Frank Wood et Forest Whitaker à Hughie, au stand.Photo : Marc Brenner
Sur la scène du Booth Theatre, le scénographe Christopher Oram a construit une magnifique ruine d'un hôtel autrefois respectable, avec un hall d'entrée à double hauteur, un ascenseur antique et un escalier menant aux étages supérieurs suffisamment grand pour un monument fédéral. . Mais un énorme décor pour une petite pièce compense généralement quelque chose. Dans la production de Michael Grandage deHughie, le morne double O'Neill de 1942, ce quelque chose est assez clair. Forest Whitaker, qui parle à 98 pour cent dans cet acte de 60 minutes, ne fait guère impression. Il passe la majeure partie de la pièce en cage comme un otage dans un petit espace au milieu de la scène, tandis que Frank Wood, son interlocuteur involontaire, est coincé derrière le bureau de l'hôtel, devenu un sac à puces miteux, essayant de ne pas écouter. . La vaste architecture est pratiquement inutilisée; à un moment donné, Whitaker monte quelques marches mais redescend rapidement.
Tout comme l’architecture émotionnelle laissée inhabitée. Whitaker incarne « Erie » Smith, un petit voyou de Broadway vivant des vapeurs de ses auto-tromperies élaborées. Les jeux de merde, les poupées Follies, la brutalité à deux bits et les paris sur les bangtails sont les sujets des histoires qu'il répète compulsivement, dans l'espoir de susciter un lien émotionnel avec le nouveau commis de nuit, Hughes. Mais Hughes n'est pas aussi fasciné que l'était le vieux commis de nuit, un idiot appelé Hughie, ce qui n'est pas un hasard; vivant avidement les aventures d'Erie, Hughie a vérifié et valorisé l'existence du fantasme. Hughes, à peine attentif, fait le contraire, plongeant Erie dans une crise psychologique qui donne sa forme à la pièce mais, telle qu'interprétée par Whitaker, ne se produit jamais.
Whitaker est un excellent acteur de cinéma qui a apporté intensité et authenticité à une variété de personnages très dramatiques, de Charlie Parker à Idi Amin. Mais la technique de la méthode ne convient pasHughie, même si Al Pacino a réussi Erie à Broadway en 1996. Le rôle nécessite non seulement une plongée profonde dans la personnalité suggérée par la Méthode, mais aussi les astuces de bonimenteur et l'animation verbale d'un véritable animal de scène. (Le premier Broadway Erie, en 1964, était Jason Robards.) Whitaker est tellement intériorisé qu'il semble catatonique, avec une diction particulière, un accent étrange (« poupées » est rendu par « dawles ») et une façon de découper les phrases qui suggère il n'a qu'une emprise provisoire sur les lignes. Il bouge bien, c'est-à-dire de manière idiosyncrasique, avec une démarche roulante et une intensité de mouvement de la main semblable à une charades qui pourrait bien rendre la caractérisation visible si elle n'était pas si inaudible. Malgré tout, on passe beaucoup de temps à regarder Wood, une créature théâtrale de bout en bout, faisant beaucoup plus avec beaucoup moins.
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Au cours de ses 50 ans de carrière, Trevor Nunn, ancien directeur de la Royal Shakespeare Company, du National Theatre of Great Britain, et bien,Chats, a mis en scène 34 des 37 œuvres canoniques de Shakespeare. Sa production dePériclèspour le Theatre for a New Audience de Brooklyn – son premier avec des Américains – arrive au 35e rang. À part cocher une autre conquête, c'est un choix particulier ;Périclèsest construit comme un film de vacances d’été, avec à peu près autant de cohérence et de conséquence. On ne compte plus les naufrages et les réincarnations. Les chercheurs attribuent son caractère confus à la double paternité, arguant que Shakespeare n'a écrit que la seconde moitié, soit quelque 827 lignes sur 1 662, ce qui constitue une analyse pratique pour les Bardolaters car ces lignes sont de loin les meilleures. La première moitié, principalement une accumulation de malheurs et de coïncidences alors que Périclès trouve une femme, engendre un enfant et perd les deux, est ce que Ben Jonson l'a appelé : une « histoire moisie ». Le reste, malgré ses guérisons miraculeuses, offre une profondeur émotionnelle et une beauté verbale semblable au reste des Romances tardives, pour lesquelles cela ressemble parfois à un essai routier.
Nunn a jeté tout ce qu'il savait faire, vers 1975, sur le texte. Il y a des effets de canevas et de silhouette, des toiles à voile et des gréements, des joutes, des danses, des tempêtes de vent et des brainstormings, des chapeaux compliqués et une fortune de plis Fortuny. Un groupe de trois musiciens et le groupe américain de musique Roots PigPen, composé de sept musiciens, complètent encore davantage la grande distribution, interprétant des tonnes de musique accessoire et de chansons, pour la plupart charmantes, du compositeur irlandais Shaun Davey. Tout cela semble grandiose dans l'arrangement profond du Polonsky Shakespeare Center de la TNA, mais un arôme de spectacle de variétés semble s'accrocher aux débats. Gower, la figure du poète-narrateur qui plante le décor et fournit des commentaires en couleur, est aussi clin d'œil que Graham Norton et aussi fleuri queAladdinC'est Génie. Nous ne sommes pas surpris lorsque Boult, le voyou comique indispensable dans les scènes de bordel, fait un clin d'œil et ne dit plus rien comme s'il était Eric Idle. En fait, c'est John Keating, un bon grotesque.
Je ne me plains pas. Il faut faire quelque chose avec le matériau le plus fragilePériclèspour laisser la place aux plus forts, et ça pourrait aussi bien être ringard. La bonne nouvelle est que Nunn a choisi des acteurs, la plupart jouant deux personnages ou plus, qui peuvent servir le fromage mais aussi le vers, de sorte que la beauté ressort autant que l'humour. J'ai particulièrement apprécié le roi Simonide de John Rothman, jovial et désireux de marier sa fille au prétendant le moins prévenant. (Ne le savez-vous pas, ce prétendant s'avère être Périclès déguisé.) Et le roi et la reine de Tarse, interprétés par Will Swenson et Nina Hellman, formaient un couple d'une dignité émouvante, malgré son chapeau seussien. (La transformation de la reine en monstre vengeur, alors qu'elle regarde sa fille dépérir par rapport à Marina, la fille de Périclès, est particulièrement bien réalisée, en grande partie en mime.) Mais l'essentiel de la responsabilité du pathos de la pièce incombe évidemment à Périclès lui-même ; Christian Camargo prononce magnifiquement ce vers et retrace l'effondrement émotionnel du prince avec une dignité touchante. Les scènes tardives dans lesquelles il peut difficilement affronter la possibilité que tout son malheur puisse encore être racheté sont encore suffisamment puissantes, malgré les pitreries bruyantes qui y ont conduit, pour vous rappeler pourquoi Shakespeare est Shakespeare, surtout lorsqu'on explore l'ambivalence. SiPériclèsQuoi qu'il en soit, c'est la perversité de la nature humaine qui rend nos souhaits aussi douloureux que nos pertes.
Nous n'avons pas besoin de deviner les souhaits de Nunn. Bien qu’il ne lui reste plus que deux Shakespeare – sans doute le plus populaire de tous (Le Songe d'une nuit d'été) et certainement l'un des moindres (Le roi Jean) — il a déjà annoncé qu'il réaliserait ensuite la reprise à Broadway deChats, qui débute ses représentations le 14 juillet.Quel fromage!
Hughieest au Booth Theatre jusqu'au 12 juin.
Périclèsest au Polonsky Shakespeare Center jusqu'au 27 mars.
