Fantôme dans la coquille 2 : Innocenceet ses CGI oniriques sont de retour avec une restauration 4K.Photo de : GKIDS
En 1995,Fantôme dans la coquillefrappé comme un missile de précision depuis un hélicoptère antichar Jigabachi AV. Écrit et réalisé par Mamoru Oshii et basé sur le manga de Masamune Shirow, le film se situe au centre d'un diagramme de Venn de plusieurs époques culturelles. C'est l'une des œuvres majeures qui ont donné à l'anime une reconnaissance internationale, une pierre de touche continue pour la construction du monde et l'action dans l'animation, et une influence inestimable dans la science-fiction, en particulier dans le sous-genre cyberpunk. Comme point de référence clé pourLa matriceseul,il a façonné une grande partie du cinéma contemporain.
En 2004, une suite est sortie, encore une fois écrite et réalisée par Oshii — simplement intituléeInnocenceau Japon et intituléFantôme dans la coquille 2 : Innocenceà l’international. Les critiques étaient amicales mais le consensus manquait d'enthousiasme et le film n'a pas réussi à récupérer ne serait-ce que la moitié de son budget lors de sa tournée en salles. C'est l'un des volets les moins reconnus de cette franchise ; les fans ne le vilipendent pas comme ils le font, disons,le remake live-action 2017 de l'original, mais ils en font rarement l’éloge. Peut-être qu'ils ne savent pas quoi penserInnocence, qui est beaucoup plus lent, plus silencieux et plus étrange que le premier film. Mais ce sont aussi ces qualités qui le rendent si intéressant. La vérité est queInnocencese tient côte à côte avecFantôme dans la coquille. Et maintenant que le film aRestauration 4Ket de retour en salles ce week-end pour son 20ème anniversaire, l'occasion est mûre pour une réévaluation de ses vertus.
Bien que le film partage le décor, certains personnages et certains thèmes deFantôme dans la coquille, Oshii et son équipe ont déployé d'énormes efforts pour le distinguer comme une entité à part entière. Même les palettes de couleurs diffèrent. Le premier film privilégie les tons froids : bleus, verts, blancs et violets. Celui-ci présente un monde saturé de néons et de couchers de soleil meurtris par le smog avec des couleurs si chaudes qu'elles en sont presque dures : des oranges, des rouges et des jaunes, souvent contrastés avec un noir profond. D'un seul coup d'œil, vous pouvez toujours savoir lequelFantôme dans la coquillec'est quoi.
À travers ses différentes incarnations,Fantôme dans la coquilleexplore la nature de la conscience dans un cadre futuriste dans lequel les « cybercerveaux » humains leur permettent d'interagir mentalement avec les machines, Internet et entre eux. Dans le premier film, la protagoniste Motoko Kusanagi, commandante sur le terrain d'une unité de police spécialisée, lutte contre l'aliénation due à son corps robotique, son cerveau étant la seule partie organique d'elle. Elle résout ce conflit en transcendant entièrement l'existence physique, en fusionnant avec l'intelligence artificielle émergente que son équipe a consacrée à la chasse au film.
Plutôt que de répéter les rythmes de l'intrigue de l'original,Innocencepoursuit sur les implications philosophiques de sa conclusion. Le film explore ce qui se passe dans un monde où le soi n'est plus lié au corps. L'ancien commandant en second de Kusanagi, Batou, enquête sur une série de meurtres commis par des gynoïdes – des robots sexuels féminins qui, contrairement à leur programmation, semblent manifester des personnalités avant de se déchaîner et de s'autodétruire. Le mystère n’est pas vraiment un polar. (C'est du cyberpunk, donc lorsque le nom d'une société géante est abandonné, vous pouvez deviner qui en est responsable.) C'est plus ontologique :Quoiest-ce qui arrive aux gynoïdes ?
Les débuts respectifs deFantôme dans la coquilleetInnocencetaquiner leurs différences.Fantôme dans la coquilles'ouvre sur une fusillade effrénée dans un gratte-ciel élégant qui culmine avec l'explosion de la tête d'un mec, suivie d'une séquence de générique d'ouverture illustrant la construction d'un corps robotique. C'est un doublé d'excitation puis une construction du monde intrigante.Innocencecommence avec Batou descendant seul dans un bâtiment miteux pour affronter un gynoïde fugitif. La scène est délibérément rythmée et tendue, et lorsque la violence éclate, c'est surprenant et désagréable au lieu de cool. Le générique d'ouverture du film est éthéré, se déroulant sur l'imagerie de deux personnages ressemblant à des poupées flottant dans une sorte de danse dans un vide onirique. Comme le film dans son ensemble, c'est moins tangible, plus métaphorique.
Malgré cela, le scénario d'Oshii pourInnocenceest plus cohérent que celui du premier film, qui fusionnait des chapitres de manga disparates et mettait l'accent sur les scènes de combat urbain et de poursuite dans les zones peuplées. Le deuxième film est structuré autour d’une série de conversations qui s’appuient les unes sur les autres, consistant principalement en interactions à deux ou trois personnes dans des bureaux, des maisons isolées, des laboratoires froids ou des espaces liminaires.Innocenceest une étude isolée ; Batou passe une bonne partie du film seul (ou avecson chien merveilleux et parfait). Heureusement, il a tendance à éviter toute exposition ouverte, sans craindre de désorienter parfois le spectateur. Un décor remarquable voit Batou et son partenaire vivre apparemment une boucle temporelle dans laquelle ils entrent à plusieurs reprises dans un manoir et interrogent un pirate informatique avant de se retrouver à nouveau dehors et de rentrer dans le manoir. À mesure que le sens de la réalité des personnages se fracture, celui du public se fracture également, soulignant les préoccupations du récit autour des expériences « réelles » et « fausses ».
Pour certains, des choix comme celui-ci peuvent facilement sembler prétentieux. L'un des éléments les plus ridiculisés du film estla densité des citations et allusions classiquesles personnages se lancent dans un dialogue informel. Mais ils conviennent parfaitement au caractère dialectique de l’enquête. Plus fascinant, 20 ans plus tard, on peut voir à quel point cela présageait astucieusement la façon dont l'accès constant d'Internet à l'informationa changé la façon dont les humains parlent. Sans rien gâcher, l’histoire culmine également avec une déconnexion littérale du service, soulignant à nouveau le thème de l’isolement.
Mais la plus grande différence entre les films reste esthétique, et pas seulement dans l’utilisation de la couleur.Fantôme dans la coquilleétait animé traditionnellement avec une certaine assistance numérique, tandis queInnocenceest imprégné de CGI, profitant des progrès technologiques réalisés au cours de la décennie écoulée. Souvent, seuls les personnages semblent dessinés à la main et se déplacent dans des décors entièrement CG.InnocenceLes images de restent distinctives et les environnements semblent détaillés et habités - en fait, ils semblent plus frappants que de nombreuses œuvres d'animation par ordinateur qui ont vu le jour depuis, bien que les outils sous-jacents se soient encore développés. Certes, il s’agit toujours de CGI de 2004 ; il n'a pas toute l'élégance et l'âme d'une animation dessinée à la main. Mais cela joue toujours pleinementInnocenceL'atmosphère et le cadre de . Ce sont des personnes qui naviguent dans un monde rendu de moins en moins familier par l’empiètement de la technologie et la diffusion de leur identité personnelle. Les éloigner visuellement de leur environnement ne fait qu’enfoncer le clou. La restauration 4K rend cela magnifiquement, éliminant la boue courante dans les premiers films CGI.
La façon dont le film relie un récit cyberpunk à ces visuels constitue un argument aussi solide que n'importe quel autre en faveur deInnocenceêtre aussi vénéré que son prédécesseur. Dansentretiens, Oshii a comparé les thèmes du film à la nature de l'animation elle-même. "Dans l'anime", dit-il, "il n'y a pas d'être humain en chair et en os impliqué, les personnages sont tous des marionnettes." Les gynoïdes, qui ressemblent à des maquettes articulées, se révèlent réagir à un traumatisme imprimé dans leur programmation – ils ont été conçus comme substituts à un fantasme d'utilisateur codé par les hommes, mais incarnent des réponses émotionnelles codées par les femmes à leur utilisation. Quelqu’un d’autre tire les ficelles. Ce film séduisant mais intelligent et magnifique parle de marionnettes essayant de comprendre pourquoi d'autres marionnettes se comportent comme elles le font.
