Se déroulant dans les années 1970, le roman de George Pelecanos de 1997Roi Suckermantire son titre d'un film de fiction. Les arnaqueurs, psychopathes et criminels accidentels du roman passent une grande partie de l'histoire avec l'intention de regarder. Lorsque le titre revient dans la conversation, la réponse réflexive des personnages se transforme en gag : « Celui du proxénète ? Mais lorsque certains d’entre eux décident enfin de le voir, ils obtiennent plus que ce qu’ils espéraient. Cela commence comme un film de blaxploitation typique de l’époque, dans lequel « l’injustice de Ghetto Life en particulier et de l’Amérique en général avait transformé un frère fondamentalement bon vers une vie de crime », pour lui permettre d’y échapper après s’être vengé. la bobine finale. Mais ensuite le film suit son propre chemin, montrant la brutalité exigée par son proxénète titulaire puis l'envoyant en prison, où il est destiné à mourir. "Dès le début", écrit Pelecanos, "le public a senti qu'il se passait quelque chose de troublant." À la fin, un personnage déclare que c'est « une connerie » mais son compagnon plus expérimenté le corrige. "C'était là la vraie affaire."
Les films classiques de blaxploitation sont souvent une combinaison de conneries créatives et de réalité – parfois dans le même cadre. Les films ont prospéré au début des années 70 et leurs petits budgets ont parfois conduit à des tournages sans fioritures qui offraient un regard de type documentaire sur les turbulences et la négligence de la vie des centres-villes à cette époque. Et leurs complots diagnostiquaient généralement correctement les sources de ces problèmes, du racisme à la drogue en passant par un système corrompu sans aucun intérêt à laisser ceux d’en bas s’en sortir. Ils mettaient également en vedette des héros plus grands que nature qui, grâce à leur flair, leur puissance de feu, leurs compétences en bagarre et quelques plaisanteries au bon moment, pouvaient surmonter ces obstacles. La plupart du temps, les films envoyaient des signaux mitigés, condamnant la brutalité de la vie dans la rue tout en célébrant ceux qui savaient la plier à leur volonté. Ou comme le dit Eddie, bras droit du protagoniste Youngblood Priest, dans le film de 1972Super mouche"Je sais que c'est un jeu pourri, mais c'est le seul que The Man nous a laissé jouer."
Réalisé par Gordon Parks Jr.,Super mouchefournit certains des meilleurs exemples de la façon dont la tension entre ces messages contradictoires pourrait rendre le genre si vital, en grande partie grâce à la bande originale de Curtis Mayfield, qui semble souvent suggérer le film plus sombre et plus honnête queSuper mouchene se laissera pas vraiment faire. Poursuivant la tradition consistant à lier l'histoire d'un dealer essayant de se faire entendre avec une voix musicale forte, le remake de Director X en 2018,Superfly,présente une bande originale produite par Future, qui apparaît sur la part du lion de ses morceaux. Future est un choix judicieux pour ce remake se déroulant à Atlanta et sa bande originale vaut bien une écoute, mais le couple ne conduit pas au même mariage mouvementé et convaincant de musique et d'images que l'original de 1972.
Là encore, peu de couples de ce type le font, comme le 1972Super Flyles moments d’ouverture le montrent clairement. Mayfield a composé les chansons du film à partir d'un scénario, mais il a apporté avec lui un morceau préexistant, "Little Child Runnin' Wild", qui joue sur la scène d'ouverture de deux drogués marchant dans les rues d'un quartier malchanceux. Harlem. Leur objectif, nous l'apprendrons bientôt, est de voler Priest (joué avec une intensité théâtrale par Ron O'Neal). La chanson continue sur notre premier aperçu de Priest, l'air maussade alors qu'il renifle de la coca et s'allonge dans une langueur post-coïtale à côté de l'une de ses deux copines. Et là, à certains égards, se trouve tout le film : ici, vous pouvez être désespéré et en quête ou vous pouvez être au sommet. Mais le fausset plaintif de Mayfield et les cordes dramatiques de la chanson parlent d'une autre vérité : la misère vous trouvera de toute façon. «Je n'étais pas obligé d'être ici», chante Mayfield avec la voix d'un enfant anonyme qui grandit dans ce monde. Mais c’est en réalité le contraire qui est vrai. Personne ici n’a d’autre choix.
Mayfield était déjà bien connu pour sa musique socialement engagée, d'abord avec les Impressions, puis en tant qu'artiste solo. Mais même s'il composait souvent des chansons inspirantes, il ne détournait pas les yeux de l'obscurité. Ses débuts en solo,Curtis, s'ouvre sur près de huit minutes d'images apocalyptiques grâce à "(Don't Worry) If There's a Hell Down Below, We're All Going to Go" (qui sert actuellement de chanson thème à la série HBOLe diable, co-créé par Pelecanos). Ici, ses chansons semblent parfois offrir un contrepoint thématique au film. Le premier single de la bande originale, « Freddie's Dead », est devenu un succès avant la sortie du film. C'est une lamentation pour Fat Freddie (Charles McGregor), un aimable dealer de bas niveau tué au travail. Dans le film, la mort de Freddie a une visée narrative mais elle ne touche pas vraiment les personnages. Entre les mains de Mayfield, c'est une tragédie digne d'être commémorée et Freddie un digne remplaçant pour tous ceux qui « poussent la drogue pour The Man » abattus. Parks revient à plusieurs reprises sur un passage instrumental de la chanson et c'est presque comme si Freddie hantait un film qui, autrement, semble l'avoir oublié.
Les chansons donnent le ton à d’autres moments du film. Parks était le fils de Gordon Parks Sr., qui avait réalisé le succès de la blaxploitationArbrel'année précédente, après avoir déjà mené une brillante carrière de photographe, notamment pourVierevue. Son fils était également photographe – bien qu'il ait utilisé le nom de « Gordon Rogers » au début de sa carrière pour éviter de donner l'impression de bénéficier de la réputation de son célèbre père – et au milieu du film, il utilise des photographies fixes pour retracer la propagation de la cocaïne à tous. coins de New York, des quartiers chics aux docks. C'est un choix audacieux qui aurait pu être accusateur, festif ou tout simplement ridicule avec un mauvais choix de musique. Au lieu de cela, le funky « Pusherman » de Mayfield donne l’impression que la présentation est terre-à-terre puisqu’elle revient à une ligne du refrain : « Je suis votre Pusherman ». Quoi qu'il en soit, Priest est un homme qui fait son travail dans une ville aux multiples occupations.
Le film était controversé à l'époque, méritant une condamnation de la part du chef hollywoodien de la NAACP pour avoir glorifié le trafic de drogue. Mais sa représentation est plus nuancée que ne le suggère le doigt pointé, et une grande partie du mérite revient à Mayfield, dont la bande originale a eu sa propre vie après la mort et dont la vision de Priest est encore plus compliquée que celle du film. Il est facile de se perdre dans le groove de la chanson titre, ce qui permet de rater des lignes comme celle-ci : « Demandez-lui son rêve / Qu'est-ce que ça veut dire ? / Il ne le saurait pas.
Le nouveauSupermouchene tente pas une fusion aussi complexe, bien que le réalisateur X – un vétéran du vidéoclip qui utilise le film pour travailler cette esthétique à grande échelle – fasse un usage mémorable des chansons de la bande originale de Future en quelques instants. Il remplit le luxueux club de strip-tease d’une scène ancienne, un endroit où les billets et les mégots volent dans les airs avec abandon. Le slow jam de Miguel « RAN » marque une séance d'amour à trois à base de porno soft. Mais certains des moments les plus dramatiques du film sont réglés sur la musique plus conventionnelle de Josh Atchley, et aussi bons que soient les morceaux de Future, rien ici ne suggère qu'ilsavaitêtre lié à cette priseSupermouche. De manière révélatrice, « Pusherman » et la chanson titre du film original gonflent pendant les moments clés, presque comme si cette nouvelle version n'osait pas essayer de les surpasser.
Cela pourrait être dû à un changement d’attitude à l’égard des bandes sonores. Collaboration de Mike Nichols avec Simon et Garfunkel surLe diplôméa lancé une tendance de musiciens travaillant en étroite collaboration avec des réalisateurs qui était encore forte en 1972. Blaxploitation a produit certains des meilleurs duos, comme celui d'Isaac Hayes.Arbrela partition et celle de Marvin GayeL'homme en difficulté. (Même les équipes ratées avaient une façon de s'en sortir. Larry Cohen a rejeté les chansons de James Brown pourL'enfer à Harlem, mais cela n'a pas empêché « The Payback » de devenir l'un des plus grands succès de Brown.)
Cette tradition s’est en grande partie effondrée au fil des décennies au profit d’albums de bandes sonores mettant en vedette un large éventail de contributeurs. Il montre cependant des signes de retour sous une forme légèrement nouvelle, grâce à des sorties organisées comme celle-ci et à l'orchestre orchestré par Kendrick Lamar.Panthère noirebande originale du début de cette année, une collection riche et thématiquement unifiée, bien que composée en grande partie de chansons non jouées dans le film lui-même.Supermoucheaurait pu aller plus loin, mais malgré tous les points de l'intrigue ramenés avec respect du film original, cette nouvelle version n'emprunte pas son lien intime avec la musique d'un artiste, ni la façon dont elle utilise les chansons pour dire quelque chose au-delà de ce qui est stylisé. , peuvent dire les images glamour des aventures d'un joueur intelligent dans le monde de la drogue. C'est un film dont la réalité augmentée et la version d'Atlanta dans un univers alternatif n'auraient jamais semblé réelles. Mais les bonnes chansons auraient pu donner l’impression que c’était une vraie affaire de toute façon.
