Chaque chanson de Lady Gaga, classée

Au fil des années, la métamorphose de Gaga a dressé le portrait collectif d’une femme complexe, agitée et intrépide.Photo : Jeff Spicer/Getty Images

*Cet article a été initialement publié en novembre 2018. Il a été mis à jour pour inclure les versions ultérieures, notammentLG7une seule « Maladie ».

Même si Lady Gaga est un nom connu depuis plus de 15 ans, la première moitié de sa carrière semble toujours aussi audacieuse, vitale et pertinente. Depuis ses débuts en 2008,La renommée, à 2014, lorsque leARTPOP-La bulle de battage médiatique a éclaté, Gaga a traversé plusieurs carrières pleines de hauts, de bas et de controverses. Chaque sortie est devenue un événement ; chacun de ses mouvements a été disséqué par les médias sociaux. La phase impériale de Gaga a été un tel tourbillon que, avec le recul, on a l'impression que nous n'avons pas encore pris le temps collectif de réfléchir à toute la profondeur de son talent artistique. Retour sur ses quatre premiers albums...La renommée,Le monstre de la renommée,Né de cette façon, etARTPOP– sa simple ambition était vertigineuse. Aucune pop star des années 2010 n’était plus déterminée à atteindre la transcendance à travers son art. Elle a presque seulea élevé la barrepour la musique pop, les vidéos, la mode et les performances live.

Mais la descente, si on peut l’appeler ainsi, était fascinante à sa manière. DepuisJoue contre joue, album en duo avec Tony Bennett de 2014, nous avons assisté à un effritement progressif de l'image autrefois messianique de Gaga. Elle n'était plus une superwoman, et celle de 2016Jeanne, avec son premier rôle principal, dans le film de 2018Une étoile est née, lui a permis d'être plus vulnérable, de trouver un équilibre dans son art.

Lady Gaga a influencé plusieurs générations de pop stars résolument étranges, contre-culturelles, souvent LGBTQ+ - tout le monde, de Lorde à Sia, Nicki Minaj, Charli XCX, SOPHIE, Janelle Monáe, Billie Eilish, Lil Nas X, Doja Cat, SZA, Kim Petras,etChappell Roan a une dette envers Gaga. Ironiquement, le son des succès dance-pop emblématiques de Gaga est devenu complètement démodé avec le ralentissement maussade, teinté de trap et centré sur les playlists depop de la fin des années 2010. Puis, apparemment par pure force de volonté, les années 2020Chromatiquea canalisé quatre décennies d'histoire de la house-music pour récupérer le trône dance-pop de Gaga pour la première fois depuis 2013.

Depuis, elle reste occupée, sortant la future-maisonL'aube de Chromaticaalbum de remix, menant la charge surL'amour à vendre(le dernier disque de Bennett et une série de performances live après son diagnostic de maladie d'Alzheimer), et il organise des résidences pop et jazz-piano à Las Vegas.

C'est vrai que parfois le provocateur éblouissant et captivant qui nous a offert la robe de viande des VMA etvomir artcela ressemble à un lointain souvenir. Mais au cours de cette décennie, qu'elle porte ou non l'ère de la quarantaineVMA 2020pratiquement seule ou tenant tête à Joaquin Phoenix dansJoker: Folie à Deux, il y a de moins en moins de séparation entre les nombreux visages de Gaga.

Après la mort de Bennett en 2023,Arlequin(l'une des deux bandes sonores duJokersuite) la trouve abordant pour la première fois les standards de la pop traditionnelle sans son amie et mentor à ses côtés. Baptisé LG6.5, l'album sert de nettoyant pour le palais à LG7, le retour très attendu à la pop de l'année prochaine, dont le premier single devrait sortir ce mois-ci.

Au fil des années, la métamorphose de Gaga a dressé le portrait collectif d’une femme complexe, agitée et intrépide. Sous toutes ses formes, elle a tout donné. Aucun artiste n'est complètement original, mais le temps a prouvé que Lady Gaga était sui generis. Il ne fait aucun doute qu’elle est une intemporelle. Que va-t-elle faire ensuite ? Votre supposition est aussi bonne que la sienne.

Cette liste concerne moinsjugerle travail de Lady Gaga plutôt que de trouver les grandes lignes de son formidable catalogue. Il comprend tous les morceaux de studio commercialisés et ses crédits les plus importants. Cela nous donne 154 chansons, dont un quart de jazz ou de pop traditionnelle, avec un top 100 qui pourrait rivaliser avec le catalogue de n'importe quelle pop star. Aucune liste ne peut représenter l'opinion de tous les fans, mais j'ai fait de mon mieux pour classer ses chansons (ainsi que ses vidéos les plus percutantes) en fonction de leur profondeur émotionnelle et de leur signification à la fois dans le canon de l'artiste et dans la culture populaire. (Les pistes qui apparaissent sur les deuxArlequinet leJoker: Folie à Deuxla bande originale est classée en fonction du premier album autonome de Gaga.) Pas d'accord ? Àciter la Dame elle-même, "Je reste là à attendre que vous frappiez le gong / Que vous écrasiez le critique en disant : 'Est-ce bien ou est-ce mal ?'"

Les grands chants de Noël équilibrent joie et mélancolie. « L'arbre de Noël », en revanche, est si ironique qu'il s'effondre immédiatement sous son propre poids. Moins une chanson qu’un gag, chaque élément individuel est désagréable : paroles à sens unique ; des voix et des synthés qui ne sont même pas dans la même tonalité ; et moins on en dit sur le couplet invité de Space Cowboy, mieux c'est.

Entendu pour la première fois sur la page Myspace de Lady Gaga en 2006, puis coupé deLa renomméeet plus tard publié sous forme de single numérique, « Vanity » est un jeu glam-pop inoubliable qui fait à peine allusion à son véritable potentiel. Comme Gaga l'a ditNew YorkRevueen 2009, alors qu’elle en était encore aux premiers stades de son voyage, « Nous marchons, parlons, vivons et respirons qui nous sommes avec une odeur si incroyable que finalement, cette odeur devient réalité. Notre vanité est une chose positive. Cela a fait de moi la femme que je suis aujourd'hui.

C'est ce qui se rapproche le plus de Gaga en matière de R&B commercial sans fioritures, mais c'est loin d'être convaincant. Avec des paroles clichées trempées dans un mauvais réglage automatique : « Voudriez-vous que je sois numéro un sur votre playlist ? / Vous avez vos écouteurs Dre avec le côté gauche » – « Starstruck » semblait daté presque immédiatement après sa sortie. Étonnamment, le vers invité de Flo Rida est sur-livre.

Inclus dans les éditions internationales deLa renommée, cette jambe de force inspirée de Prince ressemble à un croquis qui ne dépasse jamais son titre.

Avec ses cordes lancinantes mais mélodiques, c'est le troisième et dernier desChromatiqueles intermèdes classiques de . Mais à 28 secondes, ce n'est qu'une simple intro à « Sine from Above », et le seul intermède qui n'éblouit pas en soi.

La quatrième meilleure chanson de Gaga avecmodedans son titre convient vraimentHeidi lundimieux. Gaga joue sur le narcissisme de la chanson, mais Montag le vit.

Tony Bennett châtie un ancien amant tandis que Gaga fait un commentaire effronté. Ça vaut le coup de rire, mais leur interprétation de ce vieux standard est trop rapide et ne manque de rien.saufhumour. Tout le monde, de Frankie Lymon à Frank Sinatra, en passant par Ella Fitzgerald et Rosemary Clooney, a enregistré des versions plus définitives.

Écrit à propos de son premier contrat d'enregistrement bref et infructueux avec Def Jam, le titre « paper gangsta » fait référence àL.A. Reidlui-même, qui a abandonné Gaga après avoir entendu ses premiers enregistrements en studio. Pour être honnête, « Paper Gangsta » n’inspire que peu de confiance. Cela aurait pu fonctionner comme une ballade au piano, mais Gaga rappe à moitié, chante à moitié les couplets sans s'engager dans l'un ou l'autre, et son flow est aussi maladroit que le réglage automatique dans lequel il est moussé.

Une production RedOne avec beaucoup d’ADN « Poker Face », mais beaucoup moins de son charme.

Il n'y a pas de mauvaises versions de ce standard de Noël, et ce duo avec Tony Bennett est amusant - mais Gaga chante les couplets avec un accent étrange et cuivré, presque comme si elle se moquait un peu trop de la chanson.

Une reprise fidèle du premier standard des Bee Gees qui se termine presque aussitôt qu'il commence. La chanson apparaît dans unJoker: Folie à Deuxséquence où Joker et Harley s'imaginent animer une émission de variétés inspirée de Sonny et Cher, mais les voix de Phoenix et Gaga ne s'intègrent pas vraiment ici.

Il n'y a absolument rien de mal à ce jeuJeanneréduction des bonus - c'est tout simplement inutile. Vamp glam-soul des années 70, il est surtout mémorable pour l'hommage solo de Mark Ronson à la guitare fuzz à Mick Ronson (aucun rapport).

Cette version électropop de « Girls Girls Girls » de Mötley Crüe contient les pires paroles de la carrière de Gaga : « J'adore quand tu m'appelles jambes / Le matin, achète-moi des œufs. » C'était presqueLa renomméeLe sixième single de, jusqu'à ce que "Bad Romance" soit sorti plus tôt. Pouvez-vous imaginer?

Un pastiche disco amusant mais sans vergogne avec un pont incroyablement sur le nez : « Nous avons cette disco, DISCO / Et nous sommes au paradis, HEAVEN ! »

Une version incroyablement rapide de deux minutes du standard écrit par Irving Berlin. Tony Bennett a déjà enregistré de meilleures versions solo dans les deux1957et '87.

C'est l'un des duos les plus évidents et les moins fantaisistes deL'amour à vendre, le deuxième album de Gaga avec Tony Bennett. Il a été enregistré en hommage à Cole Porter, un géant du Great American Songbook, et les paroles plus simples que d'habitude de Porter laissent moins de place à l'interprétation vocale. Le long échange de solos de guitare et de piano est cependant un régal - mais cela vaut la peine de rechercher celui de Bennett.Enregistrement des années 70avec le légendaire pianiste de jazz Bill Evans, dans lequel leur interaction est spectaculaire tout au long.

La plupart deJoue contre joueLes meilleures chansons de ne sont pas des numéros swing rythmés, mais des ballades lentes et luxueuses. C'est donc ironique que l'album se termine avec ce classique de Duke Ellington, peut-êtrelechanson qui incarne l'ère du big band du jazz. Gaga et Bennett vont bien, mais un spectaculaire solo de sax ténor les surpasse tous les deux.

Écrit (mais non utilisé) pour la comédie musicalegitan, « Firefly » penche davantage vers le théâtre que vers le jazz. Bien que ce ne soit pas une ligne vocale facile à chanter, Gaga correspond à Bennett note pour note.

Interprété pour la première fois parGingembre Rogersdans les années 1937Allons-nous danser, les paroles uniques d'Ira Gershwin mélangent commentaire social et esprit romantique. Bennett et Gaga sont assez charmants, même si la chanson ne se prête pas particulièrement bien aux duos.

Une évasion pure et douce – découvrez ce riff de guitare « Heart of Glass » et le gazouillis inhabituellement semblable à celui de Gwen Stefani de Gaga. "Summerboy" a clôturé la plupart des éditions deLa renommée, mais la chanson ne faisait aucune allusion aux choses plus grandes et meilleures à venir.

Une valse country dans le style des années 50 qui serait intolérablement maussade sans la chaleur de la voix de Gaga. La prestation robuste de Bradley Cooper est un peu tendue, tandis que Gaga est sans effort émouvante – ressemblant moins à elle-même et plus à Ally, plus douce et moins fougueuse.

"La Reine" vérifie immédiatement son nom - vous l'aurez deviné -« Reine tueuse »mais son synth-rock pop sonne plus comme celui de Pat Benatar. Gaga chante sur la confiance en soi mais parvient à paraître moins inspirée que dans le reste deNé de cette façon, et le solo de guitare final dégonfle la chanson comme un ballon. Pourquoi ne sortirais-tu pas pour déchiqueter ?

Une ballade d'Ally envolée qui reste pop tout en restant plus organique que ses morceaux dance. Certes, la voix de Gaga est impressionnante ici. Pourtant, la chanson est trop écrite pour rester dans la mémoire, et elle apparaît à peine dans le film.

DansUne étoile est née, cette ballade raconte le mariage impromptu de Jackson et Ally, mais sous leurs déclarations d'amour musicales se cache une couche de désespoir à peine voilée. Barbra Streisand et Kris Kristofferson auraient pu se chanter cela, mais cela peut être trop sentimental pour certains auditeurs.

En termes classiques, cela commence par unAdagio en ré mineur— une lente plainte menée par un violoncelle solo, qui s'accélère dans une houle chaotique de cordes. Bref mais grandiose, c'est une introduction parfaite au synthpop robotique de « 911 ».

Tony Bennett est peut-être le roi du chant jazz décontracté, mais il sous-tend sans aucun doute cette version de la composition la plus emblématique de Cole Porter. Lui et Gaga n'interagissent pas beaucoup, et la nature douce de leur chimie signifie qu'elle ne peut pas vendre les paroles culminantes : "Et son tourment ne sera pas terminé / 'Jusqu'à ce que tu me laisses passer ma vie à faire l'amour avec toi!" C'est une bénédiction que nous puissions entendre un Bennett nonagénaire chanter, mais il a déjà enregistré unrendu époustouflantde cette chanson pour les années 1992Parfaitement franc— où son discours est si sensuel qu'il a encore le pouvoir de vous faire rougir.

L'un des morceaux les plus live du momentJoue contre joue, la version de Bennett et Gaga revisite ce classique de Fred Astaire, se terminant par un point culminant spectaculaire d'appel et de réponse : « Je ne danserai pas ! Je ne danserai pas !!” Mais comme beaucoup de chansons de cette section moyenne inférieure de la liste, elle est agréable, sinon aussi essentielle que les meilleures de Gaga.

Cette reprise d'Elton John ne réinvente pas vraiment la roue, se contentant plutôt de capturer juste ce qu'il faut de son ancienne magie. Quand elle chante dans un contralto grave, Gaga peut donner l'impression qu'elle fait une imitation d'Elton - mais quand elle saute d'une octave dans le troisième couplet, c'est à couper le souffle.

L'amour à vendrene s'ouvre pas différemment deJoue contre joue —avec Gaga introduisant une soirée de standards de jazz familiers et enthousiastes. "It's De-Lovely" est une façon délicieuse et entraînante de lancer le tournage. Cette fois, on a le sentiment encore plus fort que Gaga mène la danse, alors que sa performance bruyante fait ressortir la verve de Bennett.

Comme toute bonne synth-pop, « I Like It Rough » mélange l’humain et la mécanique, même si Gaga constitue une fembot peu convaincante dans le pont. Cela pourrait presque passer pour Robyn ou Goldfrapp.

Plus émouvant que la plupart des pop de 2018, plus adouci que le Gaga auquel nous sommes habitués. C’est exactement le genre de chanson qui placerait Ally sur d’innombrables listes de lecture Spotify mais ne ferait pas d’elle une star.

La renomméeest un titre d’album emblématique, mais le morceau éponyme n’a jamais vraiment pénétré la conscience plus large. « The Fame » est une ode ironique à l'hédonisme, alimentée par la détermination inébranlable de Gaga à atteindre le sommet. Son véritable potentiel réside dans le pont rêveur et plus sincère : « Ne me demandez pas comment ni pourquoi, mais je vais y arriver cette fois / Mon rêve d'adolescent ce soir. »

« Jésus est le nouveau noir ! » Sur des rythmes électropop percutants, Gaga revit son histoire d'origine new-yorkaise, réimaginant la scène artistique de la ville comme une « civilisation pop underground » dirigée par, eh bien, Black Jesus.

Clôturant une année 2011 tumultueuse, leUn Thanksgiving très gagaL'émission spéciale ABC était la première fois que beaucoup voyaient Gaga se produire dans un cadre plus épuré. Elle choisit un ton étonnamment discret pour ce standard, s'aventurant dans un contralto à la Amy Winehouse - et écrit même un deuxième couplet original, en plaisantant en disant qu'un seul ne suffit pas. Délicieux!

Pour citerLe vautourNate Jones, cette chanson est-elle « terrible, est-ce un bop, ou est-ce une chanson terrible qui est aussi un bop ? » La réponse est… oui. Pour ceux qui détestent, c’est une représentation fidèle de la façon dont la pop moderne répétitive sonne à leurs oreilles. Mais pour les fans de pop, « Pourquoi avez-vous fait ça ? est délicieusement campy. La mélodie évoque Jennifer Lopez de 2001, mais la voix de diva de Gaga surclasse clairement le matériel – c'est pourquoi c'est si amusant ! « Pourquoi es-tu si belle dans ce jean ? / Pourquoi es-tu venu vers moi avec un cul comme ça ? Qui a besoin de réponses quand on a des questions rhétoriques comme celle-là ?

Chanté pour la première fois parBing Crosby, "But Beautiful" pourrait être le duo le plus naturaliste de Bennett et Gaga surJoue contre joue, alors qu'ils dégénèrent lentement en quatre minutes jusqu'à un point culminant émotionnel doux mais dévastateur.

N'oublions pas que la première collaboration de Beyoncé et Gaga a précédé « Telephone » de quatre mois. Ni la chanson, produite par le Bangladesh et connue sous le nom de « A Milli » et « Diva », ni la vidéo, réalisée par Hype Williams, n’ont été aussi bien accueillies que « Telephone ». Mais Beyoncé et Gaga avaient clairement une alchimie, et la vidéo futuriste était un nouveau territoire d'aventure pour elles deux.

Un morceau de guitare blues envoûtant mais groovy où Bradley Cooper et Gaga rêvent de trahison romantique et de ses conséquences : « Tu es resté dehors toute la nuit pour creuser ma tombe. » Cooper est un chanteur de blues naturel, mais la ceinture de Gaga domine le mix.

Le premier enregistrement en studio d'AllyUne étoile est néeest une tranche de pop soul charmante mais pas assez cuite – comme Duffy et Mark Ronson fonctionnant à 70 pour cent. Cela ne commence vraiment qu’à mi-chemin, une fois que Gaga se penche sur son registre supérieur. Pourtant, la chanson agit comme un pont stylistique entre les chansons plus blues d'Ally avec Jackson et ses productions pop astucieuses. Levidéo officiellecoupe avec insolence le film en une comédie romantique, au cas où vous espériez quelque chose qui ressemble davantage àMusique et paroles.

Cette chanson existe pour une seule raison : pour que Gaga puisse ouvrir leBal Born This Wayen sortant sur une licorne bionique. Hymne rock d’arène semblable à Journey, « Highway Unicorn » est la chanson la plus évidente deNé de cette façon, un album qui n'a rien de subtil.

« Grigio Girls » a été écrit pourSonja Durham, directeur général de longue date de la Haus de Gaga, décédé d'un cancer en 2017. Ce n'est pas une chanson pop, juste un moment intime partagé entre un groupe d'amis proches, transformant leurs larmes de deuil en vin. Cela ne ressemble à rien d’autre dans la discographie de Lady Gaga – à tel point qu’il est difficile de l’imaginer un jour écrire à nouveau dans ce mode.

"Ciel, je suis au paradis / Et mon cœur bat si fort que je peux à peine parler", chante Gaga en ouvrant cette chanson, passant le temps de sa vie à travailler avec Tony Bennett. Comme sur une grande partie de l’album, Bennett joue le rôle de l’homme hétéro tandis que Gaga vampirise effrontément autour de lui.

"A man loves a triple menace… / Hair, body, face" dit le fabuleux refrain de cette chanson, qui n'a clairement pas été écrite en pensant à Jackson Maine ou à un public masculin hétérosexuel. « Hair Body Face » aurait vraisemblablement pu s'adapterLa renommée, même si Gaga de 2008 aurait accentué l'ironie.

La voix de Lady Gaga est la première chose que vous entendez surJoue contre joue- cela semble familier, mais méconnaissable dans le nouvel ancien décor de l'album. Les fans de jazz de longue date trouveront peut-être cette sélection de chansons de Cole Porter trop familière, mais il est difficile de ne pas être impressionné par la musicalité de Gaga.

Dans la chanson préférée de Bennett de l'album éponyme, lui et Gaga livrent l'arrangement joyeux et rythmé d'un big band auquel vous vous attendez, accompagné d'un solo de sax bebop aventureux. Sauf que ce sont des paroles de Cole Porter du point de vue d’une travailleuse du sexe faisant la publicité de ses produits ! Rien que du respect pour la positivité sexuelle de Bennett et Gaga, mais ils ne livrent pas la chanson avec le clin d'œil dont elle a besoin pour aller jusqu'au bout. C'est fascinant, cependant, d'entendre le discours de Bennettversion 1962, qu'il ceinture dans un ténor sonore au charisme pur.

Même si Gaga est une chanteuse de jazz convaincante, ses lectures ne sont pas toujours subtiles. Sur cette reprise de Jimmy McHugh, son ton est cuivré et clairement influencé par les chanteurs de rock – mais plus charmant pour lui. On ne chanterait jamais une composition de jazz originale de cette façon, mais les standards sont faits pour être réinterprétés.

Un pastiche de David Bowie qui, pour beaucoup, fut le premier signe de la profondeur de la musicalité de Gaga. "Brown Eyes" est une ballade au piano pour une rupture, mais Gaga se fraye un chemin à travers les paroles au lieu d'affronter les tendres émotions qui se cachent sous la surface de la chanson. «Je suppose que c'est juste une chanson idiote sur toi», chante-t-elle – mais des ballades ultérieures comme «Speechless» seraient tout sauf idiotes.

Le seul morceau de Lady Gaga qui lui remonteGroupe Stefani Germanottades années, il n'est pas étonnant qu'elle ait conservé ce jam piano-rock bluesy - même s'il est léger, il a rarement sonné avec un charme aussi naturel. « Again Again » est l'un des véritables joyaux cachés de cette époque.

Fin 2013, les rythmes trap n'avaient pas encore été complètement embourgeoisés par les pop stars, encore moins par les adolescents YouTubers enregistrant des morceaux dissidents. Ainsi, « Jewels n' Drugs » était une véritable boule de neige sur un album pop d'un label majeur, même aussi étrange et tentaculaire queARTPOP. Avec TI, Too $hort et Twista, c'est un groupe véritablement sous-estimé – même si sa férocité ne vient pas de Gaga elle-même.

Gaga et Bennett semblent jeunes de cœur dansL'amour à vendreLe duo le plus ludique de. C'est merveilleux d'entendre Bennett chanter une composition de 1934 avec des connotations de 2021 : « Mais si, bébé, je suis le bas / Tu es le haut ! Cole Porter serait fier.

La chanson la plus connue de la première comédie musicale à succès de Cole Porter à Broadway, dans les années 1928.Paris, "Let's Do It" regorge de doubles sens campagnards et hilarants. Dans ce montage solo, Gaga injecte beaucoup d'humour dans sa lecture – même si elle consacre un peu plus d'efforts à riffer les notes qu'à faire ressortir l'esprit des mots.

La ceinture cuivrée de Gaga fait ressortir l'une des voix les plus passionnées de l'album de Bennett, qui laisse même échapper un rire spontané vers la fin de la chanson. Il existe déjà d'innombrables enregistrements de ce classique, de Frank Sinatra à Frankie Valli et aux Four Seasons, mais le duo Gaga-Bennett semble aussi digne que n'importe quel autre.

Chaque battement surNé de cette façonfrappe fort, et cette fusion metal électro-glam ne fait pas exception. Mais "Bad Kids" a un refrain doux, presque power-pop, avec Mother Monster dans ce qu'elle a de plus maternel : "Ne sois pas inquiet si ton cœur est pur / Tu es toujours bon avec moi si tu es un mauvais enfant, bébé!"

En apparence, cela semble aussi ensoleillé et optimiste que Donald O'Connor et Debbie Reynolds dansChanter sous la pluie. Mais il y a quelques ajustements – pour lesquels Gaga et son fiancé, Michael Polansky, reçoivent des crédits d'écriture – y compris une intro doo-wop amoureuse et un couplet réécrit qui suggère que tout ne va peut-être pas bien dansArlequinLe monde de : « Quand les détenus ont commencé à dormir / Les étoiles brillaient / Maintenant le directeur est en route / Il est trop tard pour dire bonsoir ! »

Avec sa ligne de basse Chic, son piano à sonnerie et sa production éblouissante, c'est bien meilleur que « Fashion » de 2009 – mais un peu moins vital queARTPOPC'est le meilleur. Chez GagaSpécial Thanksgiving 2013, elle a interprété la chanson avec le supergroupe qu'elle mérite : RuPaul and the Muppets.

La première de plusieurs chansons qui apparaissent sur les deuxJoker-les sorties affiliées, lesArlequinLa version de « String » le joue relativement directement – ​​avec Gaga chantant doucement, bien que sur une guitare trémolo inspirée des Cramps, et des tambours en plein essor qui ont en fait été enregistrés sur des poubelles. Dans le film, c'est moins subtil : Gaga chante dans la voix de son personnage irritable et non entraîné, Lee, sur un arrangement qui ne cesse de glisser dans la dissonance, rêvant/se trompant qu'elle s'en ira au coucher du soleil avec son véritable amour, Joker. On est loin de l’optimisme ensoleillé de Cab Calloway et Bing Crosby, qui ont enregistré la chanson pour la première fois dans les années 1930.

Si familier qu'il ne s'inscrit généralement pas comme une chanson pop, Gaga apporte à la fois un côté ludique et une conviction totale à ce vieux spirituel, avec un rythme funky de James Brown, de multiples changements de tonalité et un solo de guitare skronky.

Le premier single du deuxième album de Gaga et Bennett, « Kick », parle de deux râleurs cyniques qui ne tirent que de la joie l'un de l'autre – le véhicule parfait pour le charisme mutuel de Gaga et Bennett. Gaga a généralement été le leader de leurs duos, mais ici, Bennett réalise sa meilleure performance vocale sur l'album. (Il a toujours le pouvoir de s'élever dans sa gamme de ténor autrefois emblématique, même si la chanson ne ressemble en rien à la sienne.interprétation de 1957.) L'enregistrement et le clip ont même été nominés pour trois Grammys en 2022 – un dernier honneur pour un homme dont la carrière est antérieure à la remise des prix elle-même.

Hé, ce n'est pas du jazz, c'est Cher ! Curieusement,Joue contre joueLa lecture la plus originale de est pas du tout standard. Enregistré en direct au Lincoln Center, le groupe joue une version bossa-nova de la chanson tandis que Gaga chante en solo, portant l'un desLes propres perruques de Cher. Elle s'éloigne principalement du mélodrame naturel de la chanson – jusqu'à ce qu'elle interprète le couplet final avec un théâtre de diva complet.

"Je suis blonde, je suis maigre, je suis riche et je suis un peu garce !" Gaga revisiteLa renomméede l'hédonisme avec un peu plus de sophistication et, via Zedd, une production améliorée. "Donatella" n'est pas vraiment profond, mais Gaga rend les possibilités de la haute couture infinies, accessibles à tous.

Une ballade au piano épurée qui rappelle plus Adele que Lady Gaga, où Ally s'engage à aimer Jackson jusqu'à la fin de sa vie. Comme toutes les grandes comédies musicales,Une étoile est néeraconte son histoire à travers ses paroles – même si vous ne capterez peut-être pas toutes les nuances sur le moment. "Est-ce que ça va?" joue pendant le générique de fin du film, une ode tragique aux rêves futurs qui ne se réaliseront pas.

Gaga livre ce classique de Cole Porter comme une berceuse, se livrant à la beauté de la composition de la chanson plutôt que de s'attarder sur les regrets des paroles. Son interprétation sur leSpectacle de ce soirest encore plus doux et complètement fascinant.

À l'époque, « Eh, Eh » – la suite de « Poker Face » en dehors des États-Unis – sonnait bien trop sucré pour les ambitions avides de gloire de Gaga. Cela semblait un pas en arrière : un morceau bubblegum-pop de type Ace of Base, associé à une vidéo dans laquelle elle joue Barbie, la femme au foyer italienne. Mais au-delà de sa production, « Eh, Eh » pourrait passer pour une chanson d'un groupe de filles des années 60. En l'écoutant aujourd'hui, la sincérité de Gaga transparaît, alors qu'elle dit au revoir à son ancien amant tout en essayant de ne pas blesser ses sentiments.

ChromatiqueLe seul morceau bonus original de est plus lent et moins spectaculaire que tout ce qui se trouve sur l'album proprement dit, mais plutôt génial dans ses propres conditions. C'est insouciant dans le son, avec des échos de Whitney Houston dans les synthés et le saut d'octave sans effort de Gaga dans le refrain, mais désespéré et confessionnel dans ses paroles.

Jeannen'est-il pas l'album que vous pensez – il est plus groovy, plus spirituel. Co-écrite avec Beck, « ​​Dancin' in Circles » est l'une des chansons les plus drôles sur la masturbation jamais écrites, même si cette qualité même la rend un peu inessentielle.

Vous avez entendu cela un million de fois, notamment via Judy Garland dansStock d'été, mais Gaga s'inspire davantage d'Ella Fitzgerald en s'appuyant sur les nuances spirituelles. C'est un petit changement d'accent qui fait passer l'arrangement du big band d'optimiste à maniaque.

Début 2006, Stefani Germanotta était un fervent ballade piano-rock. À la fin de l'année, elle avait enregistréce: disco-funk via Prince and the Scissor Sisters, mais plus gourmand et plus amoral. À l’époque, Gaga était loin d’être riche – mais c’était sa motivation. Comme dans le monde de la culture de bal, elle se présente comme une paria se livrant à un hédonisme ironique. Produit par son premier mentor Rob Fusari, « Beautiful, Dirty, Rich » résume parfaitement l'attitude qui allait bientôt la rendre célèbre, mais pas le son Eurodance… elle n'avait pas encore rencontré RedOne.

Il y a eu de nombreuses chansons écrites sur la marijuana, mais une seule a été chantée par un enfant du théâtre musical sur du dubstep-EDM. Le pont ralenti et opératique est magnifique : « Je sais que maman et papa pensent que je suis en désordre / Mais ça va, parce que je suis riche comme de la pisse ! »

Alors queArlequinprésente une version inhabituellement optimiste de cette chanson, leJoker: Folie à DeuxLa version – comme un duo sombre entre deux méchants de bande dessinée sur les côtés opposés de la vitre de la prison – n’a jamais été réalisée auparavant. Comparée à l’enregistrement le plus célèbre des Carpenters, aucune des deux approches n’est indispensable.

C'est l'une des paroles les plus simples deARTPOP, mais la piste est vraiment bizarre ! Rempli de rebondissements, de couplets maussades qui explosent en refrains de synthé technicolor, « Sexxx Dreams » incarne l'approche tout sauf l'évier de la cuisine de Gaga de 2013 en matière d'écriture de chansons.

Inspiré par la mort de Trayvon Martin,Jeannele dernier morceau de est un spirituel pour les années 2010 ; on est loin de l'optimisme intrépide des albums précédents de Gaga. Mais il véhicule un message important : ne pas se détourner de la souffrance. « Angel Down » met en perspective le sentiment de mort et de perte qui plane surJeanne, de David Bowie et Amy Winehouse à la tante de Gaga, Joanne Germanotta. Cela fonctionne comme des retrouvailles inattendues avec son ancien producteur RedOne, écrivant avec Gaga pour la première fois depuis 2011 dans un cadre très différent.

SurARTPOP, Lady Gaga incarnait tous ses personnages à la fois, obligeant les auditeurs à donner eux-mêmes un sens à l'étendue du disque. La chanson titre est à mi-chemin. Un voyage synthétisé psychédélique à travers le temps et l’espace. Une question sans réponse. « Mon artpop pourrait signifier n'importe quoi », chante Gaga – ce qui signifie quoi exactement ?

Le délicieux premier duo de Gaga avec Tony Bennett a eu lieu au milieu deNé de cette façonle cycle des albums. Elle n'aurait pas pu être une plus grande pop star, ni, à la surprise de beaucoup, une chanteuse de jazz plus triomphante. Mais Gaga ne s'est pas contenté de rendre hommage au passé ; elle a mis à jour une norme bien-aimée et a résistéleTony Bennett – qui l'a surnommée «Le Picasso américain» en devenir.

Gaga chantonne cette reprise de Nat King Cole dans un murmure presque – la seule fois oùJoue contre joueelle le joue plus doucement que Tony Bennett. C'est aussi somptueux et séduisant que n'importe quelle version ne l'a jamais été.

Rendu célèbre par Nat King Cole, « Orange Colored Sky » a tendance à être chanté dans un style crooning. Gaga, cependant, Gaga-fies, vampant joyeusement toute la mélodie comme si elle s'était transformée en saxophone. En 2011, son interprétation de cette chanson l'a amenée à rencontrer Bennett, une relation qui allait changer le cours de sa carrière. Comme illui ai ditle soir où ils se sont rencontrés, « Madame, vous êtes une chanteuse de jazz. »

SurArlequin"Friends", Gaga parcourt quatre livraisons différentes en deux minutes et demie - du doux au joyeux en passant par le scaping jusqu'à la voix la plus granuleuse qu'elle ait jamais posée sur un standard de Broadway. Dans la version cinématographique, elle est complètement vulnérable et sur le point de commettre un incendie criminel. Les deux sont de magnifiques vitrines de jeu vocal.

Le single qui suit « Poker Face », « LoveGame », ne parle pas vraiment de romance, ni même de sexe – il s'agit plutôt de Gaga jouant avec nous, son public. Il n'a pas vieilli aussi bien que ses autres premiers singles, mais rétrospectivement, ses paroles qui semblaient idiotes à l'époque – « disco stick », « got my ass squeeze by sexy Cupid » – étaient des mèmes en attente. Gaga a même commencé à brandir unlittéralbâton discodans les spectacles live. Le clip réalisé par Joseph Kahn a amené l'entourage de danseurs de Gaga dans le métro de New York, mais sa performance bruyante au concert a été encore plus impressionnante.Prix ​​​​du vidéo MuchMusic 2009.

Désespérée d'être aimée, assez féroce pour dévorer un homme, Gaga grogne à travers ce stomper électro-glam rock qui se déroule dans un petit salon de beauté des horreurs : « Pouvez-vous le sentir ? Il a l'air d'un tueur en série, cet homme est foutu.

"Perfect Illusion", une ballade disco-rock puissante et musclée, a balancé les clôtures, mais la voix de Gaga semblait surmenée et souscrite - trop mélodramatique pour forger un véritable lien émotionnel. La chanson a joué un rôle central dansGaga : cinq pieds deux, son documentaire Netflix de 2017, où son accueil mitigé a semblé la toucher.

Mais c'est le clip qui élève vraiment la chanson. Le film a été tourné dans le désert californien et les contorsions physiques de Gaga prennent une beauté envoûtante. Le temps a tempéré nos réactions ; avec le recul, il faut respecter l'audace de Gaga, même si "Perfect Illusion" n'est pas tout à fait le chef-d'œuvre auquel il aspirait.

Une chanson sur le fait de se distraire du chagrin avec les belles choses de la vie, la meilleure performance en studio de Gaga surJoue contre joueest serein, naturaliste et peut-être pas par hasard, en solo. Enregistrer avec Bennett a connecté Gaga à un sens de l'histoire, à une lignée de grands interprètes de jazz, mais cela a fait de l'album moins une déclaration musicale. Dix ans plus tard, elle livre enfin un disque complet de reprises aussi émouvantes que « Lush Life » avecArlequin.

Un morceau bonus léger, "Fashion of His Love" rend hommage au regretté Alexander McQueen et à l'expérience quasi religieuse de porter ses créations complexes. Le morceau dance-pop renforcé des années 80 emprunte plus qu'un peu de la joie tête dans les nuages ​​de Whitney Houston - et il mérite même son changement de tonalité surprise au dernier refrain.

"Fun Tonight" a moins d'ingéniosité mélodique queChromatiqueC'est le meilleur, mais c'est fascinant par la façon dont cela révèle le conflit intérieur que Gaga voit lorsqu'elle se regarde dans le miroir. Dans le refrain, elle déclare : « Je ne m'amuse pas ce soir », jouant avec l'ironie des émotions négatives sur une composition exaltante. Dans le deuxième couplet, elle revient même sur les préoccupations de son premier album, s'adressant aux Stans qui souhaiteraient recréer le son de 2008 : "Tu aimes les paparazzi, tu aimes la célébrité / Même si tu sais que ça me fait mal..." Ce qui est décevant, c'est la façon dont la chanson se termine tôt, sans créer de véritable pont ni de refrain final culminant.

Comme l'inverse de la « Barbie Girl » ironique d'Aqua, « Plastic Doll » enlève l'armure pour montrer un vrai humain avec de vraies émotions, qui a du mal à être objectivé par le regard du public. Les thèmes et le son synthpop sont familiers, mais il est réconfortant d'entendre Gaga chanter si directement sur la reconquête de son agence - surtout après des années de lutte contre les attentes que lui impose la célébrité.

L'amour de Gaga pour la masculinité de la vieille école et du mauvais garçon a parfois semblé en contradiction avec ses tendances féministes progressistes. Alors avec « John Wayne », ce fut un soulagement de l'entendre enfin verbaliser ce conflit, sur un boogie country-disco digne de Shania Twain. La vidéo de Jonas Åkerlund est également parmi les plus bizarres de Gaga, avec des voitures qui explosent, des séquences de danse country au néon et ses expressions ludiques et diaboliques. Sur « Perfect Illusion », l’amour est tragique, mais « John Wayne » a au moins un sens de l’humour à ce sujet.

"Je veux ta bouche de whisky partout dans mon sud blond", ouvre la chanson la plus excitante de Gaga à ce jour. Les synthés Bassy grincent comme des guitares métalliques, bourdonnant de désir. Les fantasmes de la chanson sont autobiographiques, avec des références à Lüc Carl, le même petit ami batteur de metal qui a inspiré « Yoü and I ». Gaga demande : « Je pourrais être ta fille, fille, fille… / Mais m'aimerais-tu si je dirigeais le monde ? » Le prix de la célébrité est élevé, mais elle donne l’impression que cela semble bien plus séduisant que la romance.

"Jeune, sauvage, américaine /… Je ne suis peut-être pas parfaite, mais tu sais / J'ai un cœur de diamant", chante Gaga - reprenant son histoire d'origine surJeanneLe morceau d'ouverture. Gaga a écrit la chanson alors qu'elle entrait dans la trentaine (toujours une interprète dans l'âme), et le rock américain de « Diamond Heart » n'est pas moins un costume que tout autre son qu'elle a adopté. Le seul problème est que l’arrangement déconstruit du groupe de rock est trop rigide – où sont les chapeaux hauts de forme ? - et on ne semble jamais assez vivant pour vraiment s'envoler. "Diamond Heart" n'est pas tout à fait le mythologique "Thunder Road" prévu par Gaga, mais c'est quand même un redémarrage passionnant et nécessaire.

Lady Gaga ne fait rien à moitié – si elle veut faire un «disque techno-house mariachi» sur les injustices de la loi américaine sur l'immigration, il vaut mieux croire qu'elle va jusqu'au bout. « Americano » est une écoute initialement vertigineuse, même s'il y a une tendresse dans l'œil du cyclone.Dit Gaga"Ça ressemble à un disque pop, mais quand je le chante, je vois Édith Piaf sous un projecteur avec un vieux micro."

Gaga adore clairement cette chanson, car elle clôturait chaque set list du Joanne World Tour. "Million Reasons" a ce refrain émouvant, mais c'est trop une ballade puissante pour fonctionner comme une véritable chanson de rupture. La performance vocale brute de Gaga l'élève, même si les paroles et l'arrangement fade manquent des détails précis et vécus d'une très grande chanson country. La vidéo montre son changement de marque en tant que chanteuse country, vêtue de cette belleJeannenuance de rose.

"Million Reasons" n'a pris vie qu'en 2017Spectacle de mi-temps du Super Bowl, d'où c'était sa seule coupureJeanne. Alors qu’elle chantait et jouait du piano sur une plate-forme surélevée, entourée de fans agitant des lumières et des téléphones portables, sa dernière réinvention semblait complète.

C’est peut-être la voix la plus sentimentale (et dominée par le vibrato) que Lady Gaga ait jamais produite sur un disque. Volant en solo, elle chante chaque syllabe avec une précision totale, une intuition émotionnelle et une richesse de texture – de la même manière qu'un grand artiste ajoute des couches à un tableau. Le plus célèbre enregistré parGène Kelly, la chanson rappelle que Gaga peut sans effort traîner avec les grands – de n’importe quelle génération.

La première chanson solo de Lady Gaga depuis des années qui semblait sans contrainte, totalement sans prétention – etamusant. Sur les guitares slide décalées de Josh Homme et les arrangements de cor Stax de Mark Ronson, Gaga a l'air de passer un moment inoubliable - l'incarnation parfaite de son retour aux sources rauque et rauque de 2016.Visite du bar de plongée.

Combien de chansons pop s'ouvrent sur un riff de guitare honnête envers Dieu de Judas Priest ? "Electric Chapel" palpite comme une synthwave néon avec une touche heavy metal, éclairant le chemin vers la cathédrale de Gaga - son bal Born This Way. Si vous êtes toujours confus au sujet du tristement célèbre albumhousse de moto bionique, « Electric Chapel » devrait faire de vous un croyant.

Fin de « Babylone »Chromatiquesur une étrange courbe de caisses claires house TR-909, de saxophone ringard et d'une chorale gospel - et c'est l'un des meilleurs de l'album.moinsdes morceaux explosifs ! Il est piloté par unmétaphore lyrique bizarreque seule Lady Gaga pouvait imaginer : et si la destruction de la tour de Babel par Dieu dans l'Ancien Testament créait une culture moderne des potins sur les célébrités ? « Babylone » est comme un puzzle dont les pièces ne s'emboîtent pas vraiment, mais la prestation campagnarde de Gaga est tout à fait logique : « Servez-le, à la manière d'une ville antique –c'est des potins! » Ce n'est pas tout à fait le pays des merveilles qu'elle recherche dans "Alice", mais ça fera l'affaire.

Sorti presque sans fanfare ni indication des orientations futures de l'un ou l'autre des artistes, « Die With a Smile » capture simplement la nuit où il a été écrit et enregistré dans le studio de Mars. Pour une ballade puissante entre deux stars, c'est véritablement humble – leurs voix ne s'affrontent pas, mais s'entrelacent et s'élèvent l'une l'autre, avec Gaga clouant les mélodies distinctement douces et soul de Bruno.

Écrit par Charlie Chaplin pourTemps moderneset chanté pour la première fois par Nat King Cole, il existe d'innombrables versions de « Smile ». Mais c'est une lecture magnifique. Alors que Gaga l'a interprété pour la première fois dans un style beaucoup plus décontractéUn seul monde : ensemble à la maisonlivestream en avril 2020,ArlequinOn se sent plus apte au deuil – avec des trompettes fantomatiques, des pinceaux de jazz et une parole française qui se termine par un lointain « je vous adore ».

La chose la plus procheChromatiquedoit être une ballade traditionnelle – et la chanson de Lady Gaga la plus apte à pleurer sur une piste de danse. La plupart des grosses caisses 4/4 de l'album vibrent d'un sentiment de libération – celles-ci martèlent avec urgence. Sur de tristes accords mineurs (comme le montre la démo bonus au piano de l'album), la voix de Gaga élève l'auditeur, même si elle prie pour son propre salut : « Soulevez-moi, juste un petit coup de coude / Et je volerai comme un mille colombes. Nous affrontons notre désespoir seuls, mais nous le surmontons ensemble.

Le morceau vocal atonal et gazouillant qui ouvre ceTop GunLe thème de la suite est étrangement erroné – « Hold My Hand » est une pure ballade de pouvoir. Gaga prend des paroles entièrement constituées de clichés potentiels et, grâce à sa puissance vocale et à une caisse claire colossale, les élève dans la stratosphère. Complètement sérieuse dans la composition et la production, c'est l'une de ses seules chansons pop sans aucun élément subversif. Cela n'a jamais été son modus operandi, ce qui fait apparemment de « Hold My Hand » une valeur aberrante dans le catalogue de Gaga.

Le monstre de la renomméese termine en passant de la dance-pop à ce stomper funky et émouvant, produit par Teddy Riley de la renommée Blackstreet. Sur les sept chansons précédentes, Gaga affronte ses peurs, mais avec « Teeth », elle devient féroce dans la vie et dans la chambre : « Prends une bouchée de ma viande de mauvaise fille / Montre-moi tes dents ! » Comme elle l'a ditMTVen 2009, « « Montre-moi tes dents » signifie « dis-moi la vérité », et je pense que pendant longtemps dans ma vie, j'ai remplacé le sexe par la vérité… On se cache dans le caractère physique d'une relation au lieu d'en avoir vraiment. connaître quelqu’un.

Un hommage aux meilleurs aspects de la relation créative et romantique de Jackson et Ally, "Always Remember Us This Way" sonne comme du Carole King vintage, avec une touche de Nashville moderne via les trois co-scénaristes de Gaga - Natalie Hemby, Lori McKenna et Hillary Lindsey . Dans le film, Jackson recrute Ally comme claviériste et choriste en tournée, et l'encourage plus tard à interpréter cette chanson originale, l'une de ses chansons originales, comme rappel. Ally réussit de façon spectaculaire – la foule scande même son nom ! Mais "Always Remember Us This Way" n'est pas vraiment un succès - c'est le genre de chanson qui vous charme au fil de plusieurs écoutes avec sa prestation chaleureuse et familière.

Une coda plus provocante de « Plastic Doll », « Sour Candy » a un message simple : prenez-moi tel que je suis. Les quatre membres de Blackpink bénéficient d'autant de temps d'antenne que Gaga elle-même, leurs voix - douces mais pleines d'attitude - contrastent parfaitement avec le ton terreux de Gaga. Le rythme house moderne et élégant de la chanson est destiné à figurer sur les podiums des années à venir.

En une minute,ChromatiqueL'intro orchestrale de évoque une multitude d'images et d'émotions – des paysages balayés par le vent, la beauté de l'accomplissement humain, la sensation du temps qui passe… C'est une pièce profondément romantique qui donne l'impression d'être tirée d'une musique de film ou d'une suite classique moderne. Mais au lieu de cela, en tant que premier morceau du sixième album solo de Gaga, « Chromatica I » déclare ses ambitions : ce n'est pas n'importe quelle version 2020 de la dance-pop nostalgique – c'est une œuvre pour tous les âges. Co-composé avec Morgan Kibby, c'est autant une chanson de Lady Gaga qu'une piste vocale.

Un hommage à Marilyn Monroe et à d'autres femmes qui ont influencé les politiciens dans la chambre à coucher, culminant avec l'incroyable pont parlé de Gaga : « Mettez vos mains sur moi / John F. Kennedy / Je te ferai couiner bébé / Tant que tu me paieras. » « Government Hooker » serait la bande originale parfaite pour un défilé de mode sur le thème militaro-industriel sur Mars, avec des synthétiseurs à scie circulaire aussi pointus que les pommettes prothétiques de Gaga.

"Merde" a unfaux-Un refrain allemand aussi absurde qu'entraînant, mais le message de la chanson est limpide : « Si tu es une femme forte / Tu n'as pas besoin de permission. » Il est impossible d'entendre cela et de ne pas vouloir défiler sur un podium en surdimensionnétalons plateforme.

"Til It Happens to You" n'est pas le tarif habituel de Lady GagaouDiane Warren, co-auteur de la chanson et auteur d'innombrables ballades d'amour. Écrit pourLe terrain de chasse, un documentaire qui aborde le climat d'agression sexuelle sur les campus universitaires, l'enregistrement de Gaga ne fait rien. « Jusqu'à ce que ça t'arrive / Tu ne sauras pas ce que ça fait », chante-t-elle, faisant appel à tout le poids de ses capacités vocales. Gaga a livré une performance déchirante auOscars 2016, accompagné sur scène par plus de 50 survivants d'agressions sexuelles. "Til It Happens to You" n'a pas remporté le prix de la meilleure chanson originale, mais il a laissé une impression durable, un an avant le décollage du mouvement #MeToo.

Une autre performance solo de Gaga enregistrée en direct depuis le Lincoln Center, elle livre ceciCopain Joeymontrez la musique avec un euphémisme intime et époustouflant. À son meilleur, Gaga a tout l'esprit, l'humour et le contrôle émotionnel précis des grands chanteurs de jazz. Elle n'a jamais étédonccharmant tout en faisant si peu – le public s’accroche à chaque mot.

L'une des chansons les plus spirituelles de Gaga, une ode onirique à l'amour de soi et à la découverte qui flotte sur des synthés ambrés étincelants. Le sujet n'est pas vraiment très éloigné de « Just Dance », mais « So Happy I Could Die » est autonome, ressemblant davantage à un moment partagé avec un ami dans un club à minuit.

L'un desJoker: Folie à DeuxThèmes récurrents de "That's Entertainment", l'original "That's Entertainment" apparaît en fait dans le film lui-même, dans une scène où les détenus d'Arkham regardent les années 1953.Le chariot à musique, avec Fred Astaire et Jack Buchanan. Gaga chante plus tard une version pleine d'espoir mais douloureusement désespéréeJoker, mais leArlequinCette version est l'un des enregistrements les plus spectaculaires de l'album. Même si tout cela peut sembler du jazz pour certains, l'approche de Gaga a changé. Avec Bennett, son rôle était d’honorer les plus grands avec des arrangements fidèles pour big band. Mais maintenant, elle a trouvé un nouvel équipement, plus ample et plus sauvage.

Dans cet opéra électropop, Gaga assume le rôle de Marie-Madeleine — «la petite amie de la rock star ultime» – alors qu’elle pardonne au monde de lui avoir enlevé son Jésus bien-aimé. « Marie la Sanglante »pourraitêtre sacrilège, mais, commeLa dernière tentation du Christ, humaniser les icônes ne fait que les rendre plus accessibles. Oh, et ça aide aussi que le morceau soit impitoyablement dansant. Quand TikTok a fait unédition de la chansondevenir viral, sur la danse de Jenna Ortega dans NetflixMercredisérie, « Bloody Mary » est devenueNé de cette façonl'improbable sixième single de.

Les reprises de jazz de Gaga n'ont pas tendance à imiter un chanteur en particulier, donc c'est drôle de l'entendre faire la cadence inimitable de Sinatra dans les couplets ici. LeArlequinetJokerles versions sont presque identiques, mais cette dernière est plus rauque, au point que Gaga crie presque au lieu de se concentrer sur le générique de fin du film. Pour chanter du bon jazz, il s'agit rarement d'être le plus grand et le plus bruyant, mais parfois il faut vraiment y aller.

ARTPOP, aussi incompris aujourd'hui qu'à sa sortie, est une œuvre de science-fiction. SiNé de cette façonc'était apprendre à s'aimer soi-même,ARTPOPimaginé l'utopie gaga-ifiée que nouspourraitvivre. « Vénus » s'ouvre en citantSun Ra, l'afrofuturiste emblématique du jazz, s'envole ensuite à travers le système solaire à la recherche de la libération sexuelle : « Uranus / Tu ne sais pas que mon cul est célèbre ? Pourquoi toute la pop ne peut-elle pas être aussi bizarre sans vergogne ?

Dans le documentaire de 2017Gaga : cinq pieds deux, Gaga a du mal à performer à un niveau élevé tout en gérant la douleur chronique. Elle est témoin du combat de sa chère amie Sonja Durham contre le cancer ; et elle donne la priorité à sa carrière plutôt qu'à l'amour, mettant fin à ses fiançailles avec l'acteur Taylor Kinney. "The Cure", à première vue, peut ressembler à n'importe quelle autre chanson pop du top 40, mais elle traite du même fardeau émotionnel que le film. Gaga n'a jamais semblé aussi vulnérable dans un contexte pop : « Frotte-toi les pieds, les mains, les jambes / Laisse-moi m'en occuper, bébé / Ferme les yeux, je chanterai ta chanson préférée. » C'est simple, familier, mais ça dit tout.

Chic n’a jamais été connu pour avoir des chanteurs de niveau diva – leurs lignes vocales étaient essentiellement des véhicules pour les grooves nets de Nile Rodgers et de son groupe. Mais étonnamment, Gaga ne maîtrise pas ce remake à succès du single classique de Chic de 1978. Elle s’intègre parfaitement, élevant même la chanson vers de nouveaux sommets aux bons moments. Leur version a été créée pour la première fois en 2015, sur la bande originale de Tom Ford.Collection de vêtements pour femmes SS16. Il a fallu trois ans pour que l’enregistrement complet obtienne une sortie officielle, mais et alors ? C'est tout aussi intemporel que l'original.

Écrit etinitialement démodu père John Misty, « Come to Mama » ressemble à un classique perdu des années 60 – commeVisite mystère magiquevia l'album de Noël de Phil Spector. Mother Monster appelle à la paix d'une main ferme mais douce – elle n'est plus la figure messianique des époques passées. C'est une célébration de la vie et un avertissement de ce que nous perdrions sans amour.

Lady Gaga n'a jamais rencontré sa tante Joanne Germanotta, qui était artiste et peintre, mais elles partagent depuis longtemps un lien spirituel. "Chaque partie de mon cœur douloureux / A besoin de toi plus que les anges", dit Gaga d'une voix traînante, comme Stevie Nicks sur des guitares pincées avec les doigts - des sons anciens qui sont nouveaux pour elle. C'est comme si nous écoutions une conversation familiale intime (et dans une scène deGaga : cinq pieds deuxoù elle joue la chanson pour sa grand-mère, nous le faisons littéralement). Mais la chansonversion piano, enregistré plus tôt en 2018, est plus rare et encore plus obsédant. Gaga chantonne doucement, laissant les paroles parler d'elles-mêmes. La chanson se termine avec la reconnaissance de son deuxième prénom – « Appelle-moi Joanne… / XO, Joanne », résolvant le problème.Jeanneépoque sur une note paisible.

Lady Gaga a abordé de nombreux styles de musique, mais elle peut toujours surprendre, comme avec ce pur gospel extrait deArlequin. Et pourtant, "Gonna Build a Mountain", écrit par le grand britannique Anthony Newley, n'était même pas conçu comme une version spirituelle - il le devint grâce aux enregistrements de Sammy Davis Jr., Clara Ward et du prédécesseur le plus proche de la version de Gaga,Springfield poussiéreux. Chanter du gospel, c'est se donner entièrement à la musique, et le quatrième couplet de Gaga ici est un incontournable, alors qu'elle ceinture jusqu'à ce que sa voix se brise. DansJoker: Folie à Deux, la chanson (dans une prise plus rapide et plus lâche) symbolise les espoirs de Joker et Harley d'une vie meilleure. Aussi condamnés soient-ils, il est impossible de ne pas y croire sur le moment.

Homonyme de la résidence de Gaga à Vegas, « Enigma » est encore plus euphorique, même enChromatique, mais avec une ambiance plus funky et axée sur le charleston que son tarif habituel. Son énorme accroche vous incite à rêver en grand : « Nous pourrions être tout ce que vous voulez… / Nous pourrions briser tous nos stigmates / Je serai, je serai ton énigme ! C'est le résumé parfait de la façon dont Lady Gaga perçoit son rôle aux yeux du public : d'un côté une éternelle métamorphe à la David Bowie, de l'autre une force de positivité radicale.

D'une durée de sept minutes, cette ballade gospel-blues est l'une des chansons les plus ambitieuses des Stones depuis des décennies. Gaga semble presque méconnaissable, au sommet de son registre vocal, canalisant clairement Merry Clayton sur « Gimme Shelter ». Enregistré principalement en live en une seule prise, avec Stevie Wonder lui-même au piano et aux touches, Gaga se trouvait justement dans le même studio que les Stones ce jour-là. Il n'est pas surprenant qu'elle et Mick Jagger aient eu une alchimie, mais la magie est palpable.

Immédiatement aprèsARTPOP«Mary Jane Holland» de , une célébration du pot sans culpabilité, vient cette ballade au piano alimentée par le whisky sur une relation codépendante et à la limite de la toxicité. "Je me détesterai jusqu'à ma mort", dit Gaga d'une voix traînante, hantée par ses démons, piégée par ses addictions. Mais chaque fois qu'elle jouait à "Dope"en direct, c'est devenu une fête entre tous les autres marginaux foutus dans la pièce.

Abréviation de « Girl Under You », « GUY » est un hymne puissant alimenté par le groove vicieux et bégayant de Zedd. A l'image de « Running Up That Hill » de Kate Bush, Gaga rêve d'inverser les rôles dans sa relation : « Je n'ai pas besoin d'être au top pour savoir que je le vaux bien / Parce que je suis assez forte pour connaître la vérité ! » Gaga n'a réalisé que deux clips pourARTPOP, mais les sept minutesCourt-métrage « GUY »était son plus ambitieux visuellement à ce jour – remplissant également des extraits de « ARTPOP », « Venus » et « MANiCURE ». « GUY » était sous-estimé à l'époque, mais revisitez-le et vous constaterez qu'il déborde de joie de vivre.

"J'ai tué mon ex et/je l'ai laissée dans un coffre sur l'autoroute 10", chante Gaga en perdantNé de cette façonLa peau de et, apparemment, une grande partie de sa base de fans occasionnels. Son morceau d'ouverture le plus agressif sur le plan sonore, "Aura" mélange des guitares mariachi avec des synthés grognants et inhumains. Mais le refrain s’envole, préfigurant semble-t-il l’album à venir : « Veux-tu me voir nue, mon amoureux ? … / Veux-tu voir la fille derrière l’aura ?

Il est difficile de dire si cela aurait dû être un succès bien plus important ou s'il n'aurait pas dû exister du tout. Un banger R&B-synth-pop implacablement accrocheur, "Do What U Want" - comme celui de Madonna "Nature humaine» – est une déclaration de défi artistique à travers la liberté sexuelle : « Vous ne pouvez pas arrêter ma voix, parce que / Vous ne possédez pas ma vie, mais / Faites ce que vous voulez avec mon corps. » Cela aurait dû être un message puissant… mais comment concilier cela avec l'implication de R. Kelly ? En 2013, nous aurions dû en savoir suffisamment sur ses transgressions. D'ici 2018,il n'y avait aucune excuse.

C'est inconfortable mais indéniable que Gaga et Kelly avaient une alchimie musicale. Sur « Do Want U Want », il joue son personnage séduisant et lubrique habituel – mais l’atténue un peu. Les deux hommes ont attiré l'attention avec des performances racées surSNLet auAMA, et une vidéo réalisée par Terry Richardson, collaborateur fréquent de Gaga - une autreagresseur sexuel présumé— a été filmé, alorsannulé, pour ne jamais être libéré. UNRemix de 2014a remplacé R. Kelly par Christina Aguilera, mais n'était pas aussi convaincant. Pour beaucoup, « Faites ce que vous voulez » symbolisait tout ce qui n'allait pas avec leARTPOPcampagne : des hauts passionnants à côté de bas déroutants. Même en regardant de loin, il y avait une dissonance cognitive dans cette période qui semblait inexplicable jusqu'à des années plus tard.

Il a fallu attendre début 2019, après la sortie de Lifetime'sSurvivre à R. Kellydocu-séries, pour Gagaadressez-vous et excusez-vous pour la chanson, expliquant avec regret : « Mon intention était de créer quelque chose d'extrêmement provocant et provocateur parce que j'étais en colère et que je n'avais toujours pas traité le traumatisme survenu dans ma propre vie. » Elle a rapidement fait retirer la chanson des éditions numériques, en streaming et physiques ultérieures deARTPOP. Si les générations futures recherchent l’enregistrement original, elles trouveront une chanson à l’écoute électrisante, mais un récit édifiant, difficile à entendre hors de son contexte troublant. Il n'y a rien d'autre comme "Do What U Want" dans la discographie de Gaga, et il n'y en aura jamais.

Le morceau électropop de BloodPop et Madeon fait passer l'album à une vitesse plus lente, décrivant l'intérieur du cerveau de Gaga comme s'il s'agissait d'une construction de science-fiction, où les neurones se déclenchent et déclenchent des réactions en chaîne hors de son contrôle. "Mon plus grand ennemi, c'est moi, appelle le 911", poursuit le refrain, faisant allusion à la fois au numéro de téléphone d'urgence et à unantipsychotiqueelle prend cela une fois pour littéralement lui avoir sauvé la vie. Gaga décrit le fait de prendre une pilule comme un acte essentiellement positif et nécessaire – mais chaque jour reste un combat. Elle chante la majeure partie de la chanson avec un effet robotique, mais le pré-refrain est plus aigu, plus vulnérable : « Je ne peux plus me voir pleurer… » C'est le combat de chaque artiste : doit-elle ressentir trop ou pas assez ? Le clip vidéo, deLa cellulele réalisateur Tarsem Singh, est son plus bizarre depuisARTPOP- représentant Gaga dans des tableaux surréalistes deLa Montagne Sainte-comme des images.

JeanneLa chanson la plus cinématographique de se déroule comme un drame familial occidental intime. La voix de Gaga n'a jamais été aussi enfumée lorsqu'elle chante sa faiblesse innée pour les hommes instables – et voit ses luttes se refléter dans les relations de sa sœur et de son père. Si aimer quelqu'un signifie accepter ses défauts, alors cela fait d'elle aussi une pécheresse : « Écoutez la prière de mon pécheur / Je suis ce que je suis / Et je ne veux briser le cœur d'aucun autre homme que vous… » « Prière du pécheur » partage des similitudes thématiques surprenantes avecLes « leçons de papa » de Beyoncéd'elleLIMONADEalbum de la même année. Dans les deux chansons, chaque femme reconnaît son héritage familial conflictuel et trouve la rédemption grâce au pouvoir de la musique country, la tradition au cœur de presque toutes les chansons populaires américaines.

Lady Gaga et Florence Welch sont deux des ceintures les plus célèbres de la pop moderne – donc personne ne s'attendait à ce que leur première collaboration soit un duo si adorable qu'il aurait pu être interprété par deux Muppets. Sur le piano soul des années 70 emprunté à « Bennie and the Jets », Gaga et Welch échangent doucement des lignes et se soulèvent. Ce n’est pas un hymne de motivation, juste une simple ode aux femmes qui soutiennent les femmes. « Hey Girl » est un disque étonnant, un cadeau de pure générosité émotionnelle.

Peut-être la composition la plus violente de la discographie de Lady Gaga, "Swine" canalise le traumatisme sexuel dans une chanson pop inconfortablement brillante : "Tu n'es qu'un cochon dans un corps humain / Squealer, squealer, squeal out, tu es tellement dégoûtant !" Gaga présente les hommes prédateurs comme des porcs, mais à la fin de la chanson, elle libère le cochon qui sommeille en nous tous : « Peignez votre visage et / Soyez un porc juste pour le week-end ! » LeARTPOPcette époque était déconcertante pour beaucoup à l'époque, mais connaissant lel'histoire derrière ce morceau, et la douleur que Gaga ressentaitpasser à traversà l’époque – elle a décrit la réalisation de l’album comme « comme une chirurgie cardiaque » – tout commence à avoir un sens.

Lady GagaUne étoile est néeLa campagne des Oscars a commencé avec la grande finale du film, un véritable délire tiré du manuel de jeu de Whitney Houston. Gaga incarne les cinq étapes du deuil avec toute sa voix et son corps, qu'elle roucoule doucement dans son registre grave ou qu'elle brise tout son cœur. La version cinématographique de "I'll Never Love Again" passe de la performance culminante d'Ally à un flash-back de Jackson lui chantant nerveusement la chanson pour la première fois. Il s'agit d'un acte de pure manipulation émotionnelle de la part de Bradley Cooper en tant que réalisateur, mais il résume parfaitement la relation entre les personnages : Jackson voit le potentiel artistique d'Ally, mais c'est elle qui lui donne vie. « I'll Never Love Again » ne sonnait comme rien dans les charts 2018, mais c'est pourquoi il était si puissant. Cela montrait que Gaga aurait pu être une star à n’importe quelle époque – sur disque ou sur grand écran.

Avec le producteur RedOne, Lady Gaga a conçu un son qui définirait les cinq prochaines années de pop : des mélodies R&B américaines, des synthétiseurs Europop, des rythmes de danse à quatre sur la piste et juste une teinte de pop-punk et de bratterie emo. En 2008, « Just Dance » semblait follement ambitieux, premier coup – et Billboard n°1 – tiré par une star en devenir. Une décennie plus tard, cela semble presque… humble ?

Gaga cache ici sa bizarrerie à la vue de tous. Vous pouvez entendre son vibrato formé au théâtre dans les couplets, puis il y a le pont « à moitié psychotique, hypnotique malade », une courbe qu'aucune autre chanteuse pop n'aurait tentée. Ce dont peu se souviennent, c'est du couplet invité de Colby O'Donis, une série de clichés excités dans les clubs qui n'existent que pour fournir un point de vue masculin, le rendant plus acceptable pour la radio commerciale. Cela montre à quel point « Just Dance » aurait pu être sans visage si Gaga n'avait pas été un narrateur aussi convaincant.

Aucune pop star n’a fait de la musique sa religion comme Gaga le fait ici. Elle fait appel à son ami et mentor (un Elton John très joueur) pour exposer sa vision spirituelle du monde. "Quand j'étais jeune, je priais pour la foudre / … Ouais, je regardais / Pendant que mes yeux se remplissaient de larmes / Mais il n'y avait rien là-bas." Rien, jusqu'à ce qu'elle entende une onde sinusoïdale (la forme de son la plus pure) venant d'en haut. Connectée à cette force vitale universelle, elle n'a plus peur ni n'est plus mal-aimée. "Sine From Above" est le morceau le plus grandiose que Gaga ait jamais enregistré - avec des couplets orchestraux pincés et une mélodie qui rappelle la rave, la transe et l'eurodance des années 90. Tout cela cède la place à une panne frénétique de batterie et de basse que l'on souhaiterait durer deux fois plus longtemps – signifiant un big bang, une explosion d'énergie et de lumière, et tout le potentiel musical inexploité du brillant avenir de Gaga.

Mieux que tout autre auteur-compositeur, Cole Porter a articulé l’amour comme une force magnétique qui rapproche deux personnes – les flirts entre elles sont un tango habile. Tony Bennett a enregistré cette chanson en solo en 1993, mais sur son dernier album, la présence de Gaga complète le duo. Sur un arrangement mid-tempo qui fait ressortir le meilleur de chaque chanteur, ils échangent les paroles parfaites pour résumer leur partenariat : « Quand la fortune me crie 'Non, non' / Et que les gens déclarent 'Tu as fini' / Chaque fois que le le blues devient ma seule chanson / je me concentre sur toi ! Le clip montre un autre type d'amour – la capacité de voir quelqu'un dans son intégralité – lorsqu'une Bennett vieillissante dessine un portrait au crayon de Gaga qui la fait pleurer. Encore plus que « The Lady Is a Tramp », « I Concentrate on You » est le duo définitif de Gaga et Bennett. À travers les paroles intemporelles de Porter, Bennett défiant la mortalité et Gaga une chanteuse encore meilleure qu'en 2013, la chanson donne l'impression que le lien entre les trois est un miracle.

"Alejandro" a associé l'une des chansons pop les plus accrocheuses de Gaga à ses visuels les plus sombres. Gaga rejette une série de prétendants latins – Alejandro, Fernando, Roberto – via des mélodies qui évoquent ABBA et Madonna, sur un rythme sourd, comme Ace of Base devenu EDM. Le rejet a rarement été aussi doux. La vidéo réalisée par Steven Klein combine cependant le cinéma expressionniste allemand avec des images religieuses et militaristes. Gaga commence par pleurer son amant décédé, mais le récit devient de plus en plus impénétrable à partir de là. C'était presqueaussiprovocateur - peu de gens pourraientavoir du sensde tout cela. Mais ce qui est clair, c'est que la caméra de Steven Klein adore le corps masculin, mettant en lumière autant les danseurs que Gaga elle-même. La vidéo « Alejandro » est un hommage à la masculinité queer et à la capacité des personnes et des artistes marginalisés à prospérer sous l'oppression.

Joaquin Phoenix chante ce solo dansJoker: Folie à Deux- le fait que Gaga s'est vu refuser cette opportunité pourrait être la seule raison pour laquelleArlequinexister. "The Joker" est un véritable spectacle, avec l'un des refrains ceinturés les plus féroces de sa carrière - une demi-octave au-dessus même du drame de Shirley Bassey. C'est cet esprit rock'n'roll que Gaga n'allait jamais apporter à ses collaborations à l'époque de Tony Bennett – et elle n'a jamais intégré ses côtés radicaux et traditionalistes dans une seule chanson.

"Just Dance" a propulsé Lady Gaga dans les charts, mais "Poker Face" est le véritable point de départ de son iconographie. La vidéo s'ouvre comme un film d'horreur, alors que Gaga émerge d'une piscine avec un masque extraterrestre ébloui, nous entraînant dans son monde sonore à l'envers. "Poker Face" était en tête des charts Billboard, non seulement parce qu'il s'agissait d'un ver d'oreille étrange et mineur, mais aussi parce que Lady Gaga était un casse-tête que nous ne parvenions pas à comprendre. Qui était la « vraie » femme derrière le poker face ? Nous nous attendons à ce que la pop soit des surfaces scintillantes, mais Gaga nous disait que l'amour, le sexe et la célébrité sonttousune représentation. En live, elle réinventerait la chanson comme unpièce piano-cabaret solo, souvent dans des contextes de promotion radio peu glamour – sans jamais le jouer deux fois de la même manière. Gaga a refusé d'être cataloguée comme une artiste ou d'être objectivée comme une femme dans la pop. Avec « Poker Face », elle a utilisé sa sexualité comme une arme – non seulement pour plaire à son public, mais pour nous donner envie de plus.

"Stupid Love" est exactement ce que de nombreux fans voulaient (et n'ont pas obtenu) de Lady Gaga depuis 2013.ARTPOP. À la première écoute – qui, pour beaucoup, était en avance de plusieurs semainesgrâce à une fuite embêtante- le premier single de son sixième album donne l'impression qu'elle a repris là où elle s'était arrêtée. Mais la Gaga de 2020 n’a plus rien à prouver. Sa mission est simplement d'élever. La production de BloodPop et Tchami frappe fort avec ses synthés bouillonnants et ses coups de pied 4/4, mais la voix de Gaga s'élève vers le haut et vers l'extérieur dans le territoire de Whitney Houston aux influences gospel. «Freak out, flip out, flip out», chante-t-elle, créant un refrain dans lequel chaque ligne titulaire se termine par un point d'exclamation. "Stupid Love" voit Gaga de nouveau amoureuse du potentiel passionnant de la chanson pop de trois minutes : "Je n'ai pas besoin d'une raison / Pas désolé, je veux ton stupide amour !" C'est un thème disco-pop classique : Ne réfléchissez pas. Sentir! Cédez au pouvoir de guérison de la musique. Ce n'est pas un hasard si c'est ellepremière collaboration avec le superproducteur pop Max Martin, qui laisse sa marque sur les mélodies vocales claires et nettes de la chanson.

Gaga ne fait plus partie de l'avant-garde sonore de la pop depuis 2013, et « Stupid Love » à lui seul n'a pas fait grand-chose pour changer cette perception. Même la vidéo, bien que flamboyante, vise plus le plaisir que l'ambition. Mais ce n'est pas une mauvaise chose. « Stupid Love » est un réveil. Une renaissance en technicolor. Gaga inverse le titre de sa chanson la plus emblématique, « Bad Romance ». Cette fois comme de la joie.

"Replay" associe un groove disco plus traditionnel à des paroles austères : "Le monstre en toi me torture / Les cicatrices dans mon esprit sont en replay, r-replay." Produit par Burns, le morceau« Disco Inferno »-la basse d'octave de style se transforme en un tourbillon chaotique de voix et de cordes dans l'esprit de Gaga. C'est la chose la plus procheChromatiquedoitARTPOPLes hauts maniaques de , où la chanson n'offre aucun réconfort - la seule issue est de frapper ensuite.

La Lady Gaga deLa renomméesemblait invincible; mais un an plus tard,Le monstre de la renommée, elle a mis à nu ses peurs les plus profondes. "Il a mangé mon cœur, puis mon cerveau", chante Gaga sur le pont, ne sachant pas si elle est amoureuse ou si elle a perdu tout contrôle. Soutenu par des toms des années 80 et de magnifiques accords de synthé mélancoliques, « Monster » fait partie des meilleures chansons pop jamais écrites sur la perte de votre innocence – comment le sexe et l'intimité peuvent donner l'impression d'être dévoré vivant.

Nous avons enfin la première chanson originale de Lady Gaga écrite dans un style pop traditionnel. Avec un arrangement qui se situe quelque part entre une croisière sur la Seine, l'âge d'or d'Hollywood et un cirque, Gaga professe sa plus pure confession d'amour.Folie à deux,bien sûr, le français signifie « folie à deux » – un« trouble psychotique partagé »c'est trop complexe pour être résumé ici et n'est pas décrit avec beaucoup de clarté dans leJokersuite non plus. Cependant, l'enregistrement du film contient certains des meilleurs jeux vocaux de Gaga – tout aussi tendres, blessés et pleins d'émerveillement. S'il existe une justice au monde, « Folie à Deux » mérite de survivre au film qui l'a inspiré.

Dans unhistoire très racontée, Bradley Cooper a regardé Gaga interpréter "La Vie en Rose" lors d'une soirée caritative contre le cancer en 2016, puis l'a choisie pour le rôle.Une étoile est néela nuit suivante. Le film reconstitue ce moment pour les caméras, alors que Jackson se promène dans un bar où Ally chante. Gaga est magique, canalisant trois femmes à la fois : Ally, elle-même et Édith Piaf. La voix de Gaga est plus grave, plus musclée que celle de Piaf, mais tout aussi magistrale dans son interprétation, atteignant un point culminant étonnamment passionné. « La Vie en Rose » a toujours été plus qu'une simple chanson d'amour. C'est un hommage au pouvoir transformateur de l'art lui-même. Il ne devrait pas être possible de réinventer un standard aussi emblématique, mais l'interprétation de Gaga dansUne étoile est néeajoute encore une autre couche, illustrant comment la vie quotidienne terne et sans inspiration d'un artiste peut s'épanouir en un art véritablement émouvant.

Au cours d'une présentation house inspirée des années 90 mais intemporelle, Gaga annonce sa présence : "Je marche dans le centre-ville, j'entends mon son / Personne ne me connaît encore, pas pour le moment / Mais je suis obligé de mettre ce sentiment en mouvement." Elle revient souvent sur la découverte de soi et le traumatisme de son histoire d'origine new-yorkaise en chanson, mais ce n'est que maintenant, plus d'une décennie plus tard, qu'elle peut véritablement imprégner son jeune moi de la force dont elle dispose désormais. Dans un refrain que personne d'autre sur la planète ne pourrait offrir mieux, la voix de Gaga s'élève : "Je ne suis rien sans une main ferme… / Je suis une femme libre !" Après les luttes duARTPOPpériode et la timidité deJeanne, c'est un immense soulagement d'entendre Lady Gaga chanter avec une pure joie, le poids du monde n'étant plus sur ses épaules.

Sur un album rempli de messages d'amour-propre et d'autonomisation, l'avant-dernier morceau montre Gaga chantant sa première chanson d'amour inconditionnel – un hommage bluesy et country-rock à son ex-petit-ami.Bonjour Carl. "Il n'y a que trois hommes que je servirai toute ma vie / C'est mon papa, le Nebraska et Jésus-Christ" - les paroles amoureuses de la chanson ont largement contribué à humaniser Gaga. Mais cela ne signifiait pas abandonner les costumes : la vidéo la voit se promener dans les granges et les champs de maïs d'Amérique centrale ; jouer une sirène; et en assumant son personnage de drag Jo Calderone, c'est ainsi qu'elle a ouvert leVMA 2011.

Et pourtant, la chanson a un défaut : la production de Mutt Lange. Sa piste de batterie, construite à partir d'un échantillon inutile de « We Will Rock You », est trop rigide et mécanique – tout ce que la voix de Gaga n'est pas. Pourtant, quand elle a créé pour la première fois « You and I »vivre en 2010, elle a livré l'une de ses performances les plus brutes de tous les temps. En jouant du piano avec son groupe, elle a donné vie à la chanson.balancécomme le rock and roll des années 70.Montrela vidéo ci-dessus, et vous n'entendrez plus jamais « Yoü et moi » de la même manière.

Avant 2020, Lady Gaga avait enregistré d'innombrables morceaux dance-pop, mais elle ne s'était jamais aventurée dans la house music, le sous-genre qui a émergé sur la scène noire et queer de Chicago après l'apogée du disco. Sa voix se débattait avec ses instrumentaux, chacun poussant l'autre à l'extrême. Aujourd’hui, sa voix s’envole toujours, mais sur « Alice », nous l’entendons céder à la musique, se submergeant dans la beauté hypnotique d’un rythme house traînant. Elle utilise ses paroles pour remettre en question, pas pour prêcher. Elle n'est même pas la protagoniste de l'histoire de cette chanson : « Je ne m'appelle pas Alice / Mais je continuerai à chercher, je continuerai à chercher le Pays des Merveilles… / Pourrais-tu me sortir de là vivant ?Chromatiquece n'est pas le paradis; Gaga est décritson mondecomme « pas dystopique, et ce n’est pas utopique ». Ses mélodies euphoriques, élaborées aux côtés de son collaborateur principal BloodPop, sont souvent teintées de tristesse et d'accords mineurs. Mais "Alice" a été le parfait catalyseur pour que Lady Gaga, éternelle vagabonde de 34 ans, se redécouvre à travers la dance-pop qu'elle avait si longtemps évitée.

Depuis que « Just Dance » et « Poker Face » ont fait d'elle un nom connu, Lady Gaga a exploré son psychisme à travers la performance, et souvent l'artifice. Une chanson pop peut avoir plusieurs couches, mais c'est finalement quelque chose qui peut être compris à travers sa surface. Mais il est tout à fait possible de vous présenter comme autonome et vulnérable tout en retenant certaines parties de vous-même.Arlequina été conçu comme un moyen d'explorer davantage l'histoire de Gaga.Jokerpersonnage Harley Quinn, mais sur son avant-dernier morceau, elle laisse tomber complètement le masque. À la guitare acoustique, elle avoue : « Un caractère solitaire / Portraits d'une fille épuisée / Comment suis-je devenue si accro à l'amour du monde entier ? La chanson rappelle bon nombre des moments les plus difficiles de Gaga, tous n'ayant pas été vécus en public – le profond traumatisme qui se cache derrièreARTPOP, le deuil et les problèmes de santé chroniques illustrés dansGaga : cinq pieds deux, la qualité provisoire d'une grande partie deJeannel'écriture confessionnelle de. « Happy Mistake » semble à la dérive – trop brut pour être dans le passé, trop douloureux pour être entièrement présent, trop incertain pour l'avenir. C'est peut-être le moment où Harley Quinn se dissout dans Lady Gaga et, plus loin, dans Stefani Germanotta.

Pendant des années, les fans se sont demandé si Lady Gaga, heureuse et en bonne santé, pourrait un jour revisiter les moments les plus bizarres de ses quatre premiers albums ? Ne vous demandez plus : plombLG7Le single « Disease » frappe avec la force d’un marteau électropop. Gaga canalise les thèmes du sexe et de la maladie qui ont rendu « Do What U Want » et « Swine » si inconfortablement convaincants. Mais cette fois, sa muse a changé : elle n'est plus consumée par les ténèbres mais en contrôle. Co-écrit avec son fiancé, Michael Polansky, qui l'a également encouragée àrevenir à la popEn premier lieu, « Disease » renvoie directement à l'idée que le grand art doit naître de la souffrance.

En 2011, nous nous étions habitués à ce que Gaga repousse les limites, mais c'est quand même incroyable qu'une chanson aussi bizarre soit un succès : "Judas" est une œuvre de camp, de mélodrame, d'opéra, de pop, de danse, de mythologie, de religion, de moralité, et des rythmes industriels claquants tout en un. Gaga raconte l'histoire de Judas Iscariot à travers les yeux d'une Marie-Madeleine déchirée entre Jésus et Judas, l'amour et la tentation, des couplets agressifs et des refrains mélodiques fulgurants. La vidéo de la chanson, qui dépeignait Jésus et les 12 apôtres comme un gang de motards de haute couture, était controversée lors de sa sortie – mais elle n'était pas sacrilège ; il honorait plutôt le concept d’art religieux. Les mythes existent pour être racontés et réinventés, et enNé de cette façon, Lady Gaga avait absolument le pouvoir de le faire.

ARTPOPil s'agissait en fin de compte de trouver la grâce et l'inspiration dans le chaos ; adopter la manie 24h/24 et 7j/7 qui accompagne le fait d'être une pop star connue. « Gypsy » ressemble à un bus de tournée dévalant une autoroute à une vitesse vertigineuse, sachant que le frisson ne peut pas durer éternellement. Avec le recul, c'était le dernier souffle de la première moitié de la carrière de Gaga, lorsque les costumes étaient déchaînés, l'EDM dominait la pop et notre optimisme culturel semblait sans limites. Finalement,les excès de l'époquea eu des conséquences néfastes sur l'esprit, le corps et la perception de Gaga de sa personnalité publique… mais "Gypsy" donne l'impression que tout cela en valait la peine.

La chanson la plus explicite de Gaga sur l'identité, « Hair » réinvente ses années d'adolescence comme une sorte deHistoire du côté ouestchamp de bataille musical. Elle lutte avec les attentes de ses parents et de la société, mais trouve sa libération dans la seule chose qui lui appartient : ses cheveux. La chanson est construite à partir d'éléments qui pourraient ressembler au kitsch des années 80 – des riffs synth-metal, de larges inflexions de Springsteen, le saxophone de Clarence Clemons – mais la confiance en soi de Gaga est si puissante qu'aucune seconde de « Hair » ne semble clichée.La renomméeetLe monstre de la renomméelui a construit un public, mais avecNé de cette façon, Gaga a choisi de refondre la pop comme un espace sûr permettant aux enfants vulnérables, inadaptés et queer de trouver leur individualité et de réinventer le monde à leur image.Né de cette façonétait un album de passage à l’âge adulte pour ses fans, et « Hair » en était le cœur et l’âme.

A l'origine une démo écrite pourBritney Spears, « Telephone » part d'un principe simple et l'élève au rang de pop art : ne m'appelle pas dans le club ; Je sors danser avec Beyoncé ! « Téléphone » estleincarnation de la pop starphase impériale, quand ils peuvent redéfinir l’esprit du temps grâce à une force de volonté apparemment sans effort. Sur des harpes et des synthés buzz-saw produits par la légende du R&B Rodney « Darkchild » Jerkins, Gaga et Beyoncé se croisent au moment idéal – une nouvelle star montante, une star familière consolidant son statut d’icône.

La chanson est indissociable de sa vidéo réalisée par Jonas Åkerlund, d'une durée de neuf minutes et demie.« Paparazzis »suite qui s'inspire à la fois des thrillers de vengeance et des tropes de la musique pop. D'une prison pour femmes au Pussy Wagon en passant par l'empoisonnement d'un restaurant entier, Gaga et Beyoncé sont aux commandes de la caméra, au service de leur surveillance. « Téléphone » est la déclaration féministe ultime de Gaga : elle fait des chosessonmanière, sans égard pour le regard masculin ou les gardiens de l’industrie musicale. "Telephone" n'a pas seulement élevé Gaga au rang de pop star, il a fait d'elle une nouvelleIcône américaine.

Les synthés grinçants se transforment en un riff de la taille d'un stade alors que les gémissements de Gaga cèdent la place à une introduction morbide : "Silicone, saline, poison / Inject me baby / I'm a free bitch". "Dance in the Dark" parle d'une femme qui ne peut avoir des relations sexuelles que lorsque les lumières sont éteintes – qui trouve la libération, sa volonté de vivre, dans l'obscurité. Le pont de paroles de la chanson évoque le « Vogue » de Madonna, mais Gaga parle aux morts, invoquantsondes icônes comme des fantômes qui hantent nos mémoires : Marilyn Monroe, Sylvia Plath, Judy Garland, JonBenét Ramsey, Liberace, Jesus, Stanley Kubrick et la princesse Diana.Le monstre de la renomméeLe morceau se situe sur le fil du rasoir entre glamour, tragédie et immortalité. AuPrix ​​​​Britanniques 2010, Gaga a dédié "Dance in the Dark" à Alexander McQueen récemment décédé, dans une performance qui était tout sauf conventionnelle. C'est criminel que cela n'ait jamais été un vrai single, mais peut-être qu'il a toujours été destiné à devenir un favori culte.

Né de cette façons'ouvre sur un pèlerinage dans le Lower East Side de New York, lieu de la renaissance de Stefani Germanotta sous le nom de Lady Gaga. "Marry the Night" commence comme un hymne mélancolique qui s'accélère en un opéra électro-rock, alors que Gaga romantise ses journées d'artiste en difficulté, déterminée à réussir à tout prix. Gaga chante le désespoir et la gloire, l'amour et la perte, jusqu'à ce que vous ne sachiez plus lequel est lequel, jusqu'à ce que la chanson se termine sur des accords de synthé qui montent comme un escalier éclairé au néon vers le ciel.

"Marry the Night" a ensuite clôturé leNé de cette façonépoque avec l'un des plus personnels de Gagavidéos, une épopée de 14 minutes sur «l'un des pires jours de [sa] vie»- le jour où Def Jam l'a retirée de son premier contrat d'enregistrement. Les visions de Gaga concernant les robes d'hôpital haute couture, le ballet et sa renaissance en tant que déesse du feu n'ont aucune ressemblance avec l'art qu'elle créait en 2007, mais c'était là le point - làétaitpas de regard en arrière.

Le deuxième single deChromatique, "Pluie sur moi» a articulé la nouvelle philosophie de Gaga : la positivité peut être plus curative que de combattre la source de votre douleur. Associant les deux plus grandes pop stars italo-américaines d’aujourd’hui, « Rain on Me » permet à Gaga et Ariana Grande d’être complètement elles-mêmes. La prestation puissante de Gaga propulse le morceau vers l'avant, mais dans le deuxième couplet, la production se contracte pour s'adapter au doux roucoulement d'Ariana. Parmi tous ses rebondissements, compressant l'arc entier d'un morceau house classique de sept minutes en la moitié de ce temps, « Rain on Me » pourrait être la chanson la plus généreuse en émotion jamais écrite par Lady Gaga. Cela n’exige rien de la part de l’auditeur – cela donne et rayonne simplement de l’amour. La vidéo, réalisée par Robert Rodriguez, montre les deux femmes dansant sous une pluie d’eau et de couteaux de science-fiction – sans ignorer leur douleur, mais en s’épanouissant, sans conflit intérieur. En tête du Billboard Hot 100 pendant une semaine en juin, « Rain on Me » — avec Dua Lipa'sNostalgie du futur— nous a semblé être l'une des rares sources de pure joie que nous avons eues pendant les mois les plus sombres de 2020. Il est impossible de l'écouter sans se souvenir de cette époque ; pour reconnaître les pertes que nous avons endurées et toutes les façons dont nous avons grandi et guéri depuis.

CommeARTPOPLe premier single et titre de clôture de, "Applause", clôt la première moitié de la carrière de Lady Gaga avec une déclaration circulaire : "La culture pop était dans l'art, maintenant l'art est dans la culture pop, en moi !" Porté par des variations infinies sur six accords en boucle, « Applause » est le plus grand moment de méta-commentaire de Gaga. En 2013, cela semblait correspondre aux tendances EDM-pop de l'époque, mais avec le recul, c'est toujours le single théâtral le plus agressif qu'elle ait jamais sorti. Ses vers androgynes, à la Bowie. Ce remplissage de tambour accéléré inoubliable. Le refrain singulièrement décalé. Et le pont. La note la plus haute qu'elle ait jamais atteinte. C'étaient toutes des choses que nous n'avions jamais entendues de Gaga auparavant – ou depuis.

Le clip, réalisé par les photographes de mode Inez & Vinoodh, est un hommage à la joie salvatrice de l'expression créative - rempli de gags visuels absurdes et hilarants etréférences artistiques. D'une manière ou d'une autre, les performances live de Gaga étaient encore plus folles : elle a ouvert les VMA 2013 en chantant « Applause » danscinq costumes différents(chacune représentant une de ses époques) et a réalisé unMagicien d'Ozhommagesur, de tous les endroits,Bonjour Amérique. Plus tard dans la série, Gaga a déclaré : « Toutes ces tenues et toutes ces perruques que j'ai changées au fil des ans… C'est ma façon d'arriver à Oz. Pour que tous mes rêves deviennent réalité… Dorothy a su se transformer pour survivre. Cinq ans seulement après ses débuts, Gaga a consolidé son héritage en tant qu’icône de la pop, et « Applause » en était l’une des principales raisons.

"Speechless" n'avait rien à voir avec la Lady Gaga inspirée par Warhol deLa renommée, mais un an plus tard, ses confessions de piano-bar s'inscrivent parfaitement dans la sombre électropop deLe monstre de la renommée. Écrit comme un plaidoyer pourson père, qui refusait de subir une opération à cœur ouvert pour une maladie potentiellement mortelle, « Speechless » est l'une des grandes ballades pop du complexe œdipien. Pour la première fois, elle considère son parent bien-aimé et troublé comme un égal, s'adressant à lui avec la candeur brisée d'un amant. "Je n'écrirai jamais une chanson / Je ne chanterai même pas / Je n'aimerai plus jamais", chante Gaga, si dévastée qu'elle pourrait tout jeter. Derrière chaque grande chanson pop se cache un véritable puits d’émotion, et « Speechless » met tout cela à nu.

Une étoile est néeTout le récit de se déroule dans « Shallow », un duo entre un homme qui aspire au changement et la femme qui finit par l'accepter quand il ne le peut pas. Dans les couplets, les paroles et les lignes vocales de Bradley Cooper et Gaga se reflètent – ​​deux cyniques fatigués du monde se faisant une sérénade. Mais avec le refrain, la chanson se transforme en une ballade puissante, alors que Gaga saute dans son registre supérieur avant de libérer cet emblématique « »gémissement tout-puissant», s’abandonnant une fois pour toutes à ses émotions. Il n’est pas étonnant que « Shallow » ait touché une corde sensible. La chanson résume le sentiment palpitant d'Ally montant sur la scène de Jackson Maine pour la première fois, sa vie sur le point de changer pour toujours. AuOscars 2019, Cooper et Gaga ont finalement interprété la chanson comme eux-mêmes, donnant vie au mélodrame du grand écran et assurant une victoire pour « Shallow » ce soir-là. Qu'il s'agisse de Judy Garland et James Mason, Barbra Streisand et Kris Kristofferson, ou encore Cooper et Gaga,Une étoile est néeLes mythes de l'ambition et de la tragédie résonnent encore dans une culture populaire épris de célébrité. Mais dans les années qui ont suivi, « Shallow » n'a pas seulement transcendé le film ; elle est devenue l'une des rares chansons, tous genres confondus, à atteindre le statut de standard moderne. Sur Spotify, c'est de loin la chanson la plus écoutée de Gaga, avec plus de 2,5 milliards d'écoutes.

Contrairement à tout autre morceau des débuts de Gaga, « Paparazzi » dépeint la célébrité non pas comme un terrain de jeu hédoniste, mais comme un thriller érotique transformé en film d'horreur. Les paroles de Gaga mélangent amour, voyeurisme et obsession du harcèlement, alors qu'elle force son sujet à jouer le rôle qu'elle veut qu'il joue. La production de Rob Fusari canalise les rythmes rebondissants et percutants de Timbaland, mais en élimine les excès, tandis que les couplets dissonants cèdent la place à un refrain en tonalité majeure si joli qu'il en est troublant, irréel : « Bébé, tu seras célèbre / Poursuis-toi jusqu'à ce que tu sois célèbre. aime-moi." À la radio en 2009, cela semblait séduisant et dangereux – il n’y avait rien d’autre de pareil.

Dans le clip de sept minutes sorti en juin 2009, Gaga incarne une star déchue qui assassine son petit ami pour atteindre un niveau d'infamie encore plus élevé. Réalisé par Jonas Åkerlund, cela ressemblait à la première vidéo pop depuis des années aspirant au statut de cinéma d'art - avec des plans évoquantVertige,Métropole, et les films de Federico Fellini. Et avec sa gamme de looks haute couture, y compris des fauteuils roulants et des béquilles éblouis, des photos glamour et une tenue de meurtrière de Minnie Mouse, « Paparazzi » a marqué le point où tout a cliqué dans les ambitions artistiques de Gaga.

Elle s'est rapidement surpassée avec une performance fébrile et stellaire auVMA 2009– la même nuit où Madonna a commémoré Michael Jackson et où Kanye a interrompu Taylor. L’année qui a suivi la rupture publique de Britney Spears a été une période étrange pour vouloir devenir une pop star. Mais tandis que Gaga était suspendue au plafond, dégoulinante de sang sur scène, elle refusait d'être uneobjetde renommée. Elle le ferait selon ses propres conditions, ou pas du tout.

Lady Gaga a présenté « Born This Way » pour la première fois après avoir accepté le VMA 2010 de la vidéo de l'année tout en portant (entre toutes choses) sa fameuse robe en viande. Dans l'un des moments les plus émouvants de l'histoire de MTV, elle a chanté le refrain de la chanson a cappella – émue jusqu'aux larmes, non pas par son propre succès personnel mais par son message. Gaga ne voulait pas seulement écrire l’hymne LGBTQ+ le plus grand et le plus édifiant de tous les temps ; elle voulait changer le monde. La puissance de « Born This Way » réside dans sa franchise. Il ne tire aucun coup de poing. Ildemandesrespect de soi. Même si vous ne croyez pas en vous, Gaga croit en vous. Sa voix, inspirée par Whitney Houston, canalise la puissance supérieure de la musique gospel. Pourtant, elle chante sur un morceau riche en synthés qui grogne et crépite d'électricité si fort que l'on peut à peine distinguer les éléments individuels. « Born This Way » ressemble à un organisme collectif unique : spirituel, mécanique,vivant.

Cela a conduit à son clip le plus bizarre à ce jour, qui imaginait la naissance d’une race extraterrestre – une race qui « ne porte aucun préjugé, aucun jugement, mais une liberté illimitée ». Avec des liquides amniotiques, des cornes prothétiques et des séquences de danse surréalistes, Gaga a poussé le spectateur à accepter la beauté sous toutes ses formes, en particulier dans l'imagerie transhumaniste.

Peut-être qu’aucune chanson pop des années 2010 n’a suscité autant de débats, même de la part d’auditeurs sympathiques. Il y a des choix de mots discutables (« orienter », « chola »), et au-delà des comparaisons avec Madonna, le classique disco de Valentino «Je suis né de cette façon» a précédé Gaga de 36 ans. Mais plus d’une décennie plus tard, il est incontestable que « Born This Way » a défoncé les portes. Ou du moins, il a ouvert l’esprit de nombreux jeunes queer qui avaient besoin d’entendre son message. Dans un bel acte de hasard, "Born This Way" a été classé au palmarès Billboard Hot 100.1 000e single n°1. Dans la première moitié des années 2010, de nombreuses chansons pop ont été écrites dans un but précis. « Born This Way » est celui dont nous nous souviendrons. Le temps a prouvé sa vérité.

« The Edge of Glory » est un hymne de danse énorme, majeur, infusé par Springsteen – et la rare chanson pop qui ose regarder la mort en face. S'ouvrant sur le son d'un battement de cœur, les synthétiseurs pulsent et tourbillonnent autour de Gaga, créant un refrain électrifié. Alors que sa voix monte de plus en plus haut : « Je suis au bord, au bord, au bord, au bord ! — Gaga fait de vous un croyant. La chanson a été inspirée parle décès de son grand-père; la mort arrive pour nous tous, mais Gaga la transcende en vivant sans peur : « Ce n'est pas l'enfer si tout le monde connaît mon nom ce soir ! » Trois ans seulement après ses débuts, elle pensait déjà à l'héritage qu'elle laisserait derrière elle. « The Edge of Glory » évoque peut-être la pop des années 80, mais elle semble déjà intemporelle : c'est l'une des chansons pop existentielles les plus joyeuses jamais écrites.

Comparé à ses précédents clips, « The Edge of Glory » est étrangement vide – mais non moins magique. Vêtue d'un maquillage à la Siouxsie, Gaga synchronise ses lèvres et se pavane, sans chorégraphie, à travers un immeuble artificiel de New York, regardant directement la caméra avec la faim d'une femme au sommet du monde. Il n’y a rien qui détourne votre regard d’elle. La seule autre personne dans la vidéo est Clarence Clemons, le saxophoniste légendaire du E Street Band, faisant ce qu'il fait de mieux – exprimer le son de la pure passion – dans un dernier solo qui englobe toute sa carrière avant sa mort quelques jours plus tard. Vous ne pourriez pas imaginer une façon plus poétique de partir au coucher du soleil.

Y aurait-il un autre choix ? Sorti en octobre 2009, « Bad Romance » n’a pas seulement marqué la fin des années 2000. Son ombre plane encore aujourd’hui sur la musique pop. Malgré son titre, la chanson ne parle pas seulement d'amour – ni même de relation toxique. Il s’agit d’affronter l’obscurité qui réside à la fois à l’intérieur et à l’extérieur de chacun. Le morceau est construit à partir du même squelette de base que « Poker Face », mais chaque élément est en guerre contre lui-même ; les crochets, les couplets et les pré-refrains entrent en collision et se répètent dans différentes formations. Le son caractéristique de RedOne devient cauchemardesque : ses quatre tambours au sol sont explosifs. Ses synthés glacés. Le dissonantsynthés aspirateurbouillonner commeCordes Bernard Herrmann- faisant écho aux références des paroles à celles d'HitchcockPsycho,Vertige, etLunette arrière. Gaga appose son nom sur le crochet « Gaga, ooh-la-la » – ce qui est à la fois absurde et totalement cohérent. Une vocalisation de pure manie. Sur l'un des ponts les plus puissants de l'histoire de la pop, la tension monte alors que la voix de Gaga cascade autour de vous. "Je ne veux pas être amis", supplie-t-elle encore et encore jusqu'à ce que sa voix monte d'une octave, trébuchante de vibrato, et que la musique s'arrête - "Tu veux ta mauvaise romance !" C'est tout ou rien.

Ensuite, il y a la vidéo (réalisée par Francis Lawrence, qui dirigera plus tardLes jeux de la faimsuites), qui se déroule dans une salle blanche rappelant2001 : Une odyssée de l'espaceLa chambre de - la scène où se déroule toute la vie. Le clip commence par un extrait électrifié d'unFugue de Bachjusqu'à ce que Gaga et ses danseurs se réveillent. Elle est kidnappée, droguée et forcée de se produire pour des gangsters russes – une métaphore de la manière dont l'industrie musicale marchandise les artistes. Les mouvements et les tenues de Gaga sont autant d'horreur corporelle que de haute couture – obscurcissant son visage alors qu'elle danse, griffant l'air. Dans ce qui pourrait être leimage définitivede la carrière de Gaga, nous avons de brefs aperçus deson visageen très gros plan, incroyablement glamour mais avec moins d'ornements que ce que nous avions jamais vu sur elle à l'époque. Comme une icône religieuse ou unstar du cinéma muet, elle pleure ouvertement – ​​reconnaissant le bouleversement émotionnel de la chanson. Le message : Sans véritable vulnérabilité, il ne peut y avoir ni art, ni amour, ni expression – seulement la peur et l’inévitabilité de la mort. Finalement, elle brûle vif son ravisseur. Elle ne sera plus jamais redevable à personne.

« Bad Romance », en chanson et en vidéo, est sans limites. Il ne fait aucune distinction entre la musique classique, la haute couture, le cinéma d'avant-garde, la danse ou la pop. En cinq mois, c'est devenuLa vidéo la plus vue sur YouTubeà l'époque; sa pure étrangeté n'a fait que le rendre plus convaincant pour un public de masse. Lady Gaga a commencé comme un personnage warholien avide de gloire, mais « Bad Romance » a achevé sa transformation en une artiste véritablement intrépide et globale. C’était jusqu’à présent le plus grand risque (et la plus grande récompense) de sa carrière.Le monstre de la renommée» est toujours la déclaration ultime de Gaga : il n'y a rien à craindre, sauf tout.