Dans le sens des aiguilles d'une montre, en partant du coin supérieur gauche :Le Comte,Pauvres choses,Bordure verte, etLe monde merveilleux d'Henry Sugar. Photo-Illustration : Vautour
Chaque année, Vulture fait du stop sur les canaux vénitiens et s'aventure dans le Grand Nord Blanc à la recherche des films dont nous parlerons tous dans les mois à venir. Les tapis rouges des Festivals internationaux du film de Venise et de Toronto cette année ont peut-être été plus calmes que les années précédentes, en raison des grèves en cours de la WGA et de la SAG-AFTRA, mais les films eux-mêmes n'ont pas déçu. Les deux festivals ont apporté des primes de futurs prétendants aux prix, des performances de stars et des chefs-d'œuvre incontournables de cinéastes du monde entier. Voici ceux qui nous ont fait jaillir.
Photo de : Searchlight Pictures
Emma Pierrefait valoir ses argumentscomme la meilleure actrice de sa générationPauvres choses, sa dernière collaboration avec Yorgos Lanthimos. Dans ce film drôle, sexy et étonnamment émouvant, qui se déroule comme une sorte de film féministeFrankenstein, Stone est Bella Baxter, une femme victorienne réanimée dont le développement cérébral étrange lui permet d'éviter toutes sortes de conneries sociologiques. Elle vit sa vie selon ses propres conditions parce qu'elle ne connaît pas d'autre solution, et quelle vie c'est : désosser un avocat caddish (Mark Ruffalo) à travers l'Europe, l'abandonner à Paris pour devenir une prostituée socialiste (« Nous sommes notre propres moyens de production », dit-elle froidement), étudiant l'anatomie humaine et la littérature, se faisant des amis avec des excentriques du monde entier, tout en acceptant son développement peu orthodoxe et son créateur compliqué (un merveilleux Willem Dafoe). Le conte de fées gothique de Lanthimos, Candyland-meets-Oz-meets-Tim Burton, les décors et les visuels sont la cerise sur le gâteau de ce conte de passage à l'âge adulte magnifiquement raconté et merveilleusement bizarre. C'était mon film préféré à Venise, et j'ai hâte de le revoir lorsqu'il sortira en salles en décembre. —Rachel Gestionnaire
Ava DuVernay'sOrigineest à la fois un film d’essai et un mélodrame, même si aucune de ces descriptions ne lui rend vraiment justice. Le réalisateur s'empare du best-seller influent de non-fiction d'Isabel WilkersonCaste : les origines de nos mécontentements– une analyse approfondie de la discrimination qui trouve les liens entre le racisme américain, la persécution nazie des Juifs et le système de castes en Inde – et tente de la traduire dans la langue vernaculaire du cinéma narratif. Elle présente Wilkerson elle-même (jouée par Aunjanue Ellis-Taylor) comme la protagoniste de ce drame et dépeint le parcours très personnel de l'auteur alors qu'elle s'attaque à ce sujet, alors même que sa vie s'effondre. Mais elle parcourt également l'histoire pour présenter des études de cas issues des recherches de Wilkerson, parfois à travers de longues séquences, parfois à travers de simples éclairs. Ainsi, nous voyons des histoires d'amour interdit dans l'Allemagne nazie, la dévastation du Sud Jim Crow, le traitement des Dalits en Inde, et bien plus encore, alors que Wilkerson (et DuVernay) explore le mystère des hiérarchies sociales et comment elles nous apprennent à se détestent. Les résultats sont incroyablement ambitieux et franchement dévastateurs. —Cale Deux
Le huitième long métrage de Sofia Coppola reste fidèle à son sujet de prédilection : les jeunes filles prises dans une toile patriarcale luxuriante. Cette fois, c'estPriscilla Presley, née Beaulieu, une jeune fille de 14 ans attirée par l'univers d'Elvis dans l'Allemagne des années 1960, où lui et son père sont tous deux temporairement en poste dans l'armée, et où il la séduit rapidement. Basé sur les mémoires de Presley de 1985Elvis et moi, le film est entièrement raconté de son point de vue, ce qui signifie que nous avons un regard entièrement nouveau – et toujours dérangeant – sur Elvis et leur mariage, qui commence avec assez d'amour mais se termine par des abus émotionnels, de la manipulation, de l'isolement et de la trahison. Cailee Spaeny est naturaliste et perdue de manière convaincante dans le rôle de Priscilla, une solitaire rêveuse avec un œil de chat tueur qui a désespérément besoin de connexion et qui, plus tard, s'éveille lentement à la réalité de sa vie. Et Elordi est tout aussi bon qu'Elvis, tout aussi égaré, montrant un côté plus intime et plus sombre de lui qu'Austin Butler l'année dernière. —RH
Le rugissement de Michael MannFerrarise déroule sur quelques mois charnières en 1957, année clé dans la vie et la carrière d'Enzo Ferrari (Adam Driver). L'entreprise croule sous les dettes et ses banquiers lui recommandent de la vendre à un géant de l'automobile comme Ford ou Fiat. Les voitures Ferrari ont trébuché sur la piste de course. Sa rivale locale, Maserati, établit de nouveaux records. Peut-être plus important encore, Enzo et sa femme, Laura (Penelope Cruz), viennent de perdre un fils et il garde secret l'enfant qu'il a eu avec une autre femme. Le film a une structure circulaire, évoquant le sentiment que le temps s'est arrêté au siège de Ferrari à Modène. Enzo et Laura sont piégés dans un monde presque médiéval de chagrin et de stase, et Driver et Cruz sont tous deux spectaculaires et déchirants. Le film de Mann est élégant et agité, avec le sentiment que quelque chose d'horrible pourrait se cacher à chaque coin de rue. Mais lorsque le réalisateur attache ses caméras sur ces voitures et les envoie, l'image se transforme en quelque chose de plus viscéral et chaotique, un rêve fiévreux (ou peut-être un cauchemar) de vitesse et de fumée. —ÊTRE
Photo : Agata Kubis/Avec l'aimable autorisation de Films Boutique
Agnieszka HollandBordure verteest un chef-d'œuvre urgent, l'un des films les plus captivants et profondément bouleversants que j'ai jamais vu. Tourné en noir et blanc et se déroulant à la fois comme un docudrame et un thriller tendu et déchirant, le film suit plusieurs personnages différents pris dans l'horreur abjecte de la crise actuelle des réfugiés à la frontière de la Pologne et de la Biélorussie. L'un des fils suit un couple syrien (Dalia Naous et Jalal Altawil) fuyant l'Etat islamique avec leurs enfants et leur beau-père et un réfugié afghan (Behi Djanati Atai) qu'ils rencontrent en cours de route. Tous sont trompés en leur faisant croire qu'ils pourront entrer facilement dans l'UE par avion, mais ils sont confrontés à une violence horrible de la part des gardes-frontières, littéralement ballottés par-dessus les barbelés entre les pays. Un autre fil suit Jan (Tomasz Włosok), un garde-frontière polonais qui « ne fait que suivre les ordres » jusqu'à ce que sa femme enceinte (Malwina Buss) voie une vidéo de lui repoussant les « touristes » (comme les gardes appellent les réfugiés) à la clôture. Un autre encore raconte l'histoire de Julia (Maja Ostaszewska), une thérapeute qui se retrouve obligée de rejoindre un groupe d'activistes local dirigé par deux sœurs (Monika Frajczyk et Jasmina Polak), mettant leur propre vie en danger pour aider les réfugiés avec des conseils juridiques et PREMIERS SECOURS. Que Holland parvienne à raconter toutes ces histoires d'une manière à la fois crédible, dévastatrice et sans faille sur le plan narratif est tout simplement miraculeux. —RH
Photo : Pablo Larrain/Netflix
Dans le mélodrame-horreur fascinant et bouleversant de Pablo Larraín, le dictateur chilien Augusto Pinochet n'est jamais mort. Il était un vampire immortel et a simulé sa mort pour pouvoir éviter les poursuites et vivre sa vie en paix dans un ranch isolé, subsistant de smoothies nutritifs à base de cœurs humains et assis sur l'immense fortune qu'il a amassée pendant son règne de terreur. Ce n’est même pas l’élément le plus fou du film de Larraín, qui pourrait être le projet le plus pervers que Netflix ait jamais signé. Autrefois voyou français assoiffé de sang qui a fui après la révolution avec la tête de Marie-Antoinette en remorque, Pinochet est maintenant vieux et gâteux, mais il aspire toujours au cou frais et riche des jeunes. Larraín suggère ainsi une sorte de loi de conservation du mal : comme la matière, elle n'est jamais vraiment détruite. Il transforme et transmogrifie. CommeLe Comtecontinue, nous comprenons à quel point le réalisateur s'est engagé dans cette idée – le film a quelques rebondissements tardifs qui envoient à la fois son récit et sa politique dans des directions délicieusement dingues. C'est fou de penser que c'est maintenant sur Netflix partout dans le monde. —ÊTRE
Celui de Bertrand Bonello La Bêteest à la fois un techno-thriller, une science-fiction spéculative et un drame romantique d'époque, ainsi qu'une vitrine du talent majeur de Léa Seydoux. Basé sur la nouvelle d'Henry JamesLa bête dans la jungle, le film suit Seydoux dans le rôle de Gabrielle, une femme qui a vécu plusieurs vies et, dans un avenir proche, est engagée dans un « rituel de purification de l'ADN » qui la voit revisiter plusieurs d'entre elles afin qu'elle puisse effacer son traumatisme et rejoindre l'IA- main-d’œuvre dominée. À travers le Paris de 1913, le Los Angeles de 2014 et le Paris de 2044, Gabrielle est hantée par des images récurrentes – pigeons, diseuses de bonne aventure, poupées, Madame Butterfly – ainsi que par un profond sentiment de catastrophe imminente, la vague idée que quelque chose de terrible va lui arriver. son. Elle est également accompagnée à chaque époque par Louis (George MacKay), son âme sœur, avec qui elle n'arrive jamais vraiment à s'entendre. Le film n'est pas tant linéaire que circulaire, revenant encore et encore à la peur et au désir de Gabrielle ainsi qu'à ses motifs et thèmes centraux. C'est une aventure tendue et captivante. —RH
Photo : Henrik Ohsten/Zentropa
Mads Mikkelsen est particulièrement bien adapté au rôle du capitaine Ludvig Kahlen, un ancien combattant danois pauvre qui entreprend au milieu du XVIIIe siècle d'essayer d'apprivoiser la lande du Jutland, une région immense et interdite où aucune culture ne peut pousser et où l'anarchie règne. Il n'a rien dans ce monde, mais il aspire à la noblesse et au statut et peut être un maître d'œuvre sans cœur. Mais lorsqu'il se heurte à un aristocrate local sadique et lissant nommé Frederik de Schinkel (Simon Bennebjerg), Kahlen voit enfin une version répugnante et réelle du privilège qu'il recherche pour lui-même. C'est iciLa Terre Promisepasse d'un conte majestueux et lyrique sur la survie rurale à quelque chose de plus primal et intense ; pense à Terrence MalickJours du Cielcroisé avec celui de Michael Caton-JonesRob Roy, seulement avec plus de scènes de personnes bouillies vivantes. —ÊTRE
Le court métrage de 39 minutes de Wes Anderson ressemble parfois à un long métrage en miniature. En fait, cela pourrait faire partie de la plaisanterie ; le tempo accéléré du film est à l’origine d’une partie de son charme, mais il présente également un contexte spirituel pour une histoire sur le pouvoir transcendant de la concentration. Roald Dahl (Ralph Fiennes) présente l'histoire du riche joueur et hédoniste de 41 ans Henry Sugar (Benedict Cumberbatch), qui à son tour découvre l'histoire du Dr Chatterjee (Dev Patel), qui raconte ensuite l'histoire de Imdad Khan (Ben Kingsley), un artiste de cirque qui pouvait voir sans utiliser ses yeux. La structure des poupées gigognes revient finalement à Henry Sugar, qui voit immédiatement les possibilités de jeu d'un tel pouvoir et entreprend de maîtriser les voies du yogi indien qui a enseigné Imdad Khan, apprenant à concentrer son esprit sur une chose à la fois. le temps et finalement acquérir le pouvoir de voir à travers les objets. Mais cette connaissance finit par le transformer, de sorte que la perspective de gagner de l’argent en jouant perd de son attrait. C'est une histoire typiquement andersonienne sur la façon dont la précocité peut être une impasse. Beaucoup de ses meilleurs films traitent des limites de la connaissance. Mais ici, atteindre ces limites permet au protagoniste de tracer une nouvelle voie, conférant à ce film un optimisme suranné, presque naïf. —ÊTRE
Pour les journalistes opprimés qui ne se sont pas rendus sur la Croisette, le TIFF programme utilement des projections de presse de tous les titres cannois présents le matin du premier jour. J'en ai vu plusieurs dos à dos : d'abord le gagnant de la Palme d'OrAnatomie d'une chute, puis l'ultra-sombreZone d'intérêt. (Le court délai d'exécution entre eux a créé un jeu hilarant dans leAnatomieprojection, alors que les téléspectateurs se demandaient quel plan serait le dernier du film.)
Les deux étaient aussi bons que ce à quoi je m'attendais, mais c'est le troisième film de Cannes que j'ai vu ce jour-là qui m'a vraiment surpris. C'étaitLa Chimèred'Alice Rohrwacher, la cinéaste italienne derrièreHeureux comme Lazzaroet le court métrage nominé aux Oscars de l'année dernièreLe pupille.Le film suit une bande de pilleurs de tombes dans l’Italie des années 1980 qui fouillent les tombes des anciens Étrusques. Ils recherchent le profit, mais leur chef, un expatrié anglais amoureux (Josh O'Connor), a des problèmes plus importants en tête. La mise en scène de Rohrwacher synthétise le fossé entre les plaisirs mondains et les âmes immortelles. C'est une cinéaste remarquablement enjouée, qui n'a pas peur de lancer un numéro musical ou de s'adresser directement à la caméra, et elle rend la question de savoir ce que nous devons à l'histoire tactile et immédiate. Aussi : la garde-robe d'O'Connor ravira et captivera les amateurs de vêtements pour hommes de votre vie. —Nate Jones
Photo : gracieuseté de All The Hits
Le nouveau film de Richard Linklater est aussi effervescent qu'un Topo Chico fraîchement fissuré, et une généreuse dose de tout ce qui, selon les gens, manque au cinéma. C'est une comédie et un thriller, il y a une réelle ambiguïté morale et il semble adulte dans le sens le moins lugubre du terme, même lorsque son personnage principal donne des conférences sur la nature humaine dans le cadre de son travail quotidien d'assistant. professeur. Le plus important, c'estsexy, avec Glen Powell et Adria Arjona affichant le genre d'alchimie qui transforme une conversation informelle en quelque chose qui vous fait rougir. Powell, qui a co-écrit le film, veut prouver qu'il est une véritable star de cinéma.Gary Johnson, qui travaille à temps partiel pour la police et se fait passer pour un tueur à gages pour attraper des tueurs potentiels. Et, par Dieu, est-ce qu'il le fait – il est plus grand que nature et spectaculairement, absurdement attrayant. —Alison Willmore
Le pitch pourBitesc'est que c'estLe piège des parentsmais avec plus d'inceste gay : les co-créateurs Aaron Jackson et Josh Sharp incarnent deux vendeurs de pièces pour aspirateurs extrêmement prospères et extrêmement hétérosexuels qui commencent comme rivaux, puis deviennent les meilleurs amis après avoir appris qu'ils sont en fait des jumeaux identiques perdus depuis longtemps. Eux aussi se lancent dans un projet d'échange de jumeaux destiné à réunir leurs parents divorcés, sauf qu'ici, maman (Megan Mullally) a environ 100 ans et papa (Nathan Lane) élève deux mutants meurtriers de haute taille qu'il appelle ses « garçons d'égout ». » dans une cage dans son appartement. Tout s'est déroulé comme un gangbuster dans le contexte spécifique d'une première de festival à minuit – qui a culminé avec une pluie de pénis gonflables du balcon et une chorale locale chantant une ballade sincère sur Dieu étant gay – et je n'ai absolument aucune idée de comment cela se jouera en dehors. . —N.J.
Photo : Claire Folger/Orion Libération
Le premier film de Cord Jefferson, adapté du roman de Percival Everett de 2001Effacement, est une satire sombre et drôle de l'industrie de l'édition sur un universitaire amer qui, après avoir vu son travail rejeté parce qu'il n'est pas suffisamment noir, crache un manuscrit rempli de clichés sur la souffrance urbaine qui devient un succès imprévu. Mais c'est le drame familial qui rend le film si mémorable, avec un tour particulièrement réussi de Jeffrey Wright dans le rôle de Thelonious « Monk » Ellison, dont la frustration envers le monde littéraire se révèle être une partie de son éloignement général de tous ceux qui aimeraient obtenir. près de lui. Les relations de Monk avec ses frères et sœurs adultes (interprétés par Sterling K. Brown et Tracee Ellis Ross), ainsi qu'avec une petite amie potentielle (Erika Alexander) et sa mère (Leslie Uggams), font du film autant une question de vieillissement et de déception professionnelle que de Il s'agit de la condescendance raciale d'une industrie. —AW
Un jour, un « M. Personne parfaitement moyen » nommé Paul Matthews commence à apparaître inexplicablement dans les rêves d'étrangers. Pas en tant que star, plutôt en tant que figurant. Cela le rend naturellement incroyablement célèbre du jour au lendemain, même si, comme le note Paul, il n’a rien fait. Le réalisateur norvégien Kristoffer Borgli a un concept qui tue et un casting parfait. Parce que Paul est interprété par Nicolas Cage, un acteur qui connaît intimement le phénomène des inconnus qui portent une idée de lui dans leur tête. Comme le disent les mots à la modetraumatismeetexpérience vécues’accumulent, il devient clair que ce qui était initialement apparu comme une sombre satire de l’économie de la renommée se veut aussi une parabole de la Cancel Culture. C'est là que de nombreux critiques se sont lancés, mais pas moi. Le film se moque également des escrocs de droite et, en outre, beaucoup de blagues – en particulier celle dans laquelle un gymnase rempli d'étudiants de premier cycle suivent une thérapie d'exposition à Paul – sont assez drôles. —N.J.
La deuxième partie de la nouvelle comédie de Radu Jude consiste entièrement en un plan verrouillé d'une famille debout devant l'usine où l'un de ses membres a été blessé alors qu'il était au travail. Il s'agit d'une représentation du tournage vidéo sur la sécurité des travailleurs que PA Angela (Ilinca Manolache) a passé tout son temps à monter, constamment sur la route à la recherche de sujets selon un horaire qui, ironiquement, l'a mise en danger de s'endormir devant de la roue. Le film de Jude est profane, intelligent et vaste dans ses thèmes, qui touchent à tout, du travail et de la mondialisation à la question de savoir si le schlockmeister allemand Uwe Boll (qui joue lui-même) représentait l'histoire du cinéma lorsqu'il a battu ses critiques sur un ring de boxe. . Mais la séquence finale, bien que caustique dans ses implications, est aussi tellement hilarante dans la précision de son exécution, rappelant qu'en plus d'être audacieux, Jude est l'un des cinéastes les plus drôles du moment. —AW
La suite fascinante de Ryusuke Hamaguchi àConduire ma voitureparle d'une communauté rurale située à quelques heures de Tokyo qui a été choisie pour abriter un futur site de glamping qui menace de perturber l'environnement ainsi que la vie paisible des résidents existants. Le film est aussi tranquille que les rythmes de cette existence à la campagne, qui comprend le transport de l'eau de la source et la récolte du wasabi sauvage pour l'utiliser dans les plats de saison du restaurant udon local. Finalement, le bricoleur local respecté Takumi (Hitoshi Omika) se retrouve à passer la journée avec deux des employés de l'entreprise proposant le site, deux citadins qui ont commencé à remettre en question l'éthique de ce qu'ils font. Mais ce qui rend le film de Hamaguchi si obsédant n'est pas son atmosphère séduisante mais la fin inattendue et énigmatique, qui donne à tout ce qui précède un contexte différent et moins réconfortant. —AW
Photo : avec l’aimable autorisation du TIFF
Il y a 15 ans, un film comme le dernier d'Azazel Jacobs aurait été récupéré par un Sony Pictures Classics ou un Fox Searchlight et serait devenu un succès indépendant pour sa représentation magnifiquement interprétée d'un trio de sœurs réunies pour les dernières heures de leur père mourant. Malheureusement, nous sommes en 2023, et personne ne semble savoir comment sortir un film aussi délicat et sage, ce qui est dommage. Carrie Coon, Natasha Lyonne et Elizabeth Olsen sont toutes très bonnes en tant que femmes très différentes qui se sont séparées à l'âge adulte et qui finissent par se débarrasser de vieux griefs et des tensions actuelles. CommeFiction américaine,Ses trois fillesest un film qui consiste à essayer de comprendre le type de liens que vous allez avoir avec vos frères et sœurs une fois que le parent restant qui vous a tous liés sera parti. C'est merveilleux, nostalgique et triste sans être maudlin. —AW
Le garçon et le héronest décrit comme le dernier film de Hayao Miyazaki, aujourd'hui âgé de 82 ans. Mais c'est ainsi qu'en 2013Le vent se lève, qui devait marquer le début de la retraite du maître de l'animation, a également été encadré. Tant que Miyazakiil a l'impression qu'il a plus à dire, nous avons la chance d'être ici pour le recevoir, et cette dernière œuvre se révèle intensément, bien qu'indirectement, personnelle. SiLe garçon et le héronsemble finalement moins universel dans son attrait émotionnel que le travail passé de Miyazaki, c'est uniquement parce que Miyazaki est aux prises avec quelque chose de très spécifique - que nous ne pouvons pas laisser le monde derrière nous lorsque nous en faisons partie. —AW
