa profonde admiration pour l'importance de la quête de Jésus. De plus, il y a l'une des finales les plus émouvantes de Scorsese, un véritable bilan.
Le remake de Scorsese — à l'origine Steven Spielberg allait le faire ; il voulait faire de Bill Murray le rôle de Max Cady ! – transforme un thriller juridique traditionnel en quelque chose d’effrayant, de tordu et parfois de révoltant. C'est Scorsese en mode Hitchcock, mais c'est un cinéaste trop singulier pour rendre une sorte d'hommage à la Brian De Palma ; il trouve la douleur et la maladie non seulement chez Cady de De Niro, mais aussi chez l'avocat Sam Bowden (Nick Nolte) et sa famille. De Niro a la performance la plus spectaculaire, et vous pouvez le sentir, lui et Scorsese, s'amuser en créant un grand thriller hollywoodien aussi dérangeant. Ce n’est pas le plus bel art de la carrière de Scorsese, mais nombre de ses images resteront éternellement aux côtés de certains de ses plus grands films. Et cela a conduit àl'un des plus grandsLes Simpsonépisodes jamais.
Dans le livre juteux de Peter Biskind sur Hollywood des années 1970Cavaliers faciles, taureaux enragés, l'ancienne petite amie de Scorsese, l'écrivain Sandra Weintraub, a déclaré : « C'était dommage que Marty ne soit pas gay. La meilleure relation qu’il ait jamais eue était probablement avec Robbie. Elle veut dire Robbie Robertson, le leader du groupe, et l'histoire d'amour platonique des deux hommes n'a jamais été aussi évidente que dansLa dernière valse, qui commémorait le dernier concert éclatant du groupe à Thanksgiving 1976. Le groupe a invité ses pairs et ses influences à jouer à leurs côtés - Neil Young, Van Morrison, Muddy Waters, Eric Clapton, Ronnie Hawkins, Bob Dylan, Joni Mitchell, Neil Diamond - et les caméras de Scorsese. a capturé non seulement les performances, mais aussi le sentiment d’une époque du rock-and-roll en voie de disparition. Si cela semble terriblement sentimental, eh bien, c'est la beauté et les limites deLa dernière valse, qui double la sève en faisant en sorte que Robertson et ses camarades du groupe deviennent lyriques dans des interviews séparées sur le bilan spirituel des tournées et le pouvoir de la musique. Si vous adhérez au malarkey, le film est tout simplement merveilleux – et même si vous ne le faites pas, les interprétations des classiques du groupe sont presque uniformément spectaculaires, tout comme celles de leurs copains. Même Neil Diamond tue.
Alice est-elle le personnage féminin le plus pleinement réalisé dans tous les films de Scorsese ? Que ce soit une possibilité distincte est à la fois une mise en accusation de la carrière de Scorsese et une reconnaissance de la perfection du personnage qu'Ellen Burstyn et Scorsese ont créé dans son premier film hollywoodien.Alice ne vit plus icise sent à la fois agité et vécu. C'est remarquablement assuré, confiant et sensible de la part d'un cinéaste qui avait réalisé l'année précédente un film sur la culpabilité, la misogynie et la rage catholiques. Jusque-là, Scorsese ressemblait à une future star. Il semblait maintenant qu'il était capable de tout.
Dans un sens,Après les heures d'ouvertureest un film sur la façon dont Martin Scorsese n'a pas pu réaliser son projet de rêve,La dernière tentation du Christ, hors du sol. Frustré, il a décidé de se défouler en travaillant sur une comédie noire et sale sur un travailleur dur (Griffin Dunne) qui se laisse entraîner dans une nuit surréaliste de belles femmes, d'hommes dangereux et de farce étrange. "Je pensais que c'était toute une métaphore de la façon dont nous vivons et de ce que j'ai vécu à Los Angeles en essayant d'obtenirLa dernière tentationfait », Scorsesedit une fois. «Je me suis juste amusé avec ça, parce que ça signifiait tellement pour moi. Je me suis demandé : « Puis-je faire une photo avec la même énergie que celle que j'avais quand j'avais 32 ans ? Et je l’ai fait. Il avait 42 ans quandAprès les heures d'ouvertureest sorti, et après des années de projets avortés et de déceptions commerciales (Le roi de la comédie), ce film semblait vivant et dangereux – le travail d'un réalisateur qui, tout simplement, voulait juste faire un film. Sa pureté punk-rock vertigineuse reste enivrante.
Un drame costumé d'Edith Wharton semblerait à l'opposé des penchants de Scorsese, mais comme d'habitude, si vous pensiez que Scorsese ne parlait que de gangsters et de violence, cela en disait plus sur vous que sur lui. Scorsese s'est rendu compte que la passion déguisée et réprimée – comme dans le cas de Newland Archer écrasé et dévasté (Daniel Day-Lewis, dans l'une de ses performances les plus sous-estimées) – peut être aussi violente émotionnellement que le sang jaillissant de l'œil de Jake LaMotta. Et la célèbre attention aux détails de Scorsese n'a jamais été aussi luxuriante et luxueuse : tout est si beau et exquis que cela ne fait qu'accentuer à quel point les personnages sont bruts et douloureux en dessous de tout cela.
L'exposition généralisée à ce film sur le câble suggère que le portrait bilieux de Jordan Belfort par Scorsese pourrait bientôt rejoindreLes bons garscomme l'un des efforts les plus intensément revoyables du réalisateur. Et comme avecLes bons gars, cette valeur de divertissement persistante ne signifie pas que Scorsese admire les habitants dont il fait la chronique.Le loup de Wall Streetest une plongée profonde de trois heures dans l'avidité et l'arrogance, supprimant les garde-fous moraux qui isolent habituellement les téléspectateurs afin que nous puissions pleinement apprécier (et être horrifiés par) l'excès écoeurant et atroce affiché. DiCaprio est glorieux dans le rôle de Belfort, un connard absolu avant d'être riche et encore plus après. Pendant ce temps, Scorsese utilise ses vieilles astuces – bande-son rock, caméras tourbillonnantes, voix off multiples – pour découvrir un écosystème de Wall Street qui est immunisé contre les lois et l’éthique auxquelles le reste d’entre nous devons obéir. (Kyle Chandler est la seule lueur de décence dans le film. Regardez à quel point il est mal traité.) Parfois, l'examen de l'excès dans le film peut être tout simplement excessif, maisLe loup de Wall Streetest hypnotisant – et une condamnation accablante de nous, pauvres rubis. Nous sommes tous ces connards de la fin du film qui essayent de vendre un stylo à Belfort.
Un autre projet qui a été débattu de réalisateur en réalisateur – dont Michael Mann, Milos Forman et Christopher Nolan – s'est retrouvé entre les mains de Scorsese, et il a bien sûr donné l'impression que c'était le sien depuis le début. Cette histoire de Howard Hughes dans sa jeunesse de bon vivant, quand il pouvait cacher son TOC et devenir l'un des hommes les plus riches et les plus célèbres du monde, a une profonde compassion pour son personnage principal, etL'aviateurs'envole véritablement lors de ses scènes d'aviation, qui à la fois rendent hommage aux premiers films de Hughes et créent quelque chose de complètement nouveau à leur sujet. La scène où Hughes s'écrase à travers Beverly Hills reste à couper le souffle, mais les séquences d'action de grandeur et de bravoure de Scorsese n'enlèvent jamais l'attention portée à l'homme fier et condamné en son centre. C'est le réalisateur qui réalise un biopic à gros budget, rempli de stars et de grande tente, qui se sent néanmoins unique, un Hughes à la fois plus grand que nature et pourtant douloureusement à taille humaine. C'est Scorsese qui réalise une fois de plus un film qu'aucun autre cinéaste ne pourrait réaliser, et qui le rend incroyablement facile.
Nous n’avons jamais entièrement accepté l’argument selon lequel Scorsese glorifiait le style de vie des gangsters. Bien sûr, il comprenait que ces hommes étaient charismatiques et convaincants, mais ils connaissaient souvent des destins morbides ; ils s'éloignaient rarement vers le coucher du soleil. Cette profonde ambivalence à l’égard du monde criminel a toujours fait résonner ses films, dégageant un frisson indirect tout en fredonnant d’incertitude morale. De peur qu'il n'y ait le moindre doute,L'Irlandaisle dit clairement : le crime ne paie pas. Pendant trois heures et demie, lui et le scénariste Steven Zaillian tournent le livre de Charles BrandtJe t'ai entendu peindre des maisonsen un mot presque définitif sur le crime organisé, et il dresse un portrait désespéré.
Robert De Niro est Frank Sheeran, un petit chauffeur qui gravira les échelons pour finalement devenir un ami proche de Jimmy Hoffa (Al Pacino). Presque tout le monde dansL'Irlandaisest un homme mort qui attend juste de mourir - nous sommes présentés à des personnages secondaires avec un interstitiel nous disant quand et comment ils achètent la ferme - et le caractère poignant du film se mêle à une certitude lucide que ces individus ne méritent pas notre sympathie. Les films de Scorsese sont rarement élégiaques, mais Sheeran sert non seulement de point d’entrée dans la foule, mais aussi de moyen de comprendre qu’il n’y a pas de héros – ou d’anti-héros – dans ce repaire de voleurs. Le plan final laisse la porte ouverte à de multiples interprétations, mais ce qui est évident, c'est que ce réalisateur et certains de ses précieux collaborateurs – dont Harvey Keitel et Joe Pesci – ont rassemblé leurs forces pour un adieu à couper le souffle.
Pauvre Teddy. Marqué par la Seconde Guerre mondiale, pleurant sa femme décédée et tourmenté par des migraines, il est un US Marshal qui tente de comprendre comment un malade mental a pu disparaître dans un hôpital hautement gardé sur une île isolée de la Nouvelle-Angleterre. Mais rien ne sera facile pour Teddy et son nouveau partenaire, Chuck, surtout lorsque l'emprise de Teddy sur la réalité commence à faiblir. C'est la triste histoire deÎle aux obturateurs, un film, nous le soumettons humblement, qui est encore plus dévastateur émotionnellementaprèsvous savez quel est le grand rebondissement de l'histoire. Les visionnages répétés intensifient cette histoire de chagrin et d'illusion volontaire, et DiCaprio est un KO incarnant un homme enquêtant sur les autres afin d'éviter d'enquêter sur lui-même. S'inspirant de compositeurs d'avant-garde comme John Adams et Max Richter, Scorsese réalise un film d'horreur psychologique qui est aussi une tragédie perçante, tout en dressant un portrait de l'anxiété d'après-guerre à la hauteur deLe Maître.Île aux obturateursest sciemment démodé et pourtant résolument moderne, un instantané du SSPT et d'un traumatisme extrême déguisé en un film B juteux. "Qu'est-ce qui serait pire", demande Teddy à son partenaire, "vivre comme un monstre ou mourir comme un homme bon ?" Malheureusement, Teddy va le découvrir.
À l'époque, il semblait insensé, voire un peu offensant, que de tous les films Scorsese remporterait enfin son Oscar pour, ce serait celui-ci, un thriller policier macabre, aux manches retroussées, qui présentait toute l'excitation d'un Scorsese. image de gangster sans trop de peur et de culpabilité. Pourtant les années ont été favorables àLes défunts, un film qui fait fondamentalement au plus haut niveau ce que des milliers de thrillers tentent de faire depuis des décennies ; Scorsese réussit sans vraiment transpirer. Bien sûr, Jack Nicholson monte un peu le ton, et oui, tout le monde n'est pas d'accord.à propos du dernier plan controversé, maisLes défuntsest le film que tout dur à cuire en herbe de Tarantino tuerait sa mère pour faire. Sur le point d'avoir 64 ans, Scorsese a réalisé la meilleure version possible dans son sommeil.
Photo : Melinda Sue Gordon/Avec l’aimable autorisation d’Apple
À l’origine, Scorsese et son co-scénariste Eric Roth s’étaient beaucoup plus concentrés sur l’adaptation de l’aspect « naissance du FBI » du best-seller de David Grann de 2017.Killers of the Flower Moon : les meurtres d'Osage et la naissance du FBI. (Il allait même demander à Leonardo DiCaprio de jouer l'agent du FBI enquêtant sur les meurtres – ce qui est finalement devenu le rôle de Jesse Plemons.) Mais il s'est rendu compte, pendant COVID, qu'il regardait l'histoire de travers. "La véritable histoire, selon nous, ne venait pas nécessairement de l'extérieur, avec le bureau, mais plutôt de l'intérieur, de l'Oklahoma", a déclaré Scorsese. C’était, à juste titre, la bonne décision. Ce qui aurait pu être une procédure experte, mais familière, devient quelque chose de beaucoup plus personnel, une histoire épique sur l'ambition, la corruption et la cruauté américaines qui a aussi peut-être l'histoire d'amour la plus fascinante et dévastatrice en son centre. Tous les thèmes majeurs de la carrière de Scorsese sont ici, mais il y a ici une perspective, un retrait tranquille, presque humble, qui le distingue tout en le gardant vibrant, urgent et, en fin de compte, carrément furieux. Bien sûr, le film est extrêmement long, mais ce n'est pas le cas lorsque vous le regardez : vous êtes tellement enveloppé dans ce monde que vous commencez à vous sentir partie intégrante, voire impliqué.Celle de Lily GladstoneMollie devient instantanément l'un des personnages les plus compliqués et les plus complexes de Scorsese, mais vous ressentez le désespoir de Scorsese dans "King" Hale de Robert De Niro, un homme qui croit pouvoir tout faire et qui le fait donc - se révélant comme un aspect essentiel du personnage américain. . Réalisé lorsque Scorsese avait 80 ans, le film est électrique, hypnotique et divertissant sans relâche, mais il est aussi profondément triste et sincère d'une manière qui ne pouvait arriver à Scorsese que si tard dans sa vie. Au moment où un camée inattendu – et presque extrêmement puissant – vous surprend à la fin, vous serez bouleversé. C'est du pur Scorsese… mais aussi bien plus encore.
Il arrive parfois qu’un film soit injustement pénalisé parce qu’il rappelle aux spectateurs un film antérieur et meilleur du même réalisateur. PrendreCasino, qui a été sonné parce qu'il est arrivé si tôt dans la foulée deLes bons gars: Quoi,un autregrand portrait du crime organisé avec Robert De Niro et Joe Pesci ? Le film est tellement bon qu'il a résisté à ces critiques. Scorsese explore les rouages et les rouages de Las Vegas à travers les yeux d'un gangster boutonné (De Niro), dont l'approche studieuse ne peut empêcher le désastre de chez lui. Il y a évidemment des similitudes avecLes bons gars— Pesci, en tant qu'ami de De Niro, semble essayer de surpasser sa performance oscarisée dans le film précédent — maisCasinoLe balayage épique de est encore plus ambitieux. EtLes bons garsn'avait pas de personnage comme Ginger McKenna, une arnaqueuse qui se révèle tout aussi complice que les hommes qui l'entourent. Sharon Stone n'a jamais été meilleure qu'elle ne l'est ici, rejointe par James Woods comme un voyou extrêmement sordide.Les bons garsest supérieur, mais ce drame lyrique n'est pas loin.
QuandRues méchantesAprès sa sortie, Roger Ebert a affirmé que Scorsese pourrait devenir le Fellini américain d'ici une décennie. Légendairement, lorsque Scorsese rencontra Ebert peu après, ila demandé le critique, "Pensez-vous vraiment que cela va prendre dix ans?" Il s’est avéré que ce n’était pas la trajectoire de Scorsese – il est trop original pour être un Américain – mais en regardant ce film de 1973, vous pouvez comprendre ce que voulait dire Ebert.Rues méchantesest la version de Scorsese deLes veaux, le premier drame semi-autobiographique de Fellini sur un groupe de jeunes hommes qui réfléchissent à leur vie. Ici, ce sont deux petits escrocs, le tourmenté Charlie (Harvey Keitel) et le lâche Johnny Boy (Robert De Niro), qui vivent en marge de la mafia new-yorkaise. Keitel et De Niro sont incroyablement jeunes, et pourtant ils sont tous deux pleinement formés, transmettant (respectivement) l'angoisse et la fureur volcanique qui seraient leurs marques de fabrique. Le Scorsese deRues méchantesse penche sur les thèmes qui ont défini sa carrière – la violence, le catholicisme, la culpabilité – avec une urgence piquante qui sera affinée et examinée plus en profondeur dans des projets ultérieurs.Rues méchantesC'était une révélation à l'époque ; rétrospectivement, cela ressemble simplement au riche premier chapitre du grand livre qu’est sa carrière.
Pendant des années, cette petite comédie noire épineuse et fièrement peu sympathique a été le film incontournable de Scorsese à considérer comme le plus sous-estimé. (Il n'a pas fait de grandes affaires et n'a pas été particulièrement apprécié par les critiques au moment de sa sortie.) Malheureusement pour notre société, cependant,Le roi de la comédiecontinue d'être d'une actualité déprimante, un voyage dans l'esprit d'un aspirant stand-up instable qui sait juste que le légendaire animateur de talk-show Jerry Langford (Jerry Lewis) l'aimerait s'il apprenait à le connaître. Film inspiré d'une époque au cours de laquelle un Beatle a été assassiné à New York, le film de Scorsese continue de parler de notre époque, qui regorge de célébrités et de ceux qui cherchent désespérément à les devenir et à les consommer, voire à les détruire. De Niro joue Rupert Pupkin comme un embarras ambulant, tandis que Scorsese passe de la réalité à l'illusion avec une facilité alarmante. Le showbiz n'a jamais vraiment été aussi pathétique – le film est drôle, mais il est rarement drôle, haha.
Il est facile de voir ce film comme le sommet d'un certain type de cinéma masculin torturé : l'acteur principal a pris énormément de poids pour le rôle, le réalisateur traversait une crise spirituelle et le sujet était, oui, un taureau enragé. dont les prouesses athlétiques ne parvenaient pas à effacer ses nombreux défauts personnels. Depuis des décennies, les cinéastes recherchent la brutalité brute que Scorsese a apportée àTaureau enragéLes scènes de boxe de , elles restent des œuvres d'art poétiques et horrifiques. Quant à De Niro, il s'est transformé en une bête en cage, un sauvage cognant la poitrine qui ne trouve une sorte de paix que lorsqu'il frappe la cervelle de quelqu'un ou que quelqu'un le lui fait. Toute étude de personnage « sombre » qui a suiviTaureau enragé, tout biopic sportif qui donne à réfléchir, doit faire face à la longue ombre de ce film. C'est un film très difficile à aimer, mais il est impossible de ne pas être frappé par son intensité et sa conviction obstinée que n'importe qui, même Jake LaMotta, mérite la rédemption.
Chauffeur de taxi, comme son protagoniste, a toujours semblé trop réel. Sa vision cauchemardesque de New York comme un enfer qui n'a besoin que d'une pluie pour laver toute l'écume des trottoirs est si pleinement réalisée que la ville a été décrite alternativement comme l'endroit le plus horrible et le plus merveilleux de la planète depuis, comme pour orienter ou surcompenser la représentation de Scorsese. DeNiro, qui passe du temps à conduire un taxi seul la nuit pour se préparer au rôle, joue un Travis Bickle qui est dérangé et angoissé d'une manière si évidente qu'il est presque trop douloureux de le regarder : il est dangereux dans un d'une manière que même lui ne peut pas vraiment comprendre. Dans Bickle, lui et Scorsese nous ont donné le genre de jeune homme solitaire, aigri, en colère, sadique et perdu que nous voyons autour de nous tous les jours, qui existe dans toutes les cultures – des personnages pas encore complètement formés, des bombes prêtes à exploser. Et avec son dénouement, qui sape et recontextualise tout ce qui l'a précédé, le film offre un tout nouveau paysage infernal qui semble de plus en plus familier chaque jour qui passe.Chauffeur de taxiC'est presque plus de pouvoir cinématographique qu'un seul homme ne devrait en avoir.
Comme beaucoup de classiques certifiés,Les bons garsa été tellement absorbé par la culture qu'il risque désormais d'être simplifié dans notre conscience collective comme une simple collection de citations mémorables, de fioritures élégantes et de visuels saisissants : le montage de la mort « Layla » ; "Je suis drôlecomment?!?"; le travelling de Copacabana ; la séquence « Jump Into the Fire » de la journée terrible, horrible, pas bonne, très mauvaise d'Henry Hill. MontreLes bons garsencore une fois, cependant, et vous serez étonné de voir à quel point tout cela est absorbant et nuancé – comment sa représentation d'un aspirant gangster (Ray Liotta) est un modèle pour le rêve américain qui a été déformé et corrompu. S'écoulerLe parrainet en fournissant l'ADN (et de nombreux membres de la distribution) pourLes Sopranos,Les bons garsn'oublie jamais ça, au fond, les escrocsamourla vie qu'ils mènent, et donc le film est aussi diaboliquement divertissant et drôle – jusqu'à ce qu'il ne le soit plus. Scorsese n'a jamais caché le fait qu'il a grandi avec des gars comme Hill et qu'il les a toujours admirés, même s'il savait qu'il ne devrait probablement pas le faire. Il travaille brillamment sur ces sentiments contradictoires dansLes bons gars. Toutes ces années plus tard, nous restons tous aussi déchirés par ces réprouvés extrêmement charismatiques.
Grierson et Leitch écrivent régulièrement sur les films et animentun podcast sur le cinéma. Tim Grierson est l'auteur deMartin Scorsese en dix scènes.Suivez-les surGazouillementou visitezleur site.
