La récolte d'Adam McEwen.Photo : Avec l’aimable autorisation de la galerie Petzel
Que, avec le changement radical de notre politique, un changement de paradigme soit en vue ou que l'inverse se produise (et les choses ne font que devenirplus de ce qu'ils sont déjà), nous devons nous demander où cela laisse le monde de l’art ? Pas des artistes. J'espère qu'ils feront tout ce qu'ils doivent faire pour s'adapter. Et prospérer. Et nous faire voir des choses que nous ne savions pas devoir voir jusqu'à ce que nous les voyions. Au lieu de cela, j'aborde le terrain de jeu où nous rencontrons l'art et les artistes ; près de chez nous dans le temps et dans l'espace : les galeries et les musées.
Un changement de tactique de conservation s’impose ; celui qui pourrait mieux correspondre au présent que celui qui est en vigueur depuis un certain temps. Depuis une dizaine d’années, nous sommes engagés dans un travail intensif de rééquilibrage de l’histoire de l’art. Les années qui ont suivi le krach ont été une période de grand retour en arrière sur ce qui a été manqué, passé sous silence, sous-évalué, géographiquement écarté, ou carrément évité au cours des générations précédentes. Tout le monde passait au crible les histoires ; la redécouverte était la nouvelle découverte ; La correction de cap était la nouvelle solution pour maintenir le cap.
Cela ne devrait pas s’arrêter complètement. Mais à présent, cette pratique a basculé vers l’habitude et l’obsession. (J'en ai distribué ma part en insistant sur les étrangers autodidactes, en appelant à leur intégration dans les collections permanentes.) Quoi qu'il en soit, nous avons désormais droit à un nombre infini d'articles dans des magazines d'art sur l'art et les artistes des années 1960 et années 1970 (souvent écrits par les mêmes auteurs qui les ont écrits la première fois). Des séminaires entiers, des conférences, des expositions et des sections de biennales lui sont consacrées. Les expositions de musée abondent. Les itérations toujours crénelées des années 1960 sont explorées ; les plus petites structures axiomatiques des années 1970 ; chaque hypersécrétion de performance est examinée, documentée, reconstituée. Les années 1980 bénéficient aujourd’hui d’un traitement similaire. C'est merveilleux de vivre dans une culture privilégiée avec le luxe d'exposer ce qui a été manqué ou rejeté du premier coup ; ce rêve borgésien de tout arranger un jour. Pourtant, les récentes crises d’événements suggèrent que l’atlas du présent est en train de changer ; les signaux chimiques sont différents : les chaînes de cognition sont altérées. Nous n’avons plus autant de temps pour historiciser en ce moment. Certainement pas autour dumême périodedu passé.
Je parcours des pâtés de maisons de grandes galeries new-yorkaises – des plus petites aussi – et je vois parfois rarement des expositions d’art d’aujourd’hui. Les gens semblent se sentir plus en sécurité en pensant au passé. Ce n'est pas ce dont nous avons besoin. En tant que critique,jeil faut s'engager dans l'art du moment ; maintenant. Je veux que le monde de l’art dans son ensemble fasse de même. C’est le seul moyen de discerner ce qu’est le soi-disant art à l’ère de Trump. Une des raisons pour lesquelles les années 1960, 1970 et plus tard les années 1990 ont été des périodes de création si remarquables était que les artistes et les galeries accordaient une grande importance à l’identification des idées et de l’art du présent. Identifier son propre temps pour pouvoir contribuer à le changer était primordial. Bien sûr, il y a des inconvénients à laisser derrière soi le travail d’archives, de renaissance et de révisionnisme, dont une grande partie a été consacrée à corriger les préjugés et les oublis du passé. Mais nous devons voir ce qui est possible dans le présent à partir du présent – et pas seulement du passé. Soutenir le présent est une forme de soutien mutuel, une manière de se respecter les uns les autres et de rendre hommage à notre époque. Les vents thermiques changent ; des courants de convection sont en mouvement. Toute évasion de ces mouvements dansce moment réelme semble indulgent, abdiqué, peu disposé à s’engager dans l’ambiguïté, l’incertitude ou à abandonner un sentiment de contrôle intellectuel.
L'espace est si limité à New York ; chaque pied carré, chaque mois compte. Et si les petites et moyennes galeries prennent régulièrement des risques avec des artistes moins chers et moins connus, ces espaces se retrouvent en péril économique extrême, surtout lorsque les choses quine le faites pason dirait que d'autres choses comportent plus de risques que jamais. Si une galerie consacre ne serait-ce que trois ou quatre mois à des ventes légères ou à des œuvres d'art moins chères, elle pourrait rapidement faire faillite. Si cela se produit en masse, il s’agira d’une perte catastrophique d’infrastructures ayant des répercussions considérables, mettant même en péril tout le marché, sauf le haut et le bas du marché. Mais dernièrement, je me suis interrogé sur une simple valeur darwinienne de simplement survivre. Rester ouvert ou continuer ne semble plus vraiment être un objectif.
