Adam Chanler-Berat et Phillipa Soo dans Amélie, chez Walter Kerr.Photo : Joan Marcus
À ma connaissance, le paradoxe de Zeno n'a jamais été recruté comme point d'intrigue et comme pierre de touche thématique dans une comédie musicale de Broadway auparavant.Amélie, le nouveau spectacle nostalgique mettant en vedette Phillipa Soo qui s'ouvre ce soir au Walter Kerr. Ce paradoxe - plus précisément,Le paradoxe de la dichotomie de Zénon- dit que puisque vous devez arriver à mi-chemin vers quelque chose avant de pouvoir aller jusqu'au bout, et comme il y a toujours une quantité infinie de réduction de moitié possible, vous ne pourrez jamais y arriver. Si cela semble ridicule, c’est pourquoi c’est un paradoxe ; c'est censé prouver sa propre absurdité. DansAmélieil est introduit, puis répété à plusieurs reprises, sous une forme corollaire : que deux objets, en particulier des personnes, ne peuvent jamais vraiment se toucher. Peu importe à quel point ils se rapprochent, il y aura toujours un écart entre les deux. Malheureusement, malgré beaucoup de charme et d'intelligence,Améliene réfute pas tant le paradoxe qu'il le prouve. Amélie le personnage et doncAméliele spectacle reste séduisant, exaspérant et éloigné.
C'était également un problème avec le matériel source : le film de Jean-Pierre Jeunet de 2001, dont le titre français —Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain– a au moins introduit une note d’ironie utile. Le ton du film est en effet fable : une jeune fille imaginative, élevée par un père distant et une mère anxieuse, se retire dans un monde fantaisiste dans lequel son seul ami est un poisson rouge nommé Blubber. Plus tard, après avoir déménagé à Paris à l'âge adulte, elle est fascinée par la bonté de la princesse Diana, dont la mort dans cette ville incite Amélie à se consacrer à une vie de gentillesse secrète. Le plaisir que la plupart des gens éprouvent à tomber amoureux, à retrouver des souvenirs perdus, à voyager à travers le monde ou à faire des peintures et de la poésie, elle le trouve uniquement en organisant ces plaisirs pour les autres. Elle ne s'adonne à rien elle-même, et quand l'amour la poursuit sous la forme d'un homme rêveur qui est tout aussi bizarre (il collectionne les portraits de photomaton), elle le laisse presque partir.
La performance stylisée d'Audrey Tautou a contribué à cristalliser la sève du film, et la conception de production pop et très contrastée lui a donné une sorte de chic émaillé. Les cerveaux de la comédie musicale – Pam MacKinnon a réalisé et Craig Lucas a écrit le livre – ont pris une autre direction. Après tout, les comédies musicales ne peuvent pas combler les lacunes de la vie émotionnelle des personnages avec des gros plans ou de petits gestes ; ils doivent ouvrir ces espaces jusqu'à ce qu'ils soient suffisamment larges pour y insérer des chansons. L'un des résultats est que le niveau de fantaisie, déjà élevé dans le film, est hors des charts et presque caricatural sur scène. Le rideau du spectacle présente des lapins et des papillons animés qui voltigent ; les personnages sortent des armoires et des cadres. Même Blubber, que vous pensiez peut-être assez féerique, est devenu plus fey : il est joué par un grand type coiffé d'un casque de poisson rouge et a été renommé Fluffy.
Ce n'est pas un paradoxe de Zeno, mais c'est quand même un bon paradoxe que le cinéma, un médium totalement artificiel, puisse donner l'impression que tout est réel, alors que le théâtre en direct, qui se déroule réellement, exagère l'irréalité. Lucas, l'auteur dePrélude à un baiseretTéméraire, est le seul écrivain auquel je puisse penser qui pourrait se rapprocher aussiAméliefait pour que ce paradoxe joue en sa faveur. Bien que fidèle à l'intrigue de base du film, sa dramaturgie souple parvient à combler de nombreuses informations manquantes sur les personnages sans dégonfler la magie, et il a aidé les auteurs-compositeurs - Daniel Messé du groupe de musique Roots Hem et Nathan Tysen - à trouver le bon si. emplacements excentriques et crochets pour les chansons. La particularité de ces chansons ressort clairement de leurs titres : « Three Figs », « When the Booth Goes Bright » et « Sister's Pickle », pour n'en citer que trois sur les deux douzaines répertoriées dans le programme. (C'est une tonne pour un spectacle de 100 minutes sans entracte.) Musicalement, ils n'ont rien à voir avec la célèbre bande originale du film, de Yann Tiersen ; il n'y a pas d'accordéons et rien de français à part une agitation modale fascinante (bien que parfois aux longues jambes) qui convient au thème. Les paroles rêveuses prolongent ce relâchement avec des rimes qui sont, pour la plupart, habilement peu insistantes.
Tout cela est intelligent, et Dieu sait que j'ai hâte d'accueillir des comédies musicales qui renoncent aux formules d'atelier et à l'éclat commercial dur des plats traditionnels de Broadway. Je peux imaginer vraiment aimer l’enregistrement du casting. Mais dans le théâtre lui-même, tant d’insistance présente des inconvénients. La première est que lorsqu’un récit est maintenu par le ton au lieu de résoudre un conflit interpersonnel – le conflit interpersonnel n’existe pratiquement pas dans ce matériau – il n’y a pas de ligne claire entre ce qui est pertinent et ce qui ne l’est pas. Un numéro de jeu de mots pour un nain de jardin ? (Oui, ça s'appelle « There's No Place Like Gnome ».) Un hymne de type « Candle in the Wind » pour Elton John ? Bien sûr, pourquoi pas ? En conséquence, la mise en scène de MacKinnon, qui n'a d'autre choix que de souligner l'esthétique, développe un mauvais cas de question non spécifique, où diable est-ce ?, laissant souvent le public plus amusé qu'informé. Lorsque vous ne parvenez même pas à localiser les personnages clés au milieu de tout le magnifique bleu français de la scénographie de David Zinn, vous pouvez facilement perdre la trace du lien de cause à effet qui est si central dansAméliel'histoire.
Les costumes pleins d'esprit et chargés de Zinn n'aident pas ; quand tout le monde est excentrique, tout le monde est pareil. (Le paradoxe de Zinn ?) Le casting de soutien composé de 12 acteurs polyvalents, dont Adam Chanler-Berat sous-utilisé dans le rôle de l'intérêt amoureux d'Amélie, joue pour la plupart tellement de personnages tout en servant également de narrateurs occasionnels que leurs effets individuels sont atténués. Seul Tony Sheldon, le voisin d'Amélie — celui qui peint une copie du tableau de RenoirDéjeuner de la fête nautiquechaque année, mais ne pourra jamais achever la « fille au verre » au centre de la composition — a la bonne touche pour satisfaire une confiserie aussi improbable. Cette touche est tout à fait sérieuse, même si elle est à très grande échelle.
Ce qui nous amène à Soo. Pas de surprise pour ceux qui la connaissent depuisHamiltonou les versions pré-Broadway deNatasha, Pierre et la grande comète de 1812, elle est charmante sans effort et une chanteuse supérieure. Mais les traits qui l'ont aidée à donner vie à Eliza et Natasha - simplicité, transparence - ne peuvent pas faire grand-chose pour Amélie, qui reste, comme la jeune fille du Renoir à jamais inachevé de son voisin, l'esquisse d'un personnage au cœur de l'histoire. . Tout le savoir-faire de Soo et tout le savoir-faire des auteurs ont produit ce paradoxe final : plus Amélie se révèle, moins on en voit. Comme son personnage titre,Amélieest un spectacle qui est presque tombé dans l'obscurité.
Amélie est au Théâtre Walter Kerr.
