Illustration photographique : Vautour et photos avec l'aimable autorisation de Fake Friend, Netflix, Joan Marcus, Ahron R.Foster et Katie Rose McLaughlin pour Theatre in Quarantine
C'est peut-être juste moi, mais j'ai l'impression que 2020 aurait pu mieux se passer ? Quelque chose à ce sujet me semblait… bizarre. Pourtant, d’une manière ou d’une autre, le théâtre a réussi à être excellent, même si le monde s’éloignait. Avec seulement deux mois et demi pour sa saison en personne, puis une étrange période de tire qu'on pourrait appeler en riant « le reste de l'année », les artistes de théâtre ont néanmoins réalisé tellement d'objets magnifiques que ma fin d'année « le top dix » était toujours aussi difficile à assembler.
Certaines des émissions que j'ai le plus aimées étaient des retours - celui de Haruna LeeForêt suicidairej'ai eu une autre course avec Ma-Yi, par exemple, mais je l'avais sur montop dix pour 2019,donc je ne me répéterai pas. Techniquement, d'autres ne se sont pas encore ouverts, alors je vais fermer mes lèvres.Les frères et sœurs jouentetSix.Je ne liste pas non plus les nombreux et merveilleux projets uniquement audio, malgré leur évidente théâtralité ; J'ai été emporté par Gelsey BellCAIRNS, celui de Jillian Walker Chansons de spéculation, et le podcast du Théâtre Public de Richard II. Mon trophée de l'acclimatation la plus rapide et la plus sage de New York au streaming numérique revient au représentant irlandais (sláinte !) ; le prix du meilleur rapport divertissement/bénéfice revient au marathon Ars Nova de 24 heures ; et un emoji d'applaudissements Zoom va à la lecture exquise de l'ouvrage d'Eisa Davis.Bulrusher,dans lequel Kara Young a poursuivi sa marche imparable vers la célébrité. Et enfin, un laurier doit également être décerné à chaque artiste qui a choisipasfaire quelque chose cette année. Nous honorons tout ce silence et cette étude.
Photo : Freddie L Rankin II. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Petzel, New York
Cette année, sous les grillages, a eu lieu ce spectacle de marionnettes sans paroles, en personne, monté dans un théâtre éphémère construit dans le coin de la galerie Petzel.S'envolerétait le volet performance de l'exposition de la galerie Derek FordjourLe moi doit mourir, une méditation sur la mort noire composée par ailleurs de peintures massives et de groupes sculpturaux disposés comme des sanctuaires. Deux fois par jour, une cohorte de marionnettistes blancs (dirigés par le co-créateur Nick Lehane) actionnaient une marionnette bunraku en bois – des membres en acajou brillants dans des soies de jockey – pendant que le personnage de trois pieds de haut dansait à travers une histoire de mise en scène noire en Amérique. La marionnette sautait sur une balle comme Magic Johnson ; il s'accroupit au-dessus d'un cheval invisible ; il se pavanait dans une ligne de tambour. Finalement, la marionnette s'est rebellée, essayant d'échapper à ses opérateurs, griffant leurs mains, arrachant ses membres de leur emprise. C'était un témoignage du spectacle superbement produit que je pensais qu'il pourrait le faire sans eux - un miracle semblait si proche.
Photo : gracieuseté de Fake Friends
La comédie en ligne mégahype de Patrick Foley et Michael Breslin, qui a transformé une pièce de théâtre en une fusion de contenu Instagram et de tournage en directLes jeunes mariésL'épisode comprenait un million de blagues sur la dramaturgie, une analyse acerbe de l'activisme en ligne et quelques grands coups de hache contre la suprématie gay blanche. D'une manière ou d'une autre, ils ont réalisé cette chose dans des conditions de quarantaine : en empruntant les techniques de caméra aux sitcoms en direct et à l'ambiance moite de la production théâtrale,Cercle Jerkappartenait en fait au domaine virtuel – non plus un film ou une adaptation, mais plutôt le premier natif d’un pays numérique. Toutes les farces ne servent pas tout le monde, et le dialogue direct de l'équipe a mieux fonctionné pour ceux qui partageaient un ensemble de références donné. Mais même dans les moments où l'on se sentait perdu, il y avait un éblouissement, un feu d'artifice scintillant de satiristes travaillant avec frénésie. Et dans cette lumière, vous avez vu naître une nouvelle forme.
En mai dernier, la diffusion du drame de Sophocle par Theatre of War Productions était la première performance de lecture via Zoom qui atteignait véritablement l'écran. Même des mois plus tard, son souvenir déclenche encore des répliques. Une grande partie de ce pouvoir provenait du casting étonnant : Oscar Isaac dans le rôle du roi aux œillères, puis aveuglé ; Frankie Faison dans le rôle du berger laissant la vérité s'échapper lentement de lui ; Jeffrey Wright dans le rôle de Tiresias, plein de mépris complice. D’autres lectures de Theatre of War Productions ont été fortes, maisŒdipea prouvé l’étalon-or. En mai, Bryan Doerries a utilisé la pièce ancienne pour nous intéresser aux questions de la peste, mais la production refuse d'être oubliée : elle se transforme en mémoire, s'adaptant à chaque vague de tragédie. Au printemps, c’était une histoire de leadership pourri et de santé publique. Mais on entend encore les pleurs angoissés d'Œdipe tandis que l'on tourne son esprit vers d'autres erreurs, d'autres fautes qui peuvent être admises mais non défaites.
En janvier dernier, la reprise à Broadway du lauréat du prix Pulitzer 1981 de Charles Fuller n'a fait qu'une affaire tranquille. (Peut-être que 40 ans plus tard, c'était un peu tropLoi et ordre : édition de la base militaire de la Seconde Guerre mondialepour faire pâmer les formalistes et les chasseurs de tendances.) Mais la pièce, basée à peu près sur le roman de MelvilleBilly Budd, est construit avec le plus grand soin. Tandis que l'intrigue de Fuller avance comme un polar, le dramaturge plante leréeldes indices, qui pointent tous vers la double conscience qui peut empoisonner un esprit noir de l'intérieur vers l'extérieur : plus Fuller nous rapproche de la recherche du méchant de l'histoire, plus nous nous rapprochons de notre compréhension de la méchanceté. Seul un grand acteur peut assumer ce rôle, et dans la production de Kenny Leon, le titanesque David Alan Grier incarne le sergent Waters en difficulté. C’était la performance d’une vie – démesurée et pourtant observée au microscope, effrayante et pitoyable, monstrueuse et humaine. C'était la pièce du sergent.
Photo de : Julieta Cervantes
La célèbre compagnie expérimentale Mabou Mines a présenté deux courtes pièces de María Irene Fornés, toutes deux mises en scène avec force et brio par JoAnne Akalaitis. DansNoyade,superstar le compositeur Philip Glass est retourné au centre-ville pour créer un nouvel « opéra de poche » à partir du petit morceau aigre de Fornés ; dans son intrigue au crayon, un homme-morse grotesque tombe amoureux sans contrepartie et souffre. L'histoire correspondait parfaitement aux mélodies tranchantes de Glass, qui parviennent à enfoncer le désespoir de la créature profondément d'abord dans vos nerfs, puis dans vos os. Glass a également fourni de la musique de scène pourBoue,l'un des chefs-d'œuvre très manqués du dramaturge, dans lequel une femme tente d'échapper à sa vie étroite mais ne trouve que violence et trahison. Akalaitis l'a posé sur une table de répétition, avec un narrateur à portée de main pour lire les indications scéniques, mais le triangle amoureux voué à l'échec bouillonnait toujours d'énergie : Bruce MacVittie essayait désespérément de conserver une certaine dignité, tandis que Paul Lazar était à la fois hilarant et ignoble comme l'albatros suspendu. autour du cou de Wendy vanden Heuvel. Les deux pièces étaient amères… mais délicieuses.
Photo : Katie Rose McLaughlin pour Theatre in Quarantine
Theatre in Quarantine de Joshua William Gelb est un projet conçu pour ce qui est sûrement le plus petit théâtre de New York : son propre placard, peint en blanc, avec lui-même comme acteur et metteur en scène. (Son groupe de collaborateurs est large, cependant, une galerie de créateurs et de designers expérimentaux new-yorkais.) Le dernier spectacle de TiQ de 2020 a été le plus grand du lieu : l'opéra de 40 minutes de la compositrice Heather Christian sur Mère Teresa, dans lequel Gelb a synchronisé ses lèvres avec elle. des chansons néo-gospel envoûtantes, tout en étant vêtu d'une version drag pailletée de la tenue (de marque déposée) du saint. « L'homme s'habille en nonne dans un placard » ne figurait certainement pas sur ma liste de prédictions pour « le spectacle le plus susceptible de me casser comme un œuf », mais j'étais là, le côté ensoleillé sur le sol.Je t'envoie le visage sacréest une cause de méditation aussi belle que tout ce qui se trouve dans le Livre des Psaumes – et un objet de dévotion aussi digne.
Avant d'être diffusée en émission spéciale sur Netflix, la comédie gonzo de Natalie Palamides sur le consentement était une production en direct, et ce n'était pas pour se vanter ou quoi que ce soit, mais je l'ai vue. [Polit les ongles.] Nate, la création drag mec-frère de Palamides - poitrine poilue, tendances à La Croix, moustache en brosse - encore plus dangereux en personne qu'à la télévision, où l'interprète ne peut pas réellement vous faire participer à travers l'écran. Palamides est un de nos grands clowns, etNateL'humour transgressif, l'attitude véritablement curieuse et l'innocence grincheuse de sont toujours hilarants et piquants, quelle que soit la façon dont vous le rencontrez. Mais aucun simple service de streaming ne peut recréer la nervosité d'une participation imminente du public, sachant que les questions de Nate sur les limites sexuelles pourraient vous trouver. Un jour, Netflix trouvera comment zapper cette combinaison électrique de peur, d’excitation et de pré-humiliation directement dans nos tripes inférieures ; en attendant, tu vas devoir aller au théâtre.
L'adaptation par Céline Song de la pièce bien-aimée d'Anton Tchekhov s'est déroulée pendant deux nuits sur Twitch, en utilisant la plateforme ouverte deLes Simsen tant que théâtre, compagnie de répertoire, costumière et collaboratrice. Pendant que des centaines de personnes regardaient le flux de discussion, Song a poussé ses avatars créés dans le jeu à se rapprocher des matchs d'amour, des ruptures et même des décès de la pièce. C'était un spectacle, mais aussi une éducation, puisque Song parlait de son métier tout en le démontrant. Comment un dramaturge construit-il un monde ? Dans quelle mesure le réalisme scénique réside-t-il simplement dans un certain niveau de complexité ? Est-ce que Sim Masha aura son putain de bébé ? (Réponses : en riant ; beaucoup ; non.) Le public a ressenti le frisson de la création, même si nous étions juste en train de kibiter. Et lorsque Song a fait appeler ses amis dramaturges, c'était un peu comme se libérer de l'isolement et rejoindre une communauté d'écrivains qui remontait à l'époque de Tchekhov.
Le portrait d'époque superbement troublant d'Eboni Booth d'une femme qui obtient un emploi dans un magasin à grande surface a parfois un goût de drame (un lien entre un patron et un employé sur le malaise d'être une Vermontoise alors qu'il est noir), parfois comme "c'est tellement les années 90!" comédie (la salle de repos du magasin se remplit de diverses coupes de cheveux épouvantables), et parfois comme l'horreur pure et pure qui vient d'un emploi à volonté. Sur le plan tonal, le jeu de Booth existe confortablement sur le fil du rasoir, ce qui signifie qu'il continue de faire couler du sang pendant que vous le manipulez. Le réalisateur Knud Adams est toujours pointilleux, et ici son perfectionnisme glacial correspondait exactement au naturalisme cinématographique de l'écrivain : le film était si riche en détails que le public pouvait sentir le froid du Vermont depuis son siège à New York. Les performances étaient également toutes extraordinaires, et je rêve que cette production puisse revenir après l'arrêt. Notre année de super-dépendance des grandes surfaces n’a fait que renforcer sa pertinence.
Rien dansDana H.suit les règles habituelles de la construction dramatique - le dramaturge reconnu Lucas Hnath ne l'a pas écrit (le texte entier est une interview de sa mère, Dana Higginbotham), et l'acteur sur scène ne le parle pas non plus (la radieuse Deirdre O'Connell synchronise les lèvres à la voix enregistrée de Higginbotham). Mais dans les décombres des conventions théâtrales se cache quelque chose d’éclairant, d’humaniste, de courageux et de tragique. Higginbotham raconte un enlèvement terrifiant qui met à rude épreuve notre crédulité, puis souligne que c'est précisément l'incrédulité ironique – de la part des flics, des membres de sa famille – qui l'a rendue si vulnérable en premier lieu.Dana H.atteint le sommet du métier théâtral et saute ensuite bien au-delà jusqu'à une qualité ressemblant davantage à un témoin ou à un témoignage. Les chercheurs rédigeront des dissertations à ce sujet ; un jour, cela réorganisera notre compréhension de la performance. Mais en attendant, il restait occupé à briser le monde actuel, un public ébranlé à la fois.
