Les 234 chansons de U2, classées du pire au meilleur

En 1976, un étudiant nommé Larry Mullen Jr. a affiché un avis à la Mount Temple Comprehensive School : « Le batteur cherche des musiciens pour former un groupe. » C'est ainsi que les membres de U2 se sont rencontrés, unmoment spécifiquement commémorédans les nouveaux mémoires de Bono,Surrender : 40 chansons, une histoire(sortie le 1er novembre).

U2 est, à ce stade, le seul groupe de rock de son envergure qui possède encore la formation originale : personne n'a fait d'overdose, personne n'a été licencié, personne n'a quitté le groupe pour poursuivre une carrière solo. Oui, ils possèdent des maisons dans le sud de la France et apparaissent dans les potins occasionnels et Bono s'envole pour Davos chaque année, mais ils restent toujours très présents.groupe,et il y a quelque chose de remarquable dans le fait qu'ils continuent à rester une entreprise en activité.

La voie traditionnelle vers le succès dans l’industrie musicale n’existe plus, et si c’était le cas, un groupe comme U2 n’aurait jamais obtenu le contrôle créatif qu’il avait demandé – et obtenu. Aucun label encore en activité aujourd’hui ne leur aurait permis de sortir un troisième album après les batailles autour du deuxième. Et même après avoir acquis une renommée et une fortune internationales avecL'arbre de Josué, leur cinquième album, sorti en 1987, ils sont revenus sur terre avec sa suite,Hochet et bourdonnement, que tous les critiques rock du monde ont interprété comme une tentative de U2 d’enseigner la musique américaine à l’Amérique.

À la fin des années 80, U2 aurait pu simplement continuer à avancer avec sa formule existante et peut-être survivre encore quelques années avec ce modèle. Les maisons de disques veulent certainement que les groupes continuent à faire, encore et encore, ce qui leur a rapporté tout cet argent. Il a fallu énormément de prévoyance à U2 pour faire une pause et beaucoup de courage pour monter sur scène et informer votre public que « … c'est la fin de quelque chose pour U2… Nous devons partir et… et tout rêver à nouveau. »

A la recherche de ce rêve, Bono a décidé que si U2 décampait à Berlin avec Brian Eno et Daniel Lanois, quelque chose devait se passer. Et c’est ce qui s’est produit. Mais pendant un certain temps, ce n’était presque pas le cas. Chaque membre de U2 était convaincu à un moment ou à un autre des débuts aux studios Hansa – le même endroit où David Bowie, Iggy Pop et d'autres étaient allés chercher la magie, ou du moins l'inspiration – que c'était la fin de U2. Et puis, un jour, Lanois propose à Edge de combiner deux parties de guitare distinctes. Ces mélodies de guitare sont devenues le début de « One » et le début de ce qui allait devenirAttention bébé– ce que Bono a appelé « le bruit de quatre hommes coupant l’arbre de Josué ».

U2 reviendrait en force au tournant du millénaire avecTout ce que tu ne peux pas laisser derrière toijuste au moment où personne ne leur aurait reproché de rester les bras croisés sur leurs tas d'argent, de poursuivre des « projets parallèles » et de tourner tous les deux ans derrière leur catalogue. Réalisant que les ventes de disques allaient, à un moment donné, cesser d'être une source de revenus principale, le groupe a conclu des accords très lucratifs avec des sociétés comme BlackBerry et Apple. Cela leur a donné le luxe d'écrire et d'enregistrer à leur guise, ce qui est arrivé avecChansons d'expérience. Le groupe a assuré à tout le monde qu'il sortirait peu de temps après la fin du concert.Chansons d'innocencetournée fin 2015, mais nous ne l'avons vu que deux ans plus tard, et ils ont tournéL'arbre de Josuéencore avant de partir en tournéeExpérience.

En l'honneur de la publication des mémoires de Bono, nous avons mis à jour notre liste originale pour inclureChansons d'expérienceainsi qu'une poignée d'autres versions officielles de U2. Ce qui suit est un aperçu de chaque chanson* publiée par U2, classée du pire au meilleur.

*Les règles de base : cette liste comprend uniquement les chansons U2 officiellement publiées. Cela exclut les reprises, les sorties Bono-Edge ou Larry Mullen Jr.–Adam Clayton (donc nonHomme araignéeet pas de « Mission : Impossible », qui est de toute façon une couverture). Les passagers sont exclus, à l'exception de « Miss Sarajevo » et « Your Blue Room ». Les versions live et les remix sont traités comme la même chanson et couverts dans l'entrée de cette chanson si cela est pertinent par rapport à sa position sur la liste.

Merci à/sources :U2 par U2, celui de Niall StokesU2 : Les histoires derrière chaque chanson de U2, etatu2.comLes paroles et les sections de la tournée de .

Toutes les pensées expérimentales n'ont pas besoin d'être enregistrées et publiées, surtout si vous envisagez de les considérer comme la deuxième partie d'une autre à jeter.

J'aime l'idée que U2 essaie d'être les Talking Heads, mais toutes ces expérimentations n'avaient pas besoin d'être enregistrées ou publiées. (C'est amusant d'y chanter le refrain de "Psycho Killer", cependant.)

Les mécaniques de "GOOYOW" ont certains de ces moments de génie absolu dans la mélodie, mais je ne pardonnerai jamais à Bono l'utilisation abusive de l'expression.Terre Promiseet pour tout ce verset sur l'esclavage, dans lequel il jette le fantôme d'Abraham Lincoln. Il entraîne même le pauvre Kendrick Lamar dans ce pétrin. Ce serait génial si nous pouvions simplement oublier que cette chanson existe.

Une autre face B non LP pour laquelle les fans se mobilisent continuellement. C'est probablement le morceau le plus surfait de tout le répertoire de U2. Je comprends; c'est le jam dont est issu le riff « Beautiful Day ». Mais et alors ? Il est par ailleurs plat et sans relief, et loin d’être adjacent à sa forme finale. C'est une démo de chambre à coucher, au mieux un croquis sur une serviette. Rétrogradé.

C'est le genre de chanson que vous écrivez pour un film d'animation pour enfants dans lequel vous incarnez un lion qui est une rock star à la retraite qui fait son retour – quelque chose que vous pouvez faire lorsque vous avez déjà littéralement écrit des chansons qui ont sauvé des vies, comme « Out of Contrôle » ou « Là où les rues n’ont pas de nom » ou « Courir pour rester immobile ».

Ils avaient besoin d’une face B pour « Fire ». "Cela s'est fait dans une panique folle", note Edge. "Il ne restait plus que deux heures, faisons-le." Cela ressemble à ça.

C'est tellement grave que c'en est embarrassant, une tentative de trouver une solution en studio qui aurait dû être effacée par l'enregistrement sur bande. Beat raisonnable, mais paroles stupides et titre insensé.

Quand U2 est un groupe de rock, ils sont les plus crédibles, parce que c'est ce qu'ils sont. C'est une peau dans laquelle ils se glissent avec confort et habileté. Lorsque vous entendez un cri bruyant et croustillant comme cette chanson, vous voulez qu'il vous procure une catharsis à la fois physique et émotionnelle. Musicalement, c'est ce qui se passe, mais Bono décide ensuite d'être aussi vague que possible sur le plan des paroles. Oui, nous le savons,L'Amérique est une idée- vous nous le dites depuis des décennies - mais au moment où vous l'avez écrit, cette idée s'effilochait, et cette salade de mots vague et déclamatoire qui venait de recycler l'un de vos slogans préférés a été votre réponse ? Pour faire bonne mesure, il invente le motrefu-Jésus, ce qui était complètement inutile et, franchement, paresseux. Sortez un mégaphone et un drapeau américain en toile de fond en direct et peut-être que les personnes dans le public qui ont voté républicain oublieront que vous essayez de faire valoir les réfugiés et la responsabilité du monde à leur égard.

Le titre de cette chanson est censé être le nom tacite de Dieu, alors bien sûr Bono voulait l'avoir dans le refrain. La mélodie est vague et insatisfaisante, et les paroles sont coincées dans ce no man's land entre Bongolese et les paroles finies. C'est une façon terrible de terminer un album.

On dirait un groupe New Wave de troisième ordre essayant d’être pertinent. Ce morceau est horrible, encore pire en ouvrant la face deux après la fin gracieuse de la première face avec « Drowning Man ». Bono commentera plus tard : "Je pense que c'est probablement dans la mauvaise tonalité et qu'il essaie d'être excitant sans vraiment y parvenir."

Un reste acoustique à la Beatles deTout ce que tu ne peux pas laisser derrière toi. "Wild Honey" occupait le même thème général, bien que Edge ait déclaré que "Flower Child" est une chanson qui, selon lui, attend une réécriture.

Si cela vous semble familier, c'est parce qu'il s'agissait d'une autre démo de base qui a été démembrée : le solo de guitare est le fondu de sortie à la fin deGarçon, et le reste a été retravaillé en "Fire" deOctobre.The Edge a raison de dire qu'« en réécoutant maintenant, je ne peux m'empêcher de penser que nous avons perdu une partie de la puissance et de la franchise de l'original ».

U2 a pris leChansons d'expériencetournée en Inde en 2019, leur première apparition dans ce pays, et a collaboré avec AR Rahman, un musicien qui (entre autres) aime travailler dans l'espace entre la musique orientale et occidentale.Ahimsaest le mot sanskrit pour « non-violence ». C'est une belle chanson et un geste poli.

C'est un joli instrument qui provient d'une ligne de basse d'Adam Clayton qu'Eno a alimentée via une sorte de processeur. Parfaitement acceptable en face B.

Il y a des éléments intéressants dans celui-ci – les groupes tueraient pour cette dernière minute, le Sturm und Drang, la puissance et la portance de la mélodie, et la musculature de l'ensemble du groupe qui se rassemble – mais c'est finalement oubliable. La meilleure interprétation que je puisse voir est qu'il s'agit d'un résumé de ce que signifie être marié à Bono, et compte tenu du nombre de chansons sur cet album et sur le précédent qui parlent de sa femme de manière indirecte ou flagrante (il mentionneamour34 fois), ce n’est pas énorme. « Bébé, c'est un jour d'alerte / mais bébé, allons à l'eau » est le genre de défi direct au destin que l'on peut facilement imaginer que Paul David Hewson lance à plusieurs moments de sa vie. Cela pourrait être un sujet fascinant (et cela a été dans d'autres chansons d'autres albums), mais vous ne vous souviendrez jamais que celui-ci existe à moins qu'il n'apparaisse en lecture aléatoire lors d'un road trip.

Une proto-version deZoo"Numb" de , avec une instrumentation familière, mais des paroles beaucoup plus traditionnelles. "C'est une piste d'accompagnement électronique assez déséquilibrée avec une mélodie et des paroles très traditionnelles", a déclaré Edge.Pierre roulanteen 2011. «Ça a presque fonctionné.»

Proto-« Vertigo », avec des paroles différentes sur le militant amérindien emprisonné Leonard Peltier. "Les paroles parlaient de quelque chose qui me tient profondément à cœur", a déclaré Bono.Pierre roulanteen 2004, « mais la chanson ne vibrait pas. Cela n'a pas changé la température ambiante.

Deuxième single sorti par le groupe, il se situe de la tête et des épaules au-dessus des autres premiers morceaux en raison de son orientation cohérente et de son exécution faisant autorité. S'ils n'étaient pas la prochaine grande nouveauté, ils feraient de leur mieux pour ressembler à cela. Faites semblant jusqu'à ce que vous y parveniez. Cela a fonctionné.

Il s'agit d'une ébauche datant du début du processus d'enregistrement de l'album, que le groupe a retravaillé en 2009 pour la réédition du disque, même s'il est très difficile de comprendre pourquoi.

Cette sortie deAucune ligne à l'horizona été utilisée comme musique d'introduction pour la tournée 360°, et est sortie avec l'édition de luxe deEn direct du Rose BowlDVD et a été mis à disposition en streaming sur u2.com pendant environ cinq minutes.

Bono a écrit une chanson hommage à Berlin avant de réaliser l'intégralitéAttention bébél'album était un hommage. Les paroles font grimacer, mais la mélodie a une intensité monochrome, grâce aux crochets précis et saccadés d'Edge qui donnent l'impression que le trafic berlinois à l'époque.

Il s'agit d'un intermède calme et de bon goût que l'on pourrait penser concerne la Californie - à cause du titre et de la phraseCôte Ouestest dans le refrain et parce que ça ressemble à une chanson de plage. Ce qui est vrai, sauf que la plage est dans le sud de la France, où U2 entretient des maisons. De plus, la « Côte Ouest » est censée être la côte ouest de la Syrie, puisque « Summer of Love » parle en fait de réfugiés dans la mer Méditerranée, une chose à laquelle Bono pensait beaucoup quand lui et le groupe étaient assis sur la plage. Il était contrarié que les gens pensent que la chanson parlait de la Californie puisqu'il mentionne Alep par son nom une fois. (Je ne saurais même pas ce qui précède si je n'avais pas lu une interview de Jann Wenner dans laquelle il se plaignait que les gens ne comprenaient pas la chanson.) Il n'y a rien de poignant, de obsédant ou d'inquiétant dans celle-ci - Bono s'en rapproche. pour y aller, puis reculer.

"Scarlet", le morceau qui précède "Is That All?" surOctobreC'était un léger adieu qui faisait écho au thème de l'album et fermait la porte à cette période particulière de U2. Pour une raison quelconque, le groupe a décidé d'ajouter une chanson supplémentaire, une chanson qu'ils avaient écrite en studio. Les paroles sont tellement vides qu’elles ne valent même pas la peine d’en discuter.

De la pile de retrait pourLe feu inoubliable, ressuscité pour diverses faces B et l'EP. C'est certainement une atmosphère et une étape intéressante pour le prochain voyage vers la Vallée de la Mort.

Plus de prises extraites de la pile pour remplir des singles de 12 pouces.

Une autre des missives d'amour et de luxure résultant des épouses disparues au cours de laArbre de Josuésessions, c'est un souvenir des indiscrétions de jeunesse dans la maison d'enfance de Bono. Notez la phrase « Vous ne pouvez pas retourner à l'endroit que vous n'avez jamais quitté », qui sera empruntée plus tard pour « Cedarwood Road » en 2015.

Un instrumental atmosphérique, presque tribal, qui est essentiellement un solo de basse. Adam chante également le chant principal, comme eux.

C'est la version de U2 d'une chanson des Ramones, interprétée en live à Dublin en 1980. Succincte et délicieuse.

Edge décrit ce morceau issu d'une première session d'enregistrement de l'album comme suit : "Il a été un concurrent pendant un certain temps, mais n'a jamais eu la substance." En effet.

Sortie duGuerresessions, mais la réédition indique qu'il a été initialement enregistré en 1982, avec un enregistrement supplémentaire non spécifique en 2008. Si cet enregistrement supplémentaire était destiné à améliorer ou à terminer l'extrait… disons simplement que cela n'a pas beaucoup aidé.

Lors de l'enregistrement deLe feu inoubliable, The Edge découvre King Sunny Ade et la musique juju, croisement entre pop occidentale et rythmes africains. Le Juju est, à la base, une forme musicale rebondissante et hautement dansante, et il a définitivement influencé cet extrait raffiné duTJTséances. Cela n’aurait pu figurer nulle part dans le dossier, mais c’est au moins une réflexion complète.

À mesure que vous vieillissez et que vous commencez à perdre des proches, puis des parents, votre vision de la vie et la façon de la vivre changent d'une manière que vous n'appréciez pas tant que vous n'y êtes pas. La perte du père de Bono est terminéeHTDAAB, et ici spécifiquement. Bono parlait à Noel Gallagher, qui lui demanda si Bob Hewson croyait en Dieu. Bono a répondu : "Je ne pense pas qu'il le sache." Noel a répondu: "Eh bien, il est sur le point de savoir maintenant." Bono : "Je vais écrire cette chanson." "Ça a commencé dans une sorte de Velvet Underground et s'est dirigé vers le pays", a déclaré Edge à propos de ce morceau, ce qui est vrai, sauf que Bono a canalisé Lou Reed et non, disons, Gram Parsons.

Un premier instrument qui semble être une coda pour « Amazing Journey » des Who. Une partie du set des premières années (1979-80) du groupe.

CeAttention bébéouttake est un instrument doux et délicat au piano et à la guitare acoustique. Vous pouvez simplement imaginer cela sous les lustres du Meistersaal de Hansa Studios.

Il est impossible d'écouter cet extrait et de ne pas l'imaginer comme le remake affectueux de U2 de « Perfect Day » de Lou Reed. La cadence du chant et l'ennui dans l'inflexion, le rythme langoureux de l'instrumentation sont merveilleux, mais les paroles de cette version officiellement publiée, bien qu'améliorées par rapport à la sortie (bootleg) du studio, ne sont toujours pas assez fortes, ce qui est regrettable.

La meilleure chose à propos de cette chanson est la façon dont la section rythmique est juste devant, avec le genre de ligne de basse de Clayton qui fait trembler les côtes, il n'a pas beaucoup l'occasion de jouer ces jours-ci. Il y a tellement de U2 dans ce morceau, avec des arpèges Edge-ian brillants qui ondulent et une ambiance généralement pop et bouillonnante. Tout cela correspond parfaitement à leur idéal (au lieu d’une sorte d’influence extérieure qui leur impose la modernité). Cela dit, cela n'innove pas et, bien qu'il s'agisse de la troisième chanson duChansons d'expérience, est pour la plupart oubliable.

Guitare forte et bruyante, une autre chanson canalisant les Who (ce n'est pas une mauvaise chose). Pas assez fort pour faire l'album.

« Les paroles originales étaient beaucoup plus émouvantes. Je ne suis pas sûr que la meilleure version ait fini sur l'album », a déclaré Bono. Vous pouvez avoir un aperçu de ce dont il parle dans les paroles, mais sinon, c'est alambiqué et maladroit, et la prestation vocale manque d'émotion.

Si votre première pensée lorsque vous entendez ceci est : « Cela ressemble à unLe sergent. Poivreouttake », attendez de voir la vidéo.

Probablement l’extrait le plus populaire parmi les fans de U2. De laComment démanteler une bombe atomiquesessions, il a été joué moins d'une douzaine de fois sur la moitié arrière de la tournée 360°. Il est difficile de comprendre la réaction enragée face à ce morceau particulier, mis à part sa relative rareté. (Il a été divulgué sur Internet, probablement lorsqu'un CD de brouillons a été volé lors d'une séance photo en France.)C'est bien mieux en direct, mais honnêtement, il faudrait encore beaucoup de travail sur les paroles avant qu'il soit digne de tout le battage médiatique.

Ce morceau ressemble plus à un prélude à l’album qu’à une chanson complète ; en concert (au moins sur la partie américaine duChansons d'expériencetournée), c'était une introduction et une bénédiction. Bono n'a pas été précis sur ses problèmes de santé critiques qui sont devenus le centre de ses préoccupations.Chansons d'expérience, mais les tomodensitogrammes et autres sons et artefacts médicaux qui sont devenus partie intégrante de la performance live – et donc de l'histoire – ont clairement montré qu'il s'agissait d'un événement qui a changé la vie. « Ce n’est pas le moment de ne pas être en vie » est une phrase qui vous serrera le cœur.

« Je ne peux pas changer le monde / mais je peux changer le monde en moi » est une observation raisonnable, mais le reste des paroles semble informel ; Bono a dit que c'était censé être la même histoire que "I Will Follow", avec une maison qui s'effondre. Le titre n'est pas accidentel et est également lié au renouveau religieux que traversait 75 % du groupe au moment de l'enregistrement de l'album. Il y a des balayages gracieux et des arpèges de Edge-ness d'un bout à l'autre, mais ce n'est pas suffisant pour donner des jambes à cette chanson.

Une ode aux nombreux mannequins qui ont commencé à fréquenter U2 dans les années 90. C'est une douce petite chanson d'amour.

Le crochet et le pont de « The Blackout » ont été parmi les meilleurs moments de laChansons d'expériencespectacle live : « Quand les lumières s'éteignent / et que tu te jettes », chante Bono alors que le groupe démarre à plein régime. Au niveau des paroles, le morceau parle à la fois de son contact avec la mort et de la condition terminale de l'Amérique – Bono classe les deux dans la catégorie « un événement d'extinction » (c'est pourquoi la première ligne parle de la façon dont les dinosaures parcourent encore la terre). Sur le plan thématique, l’histoire essaie tout simplement trop de s’adapter à son intention. De plus, la phrase « Les statues tombent / La démocratie est à plat sur le dos, Jack / Nous avons tout eu / Et ce que nous avions ne revient pas, Zac » est littéralement impardonnable pour un parolier de son calibre. Ce refrain, cependant, vous fera danser dans le salon.

Si U2 avait donné un autre titre à cette chanson, cela les aurait épargnés de tant d'abus. Il est plus facile de pardonner cette chanson dans le cadre de l'expérience d'écouter l'album dans l'ordre. Là, cela s’inscrit dans l’expressionnisme abstrait, les aquarelles et les croquis au fusain qui vous entraînent jusqu’à « Bad » et jusqu’à « MLK ». Mais le titre donne au morceau des airs qu'il ne possède pas. "Un jazzman pourrait comprendre ce morceau", a déclaré Bono.Pierre roulanteen 1987. Non, un jazzman se demanderait comment diable ils pensaient que cela devrait se passer sur le disque.

C'est difficile d'écrire de la musique populaire, surtout du rock and roll, qui soit autoréférentielle. Mais lorsque vous le faites correctement, cela peut fonctionner à la fois pour les personnes qui comprennent le lien avec un disque précédent et pour les auditeurs qui ne le savent pas sur le moment. « 13 (There Is a Light) » fait référence au film de 2014Chansons d'innocence« Song for Someone », et ils l'ont utilisé pour clôturer le concert tous les soirs de la tournée, tout comme ils l'ont utilisé pour clôturer l'album. Cela pourrait être excessif, mais ce n'est pas le cas. Pour U2, c'est une touche douce.

Un débutArbre de Josuédémo qui éclaire beaucoup sur le processus créatif du groupe. Les paroles sont littéralement l'introduction au roman de William Blake.Chansons d'expérience.

"Nous ne voulons pas être le groupe qui parle de Dieu", a déclaré Bono en 1980, avant de rejoindre un mouvement de revivalisme chrétien et d'écrire un album avec des nuances du Nouveau et de l'Ancien Testament dans les paroles. "With a Shout" est une chanson raisonnablement puissante d'un point de vue instrumental, mais on commence à avoir l'impression que Bono crie encore une fois à propos de gloire et de droiture, sans vraiment rien de nouveau à ajouter. "Si nous avions été avec un autre label, je pense qu'ils auraient très bien décidé de nous abandonner", avait alors déclaré le manager Paul McGuinness.

S'il existe une prémisse moins intéressante pour une chanson que « des millionnaires qui s'ennuient et qui n'arrivent pas à terminer leur album, partent en vacances dans une destination de luxe », je ne sais pas vraiment de quoi il s'agit.

La chanson bonus de l'édition spéciale deChansons d'expérienceaurait dû être retenu car il est agréablement dépourvu du no man's land émotionnel dans lequel certaines des chansons ont été poussées. (C'est peut-être pour cela.) Ou peut-être que Bono avait déjà exprimé les mêmes pensées ailleurs. Mais c'est dommage, car la voix de M. Hewson est chaleureuse et séduisante, ce à quoi il ne s'adonne pas souvent.

Il s'agissait à l'origine de la filleule de Bono (la fille d'Edge), puis Bono l'a modifié pour que ce ne soit pas une chanson pour un enfant, et il y a de vagues marmonnements sur le maintien de l'innocence. Il a une mélodie engageante et expansive, mais les paroles ne résistent tout simplement pas à un examen minutieux et les cordes synthétiques sont dignes d'intérêt.

Une autre improvisation d'Adam Clayton en studio à laquelle Edge s'est joint, sauf que cette fois, Brian Eno faisait rouler la bande, donc ce que vous entendez est ce qu'ils ont fait en studio, pas d'overdubs, pas de prises multiples. Il s'adapte, légèrement étrange et plaintif, et offre une pause nécessaire à l'auditeur avant le morceau suivant, à l'époque où les disques comportaient des séquences délibérées qui informaient l'expérience de la plupart des gens de l'album.

Cette chanson a été « écrite sur commande pour Martin Scorsese », a déclaré Bono. Il est donc surprenant que ce que U2 ait livré pour ce film en particulier soit un paysage sonore fade et sans intérêt.

C'est le meilleur du classique Bono adulte étant honnête avec lui-même – un peu sarcastique, parlant de la vie conjugale et de l'amour conjugal. C'est l'une des rares fois où U2 se permet d'être local (le termepropriétaireau Royaume-Uni, il ne s'agit pas simplement de posséder des terres ; c'est aussi le terme utilisé pour désigner une femme qui dirige un pub (moins propriétaire que propriétaire). « Quand la sonnette sonne / tu me dis que j'ai une clé » fait écho aux histoires que Bono a racontées au fil des années lorsqu'il rentrait chez lui après une tournée et qu'il était renvoyé parce qu'il n'en était pas encore revenu. La propriétaire est Ali ; la logeuse est le féminin divin ; la propriétaire est Dieu.

« God Part II » se veut une réponse directe à la biographie de John Lennon par Albert Goldman en 1988, faisant suite à sa biographie alors choquante d'Elvis au début des années 80. Il n'est pas nécessaire d'incliner tous les moulins à vent, et une phrase comme : « Je ne crois pas que le rock'n'roll / puisse vraiment changer le monde » semblait plutôt déplacée.

Écrit sur demande pour une production théâtrale deUne orange mécanique, Edge a informé le réalisateur que même s'il souhaitait peut-être une comédie musicale à succès, "Nous l'avions prévenu que nous n'étions pas très doués avec les succès." D’un autre côté, si vous regardez cet instrumental gothique-pop berlinois à travers l’objectif pour lequel il a été créé, il s’intègre très bien. Cela a fini par devenir la face B de « The Fly », une bonne maison pour cela.

La mélodie est ancienne ; Daniel Lanois fouillait dans les hymnes des XIIe et XVe siècles...comme on le fait, si vous êtes Daniel Lanois – mais quand est venu le temps des paroles, Bono et le groupe ont été capables de créer une histoire qui pouvait être moderne ou extrêmement ancienne. Le concept tournait autour d’un soldat en Afghanistan, mais les paroles auraient pu provenir d’un de ces hymnes. Il y a aussi des harmonies inhabituelles influencées par les années 60.

Mélodiquement et structurellement, c'est une chanson fantastique ; c'est Bono qui riffe sur « Bono », son image et sa personnalité, et son approche particulièrement chaotique et parfois brutale du fait d'être le chanteur principal d'un groupe de rock and roll. C'est presque un peu trop autodérision : « Les chanteurs pleurent pour tout. » OUI, NOUS SAVONS.

Cet extrait, publié lePremières démosprojet, a eu une réputation légendaire parmi les fans comme l'un des extraits du Saint Graal - l'un de ceux-ci aurait dû être publié, quels qu'ils soient.penséegenre de choses. La vérité est que « Street Mission » est absolument vital et important pour l'histoire du groupe, mais cela ne veut pas dire que c'est une très bonne chanson. Il est bruyant, impétueux, criard et toujours aussi sérieux, et vous avez juste envie de pincer ses joues punk-rock fraîchement lavées et roses.

U2 n’a pas besoin d’écrire une chanson en hommage à Joe Strummer ; ils l'ont déjà fait, avec « Out of Control » ou « 11 O'Clock Tick Tock », ou encore « Street Mission ». "This Is Where You Can Reach Me Now" est bien intentionné mais complètement dépourvu de l'impact et de l'excitation d'entendre les Clash pour la première fois. (Personne ne peut écrire une bonne chanson sur les Clash, pour être honnête.)

C'est envoûtant et évocateur, et le solo de Edge vous brisera le cœur en deux. Certainement l'une de leurs meilleures chansons de ces 20 dernières années. Salman Rushdie obtient un crédit de co-écriture parce que Bono a extrait une ligne directement du roman du même nom de Rushdie (il en était très content).

Il serait raisonnable de penser qu’une chanson intitulée « The Troubles » sur un disque de U2 parlerait du conflit en Irlande du Nord à la fin du 20e siècle, sauf que ce n’est pas le cas. C'est une expérience sonore intéressante avec Lykke Li au chant des invités, mais étrangement impartiale.

C'est un morceau pop parfaitement utilisable, mais il faut en quelque sorte se ranger du côté de Larry Mullen, qui a déclaré : « C'est un côté ludique de U2 qu'on a rarement l'occasion de voir. Mais ce n'était pas l'un de mes préférés.

Une autre démo qui n'a pas fait l'album. Dans les notes de la pochette, Edge écrit : « Cela semblait à l’époque être une couleur déjà bien représentée, nous n’avons donc jamais réussi à la développer au-delà de ce point. »

Un rejet deAucune ligne à l'horizonqui a été retravaillé pour jouer sur le générique de clôture du film d'un ami. Eno n'était pas content. "Dites-leur qu'ils sont des connards stupides", a-t-il plaisanté auprès d'un journaliste après lui avoir joué la chanson. C'est ambiant et délicat, le genre de chose que l'on a envie de jouer lorsque les gens sortent de la salle de cinéma.

C'est un petit instrument doux au goût de guitare surf, qui est apparu comme la face B du single « A Day Without Me ».

Plus de détritus deTout ce que tu ne peux pas laisser derrière toi, avec des morceaux qui se sont retrouvés dans « Miracle Drug ». Dans les notes de pochette, The Edge écrit que « Levitate » est l'une des chansons qui « ne rentre tout simplement pas dans le cadre ».

The Edge a décrit « Smile » comme l’une de ces chansons qui « sont arrivées trop tard ». Ce n’est certainement pas terminé dans cet état, mais cela devrait probablement l’être. Il y a des éléments d’amour et de foi, et la musique est convaincante.

Plein d’entrain, joyeux, plein d’entrain et de vigueur. Cela ne va pas brûler le monde, mais la mélodie est mémorable et la ligne mélodique est à toute épreuve. Le manager Paul McGuinness l'aimait tellement qu'il voulait le sortir en single ; The Edge propose : "C'était très mélodique, mais pas vraiment très bon." C’est définitivement un antidote à la face A, « Jour de l’An ».

"Il y avait quelques chansons de U2 là-bas, et quelques-unes qui auraient pu devenir des chansons de U2, mais c'était le genre de morceaux atmosphériques, à tempo moyen, que nous créons assez facilement", a déclaré Adam Clayton, ce qui caractérise exactement ce morceau. .

Une condamnation oblique, mais directe, des divers abus commis par l'Église en Irlande au fil des années. "Les secrets peuvent vous rendre malade", écrit Bono dans les notes de la pochette. La mélodie est ici maîtrisée mais déstabilisante, avec un solo de guitare qui sonne comme un SOS.

"C'est vraiment le joker de l'album", a déclaré The Edge en 2006. Il n'a pas tort, et ce n'est pas une mauvaise chanson - c'est en fait une mélodie fascinante et inattendue, mais c'est une sorte de pause brusque sur cet album en particulier.

Bono dit vaguement : « Ouais, c'est peut-être à propos de ma femme », mais il n'y a pas de thème général ni de mélodie ici pour rendre celui-ci mémorable.

C'est le dormeurChansons d'expérience, celui dont ils n’ont jamais vraiment compris quelle devrait être sa forme ultime. Il est sorti plusieurs fois sur leArbre de JosuéTournée 2017 en rappel final acoustique sur la scène B ; même sous sa forme embryonnaire et délabrée, les gens ne se sont pas précipités vers les sorties. La production de la chanson sur l'album fait de son mieux pour obscurcir ses bons os, mais Bono étend sa voix vers les bords mélodiques, là où elle sonne le mieux, et The Edge continue de plonger avec le genre de lignes ascendantes et descendantes qui sont à peu près la marque de fabrique. - surtout à la dernière minute, lorsque la mélodie et l'émotion interviennent aux côtés de Bono. Mais je préfère quand même avoir la version décomposée, car c'est là que se produisent les choses intéressantes.

Le récit le plus crédible de ce dont parle réellement cette chanson est que Bono mentionne quelque chose à propos d'Amsterdam et du quartier rouge, ce qui serait naturellement époustouflant pour un groupe d'enfants d'une Irlande encore sexuellement conservatrice. La trompette est une gracieuseté de Kenny Fradley de Kid Creole and the Coconuts, qui se trouvait justement en ville. Ce n'est pas une chanson terrible, mais ce n'est pas non plus une bonne chanson. Points pour essayer de faire quelque chose de différent avec.

Tu sais commentComment le Grinch a volé Noëlil y a cette scène dans laquelle vous voyez une radiographie du cœur du Grinch et elle devient si grande qu'elle brise le cadre ? C'est ce que cette chanson va vous faire. Il s’agit d’un hymne de football européen à grande échelle, de la taille d’un stade, et il résonnera dans votre tête pendant des jours. Et même si c'est un peu stupide de penser,J'aimerais que Edge joue davantage du piano– parce que, vous savez, c'est un génie de la guitare rock singulièrement singulier – son travail au clavier sur « Love Is Bigger » pourrait vous faire dire exactement cela.

Sauvée de l'étage de montage des studios Hansa, cette démo inutilement élevée a réussi à se retrouver sur la face B du single "Even Better Than the Real Thing" au lieu de l'un des nombreux morceaux bien supérieurs qui n'ont pas fait le montage final. pourAttention bébé. Il y a un joli break de guitare croustillant à la fin et une vague saveur Beatles, mais c'est finalement oubliable.

"Hé, que diriez-vous de terminer le disque avec un autre hymne, comme nous le faisons toujours ?"

Lumières de la maison : penser à ce que cela a dû ressentir en rentrant à Dublin en voiture au début de mon voyage. Lumières de la maison : réfléchir à ce que l'on a ressenti en voyant les lumières de l'Irlande revenir dans le pays. Lumières de la maison : qu'est-ce que ça fait de se réveiller à l'hôpital après avoir été inconscient - ce que Bono explique clairement avec son choix de phrase d'ouverture, "Je ne devrais pas être ici parce que je devrais être mort." C'est un hommage aux compétences d'écriture de U2 que cette chanson ressemble à tout ce qui précède : comme une absence, un désir et un manque de quelque chose que vous ne saviez pas avoir manqué jusqu'à ce que vous le récupériez et que votre cœur soit à nouveau entier. De plus, le mec peut écrire un refrain – un refrain fort et irrésistiblement chantable qui est destiné à un stade rempli de gens pour crier à pleins poumons. Combinez tout cela avec un solo de guitare plaintif et poignant du Edge sur le pont et vous sortirez votre téléphone, allumerez le flash et l'agiterez au-dessus de votre tête, même si vous êtes simplement assis à la maison.

« Après le chagrin vient la rage », écrit Bono dans les notes de la pochette de l'album pour ce morceau. Mais il y a une part raisonnable d'autodérision dans les paroles : « Vivez-vous ici ou est-ce des vacances ? - et la mélodie est plus optimiste que ce à quoi on pourrait s'attendre pour ce sujet.

QuandGarçonest sorti, c'est le morceau sur lequel vous avez pensé : "Hé, quelqu'un a écouté Tom Verlaine." Ce n'est pas vraiment un désaccord - ce n'est pas comme si les groupes qui le faisaient étaient exactement présents sur le terrain - et la capacité de Edge à traduire ce qu'il a entendu et à se l'approprier est l'une des caractéristiques de U2. Bono mérite un certain crédit pour l'achat de l'unité d'écho Memory Man qui crée les arpèges planants sur ce morceau et « 11 O'Clock Tick Tock ».

Un M. David Bowie aimerait lui dire un mot, messieurs.Cela dit, la chanson parle en fait d'un voyage à Berlin en tournée et est l'une des compositions les plus véritablement intéressantes et engageantes de l'album.

Vous pouvez entendre les grondements deL'arbre de Josuédans l'urgence et le dynamisme de ce morceau ; Bono déclare qu'il s'agit de New York, et loin de moi l'idée de lui dire le contraire, mais cette chanson sonne comme les éléments invoqués : la lumière, le vent, la terre, l'air. C'est une bonne transition après « Bad », mais autrement, cela ressemble plus à une démo qu'à un morceau terminé.

Le dernier morceau surGarçon, c'était un geste d'adieu - un adieu harmonieux et aux textures multiples destiné à dépeindre le terrain de jeu du groupe dans la banlieue de Dublin : les « ombres et les grands arbres » sont censés être les poteaux électriques tendus dans les rues, les paroles faisant référence àSeigneur des mouches.

L'une des nombreuses chansons que Bono finirait par écrire sur l'héroïne, et plus particulièrement sur le problème de l'héroïne à Dublin, ainsi que sur sa propre culpabilité - ou plutôt, ce qui a toujours semblé être une reconnaissance prudente que s'il n'avait pas été la personne qu'il était, il aurait pu emprunter cette voie, par curiosité, par ennui ou par camaraderie. La musique ne correspond pas tout à fait aux paroles, qui sont abstraites et vagues avec une sorte de désinvolture qui pourrait être impardonnable, sauf que c'est le disque sur lequel apparaît « Bad », donc « Wire » obtient un laissez-passer. Un crédit supplémentaire à Larry Mullen Jr., qui joue pratiquement dans la poche ici, et au reste du groupe pour un fond frénétique et bouillonnant qui aurait pu être génial avec des paroles différentes.

La première fois que U2 a joué « Tomorrow » en live, ils étaient en première partie de Thin Lizzy à Slane Castle – on ne peut littéralement pas avoir un pedigree de rock and roll plus irlandais que celui-là – et ils ont commencé leur set avec cette chanson. "Nous étions de la merde", a déclaré Bono. "Nous avons échoué de façon spectaculaire."

Il y a beaucoup de choses dans « Demain » qui sont inutilement surmenées ; Bono a décrit les paroles comme une « divagation inconsciente ». Les instruments principaux sont des uilleann pipes – la version irlandaise de la cornemuse – et des grondements de basse très graves. « Tomorrow » est l'un de ces moments qui vous rendent reconnaissant que le groupe ait réussi à terminer ce disque et que la maison de disques ne leur ait pas immédiatement montré la porte.

Une face B parfaitement acceptable de « 11 O'clock Tick Tock », vive et pleine d'entrain, tout à fait en phase avec la direction que U2 avait décidé de prendre. Mais ce n'est tout simplement pas très mémorable au niveau des paroles ou de l'instrument, Bono parlant de "vous toucher", et Edge essayant de voir combien de notes il pouvait jouer et, vous savez, toujours appeler cela une chanson.

La troisième chanson du premier album de U2 uniquement en Irlande, « Boy/Girl », est surmenée et vibre tellement d'excitation nerveuse que c'est comme écouter des clous sur un tableau. Mais si vous écoutez une version live (celle du Marquee Club sur l'édition de luxe deGarçon, par exemple), cela ressemble à un groupe complètement différent, capable et sûr de lui.

Tiré de la deuxième session de démo de U2 en 1978. Il s'agit d'un groupe de jeunes de 17 et 18 ans, et ce morceau est absolument aussi valable que tout ce qui sortait à l'époque. Ils ont instinctivement compris ce qu’était censé être le punk rock ; the Edge parle d'avoir vu le Jam surTop des Popset « se rendre compte que ne pas savoir jouer n’était pas un problème ». C'est un délicieux mélange de Jam et de Undertones, avec un peu de Keith Moon à la batterie.

Attends, c'était censé être un disque de danse ? "Si nous avions pu chanter et jouer comme Prince, cela aurait été le Top 10", a déclaré Bono. Sauf que les paroles sont surmenées, même pour Bono. The Edge blâme le refrain : "C'est un joli morceau, mais le refrain ne connecte pas."

Il y a des morceaux amusants et des séquences intéressantes, mais ce n’est pas parce que vous comparez quelque chose à « Subterranean Homesick Blues » que cela se produit. Il y avait une dynamique sonore intéressante dans la version studio – la compression de la voix de Bono – qu'on ne pouvait pas reproduire dans un stade. Tous les autres membres du groupe étaient au même rythme, mais il n'y avait pas de place pour respirer pour le chanteur principal. Clairement, quelqu'un avait envie d'un gros rocker bruyant à la « Vertigo » ou « Elevation », mais il y a une raison pour laquelle « Boots » n'a pas été entendu depuis la tournée 360°, alors que les autres sont des constantes dans la set list. .

Les gens aiment donner du fil à retordre à Bono pour son engagement politique, mais son plaidoyer en faveur des patients atteints du SIDA en Afrique est irréprochable. Il était prêt à parler à n’importe qui de n’importe quel bord politique dans n’importe quel pays s’il pensait qu’il pouvait contribuer financièrement ou l’aider à contribuer financièrement. « Crumbs From Your Table » est une chanson assez colérique sur cette expérience. C'est, disons simplement, étrangement prémonitoire.

Un duo étonnamment convaincant entre Sinead O'Connor et Bono, avec des paroles de Mr. B et U2 comme groupe d'accompagnement, ce morceau était une autre collaboration entre U2 et le réalisateur Wim Wenders. Il trace une ligne entreZooetPopulaire, mais il est poli, pointu et évocateur.

C'est une improvisation qui a été l'une des premières choses enregistrées par U2 lorsqu'ils ont commencé le processus de montage.L'arbre de Josué, et c'est Allen Ginsberg récitant son poème « America » dessus. C'est l'un des avantages d'être une rock star : vous pouvez appeler qui vous voulez pour qu'elle apparaisse sur vos disques ou à vos concerts, et parfois vous appelez l'un des plus grands poètes américains. Pourquoi pas ?

Une autre sortie deTout ce que tu ne peux pas laisser derrière toicela ressemble à un sosie pourTommy-ère Qui. Contrairement à beaucoup de ces restes, il s'agit d'une chanson réelle et réalisée qui aurait très bien adhéré àComment démanteler une bombe atomique.

Le chant principal et l'excellent travail de guitare de Edge sont les points forts ici. Il y a beaucoup à aimer dans celui-ci ; serré, compact, évocateur, il contextualise presque involontairement le disque en venant après « Sunday Bloody Sunday », dans le sens où il s'agit d'un autre commentaire actuel. Au contraire, cela préfigure presque ce que le groupe ferait plus tard lors de la tournée Zoo TV, avec l'extrait d'un documentaire sur les femmes soldats au milieu.

La même figure de basse qui ouvre « 4th of July » ouvre cet extrait qui, contrairement à la plupart des autres morceaux rejetés de l'album, se transforme en une pensée presque complète, tintante et à la Beatles. Il aurait failli figurer sur le disque mais a été rejeté parce qu'il ne convenait pas, ce qui est tout à fait vrai.

Si ce titre majoritairement instrumental vous rappelle « 40 » surGuerre, tu n'imagines pas les choses. La force de la composition musicale de "Scarlet" est la seule chose qui empêche l'auditeur de penser : "Super, une autre chanson avec Bono hurlant de se réjouir à nouveau." La ligne de basse contient la mélodie, entrecoupée d'accords de guitare et de piano chauds et ronds de The Edge, avec Larry maintenant un battement de batterie quasi martial. Cela aurait été une fin parfaite pour le disque… mais ce n'était pas le cas.

À l'époque, Bono vivait avec sa femme Ali dans une tour Martello – un petit château près de l'océan, rénové pour inclure une verrière au sommet de la tour où ils dormaient. On entend tout cela : l'escalier en colimaçon et le vertige du jeune amour (ils n'étaient mariés que depuis deux ans, alors qu'ils étaient adolescents) ; tous deux assis au sommet de leur tour, regardant le soleil se coucher sur la ville balnéaire. La chanson porte les marques d’une improvisation libre, de Van Morrison des années 70 – le genre d’expérimentation qu’Eno a fortement adopté, associé au genre de rythme que Lanois aimait.

"Fire" a valu à U2 son premier succès dans les charts britanniques, mais il est difficile de comprendre comment. Le morceau contient des moments solides, principalement grâce au Edge qui tire une ligne de guitare sinueuse du désordre d'une chanson. On dirait que U2 essaie trop fort de faire des choses de type U2 dans une chanson de type U2. Bono lui-même a déclaré plus tard : « « Fire » n'était pas une bonne chanson. J’ai toujours eu la conviction que nous pouvions nous rattraper au fur et à mesure, mais parfois nous ne le pouvions pas, et c’était un bon exemple.

Grosse, forte et très satisfaisante, la guitare d'Edge passe par ce qui ressemble au plus grand effet fuzz au monde, avant de passer au slide à la fin. Il s'effondre un peu avec le pont car il vous sort du grondement géant. Pourtant, très amusant.

Initialement écrite sur les attentats à la bombe d'Omagh, en Irlande, en 1998, la chanson a pris un nouveau sens lorsqu'elle a été jointe à « Walk On » pourUn hommage aux héros, et y resta jusqu'à la fin duÉlévationtournée.

Cela a été enregistré et diffusé entreOctobreetGuerrecomme une tentative de comblement, et cela semble vraiment éphémère. « À ce moment-là, nous avions besoin d’un coup sûr. "A Celebration" n'en faisait pas partie", a déclaré Edge. La vidéo est la définition même de la réalisation vidéo des années 80, avec tous les clichés possibles présents et pris en compte. (Joli pantalon rouge, Bono.)

Bono a souvent dit que même s'il ne comprenait pas certaines choses dans le monde, il comprenait les relations et écrivait à leur sujet avec empathie et nuance. Il est également attiré par l'utilisation de la mer comme métaphore, ce qui fonctionne ici. Les refrains sont brillants et passionnés.

Encore une chanson pour la jeune Alison Stewart, alias Ali Hewson. Dans les introductions de la chanson lors de la tournée Innocence and Experience, Bono parlait souvent de ses encouragements envers le jeune Paul Hewson et de sa carrière musicale – que ses chansons n'avaient pas besoin d'être parfaites, mais qu'elles devaient le faire.être. La voix de Bono commence doucement, mais devient rapidement passionnée au refrain. C'est comme si vous étiez au milieu d'une conversation.

L'une des premières chansons du groupe, elle a été extraite du concert et choisie pourU2 3, le premier album du groupe. Mais la version surGarçonest presque méconnaissable de l'original – ce dernier étant presque une parodie pop-punk, tandis que l'interprétation de l'album est plus grande et plus intéressante. La section rythmique brille ici : les basses d'Adam sont charnues et mélodiques, et Larry propose de grandes fioritures retentissantes qui sont la parure parfaite.

Selon Daniel Lanois, il s'agissait de six chansons différentes jusqu'à ce qu'elles s'installent dans ce groove soul-shoegaze-electronica sur l'amour, avec un détour pour que Bono se foute de lui-même : « Stand up to rock stars / Napoléon est en talons hauts. / Joséphine, fais attention / Aux petits hommes avec de grandes idées. En effet.

"Invisible" est astucieux, mais presque trop astucieux – comme s'ils avaient décidé d'écrire une publicité Apple. Il ne fait aucun doute que U2 peut toujours jouer aussi serré, mais ils ont vidé le morceau de sa vie. Il faut qu'il y ait du courage et de l'espace, sinon U2 n'est pas intéressant.

Une litanie ironique des épreuves et tribulations d’être une rock star.

Cela donne l'impression que U2 essaie de commenter l'état du secteur de la musique à l'époque - "Et en cuir, dentelle et chaînes / Nous revendiquons / Révolution une fois de plus" - mais c'est une sorte de grimace et inutilement dramatique. , même pour quelqu'un qui était de leur côté. Le pont est plutôt intéressant, et après n'avoir pratiquement pas pu entendre Larry Mullen Jr. sur le morceau précédent (« New Year's Day »), ça fait du bien de l'entendre briller ici. Mais surtout oubliable.

U2 ne voulait pas écrire une chanson qui ressemblait aux Ramones, alors ils sont allés dans la direction opposée. Mais une chanson sur les Ramones devrait être quelque chose sur laquelle vous pouvez danser, et vous ne pouvez pas danser sur « The Miracle (of Joey Ramone) ». Les paroles sont serrées, le message est on ne peut plus sincère, mais il y a quelque chose de gênant dans la cadence des paroles qui complique inutilement le tout. De plus, même s'il est compréhensible qu'ils aient voulu vérifier le nom de Joey dans le titre, cela semble simplement être un effort excessif, ce que ce groupe n'a pas besoin de faire. Vous ne faites pas semblant, les gars ; vous avez légitimement aimé et votre vie a changé grâce au punk rock – écrivez simplement à ce sujet. Les fans qui s’en soucient le comprendront, et cela n’aura pas d’importance pour les fans qui ne s’en soucient pas.

En tant qu'histoire, "Surrender" est plus linéaire qu'autre chose surGuerre; c'était une chanson que Bono avait réellement écrite, et non improvisée en studio. Il est particulièrement sympathique à son protagoniste et constitue un contrepoint certain à la façon dont les femmes apparaissent dans d'autres chansons de l'époque. Le groupe apporte une bande-son solidement construite qui ressemble à l'agitation d'une grande ville et à la tension d'une personne essayant de trouver ou de se frayer un chemin. Les accords chromatiques du Edge sont tout simplement charmants.

Lorsque la tournée 360° de U2 a atteint l'Amérique du Sud et l'Europe, les concerts ont débuté avec cet instrument de zombie-rock complètement déséquilibré appelé "Return of the Stingray Guitar", qui est rapidement tombé de la surface de la terre une fois la tournée terminée. Il réapparaîtra en 2015 comme l'épine dorsale plutôt feutrée de « Lucifer's Hands », qui, de toutes les odes à l'esprit punk rock de ce disque, est la plus jouissive et la plus réussie : c'est bruyant ; c'est simple; la section rythmique trouve l'espace nécessaire pour ajouter de la couleur et des ombres ; La prestation vocale de Bono est lâche, sournoise et mystérieuse ; et tu veux juste te noyer dans cette ligne de guitare. Cela semble juste un tout petit peu dangereux, ce qui est une très bonne chose venant de la part d'anciens punk rockers d'une cinquantaine d'années.

La mélodie est irrésistible et la voix de Bono glisse sur le chant. Mais au niveau des paroles, « California » est partout. Bono a dit dans les notes de la pochette que c'était censé être la première fois que U2 allait à Los Angeles, mais il n'y a rien de tout cela dans la chanson, même émotionnellement. Il y a ce qui ressemble à une histoire sur ce que c'est que de vieillir à Los Angeles : « Tout le monde est une star dans notre ville / C'est juste que ta lumière diminue / Si tu dois rester. » Mais les refrains sont sur un mode complètement différent, faisant écho au thème général du disque : « There is no end to love », qui est contrebalancé par « There is no end to chagrin ». L'instrumentation est presque trop fade ; on entend à peine la guitare et la basse. On soupçonne que U2 a réalisé les limites du morceau, car il était quasiment AWOL pendant Innocence and Experience. tournée.

La façon pour U2 d'écrire une chanson sexy est depasessayez d'en écrire un. Lorsqu’ils font trop d’efforts, ils se retrouvent avec « Do You Feel Loved », qui semble terminé à 50 %. Là encore, c'est toute l'histoire dePopulaire, selon à qui vous parlez : pas assez de temps et pas les bonnes personnes. L'ambiance est correcte mais elle ne va pas beaucoup plus loin. "[C'était] une idée géniale qui n'est jamais vraiment devenue une bonne chanson", a déclaré Edge.

Si vous ne saviez pas à quel point il a été difficile pour U2 d'écrire et d'enregistrer son deuxième album, il vous suffisait d'attendre d'arriver à la chanson titre. C'est gris et cassant, le bruit des branches d'arbres gelées et des feuilles d'automne fanées piégées dans la première couche de glace d'un étang. La voix de Bono est terriblement sombre, et Edge arrive avec cette ligne de piano délicate mais affirmée. Il n'avait pas joué de piano depuis qu'il était enfant. « Je ne sais vraiment pas d'où vient ce morceau d'Octobre », a-t-il déclaré en 2006, « à part simplement m'asseoir devant un piano et c'est là que cela m'a amené : dans cet endroit européen assez austère, assez gris, mais magnifique. »

La seule chose qui empêche cette chanson d'être géniale est le refrain : « La liberté a un parfum / Comme le haut de la tête d'un nouveau-né », qui est bien sûr la phrase préférée de Bono dans la chanson. Aussi : Parfois, il peut y avoir trop de trame de fond dans une chanson, aussi inspirante soit-elle.

Même si U2 essayait d’éviter d’introduire la guerre dans cet album, c’était inévitable, et elle s’est définitivement glissée dans les « Cèdres du Liban », dans les pensées d’un correspondant de guerre sur le terrain. C'est une conclusion intéressante à ce disque – pas un hymne ou une quelconque pensée édifiante, mais plutôt un rappel du monde extérieur, que tout le monde sur le disque fuit d'une manière ou d'une autre. Il s'agit d'une série d'images racontées sur un fond ambiant discret.

Il n'est pas difficile de faire sonner une guitare comme les vagues de l'océan, mais c'est tout un art de les faire sonner comme un type particulier de vagues océaniques : le genre de vagues sombres et roulantes, celles que l'on voit dans la mer d'Irlande. Et Edge le fait avec aplomb. « L'Océan », c'est un petit spot, 1 minute et 35 secondes d'ambiance. Bono a été dur avec lui-même à cause de l'indulgence présente dans les premières lignes (« Une photo en gris, Dorian Gray / juste moi au bord de la mer / Et je me sentais comme une star »), à l'époque et plus tard. – mais parmi la longue liste de péchés égoïstes dont il est réellement coupable, sa véhémence dans ce cas particulier est intéressante. Il s'en excuse en disant : « C'est la pensée de tout le monde dans un groupe qui pense qu'il peut changer le monde », sauf qu'il ne serait pas devenu Bono si Larry Mullen Jr. n'avait pas pensé de la même manière et n'avait pas mis une note de lecture. "Le batteur cherche des musiciens pour former un groupe" sur le babillard du Mount Temple Comprehensive.

La transition de « An Cat Dubh » vers « Into the Heart » provient du concert du groupe, ils l'ont donc gardé en place pour l'album. C'est un morceau de chagrin et d'espoir : la ligne de basse d'Adam palpite comme un battement de cœur, tandis que Edge gratte cette magnifique mélodie qui ressemble à la fin d'un chagrin. Les paroles et l'énergie du chant de Bono portent ce ballon d'émotion jusqu'au bout.

Pensez à l'ouverture 1-2-3 deGarçonet les gammes de tons émotionnels très variés de « I Will Follow », « Twilight » et maintenant « An Cat Dubh », le chat noir. Nous sommes au coin de la scène de "Twilight", mais nous nous sommes maintenant concentrés sur la tension de la scène, manifestée par le son du drone d'Edge, la légère terreur dans la voix de Bono et l'histoire d'un chat. tuer un oiseau puis dormir à côté de lui, se réveiller et jouer à nouveau avec lui. Il y a un riff à 2:44 de The Edge qui est exactement ce sentiment, discordant et maléfique, assombri par les hurlements de Bono. Le xylophone qui résonne en arrière-plan ajoute à la fois tension et fragilité. C’est ainsi que U2 allait écrire sur le sexe.

Les New-Yorkais ne peuvent pas être impartiaux à propos des chansons sur New York, en particulier celles écrites par des gens qui ont un énorme béguin pour la ville. "Je viens d'avoir une place à New York" sonne comme tous les diplômés universitaires arrivant ici de l'Ohio avec une lueur dans les yeux, et cette guitare forte et sale sur le refrain sonne comme une embouteillage lors d'un week-end de vacances. C'est aussi une réalité alternative : ce à quoi Bono aurait pu finir si sa vie avait pris une autre direction.

Notre héros a perdu sa campagne pour reconquérir sa bien-aimée, et maintenant il doit faire face à sa désolation. Il est temps de sombrer dans l'amertume : « Je t'ai donné tout ce que tu as toujours voulu / Ce n'était pas ce que tu voulais. » Le thème de la trahison était prédominantAttention bébéavec la fin du mariage d'Edge, l'aliénation de Berlin en hiver et le groupe incertain, cela n'allait pas être la fin de U2. "Entre les chevaux de l'amour et de la luxure / Nous sommes piétinés", chante Bono. La question est alors de savoir si l’on se relève de terre ou si l’on se rend.

U2 a écrit ceci pour Willie Nelson et l'a envoyé. N'ayant reçu aucune réponse, ils l'ont enregistré eux-mêmes – seulement pour que Willie les appelle la prochaine fois qu'il était à Dublin. Ils ont enregistré une belle version avec lui au chant principal et l'ont sortie sur un autre single plus tard.

Le génie de « Please » réside dans les deux derniers couplets, où les rythmes s'arrêtent et les voix se superposent doucement – ​​comme un ami posant une main sur votre épaule et vous regardant dans les yeux pour tenter de vous amener à être honnête avec vous-même. Le reste de la chanson semble à des années-lumière de la première moitié, et c'est peut-être censé être intentionnel. Le détachement froid des premiers vers s’ouvre sur une plaidoirie passionnée. Cela va ressembler à un disque rayé de dire cela, comme presque tout ce qui se passe surPopulaire, personne chez U2 ne pense que ce morceau est terminé.

Du sacré au banal, avec la phrase classique : « Le droit de paraître ridicule est quelque chose qui me tient à cœur. »

Sur l'album, la chanson n'a pas beaucoup d'impact, mais en tournée, ils l'ont réduite à Bono and the Edge en acoustique sur le podium, et c'était à couper le souffle.

C'est une histoire d'évasion et, finalement, de liberté. "La vraie chose importante à savoir à propos de cette chanson est la sensation de vitesse et ce genre de volonté primitive de revenir à votre essence", a déclaré Bono dans les notes de la pochette de l'album. Vous comprenez tout cela, bien sûr, mais si vous avez la moindre imagination, vous pouvez voir les scènes dans votre tête et vous avez soudain envie de visiter le Maroc.

Une autre chanson qui emprunte généreusement des éléments ou des influences à la production de Zoo TV : l'échantillon de fanfare dans l'intro et les images de Berlin après la réunification, lorsque les Allemands de l'Est se dirigeaient vers Berlin dans leurs Trabants – dont certains arrivaient à peine dans la ville. avant de tomber en panne sur le bord de la route. C'est impressionniste, futuriste, amusant.

Cette chanson est issue de sessions destinées à générer du contenu bonus pour les prochains disques à succès. Larry Mullen a qualifié ce morceau de « idée incomplète ». Sans surprise, Bono se montre plus généreux, la qualifiant de « chanson post-11 septembre, mais ce n’est pas une chanson ouvertement politique ». Il y a un certain sentiment de malaise, véhiculé par la tension dans une relation, et, à tout le moins, c'est un joli méandre atmosphérique qui grandit en vous. La vidéo est fantastique.

C'est une chanson que tu veux aimer. L'intro décalée est si prometteuse qu'il y a une poignée d'images vives (« Elle est à l'arrêt de bus avec News of the World et The Sun », on peut juste voir un enfant du club coincé en train d'attendre le premier bus le matin. ), le refrain est solide et le concept de l'histoire est intéressant, mais il ne connecte tout simplement pas. Cela n'aide probablement pas que Bono ait trouvé le refrain à 4 heures du matin lors de leur dernière nuit en studio. (Cela vous semble familier ?) « C’était une bonne chanson », a déclaré Edge. « Mais est-ce à la hauteur du « Jour de l'An » ou du « Dimanche sanglant » ? Évidemment non, sinon nous le jouerions toujours en live.

À ce stade du disque, il fallait un peu de répit, sinon les auditeurs n'auraient pas continué. C'est cependant une composition légère et moelleuse qui dément ses origines ; il s'agissait du « week-end perdu » de U2 à Los Angeles, où certains membres du groupe se sont déchaînés comme ils n'avaient pas pu le faire dans leur jeunesse, alors qu'ils essayaient de faire décoller le groupe, de quitter l'Irlande. , et obtenez un contrat d'enregistrement. U2 l'a également caractérisé comme une chanson à boire, et a clairement fait valoir ce point lors de la tournée Zoo TV, où la Fly sortait sur le podium, trouvait une jolie jeune femme, vaporisait du champagne et faisait une sérénade à l'heureuse élue sur Handicam.

Au moment où le groupe devait travailler sur la suite de leurs débuts, les trois quarts d'entre eux étaient profondément mêlés à un groupe de camaraderie chrétienne appelé Shalom. Ils assistaient régulièrement aux réunions du groupe tout en essayant de monter l'album, ce qui amenait Bono, Edge et Larry à tout remettre en question, y compris leur appartenance au groupe. The Edge a en fait quitté U2 à ce moment-là, mais n'en a parlé à personne sauf à Bono. Une partie de cela, ou tout cela, se trouve dans « I Fall Down », qui est accompagné d'un arrangement étonnamment sophistiqué autour du délicat travail de piano de Edge et d'une magnifique voix de Bono. Le tout scintille d’or.

Ce morceau, écrit avec la chanteuse folk irlandaise Christy Moore, aborde le conflit en Irlande du Nord à l'époque de l'accord du Vendredi saint. C'est une chanson de protestation, c'est Bono qui essaie d'écrire une chanson gospel et de la chanter comme Al Green, et c'est merveilleux. Le groupe ne l'a interprété en live qu'une seule fois, lors d'une émission-bénéfice à la télévision irlandaise en faveur des victimes de l'attentat à la bombe d'Omagh en 1998, où ils ont déconstruit la chanson et l'ont rendue plus U2 et, bien entendu, plus personnelle.

Un extrait particulièrement apprécié des fans de U2, il s'agit plutôt de ce que Edge a appelé « le carnet de croquis de U2 », car ce morceau ne ressemble absolument à rien de ce qui se passe surL'arbre de Josué. Mais c'est le premier moment des sessions d'enregistrement où les choses ont commencé à se figer – ce que l'on peut absolument entendre – et c'est une combinaison de reggae et de juju et quelques accords teintés de gospel d'Edge au piano. Il n'y a pas encore de véritables paroles, et Bono ne fait que vocaliser, comme il le fait souvent dans les premières phases d'une session d'enregistrement de U2 — c'est connu comme "Anglais» – mais la combinaison globale est délicieuse. "Desert of Our Love" est devenu un autre extrait appelé "Weather Girls", puis ils se sont débarrassés de la mélodie vocale et du piano et ont gardé la batterie et la basse, et cela s'est transformé en "I Still Haven't Found What I'm Looking". Pour." Il est rare qu'un extrait soit à la fois agréable et éclairant, et quelque chose que vous écouteriez plus d'une fois.

Le groupe était en studio depuis un an et demi et, fidèle à son habitude, tout s'est joué l'avant-dernière nuit lorsque Bono a décidé qu'il avait besoin d'une chanson sur l'album qui ait le titre de l'album dans les paroles. « Xanax et vin » répondaient aux critères, mais ne se réunissaient pas tout à fait. Alors U2 a déchiré le truc et l'a remodelé en « Fast Cars », qui est fondamentalement les mêmes paroles avec une ligne de guitare légèrement rétro qui doit quelques bières à Link Wray. (Ce n'est pas une mauvaise chose.) Les paroles des deux sons ressemblent à "Get Out of Denver" de Bob Seger, mais "Fast Cars" a de loin la mélodie la plus intéressante, donc elle gagne.

L'un des numéros les plus réussis surPopulaire, c'est plein de textures simples mais intéressantes ; mais comme la plupart des chansons de l'album, elle occupe un juste milieu, vague et provisoire. "Il voulait que ce soit un classique du lounge", a déclaré Bono. Il a finalement réalisé son souhait lorsqu'il l'a enregistré avec Jools Holland en 2007. Oui, Holland est un chef d'orchestre talentueux, mais le chant est celui de Bono en mode chanteur de flambeau.

La route depuis la face B de « Another Day », le premier single de U2, à en suivre deux surGarçon, c'est étonnant. Le single avait ce noyau de quelque chose d'autre dont le groupe lui-même n'était probablement pas conscient, mais ils ont réussi à l'affiner et à le polir d'une clameur haletante à cette histoire d'obscurité, de lumière et d'ombres entre les deux. C'est un répit par rapport à « I Will Follow », mais pas de beaucoup, car le dernier refrain met fin à la tension dramatique de Bono avant de le transmettre à Edge pour un refrain tendu et compact.

Si vous pensez que cela ressemble à Bono essayant de faire de son mieux avec Frank Sinatra, eh bien, c'est exactement ce qu'est cette chanson. Mais ils n'ont jamais eu de nouvelles de Frank, alors Bono l'a enregistré lui-même. Pour être honnête, cela aurait été parfait comme scène de fond dansOcéans 11, Bono habillé en version vieillissante du Fly dans l'un des casinos de Fremont Street.

Le quatrième disque de U2 a été enregistré dans une salle de bal gothique ronde du château de Slane, où le groupe avait répété et était tombé amoureux de l'acoustique. (« Le son est magnifique », a déclaré Bono à propos de cet espace en 2006. « Si Phil Spector devait mentir en état, ce serait ici. ») Quand vous écoutez la chanson titre de l'album, vous pouvez ressentir tout cela, ainsi que l'influence de Brian Eno et Daniel Lanois, qui ont repris le conseil d'administration cette fois-ci. Il s’agit d’une pièce vaste et expressive qui n’a aucune ressemblance avec l’écriture traditionnelle couplet-refrain-couplet rock ou pop du point de vue de la mélodie vocale. C'est une de ces chansons que l'on peut absolument ressentir, le cœur dans la gorge ou au creux de l'estomac, sans avoir la moindre idée de quoi il s'agit réellement. Bono lui-même admet que les paroles sont une esquisse, mais il y a un fort sentiment d'amour perdu et d'amour désiré : « Reste cette fois », « Viens et emmène-moi », « Sauve ton amour / ne me pousse pas trop loin ». .» C'est une composition étonnante.

Enregistré à Dublin, mais définitivement tourné vers Berlin, « Salomé » a fuité au début des années 90 et a ravi ou horrifié les fans de U2 quant à l'orientation future du groupe. Il y a beaucoup à aimer dans les rythmes et les textures (et il y aun remix étendu génial), mais ce n'était pas tout à fait là où U2 voulait aboutir, étant donné qu'il n'a pas réussiAttention bébé.

Un sketch improvisé, avec des prétentions moyennement réussies envers la poésie Beat. La douce mélodie aurait pu s'intégrer dansLe feu inoubliable. (Regardez Bono le murmurer jusqu'à la fin de "All I Want Is You", enregistré pour une prochaine émission spéciale de la BBC.)

Un numéro pop, atmosphérique, quasi-acoustique, teinté de nostalgie dans le bon sens du terme ; cela semble familier, mais c'est tout nouveau et cela aurait été génial à la radio. Hélas, il n'a pas été retenu pourTout ce que tu ne peux pas laisser derrière toi.

Un autre tour de force pour M. Adam Clayton, la basse a créé le rythme le plus profond et le plus inattendu dansant. En tant que chanson pop, elle est bien construite et a fait un travail admirable en tant que deuxième single du disque. Mais là où cette chanson excelle, c'est dans leremix de danse par Steve Lillywhite, qui sort la ligne de basse et les claviers et creuse un groove solide.

Bono chante ça d'une voix désespérée et en lambeaux. Le terme « imbibé de whisky » est un vrai cliché, sauf que dans ce cas-ci, il s'avère exact à 100 % : il avait bu toute la nuit, avait dormi deux heures, et est entré et a improvisé les paroles et la mélodie. Il travaille même dans une référence à Van Morrison, pour démarrer.

Tout au long de son histoire, U2 a été critiqué pour être politique, ainsi que pour ne pas l'être assez. « Red Hill Mining Town » est l’un de ces moments. Commentaire de la grève des mineurs britanniques de 1984 à 1985, la chanson se concentre sur l'impact social de la grève, et non sur l'impact politique ou économique. "Je me sens plus qualifié pour écrire sur les relations parce que je les comprends mieux que ce que signifie travailler dans une fosse", a déclaré Bono à Niall Stokes. La chanson est une composition magistrale de désespoir et d’impuissance ; l'angoisse dans le chant de ce dernier pont est vraiment déchirante. Il est à noter que cette chanson est née de la première rencontre de Bono avec Bob Dylan, qui l'a emmené vers la musique folk, jusqu'à cette incroyable version de « » de Peggy Seeger.Catastrophe minière de Springhill.»

Bono a grandi au 10 Cedarwood Road, et bien qu'il ait fait référence à son quartier à de nombreuses reprises tout au long de l'histoire de U2, c'est la première fois qu'il nous amène à l'intérieur de la maison avec l'adolescent Bono. "Vous ne pouvez pas retourner là où vous n'êtes jamais parti."

L'un des numéros méconnus deGarçon, ce morceau est une pensée complète, une composition pleinement formée, avec les quatre membres du groupe jouant à un niveau égal : la voix de Bono s'envole, pleine de promesses, tandis qu'Edge, Larry et Adam s'emboîtent comme des pièces de puzzle. C'est mélancolique et innocent, sérieux et sincère. Dans des interviews ultérieures, Bono ignore en quelque sorte celui-ci, mais c'est une histoire parfaite de désir juvénile et de désir d'être seuls ensemble.

L'un des meilleurs et des plus légendaires des sorties berlinoises, ce brûleur de grange a ses racines dans les années 60 avec ses harmonies et sa saveur générale, mais suffisamment de pointe (désolé) pour lui donner une impression pleinement moderne. « Blow Your House Down » a vu le jour dans leHochet et bourdonnementjours, et il y a un extrait fascinant du film montrant Edge, Bono et Jimmy Iovine travaillant sur la chanson alors qu'ils étaient assis sur une plage de Long Island, Iovine enthousiasmé par le potentiel de la chanson. Ce n'est pas difficile d'entendre cela s'intégrer dansAttention bébé; cela aurait légèrement biaisé l'histoire, mais aurait quand même s'inscrivait dans le thème, dans une sorte de « danse pendant que le monde qui vous entoure se termine », ambiance post-apocalyptique. D’un autre côté, Island aurait fait de gros efforts pour qu’il s’agisse d’un single, et il aurait été difficile de revenir sur cela, ce qui aurait altéré l’ambiance créée par les célibataires actuels.

Autre crève-cœur, celui-ci parle inconsciemment du père de Bono (qui décédera en 2001), mais n'est aussi qu'une autre missive de souvenir et de perte. La voix de Bono s'élève, grimpant depuis la fin du premier couplet jusqu'à ce qu'il entre à plein régime dans le refrain, avec Edge derrière lui faisant écho à la mélodie.

Sur un album rempli de chansons ambitieuses et complexes, « Breathe » est surprenant et absolument fascinant. Dans cette mélodie roulante et déferlante, avec Bono mi-chantant, mi-parlant, sa prestation est un mélange de Nick Cave, Michael Stipe et peut-être un peu d'Allen Ginsberg. Le style conversationnel haletant est assorti à une mélodie tout aussi urgente. Il y a un élément de paranoïa avec une touche d'euphorie. Cela pourrait simplement être un flux de conscience ou cela pourrait être un parallèle biblique ; ce visiteur matinal pourrait être Dieu ou Satan : « L'homme à la porte dit que si je veux rester en vie un peu plus longtemps / Il y a certaines choses que j'ai besoin que vous sachiez. » Mais il est plus probable que cela soit lié au thème « laissez-moi entrer dans le son » que Bono a évoqué tout au long du disque – cette idée que nous sommes tous des gens du son, car il en arrive au point où il déclare : « Nous sommes des gens nés du son / Le les chansons sont dans nos yeux / Je vais les porter comme une couronne », et aussi « J'ai trouvé la grâce dans un son / Et je peux respirer maintenant. »

« Dirty Day » est un mélange de contrastes : l'intro discrète ; La voix de Bono, sans fioritures et crue, même lorsque le fausset entre en jeu ; le soupçon taquin des notes de guitare sous la voix, jusqu'à ce que la chanson s'ouvre au refrain. C'est une autre chanson sur les pères et les fils, mais cette fois, le père sort et rencontre son fils des années plus tard. L'outro vérifie le nom de Charles Bukowski, que (bien sûr) le groupe avait appris à connaître : « Hank dit que les jours courent comme des chevaux sur la colline » fait référence au titre de l'un des livres de Bukowski.

Cette chanson a commencé sa vie sous le nom de « Birdland » et faisait partie du lot de restes de laTJTséances. Lorsque le groupe a terminé l'album et est revenu sur les extraits pour sélectionner le matériel des faces B, ils ont décidé que ce morceau était trop fort, alors ils l'ont mis de côté. Edge a déclaré qu'il avait essayé de revenir à la chanson, mais "n'a jamais pu y retourner". Il n'a été retiré de la pile qu'en 2007, lorsque U2 a décidé de le revisiter pour l'édition du 20e anniversaire. Bono a rassemblé les paroles et réenregistré la voix. L'origine des paroles vient de l'expérience de Bono en tant que bénévole en Éthiopie après Live Aid, et le joli arrangement minimaliste au piano et aux percussions doit suffisamment au groupe Patti Smith pour que U2 ait ajouté la coda « (Birdland) » au titre en guise de clin d'œil. de remerciement. Il n'a été joué qu'une seule fois, lors d'un concert caritatif en 2007.

The Edge s'inspire de l'histoire d'un homme qui a quitté l'armée britannique pour rejoindre les nationalistes irlandais et écrire de la poésie. C'est cette poésie qui l'a amené à être déporté en Tasmanie, connue dans la culture populaire irlandaise sous le nom de Van Diemen's Land. Ce n'est pas une mauvaise chanson, juste une chanson curieusement séquencée, et qui n'a pas aidé U2 à réaliser l'histoire qu'ils essayaient de raconter avec l'album (et, plus tard, le film). Partout ailleurs, cela aurait eu du sens, mais au sommet, c'était tout simplement trop précieux. Désolé, Edge.

Un rêve d'Amérique, au-delà des villes et des fenêtres des bus de tournée, la musique est aussi expansive que le soleil se lève à l'horizon. Et pourtant, il y a peut-être un commentaire involontaire et presque caché : « Yeux tristes, croix tordues / Au pays de Dieu. » Ce n'est pas un hasard si un disque inspiré par l'Amérique finit par devenir un fantastique disque de road-trip. Chronométrez bien celui-ci et vous penserez que vous volez.

Histoire des attentats à la voiture piégée de Dublin et Monaghan en 1974, « Raised by Wolves » est une collection de scènes cinématographiques pointues, chaque mot soigneusement choisi, offrant pourtant une richesse de détails étonnants et déchirants ; la spécificité vous amène dans la scène afin que vous la regardiez du même point de vue que Bono. Vous ne vous en rendrez pas compte jusqu'à ce que le chœur arrive et que vous soyez là avec lui dans son chagrin et sa rage : « Élevé par les loups / Plus fort que la peur » est le cri d'angoisse. C'était une pièce de mise en scène phénoménale lors de la tournée Innocence and Experience, faisant suite à « Sunday Bloody Sunday », ce qui n'était pas tellement évident mais nécessaire.

Si cette chanson n'avait pas figuré dans une publicité Apple, tout le monde l'aurait adorée. Ce n'est pas grave, mais c'est intéressant. Bono le décrit comme étant coincé dans une boîte de nuit (et il y a certainement une boîte de nuit merdique nommée « Vertigo ») dans laquelle vous ne voulez pas être. Dans cette optique, même le décompte bâclé du début a du sens ; il y a toujours des ploucs qui pensent parler la langue locale alors que ce n'est pas le cas. Il y a de bonnes répliques, il y a de superbes images – c'est vraiment juste une chanson rock and roll. Il n'était cependant pas nécessaire de le jouer deux fois au cours d'un concert, ce que U2 aimait trop faire.

Ce n’est pas le morceau le plus fort de l’album, mais il a une résonance sonore, et après la trahison de « Jusqu’à la fin du monde », on pourrait voir cela comme le revers de la médaille : le coupable doit faire face aux conséquences de leur perfidie lorsque leur bien-aimé décide d'aller ailleurs, et la jalousie qui s'ensuit. Il y a des reproches, des supplications, des aveux, de l'insistance, de l'obsession et des regrets. Sur le plan sonore, c'est aussi gigantesque qu'un nouvel amour ou un cœur brisé, et tout cela se construit jusqu'aux deux lignes au bout du pont – « Come on now love / Don't you look back » – chantées avec une douleur et une passion immenses.

Cette première piste a été un autre exercice utile dans le processus versAttention bébé, mais a fini par être une voiture en pièces détachées, avec différents éléments volés pour faire partie de « The Fly », « Ultraviolet » et « Zoo Station ». L'art de la face B s'est perdu à l'époque du streaming, mais dans ce contexte, une face B était un endroit parfait pour ce morceau particulier, car elle donnait aux fans une pièce du puzzle à découvrir par eux-mêmes.

Écrit spécifiquement pourMandela : Longue marche vers la liberté,c'est l'approche classique de Bono pour interpréter un événement de la manière la plus microscopique, à travers son impact sur une relation. C'est une chanson charmante et évocatrice : « Ton cœur est sur ma manche / L'as-tu mis là avec un marqueur magique ? – et l’instrumentation et le chant évoquent définitivement la fragilité de l’amour qui s’effondre. Le problème est qu'il n'y en a pas assez ici pour relier l'auditeur à Nelson Mandela à moins que vous sachiez que c'est le sujet de la chanson : si vous devez donner une demi-douzaine d'interviews pour expliquer la chanson, cela pourrait être un signe qu'il a besoin d'aide. Sinon, il s'intègre parfaitement dans leChansons d'innocence et d'expériencefaire du vélo.

"J'ai pensé que ce serait bien pour nous de nous impliquer dans quelque chose qui est fondamentalement jetable et léger", a déclaré Edge à ce sujet.Zoodes restes qui ont été transformés en quelque chose qui ressemble exactement à la bande originale d'un héros de bande dessinée. Il s'envole, zoome et crée unhumeur.

Brian Eno peut mettre tout ce qu'il veut dans un mixeur, mais il s'agit toujours d'une chanson gospel en son cœur - un hommage à Michael Hutchence, le regretté chanteur d'INXS qui était un ami du groupe et dont le suicide a pesé lourdement sur Bono et Edge en particulier. . Bono a ditPierre roulante, "[C]'est une dispute que je n'ai pas eue de son vivant." Les trois dernières strophes de la chanson sont déchirantes.

Une autre chanson livrée avec la voix « Fat Lady » que Bono a développée pendantAttention bébé, et cela, combiné à la mélodie légère et chantante, cache le fait qu'il s'agit de la mère de Bono, décédée quand il était très jeune.

La ligne clé de cette chanson se trouve dans le deuxième couplet, où Bono chante que son premier cri est un bruit joyeux. U2 n'intègre pas des références bibliques dans ses chansons par hasard, et si vous encerclez jusqu'en haut du verset : « Je suis né pour chanter avec toi. » Étendez cela au premier verset : « Je suis né pour être avec toi. » Bono pourrait parler d'un amant ou du public – ou des deux.

Ce n’est pas la meilleure chanson du disque – pour être honnête, il y a pas mal de concurrence – mais elle est à la fois ambitieuse et pleinement réalisée. Chaque membre du groupe réalise une performance époustouflante, l'instrumentation fournissant à la fois des nuances délicates et un contrepoint solide, la voix brute et passionnée, et les paroles fondées sur l'adoration du spirituel et du physique. Un crédit supplémentaire au violon de Steve Wickham et à la guitare presque espagnole d'Edge s'épanouit vers la fin de la chanson. Éthéré.

Comme "40" surGuerre, U2 a clôturé ce disque avec un autre hymne-berceuse. L'impact d'une visite au Chicago Peace Museum, faisant passer « Pride » d'une chanson sur Ronald Reagan à une chanson sur le mouvement des droits civiques et le sentiment de respect de soi qu'il a inspiré aux Afro-Américains, mélangé à l'histoire de la rencontre avec Bono. Bob Dylan pour la première fois, et parler de Memphis avec lui – toutes ces choses ont créé « MLK ». C'est un morceau de musique édifiant et un véritable hommage, même s'il aurait pu paraître un peu brutal à l'époque. Il grandira pour s'adapter au spectacle live, notamment lors de la tournée Joshua Tree en 1987, où le thème de la chanson prenait beaucoup plus de sens.

"'Trip Through Your Wires' a ce joli côté lâche, bâclé et jetable du groupe que nous pouvons parfois capturer", a déclaré Adam Clayton, et il dit la vérité. Il a une rainure ; ça swingue vraiment ; c'est organique et amusant. Les paroles tirent de cet espace somnolent et lubrique d'où proviennent de nombreuses faces B (« Spanish Eyes », « Luminous Times »), et sur l'original Joshua Tree tournée, on a souvent trouvé ce rythme. Cela a fini par être l'une des déceptions dela tournée 2017, se sentant un peu laborieux, et vous ne pouvez même pas blâmer la théorie selon laquelle la liste des pistes d'un album (merci,Kirsty McColl) n'a pas les mêmes soucis qu'un live.

Tout sur « The Fly » est U2 Mark II : cette gigantesque boucle de guitare industrielle, les basses profondes, les percussions décalées et, bien sûr, le Fly lui-même. Les désormais célèbres lunettes de soleil rétro ont été la clé pour que Bono trouve la voix, à la fois lyriquement et vocalement, lui donnant la liberté de ne pas être "Bono" et de rechercher une dynamique et un tempérament différents, de ne pas avoir à être aussi sérieux et héroïque. , mais plutôt de se glisser dans un autre personnage. "La façon dont j'ai vu 'The Fly' était comme un cri de l'enfer… mais le gars aime ça là-bas", a déclaré Bono. « Écoute, je dois y aller », dit le Fly. "Je suis à court de monnaie."

Un peu de gospel irlandais qui n'a pas été retenu, mais qui a de l'os ! L'orgue en arrière-plan, gracieuseté de nul autre que Billy Preston, aurait dû élever ce morceau du sol de la salle de montage, mais, hélas. "Né et élevé du mauvais côté de la ville / Tu montes si haut que tu ne peux pas descendre", chante Bono. C’est évocateur et mémorable.

Bono a écrit sur sa mère depuis les tout premiers jours de U2 – « I Will Follow » parle directement de sa mort et de son impact sur lui à l'âge de 14 ans – et par extension, le fait que Bono devienne Bono est directement le résultat de l'impact de sa mère. cette perte sur lui. "Iris" est cependant une chanson d'aujourd'hui, et Bono, adulte, y réfléchit. Il s’agit presque d’une extrémité nerveuse effilochée et rendra un peu confuse toute personne ayant perdu un parent, à tout âge.

"Heartland" est la bande originale de centaines de kilomètres d'Amérique, vus pour la première fois à travers la fenêtre d'un bus touristique, ou en louant une voiture et en traversant le sud-ouest et en essayant de comprendre cet endroit impossible et incroyable. Il a été écrit pendant laArbre de Josuésessions, mais mises de côté à la place de « Trip Through Your Wires », ce qui a du sens – mais cela correspond parfaitement ici, un autre morceau de l’histoire de la compréhension de l’Amérique entre ce que vous pensez savoir et quelle est la réalité. C’est une magnifique ode au concept que Bono articulera plus tard comme suit : « L’Amérique n’est pas seulement un pays, mais une idée ». C’est doux et nostalgique et cela ressemble à ce que l’on ressent en conduisant sa voiture sur une autoroute oubliée. Ce n'est pas un hasard si c'est la chanson jouée en arrière-plan lorsque U2 descend vers le Mississippi enHochet et bourdonnement.

Est-ce « Là où les rues n'ont pas de nom » ou « Le jour de l'An » ? Non, mais il y a un bon rythme et on peut danser dessus, et la vidéo est hilarante : Larry boudeur, Adam avec une boule disco géante sur l'entrejambe, et homoérotisme majeur entre Edge et Bono. On pourrait écrire un long livre sur le désastre qui s'est produitPopulaireet la tournée qui a suivi, mais ce morceau, au moins, est plutôt amusant.

Magnifiquement tordu, c'est un mélange de « Space Oddity » etVelours bleu. Ils ont en fait essayé de le jouer dans des stades une demi-douzaine de fois lors de la tournée à 360°, ce qui est insensé même à envisager.

Ce disque a élargi le champ des auteurs-compositeurs pour inclure Brian Eno et Daniel Lanois, et vous pouvez certainement sentir leur implication s'étendre aux limites de U2. L’impressionnisme délicat de la chanson titre parle de rêve et d’évasion, et cela s’entend.

Il y avait une première version alternative du morceau qui est sortie sur la face B de « Get on Your Boots », c'est-à-diretrès différent, plus lourd, plus rythmé et, à bien des égards, meilleur. Mais cela ne correspondait clairement pas à l’ambiance recherchée par le groupe.

L'histoire de la chanson explique comment elle a gagné sa place sur l'album : Bono s'est réveillé un matin avec une chanson en tête, mais il ne savait pas si c'était une de ses chansons ou une de Bob Dylan. Alors il appelle Bob et se rend chez lui à Malibu, où il chante la chanson à Dylan. Dylan dit : « Non, ce n'est pas l'un des miens, mais ça pourrait l'être », et les deux collaborent pour terminer les paroles. L'une des cinq chansons enregistrées en cinq heures aux Sun Studios, les Memphis Horns sont la meilleure partie de la chanson, la transformant en soul country ; Dylan chante des voix de fond quelque part dans le mix, et il y aurait une version avec des voix principales qui n'a pas été utilisée, donc il n'y a pas eu de conflit avec les Travelling Wilburys. C'est vraiment le revers de la médaille de « Hawkmoon 269 », la version habillée pour l'église. Ce n'est en aucun cas une mauvaise chanson, mais il y avait des concurrents plus forts qui ont fini en face B. Vous ne pouvez pas mettre une co-écriture avec Bob Dylan sur une face B.

Il est difficile d'être un groupe de rock et d'écrire une chanson sur ce que signifie être dans un groupe de rock sans paraître ingrat ou inconscient. « Gone » s'en rapproche vraiment, et bien que le groupe soit dur sur ce morceau particulier, il est présenté avec suffisamment d'honnêteté et de manque de timidité pour que cela en vaille la peine. "Ensuite, vous découvrez que ce que vous pensiez être la liberté n'est que de la cupidité", chante Bono à la fin, alors que le groupe s'apprête à partir en tournée pour laquelle il n'est pas prêt à soutenir un album qu'ils croient tous n'est pas terminé, avec un des décors les plus élaborés de tous les temps. Peut-être que quelqu'un aurait dû prêter attention aux paroles. La chanson est revenue lors de la tournée Elevation, généralement dédiée au regretté Michael Hutchence, et dans une arène, la chanson a une intimité qu'elle ne pourrait pas atteindre dans le colosse de PopMart.

La différence entre la version album et la version live de ce morceau est dramatique. Sur disque, c'est intéressant rythmiquement, mais ça semble lugubre et raide. Ce n'est pas surprenant quand on apprend que Larry Mullen n'arrivait pas à suivre le tempo et est revenu un jour pour constater que Edge avait overdub la batterie. Mais en live, ce morceau est électrique et cathartique, U2 construisant un espace sonore que d'autres tenteront plus tard de reproduire sans jamais réussir à le faire. Et, plus important encore, la liberté de l'espace élargi permet de comprendre instinctivement plus facilement quelle histoire Bono essayait de raconter – parce que c'est exactement le sujet de la chanson, une action qui crée un espace là où il n'y en avait pas auparavant. C'est l'histoire du punk rock. « J'AI LANCÉ UNE BRIQUE ! J'AI JETÉ UNE BRIQUE ! Bono criait autrefois et les cheveux se dressaient sur votre nuque.

"A love song to the Who", c'est ainsi que Bono l'a présenté le jour où U2 jouait sous le pont de Brooklyn. C'est aussi une chanson sur les origines, les mères et la femme divine – et bien sûr, bien, bien. Mais écoutez Edge éplucher les riffs de Townshend-ian de sa guitare, Larry frappant la batterie avec une précision nette, Adam jouant une mélodie secondaire, et cela peut simplement être une chanson d'amour pour le rock and roll.

Le bruit de quatre hommes abattantL'arbre de Josué, le bruit de la chute du mur de Berlin, le bruit d'un train sortant d'un tunnel dans la lumière du soleil d'un autre pays – « Zoo Station » est tout cela. C'est U2 qui vous invite à monter dans ce train avec eux et à vous enfuir. A l'intérieur du train se trouve le Berlin de Bowie et Iggy, le Berlin d'Isherwood, le Berlin divisé en deux et réuni à nouveau. "Lorsque les gens enregistrent un disque, nous voulions que leur première réaction soit soit 'Ce record est battu', soit 'Ce ne peut pas être le nouveau disque de U2, il y a eu une erreur'", a déclaré Adam Clayton. « Zoo Station » est étonnant, époustouflant et extatique.

BB King : "Je ne suis pas doué avec les accords, donc ce que nous faisons, c'est demander à quelqu'un d'autre de jouer ça."
Bono : « Eh bien, Edge fera ça ; il n'y a pas beaucoup d'accords dans la chanson, il n'y en a que deux.

La présence de ce morceau — que U2 oserait vouloir collaborer avec BB King ! – a bouleversé une grande partie de l’establishment. Mais il semble bien que toutes les personnes impliquées dans la chanson passaient un bon moment ici.

C'est une petite chanson d'amour compacte, écrite parce que Bono a raté l'anniversaire de sa femme alors qu'il travaillait surL'arbre de Josué. "Sweetest Thing" ne correspondait pas au disque (il a fini comme face B de "Where the Streets Have No Name"), puis a été dépoussiéré et réenregistré en 1998 pour le premier single de la compilation des plus grands succès.Le meilleur, 1980–1990.C'est assez inoffensif, mais ce qui fait bouger les choses, c'est la vidéo réalisée pour en faire la promotion, mettant en vedette Bono et ce qui semble être la moitié de Dublin venant le soutenir pour gagner les faveurs d'une dame, jouée par Ali Hewson elle-même (en échange du les redevances du single étant reversées à son organisme de bienfaisance préféré, le Chernobyl Children's Project). La vidéo présente : le boys band irlandais Boyzone, des strip-teaseurs habillés en pompiers, une fanfare de garçons, un quatuor à cordes, un éléphant, un chef (joué par le frère de Bono, Norman), du skywriting, des banderoles de rue et les autres membres de U2. Regardez le moment où Bono enlève ses lunettes pour mettre davantage l'accent sur la ligne « Un garçon aux yeux bleus / Rencontre une fille aux yeux marron ».

The Edge obtient une autre sortie en solo, l'écrit et l'interprète, avec la visite de Bono chantant dans son fausset « Fat Lady ». Il l'a appelé « le son de l'intérieur de la tête de quelqu'un », une caractérisation précise de cette composition presque kraftwerkienne, qui contient également une bonne dose d'humour – le tout peut être vu dans la vidéo hilarante de la chanson.

Parfois, les muses vous mènent dans une direction à laquelle vous ne vous attendez pas ou n'anticipez pas : l'obscurité et le mal dans les œuvres d'auteurs tels que Flannery O'Connor, Truman Capote et, bien sûr, Norman Mailer, dontLa chanson du bourreauétait l’influence nominale de « Exit ». La chanson n’est pas le récit d’une histoire en particulier, mais plutôt un examen des forces qui ont animé les personnes ou les personnages sur lesquels ces auteurs ont écrit. "Exit" est une montagne russe d'émotions, épinglée par le battement de basse d'Adam Clayton en formation avec la batterie de Mullen prenant le pouls - il y a tellement de précision magistrale en cours - puis la guitare d'Edge glisse comme des volutes de brouillard jusqu'à ce qu'elle explose dans intensité violente, la voix de Bono trace une ligne entre l'observateur et le participant.

Mais quand on invoque les muses, il y a parfois un coût. "Exit" a permis au groupe d'exorciser leurs démons, mais Bono a ensuite glissé et est tombé au début de l'interprétation de la chanson, se blessant gravement à l'épaule et l'obligeant à jouer le reste de la tournée en écharpe (vous pouvez le voir dans le vidéo de « Trip Through Your Wires »). Plus tard, l’homme qui a assassiné l’actrice Rebecca Schaeffer en 1989 affirmera avoir été inspiré par la chanson. Tout cela a probablement contribué à la disparition du morceau dans le live du groupe une fois la tournée Joshua Tree terminée, jusqu'à l'annonce en 2017 de la tournée du 40e anniversaire. Cette fois-ci, Bono a enlevé ses lunettes, a enfilé un eye-liner et a changé de costume, et a créé un personnage qu'il a appelé « Shadow Man » pour les interprétations de la chanson, qui était à la fois magistrale et époustouflante. Mais le véritable héros du morceau en 2017 était Edge, dont la fureur à la guitare allait bien au-delà.

Dans le placement de produit le plus étrange et le plus pervers, c'est la chanson choisie pour faire ses débutsPopulaireaux médias lors d'un événement de presse organisé dans un Kmart à New York. Il finirait comme la face B de « Discothèque », mais autrement ne réapparaîtrait plus jamais, pour des raisons connues uniquement du groupe. Ce brûlant sournois et incisif aurait dû trouver sa place surPopulaire.

Quand Keith Richards s'abstient de vous planter sa botte dans le cul pour avoir avoué que non seulement vous ne connaissez pas le blues, mais que vous vous y « opposez », vous rentrez chez vous et écrivez ceci en guise de pénitence. Et puis, d'une manière ou d'une autre, Bono a réussi à charmer Ricahrds et Ron Wood pour qu'ils enregistrent le morceau avec lui, qui est apparu sur leVille du Soleilalbum dans toute sa splendeur vocale surmenée.

U2 l'a enregistré pendantL'arbre de Josuésessions, où elle s'est retrouvée dans la pile des retraits, même si, à bien des égards, elle est meilleure que la version apparue surVille du Soleil. LeVille du SoleilLa version a absolument ses moments (avec Keith Richards frappant des accords très Keith Richards), mais c'est surtout un gâchis dans un genre "Dylan se présente à Live Aid avec Ron Wood et Keith et les trois se ridiculisent" chemin. La version studio, quant à elle, est compacte, tendue, concentrée et ne fait aucun prisonnier. Le moment où Larry et Edge explosent après le deuxième refrain n'a pas de prix, et la voix de Bono est bien plus crédible maintenant qu'il n'essaie pas d'imiter un métayer noir de 70 ans.

Enfin, il y a la version live explosive qui est apparue surHochet et bourdonnement– sauf que Bono a dû proposer ce sarcastique « Okay, Edge, joue du blues », qui n'a fait qu'alimenter le feu des critiques qui n'ont pas compris le sarcasme et pensaient que le groupe était trop imbu d'eux-mêmes.

C'est comme si Johnny Cash était arrivé auGuerres des étoilescantina comme lui-même. La basse d'Adam ressemble à la musique d'un mauvais jeu vidéo. Cela peut sembler une mauvaise chose, mais cela fonctionne : cet ancien barde se présente au bout du monde pour raconter les récits de ses voyages, de la voix grave et lasse du monde la plus profonde.

Écrit par Bono et Edge pour nul autre que Roy Orbison, il lui va si bien que c'est comme s'il avait été écrit pour lui sur demande, sauf que ce n'était pas le cas. Comme beaucoup d'idées de chansons de Bono, celle-ci est une autre idée qui est venue dans un rêve. Il s'était endormi en écoutant la bande originale du filmVelours bleu, et quand il s'est réveillé, il était sûr que la chanson dans sa tête provenait du CD. Lorsqu'il a découvert que ce n'était pas le cas, il l'a écrit et l'a joué plus tard dans la journée pendant la vérification du son. Après le spectacle, devinez qui est arrivé en coulisses à l’improviste ?

La chanson la plus importante de l'album… est exclue de l'album, n'est disponible qu'en bonus sur la sortie vinyle et n'est jouée que trois fois en tournée. « The Crystal Ballroom » parle de l'endroit où les parents de Bono se sont rencontrés et allaient danser, et où, plus tard, U2 a joué en tant que jeune groupe. La chanson est écrite du point de vue de ce jeune Bono imaginant ses parents, en particulier sa mère, dansant ensemble et le regardant jouer. « Tout le monde est là avec moi ce soir / Tout le monde sauf toi » est déchirant.

Vous entendez des bruits d'oiseaux, enregistrés au Maroc ? C'est le lendemain de « Moment of Surrender », notre héros accroché à l'univers par ses ongles (pour paraphraser Bono), qu'il commence à recevoir des messages de son téléphone. « Sont-ils une conscience, est-ce un excentrique ou est-ce Dieu ? Bono a écrit dans les notes de pochette de l'album. Il connaît la réponse, grâce à la référence 3:33 ; sur la couverture deTout ce que tu ne peux pas laisser derrière toi, l'horloge indique J3:33, et Bono explique : « C'est Jérémie 3:33. L'Écriture dit : « Appelez-moi et je vous répondrai ». C'est la téléphonie céleste. La dernière minute et demie de la chanson est un glorieux intermède instrumental entre l'orgue, le cor d'harmonie et un solo émouvant et lyrique de The Edge. Comme « Moment of Surrender », il y a une manifestation fortuite d'énergie entre le groupe et le public lorsqu'il est joué en live. Vous n'écrivez pas de lignes comme « Allez, criez, levez-vous » si vous ne voulez pas les entendre chanter à l'unisson par un grand groupe de personnes.

The Edge l’a appelé « l’évangile rencontre le suicide », ce qui résume assez bien la situation : c’est à la fois édifiant et terrifiant. L'une des meilleures chansons de U2 sur le thème d'Elvis, elle n'est toujours pas tout à fait à la hauteur, malgré les chœurs, le refrain du cor et la guitare réverbérante à la Link Wray, le tout au service de la vérification du nom du train mystérieux. Il faut se demander ce que cela aurait pu être s’ils avaient essayé de monter d’un cran.

Juste au moment où vous pensez que le disque va être agréable, mais pas classique, « The First Time » apparaît. Bono a dit qu'il avait beaucoup écouté Al Green et qu'il voulait écrire une chanson sur la foi, ou plutôt sur la perte de la foi, ou sur la lutte pour ne pas la perdre. Le fils prodigue rentre chez lui, mais ce n'est pas une fin heureuse. Bono invoque Jean 14 :2 – « Dans la maison de mon père, il y a beaucoup de demeures » – mais dit ensuite : « Mais je suis parti par la porte arrière / Et j'ai jeté la clé. » C'est une chanson calme mais intense.

Bono a écrit cette chanson inspirée par le mouvement des mères argentines réclamant justice pour leurs enfants disparus. Ce n'est pas une chanson rock ; c'est une sensation presque proto-électronique, ancrée par une boucle de batterie Eno passée via un processeur, avec une ligne de guitare espagnole le long du dessus. La boucle de batterie, malgré le traitement, semble organique lorsqu'elle est liée aux paroles : « Nous entendons leur battement de cœur », et cela ressemble à un seul, bien qu'au loin. Bono ne chante pas tant que ça, il chante, puis il se met à pleurer, comme s'il exprimait le chagrin des mères. C'est une chanson très non linéaire, mais dans la progression de la deuxième face de l'album, les étapes de « One Tree Hill » à « Exit » en passant par « Mothers of the Disparue » ne sont pas si éloignées. C'est une chanson difficile à maîtriser en live, c'est pourquoi elle n'est apparue sur les set lists avec une grande régularité qu'en 2017, où elle est devenue à la fois un répit après le crescendo émotionnel du disque et un moment fort de la tournée.

Au lieu de terminer ce disque par un hymne, U2 le termine par une prière. Contextuellement, si vous suivez l'arc de l'album, c'est littéralement le seul endroit où ils auraient pu arriver, priant pour être guidés dans l'obscurité et le désespoir. La clé de la chanson sont les deux accords de guitare résonnants dans le refrain, qui sont un réveil appelant à Dieu et au disciple qui a perdu la foi.

Dominée par le piano et les percussions, c'est une autre de ces odes extatiques à l'être aimé qui étaient sous-jacentes au cours de laArbre de Josuéséances en studio. Cela semble improvisé, mais cela est davantage dû au style vocal de courant de conscience que Bono adopte pour refléter l'essoufflement des paroles. C'est un instant.

Écrit pour le film le plus sous-estimé de Wim Wenders, « Jusqu'à la fin du monde » est le son du serpent qui grimpe sur l'arbre du jardin d'Eden après avoir demandé à Eve de croquer la pomme. C'est une conversation entre Jésus et Judas. Il s’agit de la trahison la plus aiguë et la plus profonde, mais le rebondissement arrive à la fin : « J’ai tendu la main vers celui que j’ai essayé de détruire / Toi, tu as dit que tu attendrais / Jusqu’à la fin du monde. » En fin de compte, le pardon triomphe. Le bruit derrière les paroles est énorme et accablant, incarnant la douleur de la déloyauté, à la fois pour la personne qui commet le mauvais acte et pour celle qui en souffre.

Il y a tellement d'amour, de regret et de gratitude dans cette chanson écrite sur le père de Bono. Dans le dernier couplet, la voix de Bono s'envole avec juste un petit craquement de tristesse : « Peux-tu m'entendre quand je chante / Tu es la raison pour laquelle je chante / Tu es la raison pour laquelle l'opéra est en moi. »

Cette chanson a commencé sa vie comme quelque chose sur lequel Bono et Edge travaillaient pour Frank Sinatra, et vous pouvez l'imaginer dans les paroles du premier couplet. Le deuxième couplet ressemble à Berlin et le troisième couplet renvoie à Zoo TV : « Avec la télévision par satellite, vous pouvez aller n'importe où. » Pendant leZooLors de ces sessions, Wim Wenders est venu rejoindre le groupe, ayant besoin d'une chanson pour un nouveau film sur les anges qui veulent devenir mortels et vivre sur Terre. "Juste le bang et le cliquetis alors qu'un ange court vers le sol", et Larry Mullen frappe le bord de la caisse claire.Boom. Cela semble décousu, mais cela fonctionne ensemble et est parfait pour le film. Cela ne rentre presque pas dans l'album.

Bono crée ce paysage vaste et vivant dans « Moment of Surrender » chargé de multiples couches de symbolisme et de signification. C'est profond et bouleversant, mais dans le spectacle live, c'était absolument transcendant : c'était Bono qui témoignait, le groupe en chœur, Edge exécutant ces mélodies déchirantes au clavier puis à la guitare. La tournée à 360° se terminait traditionnellement avec cette chanson, et c'était la chose parfaite à avoir en tête en sortant du spectacle, pas du tout différent de ce que l'on ressentait en entendant « 40 » résonner dans les rues il était une fois temps.

Le deuxième single de U2, « 11 O'Clock Tick Tock », montre un groupe qui essayait désormais de se maîtriser au lieu de courir à toute vitesse à chaque seconde de chaque minute. Le groupe est encore un peu raide, mais il n'y a rien de prévisible dans la musique, les paroles ou la performance. Il y a une belle ombre d'Adam Clayton avant le dernier refrain, les accords de puissance d'Edge trancheraient le beurre et, de bout en bout, c'est un moment d'émotion vif.

Mais là où la plupart des gens ont connu pour la première fois « 11 O'Clock Tick Tock », c'est d'où vientSous un ciel rouge sang, où le groupe offre une interprétation à peu près aussi parfaite de ce morceau particulier que jamais. Tous les éléments extraordinaires du morceau le sont encore plus : Bono a appris à émettre des émotions sans trop s'étirer et Larry et Adam travaillent en étroite collaboration, donnant ainsi à Edge la possibilité d'enfiler habilement les notes de guitare du début à la fin, même lorsque le chanteur principal en a besoin. aller dans la foule et faire sortir une fille avec qui danser.

T-Bone Burnett a déclaré que tout rock and roll tourne autour de "Daaaddy!" Et même si cela est bel et bien présent dans le cas de Bono, l'influence primordiale que la mort précoce de sa mère a laissée sur lui est ce qui fait probablement de U2 une entreprise moins agressive et plus empathique. « Mofo » est le morceau génial de l'album, ce confessionnal nu déconstruisant l'un des péjoratifs les plus vilipendés, se cachant sous une couche de rythmes et d'effets sonores. "Il contient le moment le plus exposé de la chanson la plus dure de l'album", a déclaré Bono, et il a raison. Il y a des paroles glissées entre les battements qui trancheront de minuscules poignards dans votre cœur : « Je cherche à remplir ce trou en forme de Dieu », « Mère, tu es partie et tu as fait de moi quelqu'un / Maintenant, je suis encore un enfant mais personne ne le dit. moi non » ou « Je cherche un son qui va noyer le monde ». On pourrait dire qu'il est impossible que Bono ait été aussi direct s'il s'agissait d'un morceau acoustique typique du rock and roll de U2 - qu'il avait besoin de se cacher derrière leboum-chapour cette confession particulière à cette époque de sa vie. Même alors, sa voix ravagée par la fumée donne l'impression qu'il s'accroche au bord d'une falaise par ses ongles, même lorsqu'il tombe en fausset… et puis, c'était la chanson d'ouverture du spectacle pour toute la tournée PopMart ! La folie est parfois stupéfiante.

Il y a tellement d'exaltation dans « Mysterious Ways », le riff de guitare qui ne ressemble à rien d'autre, la ligne de basse d'Adam Clayton qui gronde et se balance et empêche le groupe de s'envoler dans le firmament, et Larry Mullen, malgré toutes ses craintes quant à l'endroit où il se trouve. s’intégrerait parfaitement dans cette « nouvelle » version de U2. Et puis il y a le chanteur principal, qui en fait un hymne d'adoration envers les femmes. Bono a déclaré : « C'est U2 dans ce qu'il a de plus funky. Musique sexy. Il n'a pas tort.

Le rythme slinky de la version studio de « Elevation » ne doit pas être sous-estimé. D’un autre côté, on écrit parfois une chanson pour regarder un stade de 80 000 personnes sauter de haut en bas. « Je ne peux pas chanter mais j'ai une âme / Le but est / L'ÉLÉVATION » — la vérité dans la publicité.

U2 avait fait la paix avec l'électronique et l'expérimentation de nouveaux rythmes et de nouvelles productions, et ce qui allait être un EP rapide s'est transformé en un album enregistré entre les dates de la tournée Zoo TV. Un morceau de cyberpunk chatoyant et éthéré, lié à l'humanité avec les dernières lignes : « Elle va rêver du monde dans lequel elle veut vivre / Elle va rêver à voix haute. »

Guerreest tellement plein du genre de production atmosphérique robuste dans laquelle Steve Lillywhite excellait, et « New Year's Day » est probablement en tête de liste sur cet album. Même avant que le groupe ne parte caracoler dans une steppe gelée et enneigée dans la vidéo, Bono essayait délibérément d'invoquer la neige comme « une image d'abandon » : le son du vide, d'un nouveau départ, d'espoir. « Rien ne change le jour du Nouvel An » est suivi de « Je serai de nouveau avec vous ». Il y a aussi un clin d’œil inconscient à Lech Walesa, alors encore emprisonné. Mais c'est la ligne de basse qui domine (avec ces notes de piano douloureusement clairsemées), résultant d'une vérification du son où Adam Clayton essayait de jouer « Fade to Grey » de Visage : « C'est une sorte de partie de basse toujours à la recherche d'une mélodie, ", a déclaré Clayton en 2006.

Si U2 essayait de montrer au monde ce qu'il voulait dire en revenant aux racines du rock and roll, ils l'ont fait ici. C'est "Mona" qui rencontre "1969", Larry et Adam s'enchaînent, avec la guitare de Edge scintillant au centre, Bono savourant le rôle d'"un pasteur volant des cœurs lors d'un spectacle itinérant" - un mélange de télévangélisme des années 80, Colonel Tom Parker,Hayride en Louisiane, et la Grande Salle de Bal. Il mérite son nom.

Le passage de la guitare sur le pont est l'un des moments les plus époustouflants pour U2 en tant que groupe. Cela se transforme en écho ambiant pour que la voix de Bono agisse comme un autre instrument, les paroles n'ayant pas d'importance, avant qu'Edge ne revienne pour rassembler tout le monde – puis la batterie de Larry prend presque le relais. Il fait référence aux Who avec amour et de manière flagrante à la toute fin, des crashs de cymbales et des arpèges aigus et la voix de Bono planant derrière tout cela.

Pour un groupe qui, à l’époque, niait tout lien avec le blues et le folk, ce magnifique mélange de ces deux formes crée un conte de fée fantastique et spontané qui aurait pu sortir d’un cercle de fées ou d’un feu de camp. Il y a quelques boucles électroniques en arrière-plan qui créent un brouillard nerveux et éclectique, ancré par les accords acoustiques atonaux doux mais fermes d'Edge. Apparaissant sur la face B de « A Celebration », le rythme facile contrastait fortement avec la sincérité criarde de la face A et sa spontanéité inhérente (le groupe avait 40 minutes pour trouver quelque chose et c'est ce qui a abouti). ) a été une bouffée d'air frais pour les fans qui aimaient le groupe, mais qui voulaient aussi un peu d'espace pour respirer et danser. Il n’est pas surprenant qu’il soit resté dans la set list même jusqu’en 2015.

La ligne de guitare frise la folie, tandis que le chant oscille au bord du désespoir. Les paroles sont plus linéaires que ce que Bono préfère habituellement, et vous auriez aimé qu'il ait choisi d'être plus abstrait. C'est comme si un couteau sortait du centre de votre poitrine. Bono a pensé à l'envoyer à Nina Simone, et il aurait dû. Cela aurait été incroyable.

« Spanish Eyes » est primal, insensé et éternel. Il y a un tout deuxième album de ce type d'écho douloureux qui est sorti deL'arbre de Josuésessions et s'est terminé en faces B, mais l'album aurait semblé un peu plus complet et plus complet si l'un d'entre eux – de préférence celui-ci – avait été retenu. « Trip Through Your Wires » était censé représenter cet élément particulier, mais il ne va pas aussi loin que celui-ci.

C'est la chanson la plus spirituelle d'un album où il n'y en a pas, et ce n'est pas surprenant ; elle provenait d’une perte réelle, profonde et spécifique, et non d’un vague tourbillon d’influences (pour ne pas les diminuer en aucune façon). La chanson a été écrite après avoir assisté aux funérailles maories du membre de l'équipage (et assistant de Bono) Greg Carroll en Nouvelle-Zélande, décédé dans un terrible accident de moto lors d'une nuit pluvieuse à Dublin. Dans les paroles, Bono mélange la légende maorie avec l'imagerie biblique et compare la mort prématurée de Carroll à la perte du chanteur folk chilien Victor Jara, assassiné par le régime de Pinochet en 1973 – le tout pour tenter de donner un sens à cette horrible perte. Mais l'élément central de cette chanson réside dans la voix déchirante de Bono dans la dernière minute et demie. Il est compréhensible que le groupe ait attendu un certain temps en 1987 avant de l'ajouter au set, et pourquoi la chanson a pratiquement disparu des sets live (à l'exception des concerts en Australie ou en Nouvelle-Zélande) jusqu'au renouveau de 2017.

« Walk On » est l'une des grandes déclarations de U2. Elle a été inspirée par la dissidente birmane Aung San Suu Kyi, alors assignée à résidence depuis plus d’une décennie – mais c’est une chanson si profondément émouvante que, égoïstement, vous la voulez juste pour vous-même. Il y a un moment dans « Walk On » que vous n'entendrez peut-être même pas, vous le ressentirez probablement : après le dernier refrain, la guitare d'Edge rugit dans le mix, et il y a trois petits accords de clavier qui vous élèveront ou briseront votre cœur. en morceaux. Ou les deux.

Si vous pensiez que les choses allaient s’éclaircir, détrompez-vous. « Acrobat » est soit un post-scriptum de la scène d'« Ultraviolet », soit un retour en arrière vers une époque antérieure : déception, trahison, véracité, se tenir debout et se regarder dans les yeux et voir l'histoire des années. « Rien n'a de sens », chante Bono, tandis qu'Edge joue une quasi-valse insensée qui augmente en intensité à mesure que la chanson progresse ; Larry joue dans et hors des espaces laissés par Edge, et Adam passe dans les poutres de support. Le désespoir dans la voix de Bono devient de plus en plus tendu, jusqu'à ce qu'il atteigne le pont et murmure d'une voix rauque : « Qu'allons-nous faire maintenant, tout a été dit / Aucune nouvelle idée dans la maison et chaque livre a été lu » – avant le lancement d'Edge. un solo maniaque qui ressemble à celui de votre cœur lorsqu'il bat de tourment.

"Il n'est jamais devenu un favori du live", a déclaré Edge en 2006. "Peut-être parce que je ne pense pas que ce soit pour cela que les gens viennent à U2." Il est plus probable que cela nécessite une descente vers un spectre émotionnel que personne dans le groupe ne souhaite revisiter, ce qui est assez juste. Mais si Internet est un marqueur, il y a des milliers de fans à travers le monde qui vendraient leurs grands-mères pour entendre celui-ci en direct.

Il s'agissait d'un projet parallèle que le groupe avait réalisé avec Brian Eno, dans lequel U2 était censé être le groupe d'accompagnement sous la direction d'Eno. Mais « Miss Sarajevo » s'est davantage identifiée à U2 en raison de l'histoire qui se cache derrière, qui est une autre de ces légendes fortuites de U2 : Pendant laZootournée, alors que MacPhisto était encore en train de téléphoner depuis la scène, il a appelé Luciano Pavarotti depuis la scène de Bologne. Après cela, Pavarotti a pris contact avec le groupe et souhaitait enregistrer une chanson ensemble. Bono a créé « Miss Sarajevo », une chanson sur le siège de Sarajevo et la réponse des Bosniaques attaqués, dont un concours de beauté. Sarajevo était également la ville avec laquelle U2 avait établi un contact satellite pendant Zoo TV. Tout cela est enveloppé dans cet élégant duo entre Bono et Luciano Pavarotti.

Il est tentant et paresseux d'étiqueter cette chanson comme « U2 back to form ! » alors qu'il s'agit d'une forme qu'ils n'avaient pas créée auparavant, exactement. Mais il est également tentant et paresseux de rejeter le plus gros succès. Ils ont écrit un hymne énorme et astucieux qui a explosé parce que les gens s'y sont connectés. C'est gigantesque, avec des accords de puissance Edge-ian sur des kilomètres, Larry frappant la batterie avec une autorité folle, une ligne de basse puissante et mélodique, et la voix de Bono était de retour dans sa chaleur riche et enveloppante. Puis il y a les petits moments : cette poussée harmonique « Dayyyyyy, dayyyyyy » après le pont, les notes de guitare saccadées sur la moitié arrière du refrain, ce « Ooh-ho » extatique de Bono avant la ligne « Touch me » dans le refrain. , et la façon dont les vers élèvent l'énergie jusqu'à cette explosion d'excitation. « Beautiful Day » n'a pas la même qualité d'émotion complexe que leurs autres grands hymnes ; c'est juste un moment brillant et optimiste, et c'est le groupe idéal pour ce travail.

C'est la meilleure chanson new-yorkaise de U2, capturant leur amour de la ville et sa mythologie. C'est l'une de ces chansons avec des dizaines de couches de sens, et l'une de celles qui se sont transformées une fois devant les fans de U2 – en particulier les fans new-yorkais de U2. "Oh, tu es si belle ce soir", c'est le genre de phrase que seul Bono peut chanter devant 20 000 personnes et en disant sincèrement du fond de son cœur. Il s'agit de l'amour d'une grande ville et de la façon dont on peut à la fois s'y perdre et s'y retrouver. "Le temps ne me laissera pas tel que je suis / Mais le temps ne fera pas sortir le garçon de cet homme", chante Bono. Les accords d'ouverture donnent l'impression de se promener dans New York alors que la neige vient tout juste de commencer à tomber. C'est un moment plein d'optimisme et d'espoir.

Bono a demandé à Edge de mettre le son de « US OUT OF EL SALVADOR » via son amplificateur, et il a accepté. "Je voulais que cela ressemble à un enfer sur Terre, car de la graine du démon naît la fleur de feu", a déclaré Bono. « DEHORS, C'EST L'AMÉRIQUE », crient les paroles, tandis que Edge allume son manche en feu. "Dans un vent de criquet / Vient un hochet et un bourdonnement" - et vous pouvez presque sentir ce vent du désert sortir de l'amplificateur. En concert, Bono peut aller trop loin ou s'égarer sans aucun sens, mais Edge et sa guitare sont là pour s'assurer que vous vous souveniez du sujet de la chanson.

Le morceau précédent de l’album aurait pu s’appeler « Desire », mais celui-ci est un ravissement. "Hawkmoon 269", c'est six minutes d'un enfer ardent. Bono hurle et Edge allume les cordes de sa guitare comme une mèche menant à de la dynamite. La basse d'Adam Clayton est si basse que vous pouvez la sentir au creux de votre estomac ; plus bas, probablement. Et c'est probablement l'une des plus belles performances de Larry Mullen Jr.. Il parvient à guider la tension et l'intensité avec une précision folle. Le batteur de jazz Larry Bunker est au tympan, il y a un trio gospel à la fin, et oh, IL Y A BOB DYLAN SUR L'ORGUE HAMMOND - cette folle mélodie de carnaval au début, puis bouillonne en dessous et serpente à travers la chanson. U2 a rarement joué « Hawkmoon 269 » en live. C'est probablement mieux ainsi : le laisser à l'état pur, caché dans un disque qui s'est vendu à des millions d'exemplaires dans le monde entier mais qui a été impitoyablement déchiré par le critique rock de l'establishment pour avoir diffusé des airs, alors que seuls quatre enfants de Dublin tombaient. amoureux de l'histoire de la musique américaine.

Cette chanson capture avec précision l'excitation et l'enthousiasme de venir à New York après en avoir rêvé. C'est en quelque sorte une première version de « City of Blinding Lights ». C'est à la fois une chanson de New York – Bono nomme WBLS et John Coltrane, Birdland, Miles Davis et Billie Holiday. C'est aussi, incroyablement, une chanson de Memphis. Il a été enregistré aux Sun Studios, avec Cowboy Jack Clement derrière le bureau et les Memphis Horns sonnant comme s'ils devraient toujours être là. "Angel of Harlem" déborde d'amour, d'enthousiasme et d'un sentiment de,Oh mon Dieu, nous sommes ici là où tout cela s'est produit.Bono dit que c'est l'une des rares chansons de juke-box de U2 : "Nous n'avons pas beaucoup de chansons de juke-box, mais c'est une chanson que les gens jouent dans les bars." Il existe peu de soutiens plus forts que cela.

L'histoire derrière la genèse du morceau - le temps de studio du groupe s'épuise littéralement et un morceau étant court, Bono disant "Faisons un psaume" - est complètement et totalement contrebalancée par la beauté de la performance enregistrée : Edge à la basse, avec des accords qui vont droit au cœur, des chœurs simples mais puissants, et la voix de Bono, pas dans ce qu'elle a de plus magnifique, mais définitivement dans ses sentiments. C'est une ode, un hommage, un blues profond – et même si les paroles sont tirées du Psaume 40, elles sont suffisamment vagues pour laisser l'espace à l'incroyant de trouver son propre sens dans le morceau. Il était probablement inconscient, mais significatif, que la phrase de « Sunday Bloody Sunday » – « Combien de temps devons-nous chanter cette chanson ? - qui a ouvert l'album se refléterait ici à la fin.

Mais on ne peut pas écrire sur « 40 » sans parler de sa place dans le live. Cela clôturait la plupart des concerts du groupe dans les années 80 et était l'un de ces moments qui sont devenus une partie cruciale de ce qu'était U2 pour leurs fans. Les punks mohawks les plus pointus se retiraient, se tenaient la main, passaient leurs bras autour des gens près d'eux et chantaient de tout leur cœur sur le refrain. Et il n’y avait rien de tel que de sortir de la salle et d’entendre le refrain résonner sur les murs du hall, dans les rues et dans le métro. C’était – et c’est toujours – un morceau de magie de U2 difficile à expliquer de manière adéquate. Il clôt un spectacle en douceur, avec civilité et unité. Cela élève votre cœur, et c'est ce qu'un psaume est censé faire, même si vous êtes non-croyant.

La chanson commence au milieu de l’histoire car le début n’a presque pas d’importance. Ce qui compte c’est la fin, même si l’on sait comment se terminent ces histoires. Le but ici est de témoigner, mais pas de juger. L'héroïne a détruit tant de proches de U2 – la mort de Phil Lynott en 1986 était dans leurs esprits – et tout ce qu'ils ont écrit à ce sujet crucifie la drogue, pas le toxicomane. Les paroles ici trouvent la beauté et la douleur de la condition humaine, et ne nient ni l’une ni l’autre. Musicalement, cela vous fait semblant dans l'intro ; on pense que ça va être une chanson de blues, puis ça passe à une composition presque orchestrale. Cela reste cependant un blues : époustouflant, atmosphérique et d’une tragédie déchirante.

« Ultraviolet » est l'épopée de l'album car c'est le moment de catharsis. C'est l'endroit où nos héros se rassemblent et reconnaissent les imperfections de l'amour et de chacun et décident qu'ils vont continuer à avancer ensemble : « Bébé, bébé, bébé, éclaire mon chemin. » C'est la plus mancunienne (pensez à Happy Mondays, Inspiral Carpets) de toutes les chansons de l'album d'un point de vue rythmique, malgré les affirmations du groupe selon lesquelles d'autres morceaux devraient revendiquer cet honneur. D'un autre côté, la structure de la composition est plus grande que cela : ce changement de tonalité monumental avant le dernier couplet, ce léger rétrogradage et la voix de Bono juste rugissante. L'Edge est presque une machine à guitare, cohérente et imparable, et la section rythmique est le pilote arrière.

C’est pour cela que l’application en direct de « Ultraviolet » en 2017 aux femmes de pouvoir de l’histoire actuelle et passée ne convenait tout simplement pas, n’a pas fonctionné. C'est une chanson sombre et perturbée qui ne peut pas être simplement repoussée dans un nouveau contexte.

Si vous n'étiez pas sûr que U2 allait avoir une certaine endurance aprèsGuerre, le premier morceau de leur quatrième album effacerait tout doute. Le titre de la chanson est absolument vrai dans la publicité : cela ressemble à un retour à la maison, comme ce petit sursaut dans votre cœur lorsque vous vous tournez dans l'allée pour Thanksgiving, ou comme votre pouls s'accélère lorsque vous voyez le visage de votre amoureux qui vous attend. Il s’agit d’abandon, de retour et d’acceptation. Cela peut apaiser votre cœur au milieu de la nuit, au lever du soleil ou au milieu d'un stade avec des milliers d'autres personnes.

C'est le côté astucieux de U2, leur capacité à écrire un énorme succès mondial et à le faire sonner comme rien de ce qu'ils avaient jamais fait auparavant, tout en ne sonnant que comme U2. Ils vous trompent avec cette ouverture : ça s'insinue en quelque sorte sur de petits pieds de brouillard, tranquillement, le Edge jouant ce que Bono appelle « un magnifique fantôme obsédant d'un son de guitare », comme si vous pouviez entendre un miroitement. Ce qui l'empêche d'être insupportablement poli, c'est la moitié arrière de la chanson, où Bono se déchire le cœur - vers 3:04 environ - puis tout se rassemble et s'éclipse, comme un chat noir à minuit. En concert, il a tendance à souffrir un peu d'être trop long, du fait que Bono veut entendre le public lui répondre, mais c'est aussi glorieux d'entendre cela se produire.

Jamais aussi peu de personnes n’en ont pris autant en même temps. Ici, U2 décide de faire du shadowboxing avec le catholicisme, Van Morrison et Patti Smith, qui ne sont en aucun cas des influences mineures sur les quatre musiciens. Vous ne nommez pas votre chanson « Gloria » à moins que vous ne croyiez ardemment que vous avez quelque chose d'autre à ajouter à ce domaine particulier. Vous n'écrivez pas une chanson intitulée « Gloria » à moins d'avoir un sens inné de la puissance de votre groupe. Vous n'écrivez pas une chanson intitulée « Gloria » à moins de penser qu'elle peut rivaliser avec les autres à qui vous empruntez une tasse de sucre. U2 répond par l'affirmative à tout ce qui précède, couronné par un refrain sacré et éthéré à la fin. The Edge a déclaré à Bill Flanagan : « « Gloria » est vraiment une parole sur le fait de ne pas pouvoir exprimer ce qui se passe. » Peut-être qu'ils ne savaient pas quand ils préparaient le morceau, mais en live ? Ils l’ont écrit pour en faire un putain d’hymne, et ils tirent tout le pouvoir qu’ils peuvent de celui-ci.

Il est à la fois surprenant et non surprenant que les paroles de l'une des chansons les plus puissantes de U2 se révèlent intemporelles et durables : « Un homme pris sur une clôture de barbelés / Un homme à qui il résiste / Un homme échoué sur une plage vide / Un homme trahi par un baiser » aurait pu paraître vague et généralisé lorsque la chanson a été écrite, mais étant donné que chaque phrase a son équivalent direct en 2017, il y avait clairement une sorte de sagesse universelle poussant Bono vers l'avant.

C'est une de ces chansons qui, de la part de presque n'importe qui d'autre, aurait semblé artificielle, mais U2 le pensait et continue de le penser. C'est une chose formidable d'entendre 80 000 personnes dans un stade chanter dessus, mais mon moment préféré reste d'être debout dans un froid glacial en regardant le groupe chanter la chanson sur les marches du Lincoln Memorial la veille de l'investiture d'Obama - pas à cause d'Obama. , mais parce que voir ce groupe chanter cette chanson à l'endroit où se tenait Martin Luther King Jr. n'était pas une mince affaire.

Une fois de plus, U2 termine son disque par un hymne. C'est une mélodie magnifique et sophistiquée qui conviendrait à l'un des albums des dernières époques ; cela semble certainement plus avancé que toute autre chose surHochet et bourdonnement.Le mérite en revient à nul autre que Van Dyke Parks, qui est venu et a contribué à cet arrangement de cordes obsédant qui élève la chanson au-dessus de tout le reste de l'album. Le chant est plein d'amour et de nostalgie, et Edge apporte une ligne de guitare nostalgique et douloureuse qui est la définition du chagrin. Sur le plan thématique, une chanson sur l'amour et l'engagement est la conclusion naturelle d'un album consacré à l'errance et aux grands cieux.

C'était Joshua qui sonnait les trompettes à Jéricho, un appel de clairon, ce riff de guitare en cascade qui est la version de « Satisfaction » de U2. Ce fut un saut à couper le souffle de « Zoo Station » à « Even Better », comme si on était dans une voiture à grande vitesse et qu'on se rendait compte qu'elle ne s'arrêterait pas de si tôt. La tension dans la mélodie est cinétique ; c'est comme si Edge agitait ses mains autour d'un thérémine (et il a ce son d'un autre monde que fait un thérémine) avec un rythme intense, entraînant, dynamique et sexuel.

Pour être honnête, « Out of Control » est le véritable hymne de l’album (par rapport au single « I Will Follow). "Out of Control" est direct et entraînant, sans percussions, trucs ou échos fantaisistes, chaque membre du groupe jouant à 11 heures. Il y a un petit changement sur le pont fait sur mesure pour la participation du public par la "manière des applaudissements des mains, bras levés, puis une pause instrumentale du drive, enchaînée par quelques notes de guitare et faisant écho aux « hors de contrôle » de Bono ; c'est juste une seconde pour reprendre son souffle parce que le dernier couplet et le refrain avancent encore plus fort – avant cette fin sonore et convenable.

« One » est un énorme caméléon émotionnel d'une chanson. Il change de couleur du rouge au bleu en passant par le violet en fonction du prisme de trahison, de malhonnêteté, de déception ou de désespoir à travers lequel vous voyez la chanson. "One" contient une tristesse profonde, une mélancolie sombre et un immense regret. « Nous ne faisons qu'un, mais nous ne sommes pas les mêmes », chante Bono, une vérité profonde, avant de poursuivre : « Nous pouvons nous porter l'un l'autre ». Bono et Edge soulignent que ces dernières paroles sont essentielles à la chanson de différentes manières : « C'est un rappel que nous n'avons pas le choix », a déclaré Bono. « « Arriver à » est la clé », a déclaré Edge, « « Aller à » serait trop évident et banal. « Arriver à » suggère que c'est notre privilège de nous porter les uns les autres.

Bien qu'il s'agisse d'une performance musicale exceptionnelle et proche de la perfection pour l'ensemble du groupe, le MVP est Bono, qui réalise un tour de force émotionnel du début à la fin. Sa voix est pleine d’un profond chagrin et résonne assez de douleur et de regret. Compte tenu de tout ce qui précède, il est étonnant que les gens pensent que c’est une bonne chanson à jouer lors de leur mariage.

Chanson populaire. Chanson de paix. Chanson de protestation. The Edge a commencé à écrire « Sunday Bloody Sunday » alors que Bono était en lune de miel, avec des paroles beaucoup plus directes (« C'était une chanson antiterroriste à part entière », a déclaré Edge en 2006) que le résultat final. C'était le résultat de l'actualité, de l'actualité, de ceux qui essayaient de coopter U2 dans leur mouvement – ​​d'être un symbole visible des « Irlandais d'Amérique », auquel Bono ferait référence.sur scène en 1987. Cela dit, Bono remarquerait : « C'est provocateur mais je ne pense pas que nous ayons vraiment réussi » d'un point de vue lyrique ; le groupe n'avait pas encore suffisamment mûri en tant que paroliers pour y parvenir. La force de la chanson est ancrée dans les battements de batterie nets, robustes et martiaux de Larry Mullen Jr., et dans le contrepoint apporté par le violon du grand Steve Wickham (The Waterboys, entre autres) en dessous du tout.

En live, bien sûr, cette chanson a pris sa propre vie au fil des années. Sur leGuerretournée, elle était précédée du désormais légendaire « This is not a rebel song » du premier rendez-vous de la tournée à Belfast, où Bono a également déclaré au public que s'ils n'aimaient pas la chanson, le groupe ne la jouerait plus jamais. Plus tard cette année-là, le morceau a été capturé en vidéo et ensuite diffusé au grand public lors de la sortie de U2. l'album live et la vidéoSous un ciel rouge sang, et était sur MTV environ toutes les 30 minutes à l'époque.

La performance définitive reste celle duHochet et bourdonnementfilm, tourné à Denver la nuit des attentats à la bombe d'Enniskillen, lorsqu'un groupe visiblement ému est monté sur scène et a interprété la chanson avec un mélange de fureur et de tristesse ressenti dans chaque note jouée. Bono dira plus tard qu'il ne pensait plus que le groupe devrait interpréter la chanson après cette soirée ; ils lui donnaient un bref repos, avant de le ramener là où il agirait comme un point d'ancrage dans un arc émotionnel autour de leurs chansons plus ouvertement politiques, où il agirait comme une prière pour la paix, ou parfois, juste là comme l'un des morceaux du groupe. meilleures chansons.

C'est une chanson gospel, point final. Pas une sorte de chanson gospel, ni inspirée par une chanson gospel, mais une chanson gospel honnête et sincère. C’est inspirant, édifiant, déchirant et tout simplement magnifique. La mélodie est tellement habile : Larry et Adam dans la poche, Edge longeant le haut de la mélodie et Bono chantant avec une réelle humilité. « Gospel » ne devrait pas être un gros mot pour les fans de rock – c'est de là qu'il vient, là où l'église rencontre le terrain et le juke-joint.Emmène-moi à l'église.

Les premières notes de « Bad » sont un appel de clairon : elles invitent l'auditeur à entrer dans la chanson et donnent un ton d'avertissement et de prémonition à la scène qui est sur le point de se dérouler. Le minimalisme de l'instrumentation est remarquable dans la façon dont elle va et vient pour s'adapter à l'espace autour de la voix de Bono, et cette voix et la mélodie palpitent avec intensité. On peut ressentir le désespoir de l'héroïnomane, la bataille entre l'attirance et la haine de la maladie, la colère et la frustration des gens qui l'entourent, en les regardant tomber encore plus dans le « bleu et le noir », sans pouvoir retirez-les – et aussi la voix de quelqu’un qui pourrait trouver les qualités de la drogue intrigantes et dangereuses. Tout est là. C'est à couper le souffle, la façon dont la chanson se construit, la façon dont Bono étouffe sa voix et comment l'équipe Eno-Lanois construit sonorement la dynamique émotionnelle.

Bien sûr, on ne peut pas parler de « Bad » sans parler également de Live Aid, car cette performance a été, involontairement, un tournant pour U2. Si vous ne l’avez jamais vu, c’est l’une des merveilles de cette journée musicale surnaturelle. Même pour ceux qui étaient déjà fans du groupe, ce fut un moment remarquable. La chanson s'étend pour s'adapter à l'étendue du stade de Wembley, et quand Bono se dirige vers la foule, tous ceux qui les avaient vus pensaient :Oh, bien sûr, c'est tout à fait normal pour Bono —tandis que le reste du groupe était furieux, ils ont été laissés vampiriques pendant dix minutes et ont dû couper « Pride » de leur set. Paul McGuinness reçoit le prix de l'euphémisme du jour pour avoir déclaré : « Je pense qu'il est juste de dire qu'il y a eu une petite dispute par la suite », en décrivant sa réaction et celle du groupe. Ce n'est que quelques jours plus tard que U2 a pris conscience de son impact, puisque tous ses albums sont revenus dans les charts. « Plus rien n'était vraiment pareil parce que maintenant tout le monde savait qui était Bono », a déclaré McGuinness en 2006. Il existe une sorte de justice perverse selon laquelle « Bad » était ce catalyseur particulier.

Il existe une poignée de disques dont le son est si complètement différent que vous vous souviendrez toujours du premier instant où vous les avez entendus. C'est « I Will Follow », que j'ai entendu pour la première fois alors que j'étais assis dans les embouteillages sur le chemin du retour après mon travail à temps partiel au lycée, en écoutant le WNYU New Afternoon Show. Le rythme d'ouverture des notes de guitare, une sirène littérale, des cloches mystiques au loin, une section rythmique jouant presque hors du rythme, et ces lignes d'ouverture, chantées par une voix pleine d'urgence et d'émotion : « J'étais à l'extérieur / Quand tu J'ai dit que tu avais besoin de moi… » Cela ne ressemblait à rien de ce que j'avais jamais entendu auparavant. Les bruits d'un autre monde faisant office de percussions - rayons de vélo, bouteilles cassées - et la guitare revenant aux notes angéliques, avant d'accélérer le rythme du SOS à toute vitesse, sortant du pont et revenant dans le dernier refrain. Il se passe tellement de choses que cela vous coupe le souffle. C’est l’une des meilleures chansons d’ouverture d’un premier album de tous les temps. En live, ça s'est transformé en maelström, et ne s'est jamais vraiment arrêté.

« C'est le point où l'artisanat se termine et où l'esprit commence », a dit Bono à propos de « Streets », et si vous n'aimez pas Bono ou U2, c'est le genre de chose qui vous fait les détester. Mais si c'est vrai, vous ne vous êtes jamais retrouvé au milieu d'une arène, d'un stade ou d'un terrain ouvert, entouré de gens qui sautaient, pris dans l'exaltation de cette chanson. Il n'y a aucun moyen pour que U2 sache ce que serait cette chanson lorsqu'ils l'ont écrite, ou même lorsqu'ils l'ont enregistrée – l'histoire selon laquelle Brian Eno en avait tellement marre de la chanson qu'il a presque effacé la cassette pour qu'ils puissent continuer. , est certainement un point en faveur de cette opinion – mais, comme toutes les meilleures chansons de U2, c'est ce qu'est devenu « Streets » une fois interprété devant un public qui a été sa transfiguration et sa transmogrification.

"Streets", c'est vous à votre meilleur, portant des vêtements d'église et debout. C'est une possibilité, c'est une aspiration, c'est une joie incarnée. Sa nature transformatrice peut changer la qualité de l’air et l’énergie qui vous entoure à un niveau supérieur à celui de « Amazing Grace », de « Fanfare for the Common Man » et de « Hound Dog ». Peu importe combien de fois vous l’avez vu joué en live ou quand vous l’avez vu pour la première fois ; « Streets » peut encore vous surprendre – comme ce fut le cas en 2017, lorsqu'il est sorti de la scène et vous a frappé directement en plein cœur.

Correction : La version originale de cet article indiquait à tort que U2 n'avait jamais joué « Hawkmoon 269 » en live, au lieu de rarement jouer « Hawkmoon 269 ». Cet article indiquait également à tort « Trésor (qu'est-il arrivé à Pete the Chop ?) » comme face B de « A Celebration ». La face A était en fait « Jour de l’An ». De plus, une version antérieure de The Joshua Tree était répertoriée comme le quatrième album de U2 ; c'est en fait leur cinquième.