Kévin ParkerPhoto-illustration : Vautour et photo de Venla Shalin/Redferns/Getty Images
Tame Impala fait de la musique sur l'apprentissage de l'adaptation aux changements de la vie. En une décennie, le porte-flambeau du rock psychédélique et fleuron musical de Perth, en Australie, mathématicienKévin Parkerest passé de sa renommée au pays et parmi les fans de rock indie avertis à son statut actuel d'un des festivals de clôture incontournables du monde occidental, adoré par les fans de hip-hop et de rock, par les fans de pop et de musique indépendante dans une égale mesure. Les chansons de Kevin Parker sont des excursions au plus profond d’un esprit inquiet. Ses luttes pour Everyman, associées à un flair pour les grooves brûlants redevables aux titans du blues et du psych-rock des années 60 et 70 comme Blue Cheer et Led Zeppelin et à une voix endormie mais mélodieuse qui a attiré d'innombrables comparaisons avec les Beatles, ont attiré une forte base pour Tame as Parker s'est produit dans le monde entier avec un groupe en tournée dédié.
Mais c'était en 2015Courantset son premier morceau dance-rock zen « Let It Happen », une sage synthèse de rythmes locomotives et d'atmosphères droguées, qui a présenté le groupe à un nouveau public.Courantsest l’un des grands chefs-d’œuvre des casques audio des années 2010, contournant les genres et les conventions musicales traditionnelles pour servir son objectif. Tame Impala a sillonné le monde derrièreCourants, augmentant la taille des polices sur les affiches du festival à mesure que les mois devenaient des années. Rihanna a réutilisé l'album plus proche "New Person, Same Old Mistakes" pour son album de 2016ANTI. Parker est apparu au générique du film de Lady Gaga.Jeanne(en tant que coproducteur du single « Perfect Illusion »), le groupe de Kanye WestVous(« Crimes violents ») et Travis ScottAstromonde(« Squelettes »). La demande pour un nouvel album de Tame a été satisfaite au printemps dernier avec la sortie des singles « Borderline » et «Patience», où les courants disco du dernier album sont devenus le courant principal. Il faudrait encore un an pour févrierLa lente ruéevoir sortir, grâce à l'exigence de Parker et à son habitude de jouer tous les rôles. La nouvelle musiquedispensé une nouvelle maturité que l'auteur-compositeur a apprise en tant qu'homme marié, après avoir épousé sa petite amie, Sophie Lawrence, en 2019, dans les mêmes termes prudemment optimistes qu'il utilisait pour parler de l'anxiété dans ses œuvres antérieures.
Deux mois plus tard, Parker se retrouvait à interpréter « On Track » depuis un canapé sur une guitare acoustique pour Music on the Home Front, un concert pour l'Anzac Day, la célébration annuelle des anciens combattants militaires en Australie et en Nouvelle-Zélande. Alors que la COVID-19 commençait à ravager le monde et, par extension, le secteur de la musique, Tame a dûrepenser une tournée des arènes nord-américainesorganisé autour de créneaux en tête d'affiche au Governors Ball de New York (annulé) et au Bonnaroo Music and Arts Festival du Tennessee (reporté). Parker a rompu sa routine naturelle consistant à partager son temps entre ses maisons à Los Angeles et à Perth pour effectuer une sorte d'été sans fin pour se blottir pendant l'hiver australien, où il pensait qu'il serait le plus en sécurité. La performance de l'Anzac Day et un spot surLe spectacle tardif avec Stephen Colbertoù Parker chanteLa lente ruéejoyau « Is It True » sur écran partagé, soutenu par lui-même à la guitare et à la basse, révèle un perfectionniste réputé se détendant en quarantaine. J'ai parlé à Kevin Parker sur Skype à la mi-mai pour voir comment il encaissait les coups, comment un célèbre one-man band gère ces mois d'isolement.
Nous avons beaucoup parlé cette saison des artistes qui font preuve d'ingéniosité dans l'isolement et vous êtes en avance sur cette courbe en ce qui concerne la lecture de 90 à 100 pour cent de ce que nous entendons sur vos albums. La performance sur écran partagé de « Is It True » deLe spectacle tardifune façon amusante de montrer aux gens à quoi ressemble votre processus ?
C'est drôle parce que l'idée de faire une vidéo en écran partagé a surgi un peu tout au long de ma carrière, mais j'ai toujours rejeté l'idée parce que, je ne sais pas… Je trouve juste que ça fait un peu grincer des dents. Dans d’autres circonstances, je trouve ça un peu frimeur, tu sais ? Un peu complaisant. Comme,Hé, regarde, je peux jouer de tous les instruments et on dirait que je suis un groupe. J'avais l'impression que c'était peut-être un peu trop évident. Maintenant, nous sommes dans une période où tout le monde le fait. Alors j'avais l'impression,Si jamais je dois le faire, c'est le bon moment. Être créatif en ce moment est une chance de s'amuser avec des idées que vous ne feriez pas autrement.
L’un des aspects positifs de la musique et de la créativité à notre époque est que tout est permis. L'attente que tout soit parfait et emballé… ce genre de valeur commerciale nécessaire dans tout ce que vous faites n'existe pas vraiment pour le moment. Tout le monde le fait juste pour le plaisir. J'ai apprécié ça.
Tame est unique dans le paysage de la musique moderne car c'est une musique corporelle avec des paroles cérébrales. Les chansons sur le fait d'être perdu dans vos pensées ont tendance à paraître contemplatives, et la musique extravertie donne souvent l'impression d'être dehors. Comment se fait-il que les gens dansent sur des enregistrements au casque ?
Je n’ai jamais vraiment réalisé que ma musique était optimiste parce que les mots que j’y mets instinctivement sont exploratoires ou mélancoliques. Pour moi, l'idée de faire une chanson résolument sombre ou résolument joyeuse et édifiante est en quelque sorte, je ne sais pas, unidimensionnelle. J'aime qu'il y ait ce contraste étrange. Les paroles sombres donnent à une chanson joyeuse ce côté étrange, et vice versa, cette atmosphère de pleurs sur la piste de danse.
Comment gérez-vous tout le temps supplémentaire imprévu au cours de cette saison, en tant que personne qui a écrit une chanson intitulée « Solitude Is Bliss » ?
Si je disais soudainement que j'avais des difficultés pendant cette période, je pense que les dix dernières années passées à faire de la musique sembleraient être un mensonge complet. J’ai donc l’impression que le moment est venu pour moi de joindre le geste à la parole – non pas que je me sente responsable de montrer aux gens comment cela se fait. Mais c'est mon habitat naturel. À bien des égards, c'est comme d'habitude pour moi ; Je fais juste mon truc. Mais ne pas partir en tournée est une déception parce que j'ai appris à aimer jouer sur scène.
Est-ce choquant, en tant qu'artiste dont les gens s'identifient au travail à un niveau très physique, en tant que tête d'affiche d'un festival, d'avoir un disque qui ne peut pas être tourné en ce moment ?
Pour être honnête, je ne pense pas vraiment au fait que je ne fais pas de tournée aualbum. C'est plus simplement que nous ne tournons pas du tout et j'adore jouer devant des gens. Au début, il n’y avait jamais vraiment de lien entre l’album que je sortais et ce que nous tournions. Quand j’ai signé avec un label, nous avons juste commencé à tourner et à tourner sans arrêt. Au milieu d'une tournée, un album sortait, et puis on se disait : « Très bien, alors maintenant c'estcecycle d’albums. Mais j’aime voir les tournées comme une chose à part entière.
L’idée de reprendre la route est-elle intimidante alors que des musiciens tombent malades et décèdent cette saison ?
Ce n'est pas intimidant parce que je sais que nous ne le ferons pas tant que nous ne serons pas d'accord. Je fais confiance aux promoteurs avec lesquels nous avons travaillé. J'espère qu'ils ne vont pas essayer de nous faire pression pour que nous repartions en tournée jusqu'à ce que tout soit sécuritaire. Je sais que mon manager ne va pas nous pousser. Nous ne le ferons que lorsque nous pourrons le faire en toute sécurité pour tout le monde, pas seulement pour nous. Imaginer une arène pleine de 10 000 personnes écrasées en chantant et en criant…
C'est une pensée terrifiante en ce moment.
Je ne peux même pas imaginer serrer la main de quelqu'un en ce moment, encore moins faire du mosh avec lui. Donc comme tout le monde, je n’en ai aucune idée. Il existe peut-être d'autres moyens. Il n'est peut-être pas nécessaire que ce soit 10 000 personnes. En fin de compte, j’aime voyager et j’aime jouer pour les gens. Donc, tant que nous pouvons [performer] dans une certaine mesure…
Je regarde les représentations de fin de soirée depuisLa lente ruéeet j'ai remarqué à quel point vous vous êtes détendu en tant qu'artiste depuis le début. Pensez-vous beaucoup à votre présence sur scène ?
Non. En fait, ce que j’ai appris, c’est d’y réfléchir moins. À l’époque où j’y pensais, j’y pensais trop. J'étais un peu terrifié par mon ombre sur scène. Maintenant que je suis capable de ne pas y penser et de faire ce que je ferais si je chantais avec une brosse à cheveux dans ma chambre, j'ai réussi à m'entraîner à apprécier le temps comme ça, juste à m'amuser avec.
Tu as jouéFestival Panorama à New York en 2017, et je t'ai vu traîner dans la foule le soir où Frank Ocean et Solange ont joué consécutivement. J'ai eu cette image de toi comme un entraîneur de football étudiant les autres équipes. Lorsque vous regardez un spectacle de festival en tant que personne qui le joue également, pensez-vous à la logistique ou pouvez-vous désactiver cela ?
Je pense à tout. J'essaie d'en profiter. Frank Ocean est l'un de mes artistes préférés, donc je l'appréciais évidemment et je chantais mes chansons préférées. Mais je ne peux m'empêcher de penser à ce à quoi cela ressemble vu par le public. Ces jours-ci, quand je vais à un concert, je pense :Très bien, épate-moi. Impressionne-moi. C'est tellement précieux de se tenir dans la foule. Peu importe qu'il s'agisse de Frank Ocean de Panorama ou du groupe de rock local de votre bar local qui accueille huit personnes. Vous pouvez encore apprendre quelque chose. Vous pouvez toujours avoir le point de vue de quelqu’un dans le public. Je regardais le groupe de mon ami, Pond, jouer l'autre jour. Enfin pas l’autre jour… il y a quelques mois maintenant.
Dans les temps d'avant.
Époque précédente. J'ai commencé à prendre des notes sur mon téléphone. C'est tellement instructif, surtout parce que ce sont mes amis. Je les connais très bien et je savais ce qu’ils vivaient psychologiquement. Cela m’a donné des indications. C'est normal d'être évident sur scène. Quand vous êtes musicien, vous ne voulez pas faire des choses qui sont évidentes parce qu'elles semblent stupides, mais dans un environnement live, c'est tout à fait acceptable. Mais j'aime penser que je peux toujours profiter d'un concert en direct [en tant que fan]. Ce serait vraiment déprimant si je ne l'étais pas. C'est juste plus difficile de m'impressionner, je suppose, parce que je sais comment les choses fonctionnent.
Photo : Matt Winkelmeyer/Getty Images
Les fans ont été surpris quandLa lente ruéeabandonné et vous aviez refait le single "Borderline". Regardez-vous souvent une chanson après sa sortie et réfléchissez-vous à la manière dont vous pourriez la modifier ?
Oh, ouais. Chaque chanson, surtout si c'est un single et que je l'entends tout le temps. Alors je me dis,Oh mon Dieu, j'aurais aimé mixer les voix différemment. Je pense que c'est assez naturel de vouloir changer les choses. C'est pourquoi terminer un album est si difficile. Vous voulez continuer à le modifier, mais vous devez vous arrêter car vous ne pouvez pas le ruiner. Avec « Borderline », je ne l'aurais pas changé, mais j'étais tellement convaincu dans ma tête que je ne l'avais pas terminé. Au moment où je l’ai sorti, je n’étais pas arrivé là où je voulais en arriver avec la chanson. Cela ne sonnait pas, même en termes de genre, comme je l'avais imaginé au départ. La façon dont je l’imaginais au départ est la façon dont ça sonne maintenant.
Je suis sûr que cela a probablement énervé beaucoup de fans parce qu'ils ont appris à connaître et à aimer la chanson. Mais parfois, il faut être égoïste. J'ai détesté quand George Lucas a refaitGuerres des étoiles, Vous savez? Il a sorti les anciennes versions et elles sont toutes différentes. C'est comme,Pourquoi as-tu fait ça ? C'était bien comme ça. Mais je pense que c'est différent.
Je pense que ça s'est mieux passé. Laissez-vous beaucoup de chansons inachevées derrière vous, ou écoutons-nous la plupart de ce qui sort en studio ?
Eh bien, je ne termine jamais une chanson à moins de savoir qu'elle va sur l'album, donc j'ai plein d'idées que j'ai commencées mais elles n'ont pas été terminées plus d'un quart. Au moment où je suis à mi-chemin du travail sur une chanson, il faut que ce soit quelque chose qui va définitivement dans un album. Le son peut être assez similaire à celui de la démo originale, ou il peut complètement changer. Une chose que je n'aime pas faire, c'est revenir en arrière après quelques années et visiter quelque chose que j'ai abandonné. Je déteste l’idée de retourner dans mon passé pour trouver l’inspiration. Avec Tame Impala, les choses qui finissent sur les albums ne sont que ce que j'ai écrit depuis le dernier.
Avez-vous souvent une idée en tête de la direction que prend ce projet ?
J’ai des idées de chansons avant de les enregistrer. C’est de là que vient la majeure partie de mon inspiration. Il s'agit simplement de s'imaginer en train de cliquer sur la station de radio. Quant à Tame Impala, je ne sais pas. Parfois, j’en ai des visions – des visions de ce que je ressens à ce sujet. L’un des avantages de terminer un album est que vous avez éliminé tout cela de votre système et que vous pouvez désormais passer à autre chose. Quand vous commencez à travailler sur un album et que vous savez à quoi ressemblera l’album, cela devient une immense montagne. Vous devez vous en remettre et vous ne pouvez pas voir l'autre côté. Vous n’avez aucune idée de ce que vous feriez après parce que vous avez toutes ces choses à vous prouver que vous pouvez le faire. Après avoir terminé l’album, j’ai maintenant l’impression que je peux tout faire. Je pourrais faire n’importe quel genre de musique et ce serait quelque chose de nouveau et de bon. Il y a une libération de l'autre côté de la sortie d'un album. Je ne sais pas où ça va, mais je suis excité.
Avec chaque album, votre musique devient un peu moins facilement définissable comme du rock, du moins au sens traditionnel du terme. La différence entre le style général de, disons,SolitudeetRush lentune poussée délibérée vers la musique dance ?
C'est juste moi qui fais la musique que je veux et que je sais faire. Même avecHaut-parleur intérieur– qui, je suppose, est probablement mon album le plus ancien, en ce qui concerne le psychisme des années 60 et 70 – j'ai eu cette idée de musique de danse étrange. J'essayais de le faire avec de vrais instruments, mais je ne savais pas vraiment comment produire une musique comme celle-là. Tout ce que j'avais, c'était ma connaissance du psychisme des années 60 et d'autres genres de musique rock. Je ne savais pas comment faire fonctionner une boîte à rythmes. Avec une chanson comme « Why Won't You Make Up Your Mind », j'essayais directement de créer un morceau de danse électronique avec les instruments que j'avais, juste ces boucles et autres choses qui entraient et sortaient. Aujourd'hui, j'ai toujours la même appréciation pour la musique électronique que j'ai toujours eue, mais je suppose que je suis beaucoup plus… courageux. Avant, j'étais terrifié à l'idée que les gens pensent que je suis un fraudeur si j'essayais de faire de la [musique électronique], mais maintenant je réalise que c'est des conneries.
Est-il juste de dire, alors, que le parcours global de ce projet a consisté en quelque sorte à acquérir les outils nécessaires pour produire le son que vous essayiez toujours de produire ?
Sans doute. Je pense qu'il y a en fait une part de vérité là-dedans. J'ai toujours essayé de faire la même musique. Je viens de m'améliorer. [Des rires.] Je veux dire, ce n'est pas tout à fait vrai, mais une grande partie du son de cet album vient du fait que je fais le type de musique que j'essayais de faire depuis longtemps mais que je n'y parvenais tout simplement pas. C'est une qualité importante de la musique et de l'art : quelqu'un qui essaie de faire quelque chose qu'il ne sait pas faire. Je pense que plus je réussis à produire de la musique, plus je dois essayer d'ajouter des ingrédients que je ne comprends pas complètement. Il y a quelque chose de vraiment ennuyeux dans le fait que quelqu'un fasse quelque chose qu'il maîtrise déjà.
Je ne sais pas si je suis d'accord. J'écouterais une nouvelle chanson de Paul McCartney il y a 60 ans en sachant qu'il ne réinventerait pas la roue. Il y a quelque chose à dire sur ce genre de maîtrise. Mais la répétition ne fonctionne pas pour tout le monde. David Bowie ne restait jamais très longtemps au même endroit, et cela lui convenait. Je suppose que c'est différent pour tout le monde ; ce que tu dis est logique.
Je pense juste qu’il doit y avoir cet élément d’expérimentation. Eh bien, il n'y a pasavoirêtre, évidemment, mais c'est une qualité que j'aime.
Vous souciez-vous beaucoup des ventes ?
Non, je ne le fais pas. Je veux dire, si un album échouait, je serais déçu. Mais j’ai toujours su que ce genre de choses était le résultat de bien plus de pièces mobiles que de leur qualité. Je viens d'un milieu musical où toutes mes choses préférées n'étaient pas appréciées commercialement. Alors pourquoi devrais-je m’inquiéter du fait que quelque chose que je fais ne l’est pas ?
Quels sont vos antécédents fondateurs ? Quels sont les artistes qui vous ont amené à penser votre art différemment ?
Led Zeppelin, en termes de musique rock ayant du groove. C'est quelque chose que je n'ai pas vraiment apprécié jusqu'à ce que je les écoute. J'aime les Chemical Brothers. Kanye West est un grand. Stevie Wonder. Je ne peux pas imaginer à quel point quelqu'un devait être bon dans ce qu'il faisait dans les années 60, 70 et 80, alors qu'il n'aurait pas eu l'aide d'ordinateurs. Je fais ce que je fais assez facilement parce que je peux utiliser un ordinateur, mais quelqu'un comme Stevie Wonder… Je l'écoute simplement,Oh mon Dieu, comment a-t-il fait ça ?
Il y a toujours un artiste rock qui impose le respect à tous les gars du hip-hop. C'est toi en ce moment : depuisCourants, vous avez travaillé avec Travis Scott, Kanye, the Weeknd, the Streets. Voyez-vous les lignes de communication entre les différents genres changer au cours de la dernière décennie ?
Je suppose que Kanye et Bon Iverétaitil y a presque dix ans…
Il y a dix ans, cela ressemblait à une collision de mondes.
Je suppose que cela montre que les genres deviennent de moins en moins importants, ce qui est une bonne chose. La façon dont le hip-hop fonctionne consiste à prendre des idées de différents domaines musicaux et à apprécier les textures de différentes choses – des choses électroniques, des choses organiques – en les mettant ensemble et en voyant ce qui fonctionne. C'est la beauté du hip-hop. J'ai mis tellement d'efforts dans les textures de ma musique, les grooves et la façon dont elle se déroule. Donc, pour moi, c'est logique. Nous nous sommes débarrassés de ces frontières – enfin, en grande partie débarrassées de ces frontières – qui étaient un peu comme une gueule de bois des années 90, où l'on disait : « Je suis un rocker » ou « Je suis un rocker ». un amateur de danse » ou « Je suis un amateur de hip-hop ». Je pense que les gens commencent à se rendre compte que rien de tout cela n’a d’importance. Green Day fait maintenant de la musique pop. Ce n’est pas parce que vous jouez un type de musique que vous êtes ce truc maintenant.
Selon vous, qu’est-ce qui a changé ? Pensez-vous qu’il s’agissait d’une pollinisation croisée des foules lors des festivals ? Pensez-vous que c'était Internet ?
Internet y est pour quelque chose, non ? Internet a rendu la musique accessible à tous. Alors là où j'avais l'habitude de me rendre à pied dans un magasin de musique et d'aller physiquement à la section danse en me sentant gêné de regarder de la musique house quand j'étais enfant, maintenant je peux simplement visiter Spotify et vous pouvez immédiatement l'écouter. Tout est à votre disposition, ce qui est génial. Les choses sont moins lointaines et moins étrangères qu’avant.
As-tu eu des conneries parce que tu étais un gars du rock et de la dance music à l'époque ?
J'étais encore assez jeune. J'avais moins de 10 ans, mais j'étais résolument un gars de rock, même si j'aimais secrètement la dance music et le hip-hop. Je me suis dit : « Ma tribu est le rock », ce qui, je comprends, est un état d'esprit immature, mais c'est un état d'esprit qui existe depuis des lustres, votre tribu musicale. "Toutes les autres musiques sont nulles." Il semble que ce soit moins le cas maintenant. Cela rend les choses intéressantes maintenant dans la mesure où c'est comme,Où va la musique ? Que sont encore les genres ?Même la pop commerciale, le Top 40 ou autre… il y a des choses qui sont rétro dans le monde de la pop maintenant et qui n'existent que depuis sept ou dix ans. C'est vraiment fou. Cela m’époustoufle.
En parlant de Top 40, vous avez travaillé avec Lady Gaga. Rihanna a repris une de vos chansons. Je pensais que j'entendrais beaucoup plus, sinon votre production, du moins votre son de batterie dans toute la musique pop. Je me demande quand cette révolution aura lieu.
Eh bien, d'un point de vue sonore, je ne pense pas que mon son de batterie se prête bien à la musique pop car il prend en quelque sorte le dessus sur le chant. En général, ma batterie est grosse et explosive, plutôt grésillante. Quand quelque chose grésille, cela prend beaucoup de place. Les sons de batterie pop sont pour la plupart des sons clairs et très courts. J'ai du mal à imaginer à quoi ressemblerait ma batterie dans une chanson pop.
Avez-vous l’intention de laisser une sorte d’empreinte sur la musique pop ?
J'aimerais bien parce que ça m'intrigue. C'est une frontière que je n'ai pas encore franchie. C’est aussi l’un des plus difficiles. J’aime les défis, musicalement. Si je pense que faire de la musique dance est un défi, alors je vais certainement essayer de faire de la musique dance. La musique pop, je crois, est le type de musique le plus difficile à faire, même si elle semble la plus simple.
Je suis heureux d'avoir ici un musicien accompli qui dit que la pop est en fait difficile parce que la ligne du public est que c'est commercial, et donc c'est simple, et donc ce n'est pas si difficile à faire.
Eh bien, si vous y réfléchissez, si c'était facile, tout le monde le ferait. Tout le monde aurait un hit n°1. Mais ce n’est pas le cas. La raison pour laquelle c'est si difficile, c'est parce qu'il faut que ce soit le meilleur, ce qui, par définition, est vraiment difficile. Donc, peu importe à quel point c'est simple. Ce n’est pas quelque chose qui rend les choses faciles. En fait, le fait d’être simple rend les choses difficiles. Faire un son vraiment intellectuel est facile car vous disposez de toutes les dimensions avec lesquelles travailler. Cela peut être long ; cela peut être compliqué ; cela peut être réfléchi. Cela peut être tout ce que vous pouvez faire, vous disposez d’une palette entière avec laquelle travailler. Mais la pop doit être concise et simple, ce qui est la chose la plus difficile.
Quand j'ai entendu pour la première foisLa lente ruée, ça m'a rappelé l'album Primal ScreamScreamadelica, tout comme faire en sorte que la musique psychédélique paraisse glissante et non liée à un genre particulier. Est-ce là que vous voulez que Tame Impala soit à ce stade ?
Ouais… involontairement. Je n'avais jamais écouté Primal Scream, mais depuis que j'ai commencé à faire cet album et à le jouer à quelques personnes, ils se disaient : « Oh, ouais, il y a une sorte d'ambiance Primal Scream. Et je me suis dit : « Quoi ? C'est drôle comme on peut arriver à la même chose en voulant le même genre de chose. Ils faisaient du rock, et ils voulaient faire ce genre de [musique] délirante, répétitive et droguée. Alors je me suis dit : « D'accord, je vais aller écouterScreamadelica", et je l'ai écouté en m'attendant à être époustouflé parce que ça allait ressembler à tout ce que j'essayais de faire. Mais en fait, je ne pensais pas que cela sonnait de la même manière, ce dont j'étais plutôt content.
C'est plutôt comme si la méthodologie était un tout.
Je suis d'accord.
J'ai reçu cet album comme la sagesse qui vient lorsque l'on atteint la trentaine et que l'on réalise que l'on joue sur le long terme. Dans quel état d’esprit étiez-vous lorsque vous avez écrit ces chansons ?
C'est quelque chose auquel je pense toujours. Il y a eu des moments dans ma vie où j'ai eu en quelque sorte cet instantané de ma situation dans la vie, ce qui vous rend vraiment nostalgique. Cela vous fait penser à tout ce qui s'est passé et à tout ce qui arrivera. L'autre jour, je nettoyais mon hangar au studio et je fouillais dans des cartons auxquels je n'avais pas touché depuis dix ans. Ce fut une expérience vraiment émouvante. Je sortais toutes ces pédales d'effets et tout ce que je n'avais pas regardé, que je n'avais pas tenu en personne, depuis avant de signer un contrat d'enregistrement. Ces équipements que j'ai tellement utilisés qu'ils sont sales autour des boutons que j'utilise le plus. Je ne me souviens pas aussi clairement de ce que je ressentais à l'époquedepuispuis, jusqu'à ce que je récupère ces morceaux d'équipement. Le chemin parcouru ne m'a pas vraiment frappé. Tout ce qui s'est passé ne m'avait pas encore frappé autant que l'autre jour. J'étais assez ému, en fait. Des moments comme ceux-là sont le genre d'émotions qui ont alimentéLa lente ruée. Comme,Wow, j'en suis vraiment à ce stade de ma vie. Je ne flotte pas.
Vous parlez de temps et de changements dans votre musique, et vous avez le sentiment d'être à la merci de ces mouvements qui échappent à notre contrôle. Mais sur le nouvel album, vous ressemblez à quelqu'un qui a appris à prendre les choses avec plus de calme. Êtes-vous plus en paix maintenant que lorsque vous écriviez des chansons anxieuses comme « Be Above It » à l’époque ?
Dans un sens, oui. Une grande partie de mon inspiration pour les paroles vient du fait d’essayer de gérer le changement, mais aussi de faire face au manque de contrôle. Quand vous n’avez pas besoin de sentir que vous contrôlez votre vie, c’est intimidant. Quand quelque chose arrive et que vous ne pouvez rien y faire, c'est effrayant. Faire une musique qui incarne ce [sentiment] est un peu comme une thérapie. Personne n’a le contrôle. C'est la morale de l'histoire.
Cette saison ressemble-t-elle à une autre profonde perte de contrôle ?
Au contraire, la perte de contrôle n'est effrayante que lorsque vous avez l'impression d'être le seul à ne pas l'avoir. Quand le monde entier est hors de contrôle, c’est étrangement réconfortant. Je sais que ce n'est probablement pas la chose la plus élégante à dire. Ce n'est pas le bon moment. Je ne veux pas avoir l’air de célébrer le coronavirus.
Vous dites que c'est moins effrayant parce que tout le monde le vit ensemble. Je comprends ça.
Absolument. C'est exactement ça.
Vous trouviez-vous simplement à Perth lorsque les choses ont mal tourné, ou êtes-vous venu de Los Angeles pour camper ?
Oh non, nous venons de Los Angeles. Nous avons fui. Nous étions censés être là tout l'été. Je passe l'été en Australie et l'été à Los Angeles pour essayer d'éviter l'hiver. Le monde entier était en quelque sorte fermé, et nous nous disions : « Oh, merde, est-ce qu'on veut risquer de monter dans l'avion et de le ramener à Perth ? Nous avons pensé que si nous devions être bloqués quelque part l’année prochaine, où préférerions-nous être ? Perth était la réponse évidente. L'isolement de l'Australie ne nous a jamais aidé auparavant, mais pour une fois, cela l'a été.
Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté.
