De l'Oklahoma, maintenant transféré à Circle in the Square.Photo de : Little Fang Photo
Quand le réalisateur Daniel Fish interprète à la fois sensuelle et sinistre la comédie musicale révolutionnaire de Rodgers et Hammerstein de 1943Oklahoma!Lorsque je suis arrivé à St. Ann's Warehouse l'automne dernier, je me suis senti, comme la plupart de mes collègues critiques, un peu comme Ado Annie de la série : frissonnant d'excitation et impuissant à résister. Après une saison marquée pardébatsur la renaissance des comédies musicales « classiques » – quelle vitalité ces œuvres conservent, quel genre de réexamens sont justifiés par le moment présent, qui fait le réexamen –Oklahoma!déchiré en ville comme un feu de brousse : puissant, éclairant et rajeunissant. Cela semblait prouver la possibilité d’un renouveau qui équilibre la foi dans ses sources avec une remise en question rigoureuse de celles-ci. Sans changer un mot du livre d'Hammerstein, et sans compromettre l'humour, l'exubérance ou la beauté mélodique de la série, Fish et sa compagnie ont creusé jusqu'au bout.Oklahoma!les racines troublantes de Dans l'éclat, l'énergie et l'optimisme du spectacle, ils ont révélé une parabole américaine nuancée et sanglante.
Non pas que voir un spectacle deux fois soit une affaire facile (surtout une fois qu'il est diffusé à Broadway), mais celaOklahoma!récompense plusieurs visionnages. Ses ombres sont désormais bien documentées – plus récemment dans unplongée profondepar mon collègue Frank Rich sur l'histoire du spectacle et de la pièce de Lynn Riggs sur laquelle il était basé - mais lors de ma deuxième visite dans ses champs de maïs de l'esprit, j'ai été frappé non seulement par la menace de la production mais aussi par sa joie. CeOklahoma!n’est pas un exercice révisionniste académique étouffant – c’est une explosion théâtrale. Et dans un esprit ludique, voici une petite liste : Les choses que j'ai revues en revenant àOklahoma!…
1. La production est devenue plus complète, plus libre et plus drôle dans son transfert à Broadway.Ses acteurs remarquables – en particulier Curly McClain, arrogant et impétueux de Damon Daunno, et Will Parker, exubérant et à quelques nœuds de lasso de James Davis – se sentent détendus, confiants et enjoués, comme s'ils prenaient tous des respirations plus profondes et, par conséquent, des risques plus importants. À St. Ann's Warehouse, les performances avaient un vernis de fraîcheur expérimentale, une note sèche et distanciée dans le discours, comme si les acteurs se tenaient un peu à l'écart de leurs personnages et, avec le public, observaient ces personnages familiers qu'ils avaient vus. été donné à jouer. Bien que ce sens du commentaire demeure - et Mary Testa et Rebecca Naomi Jones continuent d'en tirer le meilleur parti dans le rôle d'une tante Eller ironique et impitoyable et d'une Laurey pleine de désir intense et réservé - l'humanité des personnages semble désormais aussi présente et complète que le style du réalisateur.
Une conséquence fascinante de ce changement subtil mais profond est que, même si la performance obsédante de Patrick Vaill dans le rôle de l'antagoniste torturé Jud Fry est peut-être la moins modifiée parmi les principaux de la série, le pathos de son personnage a considérablement augmenté en conséquence directe du changement dans la performance de Daunno. C'est le paradoxe de l'empathie humaine : parce que Curly est plus sympathique, Jud l'est aussi. Bien qu'il continue de se pavaner, de faire des clins d'œil et de gazouiller avec la voix d'un dieu du country alternatif (« Ne joue pas de guitare ! » Laurey plaide en vain, roulant des yeux devant ses mouvements fluides pendant le ravissant « Les gens diront que nous sommes in Love »), Daunno's Curly est plus chaleureux, moins calculateur – téméraire et têtu mais pas aussi volontairement cruel qu'avant. Aujourd'hui, l'agonie de Jud face à l'assurance et au succès apparent de son rival est d'autant plus déchirante que nous pouvons voir que, malgré tout son ressentiment, une partie de Jud admire également Curly. Les deux hommes sont devenus moins toxiques et plus humains, et la violence vers laquelle ils se dirigent est d’autant plus tragique.
2. Les orchestrations de Daniel Kluger sont le cœur exposé de la production.Des douanes astucieusesAfficheque « le point de départ » de son approche de la partition de Rodgers était la question « Quels musiciens participeraient à un repas-partage ? », et l'ambiance country et western qu'il a donnée au spectacle semble révélatrice, dépouillé mais toujours sonore et variée. Accordéon et pédale d'acier, contrebasse et mandoline, même - dans la version athlétique et psychologique du spectacleOklahoma!Dans le ballet de rêve de - une guitare électrique gémissante et craquante qui fait presque exploser son ampli - tous les instruments de la production parlent de l'Amérique. Pendant ce temps, le groupe remarquable, dirigé par Nathan Koci, fait partie de la communauté humaine de l'histoire. Ils sont toujours présents sur la longue piste en contreplaqué nu de Laura Jellinek - ornée de banderoles scintillantes et ornée de glacières en plastique et de Crock-Pots de chili - et sous les lumières brûlantes de Scott Zielinski, leurs réactions aux événements de la pièce sont tout simplement aussi cruciaux que ceux de nos confrères spectateurs.
3. Et en parlant de ces spectateurs et des lumières de Zielinski…L'une des sensations fortes et risquées de Fish'sOklahoma!Ce sont ses coupes fracassantes entre la lumière vive, dorée et omniprésente et l'obscurité totale. Il n'y a pas beaucoup d'intermédiaires dans la conception audacieuse de Zielinski, et le public et les acteurs sont presque toujours sous le même ciel. La capacité de regarder le public en face de vous – et le fait de savoir que vous êtes observé – est, comme la production elle-même, une pièce à deux faces : elle a un côté vertigineux et exaltant (j'ai tiré une immense joie de regarder un grand mec barbu en face de moi profiter de la lumière du jour hors de la série, surtout quand Ado Annie, excitée et jubilatoire d'Ali Stroker, s'est rapprochée de lui) - et cela parle de notre complicité alors que la pièce se tourne vers questions de préjugés communautaires et de justice pervertie. Nous sommes tous dans le même bateau - peu importeceest et aussi laid que cela devienne – ensemble.
4. La chanson titre, c'est encore une chaussette dans le ventre avec un gant électrifié.L'histoire ensoleillée de jeune amour et de rivalité de Rodgers et Hammerstein dans une boîte sociale se terminait toujours par une mort, et Fish rend la violence de la pièce explicite et indéniable, aspirant tout l'air de la prétention creuse et effrayante de « légitime défense » de Curly. Alors que le sang est encore humide, l'ensemble se lance dans le célèbre hymne tourné vers l'avenir de la pièce, et aucun membre de la distribution ne chante avec le même état émotionnel. Cord Elam (Anthony Cason) – le maréchal fédéral dont les tentatives pour que justice soit rendue viennent d'être écartées par un consensus communautaire complaisant – chante avec des yeux durs et amers et un claquement de sarcasme flétrissant. L'inébranlable Testa, aux poumons de titane, dont la tante Eller est une force de la nature avec un ensemble de valeurs troublantes, s'en sort victorieusement, mais sans sourire. Jud – mort mais chantant – pleure et se met en colère. Curly semble, pour la première fois, perdu. Et l'irrépressible Annie de Stroker et la Laurey maîtrisée de Jones semblent, plus que tout, terrifiées. Pour tous deux, la pièce ressemble à une comédie romantique, un choix entre prétendants. Mais ici, à la fin, après avoir fait leurs choix, ils chantent avec des yeux écarquillés et incertains, comme s'ils prenaient soudain et pour la première fois conscience de la petite pièce qu'ils habitent, une pièce construite par les hommes et dont les murs se referment. Ils chantent avec tout le désespoir sauvage de la recherche de soi au-delà d'un partenaire, au-delà de la protection et de la possession d'un homme. Ils ne chantent pas pour Jud ou Curly ou pour Will ou Ali Hakim le colporteur (un drôle de Will Brill), mais pour une troisième option – et où diable est-il ?que?
5. Seigneur, mais ce casting sait chanter.Évident? Peut être. Mais pour les gens qui ont grandi avecOklahoma!, qui pourraient se méfier lorsqu'ils entendent les critiques s'extasier sur l'interprétation sexy et effrayante de Fish ou sur les ombres cachées de la production - sachez que la musique de la série n'apparaît pas seulement dans tout son esprit et sa beauté ; ça s'envole. Jones reste dans sa voix de poitrine plus que l'ingénue flottante Laureys d'autrefois, et son « Out of My Dreams » résonnant et cherchant est un inducteur de chair de poule, tandis que le « Many a New Day » aigu et mélodieux qu'elle chante avec l'ensemble féminin est musicalement. belle et, théâtralement, une comédie acidulée, juste assez torride. Vaill verse son âme dans un «Lonely Room» maussade puis tonitruant et méchant, et Stroker, avec son ton vigoureux de haut vol et sa touche comique parfaite, met le public directement dans sa poche et vaque à ses occupations de vol de scène.
Tour bonus :En voici un pour la route, vous tous : les mégots. Vous m'avez entendu. Daniel Fish'sOklahoma!estTina Belcher-approuvé. Je respecte une comédie musicale qui m'offre des performances extraordinaires, des chansons magnifiquement réinventées, une allégorie perçante de l'expérience américaine dans toute sa vigueur et sa brutalité,etun casting qui, dans les jeans et les jambières de la costumière Terese Wadden, sait avec quoi ils travaillent. Attendez-vous à être bousculé. C'est unOklahoma!avec – dans tous les sens glorieux du terme – des déchets dans le coffre.
