Carrie Underwood n'est pas dérangée

Photo : Steve Granitz/WireImage

Carrie Underwood ne semble pas du tout dérangée par le fait qu'on lui ait principalement posé des questions liées à la grossesse sur le tapis rouge à son arrivée àles artistes CMT de l'année ont été récompensés le mois dernier. Underwood se lance dans la plupart des interviews, prête à répondre à des questions sur des sujets tels que sa routine d'entraînement, son régime de beauté et sa vie de famille, des sujets qui relèvent simplement du fait d'être le visage célèbre d'unligne de vêtements de fitnesset unmarque de maquillage. Comme elle le souligne patiemment, perchée sur un canapé de salle de réunion dans les bureaux Music Row de sa société de gestion, cela fait « partie de l'empire que vous voulez vous construire en tant qu'artiste ».

« J'aime juste être créative de différentes manières », dit-elle, « donc cela ne me dérange pas d'en parler beaucoup, mais cela peut devenir un peu lassant, je suppose, quand vous voulez parler de nouvelle musique ou que vous voulez faites passer ça, 'Hé, j'écris de la musique aussi.' C'est tellement bizarre que j'ai l'impression que les gens ne comprennent toujours pas ça.

La musique, souligne-t-elle, est la « pierre angulaire » de son identité. Underwood est une superstar de la country-pop, au sens classique du terme, depuis plus d'une douzaine d'années maintenant - non seulement l'une des créatrices de succès les plus fiables de son genre, mais aussi l'une de ses ambassadrices les plus posées, raffinées et ambitieuses, adepte de gérer son image. Elle a également servi de pont entre les stars country des années 90 et du début des années 90 – dont beaucoup étaient de vigoureux interprètes de chansons qui tiraient des ballades émouvantes, des chansons d'histoires dramatiques et des numéros de honky-tonk dansants des catalogues d'auteurs-compositeurs professionnels et visaient à mettre en scène des tournées d'arènes toujours plus grandes et meilleures - et la récolte d'artistes qui ont traversé cette décennie, créant de la musique à partir de postures millénaires résolument décontractées, personnalisées. Underwood est arrivé juste au moment où cela commençait à compter plus que les artistes countrya écrit ses propres chansons, et juste avant que Nashville ne commence vraiment à ressentir l'influence de la pop contemporaine, du hip-hop et du R&B sur sontechniques de production,approches vocales, etsensibilités globales. Elle s'adapte au paysage changeant à son propre rythme mesuré.

Quant aux facettes les plus symboliques de son rôle dans la musique country, Underwood a co-animé l'émission phare de son industrieprixmontrerau cours de la dernière décennie, et lors d'un récent événement CMT célébrant exclusivement les femmes artistes, elle a été appelée à animerun medley hommagecela a culminé avec l'une de ses propres chansons. À la fin, elle a tendu le billet d'argent, en le ceinturant avec toute la force qu'elle pouvait rassembler, tandis que le groupe d'accompagnement s'arrêtait pour saluer son exploit athlétique. Puis elle reprit son souffle, scrutant la foule avec un air de satisfaction, et termina la dernière phrase.

La power ballade avec laquelle Underwood a conclu sa performance, « Cry Pretty », est la puissante chanson titre de son sixième album, sorti à la mi-septembre. Dans les mois qui ont précédé, une chute qui lui a grièvement blessé le visage et a nécessité des points de suture a fait l'objet de critiques.beaucoup de fascination. Ensuite, l'attention s'est tournée verssa révélationqu'elle avait subi trois fausses couches alors qu'elle travaillait sur l'album. Mais il y avait une autre nouvelle plus discrète, spécifiquement liée à la création musicale : elle avait non seulement co-écrit un plus grand nombre de chansons surPleure jolimentque sur aucun de ses prédécesseurs – neuf de ses 13 titres – mais s’était, pour la première fois, coproduite elle-même. Avec un nouveau collaborateur, le scénariste-producteur David Garcia, elle a testé les eaux d'une expression plus sombre et, ici et là, a poussé son son brillant caractéristique, un mélange de twang moderne, de guitares hair-metal et de rythmes pop propulsifs, vers des synthés glacés et spacieux. bat.

Les gens ne sont pas nécessairement habitués à considérer la manière dont Underwood façonne sa production, car les récits dominants ont tendance à minimiser l'action artistique des femmes, lorsqu'elle est reconnue ; c'est encore plus vrai pour un artiste lancé par un concours de télé-réalité dans un format considéré avec condescendance par certains comme le foyer de stars emballées. Garcia lui a dit que des connaissances lui avaient demandé : « Est-ce qu'elle écrit vraiment ? "Et je sais qu'il s'empresse de leur faire savoir comment ça se passe", déclare Underwood. Elle aussi, quand les bonnes questions sont posées.

On aurait dit que vous aviez été propulsé dans le système de Nashville juste aprèsIdole américaine, vert mais désireux d'apprendre les ficelles du métier. Quelle a été votre première compréhension de ce qu’implique le fait d’être artiste ?
J'ai évidemment essayé pourIdole américaineet j'ai atterri au milieu de tout. Lors de l'une des premières conversations que j'ai eues avec ma nouvelle équipe après ma victoire, je me souviens leur avoir dit : « J'en sais assez pour savoir que je ne sais rien. » Je comptais donc beaucoup sur les gens autour de moi pour m'aider. J'avais 22 ans. Je ne savais pas quel genre d'artiste je voulais être, à part la musique country. J’avais l’impression que je le saurais quand je l’entendrais, mais j’avais juste besoin de beaucoup de direction et d’une bonne équipe derrière moi, et j’ai eu la chance de l’avoir dès le début.

Quand avez-vous senti que vous commenciez à apporter une contribution significative au processus d’écriture de chansons ?
Le deuxième album définitivement. Le premier était tellement flou. J'ai eu des séances d'écriture et nous avons eu celles-cigrands campsoù nous avions dix écrivains ou autre qui entraient, et je sautais en quelque sorte de pièce en pièce et voyais simplement ce qui se passait. J'apprenais aussi à ce moment-là, en voyant comment tout le monde faisait tout. Le deuxième album, apprendre à écrire avec des gens commeHillary Lindsey, Luke Laird, ces deux-là en particulier étaient vraiment bons pour moi. Ils étaient tout simplement très accueillants. Ils ne m'ont jamais traité comme un enfant chanteur sorti deIdole américainequi ne savait pas ce qu'elle faisait.

Je me souviens avoir également dit : « Si je ne suis pas bon dans ce domaine, je le saurai. Je ne veux pas entrer dans une pièce et m'asseoir avec quelques autres auteurs-compositeurs et avoir l'impression de n'avoir rien fait ou de ne pas pouvoir contribuer. Je ne veux pas perdre leur temps, perdre mon temps.

À quel moment avez-vous commencé à jouer un rôle actif dans l’élaboration du son de vos albums ?
Certainement depuis le début, mais je dirais qu'avec chaque album, c'est de plus en plus moi qui m'approprie, plus de contrôle et plus d'écriture. J'ai vu des artistes dans le passé où, lorsqu'ils étaient nouveaux et que quelqu'un d'autre leur disait plus ou moins quoi faire, leurs albums étaient bien meilleurs que lorsqu'ils commençaient à tout écrire eux-mêmes. On pourrait le dire. Je ne voulais pas ça.

Je compte toujours sur mon équipe. Je suis avec certaines de ces personnes littéralement depuis le premier jour et je fais confiance à leurs opinions. Il ne s'agit pas seulement de ce que je veux entendre à la radio. Je sais ce qui me fait du bien de chanter. Je sais ce que je veux entendre. Mais tout le monde n'est pas exactement comme moi… Donc je pense qu'il s'agit simplement d'être prêt à être son propre artiste, de savoir ce que l'on veut faire, de savoir ce que l'on veut chanter, de savoir à quoi vous voulez que les choses sonnent, mais aussi d'avoir des gens autour de vous. en qui vous avez confiance et en écoutant leurs opinions. Vous pouvez les jeter par la fenêtre si vous le souhaitez en fin de compte, mais je veux toujours aussi savoir ce que mon entourage pense des choses.

Vous avez réalisé vos premiers albums avec le même producteur, Mark Bright. Lorsque vous avez réalisé votre album de 2015,Conteur, vous vous êtes diversifié et avez fait appel à quelques producteurs supplémentaires.Pleure jolimentC'est la première fois que vous choisissez un producteur complètement différent, David Garcia, et coproduit. S’agissait-il de s’adapter à l’évolution des temps et des tendances ? S’agissait-il de prendre le contrôle d’une autre facette de la création d’albums ?C'est l'une de mes plus grandes craintes : si vous écrivez avec les mêmes personnes, si vous utilisez toujours le même producteur, si vous utilisez toujours les mêmes musiciens, vous allez pratiquement vous retrouver avec le même album, encore et encore… Si la formule est la même, il n'y a qu'un nombre limité de façons différentes de réorganiser les pièces du puzzle. J'avais donc l'impression qu'à ce stade de ma carrière [faireConteur], il était temps de mélanger un peu les choses.

Avec celui-ci, il s’agissait de m’approprier davantage ce que je faisais dans mon art. C’était une sorte d’acte de foi. J'avais commencé à travailler avec David Garcia en tant qu'écrivain, et il me renvoyait les démos les plus incroyables.

Une fois que nous avions quelques chansons en cours et que nous avions l'impression que nous savions qu'il y avait une direction pour cet album, je me souviens d'être à l'étage dans le bureau de [la manager Ann Edelblute] et de dire : « D'accord, c'est probablement une idée stupide. On a le temps avec cet album. Je ne suis pas en tournée. J’ai beaucoup de temps à consacrer à vraiment m’y plonger. Et si David et moi produisions l’album ensemble ? C'est toujours effrayant de lancer une sorte d'idée aléatoire, parce que vous avez peur que les gens pensent que vous êtes fou ou stupide ou essaient de vous en dissuader gentiment.

Je ne connaissais pas Garcia jusqu'à ce que j'apprenne que vous travailliez avec lui, que vous le recherchiez et que j'ai découvert qu'une grande partie de son travail se situait dans leArène pop-hip-hop chrétienne.
Quelqu’un qui a un talent musical comme lui peut travailler n’importe où. Nous avons exactement le même âge, mais j'ai l'impression qu'il sait tout ce qui est nouveau à la radio en ce moment. Il s'efforce de s'assurer de savoir ce qui se passe dans le monde de la musique, ce qui est vraiment important.

Je veux savoir ce que vous écoutiez pendant le processus d’écriture et d’enregistrement et qui est devenu un point de référence important.
Je ne sais pas s'il y a une chose, parce que j'ai l'impression que nous couvrons tellement de directions avec cet album. C'était plutôt comme si je m'associais à des chansons qui se trouvent dans votre banque [de mémoire], dans votre tête.

Tel que?
Comme « Cry Pretty ». Dès le premier jour, je me dis : « Il y a une ambiance tellement cool, Aerosmith. » J'adore la musique rock. J'adore les guitares hurlantes. J’aime avoir cette énergie. Cela va avec une sorte de yin et de yang entre moi et David. Il écoute beaucoup de hip-hop, ce que je n'écoute pas beaucoup. Quand vous regardez [la chanson] « Backsliding », ce serait probablement plus influencé musicalement par David, car il connaîtrait la façon la plus cool d’aborder une chanson qui contient plus de choses rythmiques.

Vocalement, vous êtes connu pour offrir des performances vraiment athlétiques. Un changement vers un style de chant plus détendu, influencé par la pop et le R&B, est arrivé à Nashville plusieurs années après vous, introduit par des artistes comme Sam Hunt, Maren Morris et Kelsea Ballerini. J'avais l'impression que tu avais commencé à expérimenter un peu ça sur ta chanson de 2015."Pulsation,"ce que vous avez fait avec Sam Hunt et le scénariste-producteur Zach Crowell. Mais sur cet album, vous avez beaucoup plus travaillé votre registre grave et votre phrasé est beaucoup plus lâche, notamment sur des morceaux comme « Backsliding », « Low », « Ghost on the Stereo ». Comment avez-vous modifié votre approche vocale ?
Il s’agissait simplement d’essayer de faire avancer le talent artistique et de ne pas faire les mêmes choses que j’ai toujours faites. Par exemple, je tends littéralement des notes jusqu'à ce que je commence à voir des étoiles. Je m'évanouirai un jour sur scène. Ce n’est pas encore arrivé, je touche du bois. Mais ce n'est probablement qu'une question de temps, car je vais me pousser jusqu'à ce que ça fasse mal, ce que j'aime [faire].

Du côté des producteurs, David était vraiment doué pour dire : « D’accord, écoutez ça. » Et il me faisait jouer la démo. C'était quelque chose que je chantais plusieurs fois [à la] fin de la journée [quand] je ne connaissais pas assez bien la chanson. Je n'avais pas prévu dans ma tête toutes les choses que j'allais faire avec, quelles courses j'allais faire ici ou combien de temps j'allais tenir cette note ou autre. Je n'y pensais pas; J'étais dans le moment présent… Il y avait donc une émotion qui s'est atténuée lorsque je connaissais la chanson de fond en comble et que je pensais davantage à ma prestation vocale.

Il les jouait l'une après l'autre et demandait : « Pouvez-vous entendre la différence émotionnelle entre celui-ci qui est imparfait et celui-là que vous essayez d'être parfait ? » Je me dis : « Oui ». C'est donc devenu une expérience tellement enrichissante pour moi en tant que chanteur… Cela m'amènerait à ne pas essayer d'être parfait et à tenir les notes aussi longtemps et à faire le truc de Carrie que je faisais depuis 12 ans, ce qui m'a amené là où Je le suis, tu sais ? Mais c’était tout simplement un grand pas en avant artistique, pouvoir ressentir une chanson et la présenter d’une manière différente.

Mais ce n’est pas comme si vous aviez complètement laissé vos signatures vocales derrière vous.
C'est vrai, parce que c'est juste moi.

C'est là que vous chantez chaque refrain.
Si je dois chanter une chanson comme « Cry Pretty » où ça devient complètement fou à la fin, je vais « Carrie » partout dans ce truc.

Avez-vous simplement utilisé votre nom comme verbe ?
Je l'ai fait! Je pense que ça va.

Je ne deviendrai jamais un chanteur folk où il n'y a que moi et une guitare et je ne quitterai jamais mon registre médian. Ce n'est tout simplement pas qui je suis. Cela fait partie de moi… Si vous avez trop de chansons à la suite qui sont plus chill ou décontractées, je ne veux pas dire que je m'ennuie, mais un peu. J'ai grandi en écoutant des gens qui faisaient des acrobaties vocales et j'ai adoré ça. J'écoutais chaque note et j'essayais de m'apprendre comment le faire. C'est juste moi, mais c'est bien d'explorer d'autres facettes de ce que je peux faire et de le découvrir par moi-même : puis-je chanter plus doucement ? Je ne peux pas tout raconter ? [En riant.]

La voix est un instrument intrinsèquement physique, chaque petit détail de la structure du visage, de la bouche et de la gorge d'une personne affecte son son. Freddie Mercury a refusé de réparer ses dents parce qu'il estimait que cela faisait partie de ce qui donnait à sa voix une résonance. Vous avez subi une grave blessure au visage pendant que vous prépariez l'album. Quelle différence cela a-t-il fait ? Comment vous êtes-vous adapté ?
J'avais l'impression que les différences étaient plus dans ma tête que dans celle de quiconque écouterait ce que je faisais. J'avais voulu être en studio plus tôt que prévu pour enregistrer ces chansons, mais j'avais des points de suture dans la bouche, à l'extérieur de la bouche. C’était physiquement impossible… Entrer en studio pour la première fois, c’était un jeu d’esprit : « Est-ce que je sonne pareil ? Ma diction est-elle la même ? Est-ce que ma bouche bouge de la même manière qu’avant ? » Je chantais quelque chose, puis je regardais David et je me disais : « Est-ce que tout cela est ressorti clairement ? Mes m, mes b et mes p étaient en quelque sorte le problème. Et il m’a dit : « Je pensais que ça sonnait bien. »

Les choses changent à mesure que vous vieillissez ; vos muscles changent. Je m'attends en quelque sorte à ce que je n'aurai pas toujours l'air d'avoir 22 ans.Idole américaine. J'espère que je vais mieux.

Avez-vous travaillé avec un coach vocal ?
Non, la seule fois où j'ai demandé conseil à un coach vocal, c'était lorsque je faisaisLe son de la musique, et c'était parce que c'était un genre de musique complètement différent et que je voulais être respectueux de ce que je chantais, autant que possible et essayer de faire ressortir un peu de mon ton. Mais pas pendant autre chose. J'ai l'impression qu'il faut juste s'y retrouver. Je n'aime pas quand les gens essaient de me dire comment chanter, parce que cela devrait être naturel.

Dès le début de votre carrière, vous vous attendiez à ce que les paroles que vous chantiez ne soient pas nécessairement autobiographiques, que vous alterniez entre les extrêmes : jouer le rôle d'une femme qui se venge et délivrer de grands sentiments inspirants. Comment avez-vous séparé l’expression émotionnelle et l’expérience personnelle ?
J'ai l'impression que c'est juste un peu ma personnalité ; Je ne suis pas une personne pâteuse. Je ne suis pas doué pour partager mes sentiments. J'ai l'impression que je suis toujours attiré par [les chansons], ou par l'écriture de chansons, je veux juste que les personnages féminins soient juste féroces et forts… Quelle que soit la situation, c'est comme si la femme avait été poussée à ses limites et s'était battue… Je veux être perçue comme une femme forte. Il serait donc plus difficile pour moi d’écrire quelque chose de plus ouvert sur moi-même. C'est tellement personnel. Si vous racontez une histoire et que quelqu'un vous dit : « Oh, je n'aime pas vraiment cette histoire », ce n'est pas un problème. Mais si vous vous mettez dans une chanson et que vous la diffusez et que quelqu'un dit : « Je n'aime pas cette chanson », il parle de vous, et c'est difficile. J'ai l'impression qu'en vieillissant, en ayant des enfants et en traversant certaines des choses que nous avons vécues, cela devient peut-être un peu plus facile à partager après cela.

J'ai entendu cet album pour la première fois avant toila grande interview téléviséeet j'ai parlé de vos fausses couches. Même si je n'avais pas ce contexte au départ, c'était la première fois que j'écoutais votre musique et que je me demandais comment elle reflétait ce que vous aviez vécu. Comment avez-vous tiré parti de ce que vous avez personnellement vécu et ressenti au cours du processus créatif ?
Ce n'était pas une chose consciente. Ce n'était pas du genre : « Je vais écrire à ce sujet, parce que cela vient de se produire. » Ce serait complètement inévitable. Je passais une journée terrible chez le médecin, puis j'entrais dans une séance d'écriture et je me disais : « Je suis désolé les gars. Je pourrais être nul aujourd'hui. Je viens de recevoir une mauvaise nouvelle. … Les choses ne sont pas littérales, mais je regarde une chanson comme « Low » et c'était mon année l'année dernière. Il ne s’agissait pas d’une personne qui partait ou quoi que ce soit du genre. J'écoute cette chanson maintenant, et il y a de fortes chances que je pleure, parce que c'était tellement personnel… J'ai eu la chance d'être entouré de gens avec qui je me sentais vraiment à l'aise. J'ai pensé : « Qu'est-ce que je vais faire ? Rentrer à la maison et se vautrer là-dedans toute la journée ? Non, je veux continuer à travailler. Je veux continuer à avancer. C’est encore quelque chose qui doit être fait. Et j’en avais un peu besoin à ce moment-là, juste pour pouvoir rester concentré sur quelque chose qui n’était pas ma vie personnelle.

Lorsque vous avez chanté des choses désagréables dans le passé, vous ne vous êtes pas attardé sur la douleur ou la mélancolie. La chanson« Époustouflé »par exemple, raconte une histoire d'alcoolisme, de mort et de survie du point de vue d'un narrateur omniscient et ne s'attarde pas sur les sentiments de la fille impliquée.
Droite. Parce que je n'aime pas les chansons victimaires. J'ai l'impression que c'est une grande différence qui vient du fait de vieillir et d'être plus mature, [de reconnaître] la différence entre être émotif et chanter de manière émotionnelle par rapport à une chanson de victime, ce que je n'aime tout simplement pas. J'aime ceux contre lesquels la fille se bat. Même dans « Blown Away », c'est comme si le [père] obtenait ce qu'il mérite. Il s'agit d'aborder la question d'un point de vue ferme. Et avec celui-ci, avoir vécu l'année dernière et choses après choses, se rendre compte que rien de tout cela ne faisait de moi une victime et écrire ces chansons qui [laissaient de la place pour] encore le ressentir sans s'apitoyer sur son sort. Je ressentais juste ces choses que tout le monde ressent, tu sais ? Et cela ne vous rend pas plus faible face aux choses.

Au fil des années, lorsque vous avez abordé des préoccupations sociales, relationnelles ou politiques dans vos chansons, votre approche a été de zoomer sur leur impact émotionnel sur les gens plutôt que de prendre position. C'est également vrai pour votre nouvelle chanson, « The Bullet », avec son histoire d'une famille touchée par la violence armée. Pourquoi avez-vous préféré cela ? Pourquoi pensez-vous que c'est efficace ?
Ce que je pense d'un problème politique ou mondial n'est pas quelque chose que l'on tweete. C'est une conversation. Et au final, il y a des vies qui sont affectées par les choses et je trouve mieux de me concentrer là-dessus plutôt que de prendre position musicalement ou sur les réseaux sociaux. Pour moi, c'est davantage une question de personnes impliquées. Je ne sais pas ce que les autres ont vécu. Il y a des raisons pour lesquelles les gens ressentent et pensent comme ils ressentent et pensent, et je ne sais pas lesquelles à moins de m'asseoir et d'avoir une conversation avec eux. Ce n'est tout simplement pas mon style. Je ne veux pas dire aux gens quoi penser. Je veux faire de la bonne musique. Je veux ouvrir le dialogue. Je veux que les gens parlent de choses et découvrent cela par eux-mêmes, au lieu que je dise que je crois cela et que vous devriez le faire aussi.