Le film est trop astucieux pour mériter un rejet pur et simple, mais trop artistique pour vous empêcher de dire : « Qu'est-ce que je viens de voir ?Photo de : Roadshow Films
Il n'y a pas grand-chose à redire sur l'adaptation cinématographique par John Crowley du roman à succès de Donna Tartt.Le Chardonneretce n'est pas non plus un problème avec le livre. Comme le roman, le film commence fort, à la suite d'une tragédie qui a tué la mère d'un jeune garçon – les détails de ce désastre ne se sont révélés que progressivement, pour vous permettre de tourner les pages (ou de rester assis à votre place). La toile s'agrandit constamment, à mesure que le garçon rencontre de plus en plus de personnages merveilleusement étranges dans des endroits merveilleusement étranges, mais avec cet étalement dickensien vient un rythme presque dickensien (je ne veux pas me laisser emporter), renforcé par la peur persistante du garçon qui son vol irrationnel du précieux tableau de Carel Fabritius, « Le Chardonneret », sera découvert. Il existe de bonnes figures paternelles et d’autres caustiquement terribles, des amours idéalisés et faux, et des tentations – la drogue en particulier – qui conduisent le garçon, à mesure qu’il vieillit, à perdre son sens moral.
Et il y a un grand thème littéraire : l'immortalité de cette œuvre d'art contre la destruction et la décadence qui s'abattent sur nous tous. Ni le roman ni le film n’évoquent le 11 septembre, mais ni l’un ni l’autre ne doit le faire : l’œuvre a clairement été conçue à la suite de ses conséquences groggy. Le problème est que la somnolence s’infiltre dans le récit. Dans le dernier tiers, les événements semblent aléatoires, et l'histoire se termine sur un gémissement, son protagoniste étant littéralement inconscient alors que la question centrale est résolue. Si Tartt voulait dire que c'était là le point - que le personnage n'avait aucune agence, que les événements lui avaient échappé, que le point culminant était censé être décevant, moderne, honnête et subversif - je l'ai raté. Je n'ai vu que des opportunités ratées. Regarder le film à sonFestival international du film de Torontopremière mondiale, j'ai ressenti la même chose. Et j’ai senti le public passer de ravi à absorbé, puis indifférent et déçu.
Mais j'aime beaucoup les deux premiers tiers du film. Il y a quelque chose à dire sur le fait de transformer un gros roman en un film de deux heures et demie au lieu d'une série télévisée de six ou huit ou, Dieu nous aide, en dix parties, riche en détails mais qui prend l'attention du public va de soi. (Merci, mais je n'ai pas besoinplusdes scènes des souvenirs flous d'Amy Adams. La première douzaine a suffi.) Crowley, quant à lui, travaille avec les meilleurs. Le décorateur, KK Barrett, est un spécialiste de la transformation des décors en métaphores puissantes, tandis que le directeur de la photographie, Roger Deakins, possède un génie du cadrage qui attire rarement l'attention. (Une chose que j'aime dans les festivals de films comme le TIFF, c'est que le nom de Deakins au générique a reçu plus d'applaudissements que celui de n'importe qui d'autre.) Les designers et Crowley ont rempli ces cadres avec, enfin, des cadres, certains (dans le magasin d'antiquités où le jeune protagoniste trouve une maison) vides, certains détenant des chefs-d'œuvre. Les miroirs sont aussi des cadres pour une réalité platonicienne. Lorsque le garçon, Theodore Decker (Oakes Fegley jeune, Ansel Elgort plus âgé), est obligé de déménager à Las Vegas avec son père (Luke Wilson) et la petite amie sombre de son père (Sarah Paulson), l'absence d'art est comme un souffler. La seule chose encadrée est un écran de télévision, tandis que le sable du désert autour du développement isolé (la plupart des unités ont été saisies) semble sur le point d'engloutir ce qui reste de la civilisation.
Crowley et le scénariste Peter Straughan adoptent un rythme mesuré qui renforce l'état de transe de Théodore à la suite d'un traumatisme. Lorsque le garçon emménage dans l'appartement rempli d'art d'un riche ami d'école, Andy Barbour, il se lie silencieusement avec la mère (Nicole Kidman), dont le mariage avec un égoïste l'a amenée à se raffiner jusqu'à disparaître. (Kidman a un certain talent avec les femmes pâles rendues impuissantes par leur propre raffinement.) Les peintures les lient d'une manière ou d'une autre, chaque personnage cherchant en vain quelque chose qui durera. Les scènes entre Theodore d'Oakes Fegley et le petit Andy ringard de Ryan Foust sont de petits bijoux, et Jeffrey Wright fait de l'antiquaire et père de substitution qui aurait pu être un saint un homme dont le talent artistique a coloré son affect : il parle avec la même précision délicate avec dont il restaure des meubles. Vous avez envie de pleurer quand Théodore est emmené à Vegas et se retrouve piégé avec un père perdant à l'âme tordue qui sacrifierait son fils pour un autre jour à la poursuite du filon mère. Un délice qui dissipe la morosité : Sarah Paulson, qui grignote avec entrain la vulgarité de la petite amie. Regardez avec quelle légèreté elle se penche pour ajuster ses talons trop hauts : les profondeurs de Paulson sont plus riches que celles de la plupart des acteurs.
C'est à Las Vegas que l'on rencontre l'adolescent ukrainien Boris, un gangster en herbe incarné d'abord en mode bizarre-emo par Finn Wolfhard, puis par un Aneurin Barnard relativement centré. Boris est la figure d'Artful Dodger, sauf qu'il n'y a ni Fagin ni personne d'autre à l'écran pour représenter le monde du racket compulsif dans lequel il a grandi. Il est intrigant au début, moins lorsqu'il réapparaît comme un diable ex machina pour aider le copain qu'il a trahi. En tant que Theodore plus âgé, Ansel Elgort n'est pas aussi vivant ou intéressant que le jeune Oakes Fegley (ce nom ressemble à quelque chose de PG Wodehouse), mais c'est l'intention : Theodore s'est enfoncé en lui-même, sa délibération étant un bouclier protecteur. (Il faut dire qu'Elgort avec ses lunettes ressemble étrangement à un Adam Moss allongé, l'ancien bien-aiméNew Yorkéditeur.) La stupeur d'Elgort est éloquente, mais au moment où il erre dans les rues de New York – objet du chantage ainsi que des prédations conjugales de la sœur de la haute société d'Andy Barbour – le pouls du film s'est ralenti.
Je suppose que c'est à cause de l'absence flagrante d'une grande partie deLe Chardonneret— c'est-à-dire le tableau lui-même. Le chef-d’œuvre volé est conservé secret, hors de vue. Ce n'est que pendant l'ode à l'œuvre de Fabritius dans un épilogue que nous voyons l'image entière pour la première fois, et c'est à la fois trop tard et trop prétentieux, pas un patch sur la citation erronée de Bogart sur Shakespeare concernant :Le faucon maltais: "le... euh... l'étoffe dont sont faits les rêves." Le résultat est que le film est privé de sa force centripète, source de la douleur, de la peur, de la culpabilité et de l'incapacité de Théodore à comprendrepourquoi il a même ce foutu truc en premier lieu. Le flash-back dans lequel il vole le tableau est le plus gros échec de Crowley, une rencontre stylisée dans le musée en ruine, enveloppé dans une poussière qui ressemble à un brouillard céleste. Il n'y a pas de poids émotionnel.
Je teste souvent la patience de mes lecteurs en se plaignant de la manière dont les films s'écartent de leur source – une information essentielle si le film ne fonctionne pas selon ses propres conditions, au point qu'on n'a aucune idée de ce qui a poussé quelqu'un à le faire. Dans le cas dLe Chardonneret, l'adaptation est bien trop respectueuse. Les cinéastes n'inventent rien de nouveau pour le personnage de Pippa, la petite fille rousse qui se tient aux côtés de Théodore dans les derniers instants avant la catastrophe.faire. Théodore l'a aimée depuis toujours, mais malgré quelques monologues tristes, elle est à peu près aussi réelle que cette autre petite fille aux cheveux roux – celle qui a rendu la vie de Charlie Brown si misérable. Quant à la résolution, il n’y a tout simplement aucune aide. Vous ne pouvez pas construire une séquence d'action et ensuite devenir maussade et retenu. Eh bien, vous le pouvez, mais vous vous retrouverez alors avec le genre de mauvaises critiques et de mécontentement du public que j'ai vu lors de la première à Toronto.Le Chardonneretest trop astucieux pour mériter ce genre de rejet, mais trop astucieux pour vous empêcher de dire : « Qu'est-ce que je viens de voir ?
