Thandie Newton dans le rôle de Maeve.Photo : HBO
Maeve Millay est une androïde paranoïaque. Nominalement maîtresse du salon central et du bordel du parc à thème Westworld, elle est hantée par les rêves d'une vie antérieure (ou « construction », dans le langage du parc) dans laquelle elle a eu une fille et a perdu la vie lors d'un raid sur sa maison. Alors que ses souvenirs refoulés continuent de remonter à la surface, elle acquiert également la capacité de se réveiller pendant les périodes de désactivation au cours desquelles son corps est réparé après la « mort ». Elle commence à conserver les informations qu'elle apprend même si son esprit est censé être effacé à chaque redémarrage. Au fur et à mesure qu'elle s'habitue à l'expérience, elle passe de courir partout dans la confusion et la terreur à prendre en charge la situation avec sang-froid et confiance - et avec Félix, le technicien médical aux manières douces qui l'opère.
Finalement, dans l'épisode de cette semaine, elle exige des réponses, et Félix – partiellement intrigué, partiellement intimidé, surtout abasourdi – accepte de les lui donner. Dans la séquence maîtresse de l'heure, il emmène Maeve dans une promenade dans les coulisses de la maison des horreurs de Westworld. Des cadavres ensanglantés, entassés et arrosés pour être réutilisés, de nouveaux « hôtes » en train d'être fabriqués, des scientifiques sondant et observant des androïdes dans divers états de déshabillage alors qu'ils tuent ou s'embrassent ou restent simplement assis là, inertes. C'est un aperçu traumatisant derrière le rideau de la réalité pour un personnage qui doit garder un visage impassible et faire semblant de ne rien comprendre tout le temps.
C'est le moment que nous attendions tous. C’est l’instant où l’un des malheureux robots inconscients de Westworld reçoit la confirmation indéniable et inoubliable que sa vie est un mensonge. C'est un concept écrasant en soi, et la structure de visite guidée de l'enfer de la scène ajoute au pathétique. De fait, il devrait être à lui seul l'un des moments les plus puissants de la série.
Et pourtant,Monde occidentalLe traitement que nous en faisons tombe à plat. Comme des techniciens de parc jouant avec l'intelligence ou l'empathie d'un animateur sur leurs panneaux de contrôle, les cinéastes de la série augmentent artificiellement les niveaux déchirants de la séquence en l'enregistrant avec une version de musique de chambre du morceau de clôture surl'un des albums les plus acclamés de tous les temps: « Motion Picture Soundtrack », la triste et douloureuse conclusion deRadioheadpercée dans la musique électroniqueEnfant A. Ce n'est pas la première fois que la série hyperactivement surchargée s'appuie sur le groupe, après s'être déjà rendue au Radiohead avec son hymne de banlieue-ennui « No Surprises ». Bon sang, ce n'est pas la première fois que ça fait çadans cet épisode, qui s'ouvre sur un accompagnement tout aussi lourd par une version piano-joueur de l'ode au mensonge du groupe, « Fake Plastic Trees ». Mais çaestl'exemple le plus flagrant de la série à ce jour d'utilisation d'une chanson avec une influence culturelle préexistante pour faire son travail émotionnel - un syndrome que nous voyons ou entendons de plus en plus fréquemment alors que les drames de prestige de Peak TV tentent de se démarquer et d'attirer les téléspectateurs ou les auditeurs. , par le cœur.
Plutôt que de laisser la puissance de la scène émerger d'elle-même,Monde occidentals'appuie sur une œuvre d'art préexistante pour faire le gros du travail. C'est une triche, un raccourci vers la résonance. Cette œuvre d’art particulière a bien plus d’achat culturel, d’impact et d’histoire qu’une émission télévisée de première saison. Même si vous n'appréciez pas Radiohead, remplacez-le par l'album classique déchirant de votre choix : « Purple Rain » de Prince, « Little Earthquakes » de Tori Amos ou « Hurt » de Nine Inch Nails (pour citer un artiste).Monde occidentalest déjà employé, avec une chanson différente, avec un effet douteuxdans cette scène d'orgie exagérée la semaine dernière) – et vous comprendrez.
Cela vaut la peine de comparer cela à la façon dont d’autres émissions, y compris certaines des plus grandes jamais diffusées, ont bien géré les chansons pop-rock remarquables.Le fila terminé sa course non pas avec un classique de la destruction du ciel, mais avec la reprise des Blind Boys of Alabama de « Way Down in the Hole », une chanson relativement aléatoire de Tom Waits, qu'il a utilisée comme thème musical de la première saison.Des hommes fousa terminé le tout avec un putain de jingle commercial, « J'aimerais apprendre au monde à chanter (en parfaite harmonie) » ; son personnage principal a désactivé la chanson la plus emblématique de la série, « Tomorrow Never Knows » des Beatles, tristement difficile à obtenir une licence, avec un dégoût confus.Le Sopranos, largement reconnu pour avoir lancé le nouvel âge d'or de la télévision et créé le modèle du drame de prestige, a gagné le droit de conclure avec à peu près n'importe quelle chanson survoltée qu'il voulait, de « Born to Run » à « Born in the USA ». Cependant, le créateur David Chase a choisi le crescendo de maïs de Journey « Don't Stop Believin' ». (Bien que considéré comme un classique aujourd'hui, il n'avait pas à l'époque l'achat de culture pop qu'il a aujourd'hui - l'influence qu'il a gagnée en grande partiedepuisson utilisation dansLes Sopranoset, plus tard,Joie.)
Monde occidentalLe précédent casse-tête de genre du producteur exécutif JJ Abrams,Perdu, ravi d'utiliser des chansons relativement obscures ou pas cool pour désorienter ou ravir. Ses extraits musicaux les plus mémorables comprenaient « Downtown » de Petula Clark, lors de notre introduction au personnage principal Juliet ; « Shambala » de Three Dog Night, diffusé par le lecteur 8 pistes de la camionnette VW de la Dharma Initiative ; et, plus célèbre encore, le jam oublié de la radio AM de Mama Cass, « Make Your Own Kind of Music », qui constitue la bande originale de notre étrange voyage initial dans la mystérieuse Hatch. Même lorsque la série incluait les artistes emblématiques du rock alternatif Nirvana pour accompagner l'imagerie du personnage principal Jack touchant le fond, elle n'a pas opté pour un succès retentissant comme "Smells Like Teen Spirit" ou un album plus proche comme "Something in the Way". — il a utilisé l'abrasifDans l'utérusalbum coupé "Scentless Apprentice".
Il ne s'agit pas de distinguerMonde occidentalpour s'appuyer trop largement sur des chansons plus grandes qu'elle-même pour faire passer son message, même si la juxtaposition de sesfauxLe décor du Far West et sa bibliothèque de hits gothiques alternatifs massifs, de « Black Hole Sun » à « Paint It Black », en font une cible facile. Le fracas de l'étéChoses étrangesétait un délinquant particulièrement grave à cet égard. Prenez l'utilisation du bien intitulé « Atmosphère » de Joy Division pour vendre le chagrin de la famille Byers suite à la mort supposée de son fils et de son frère disparus, Will. Mettez de côté un instant l'anachronisme d'un groupe post-punk de Manchester apparaissant sur les mixtapes du milieu des années 80 d'un enfant du Midwest. Cette chanson, l'une des plus belles et des plus évocatrices du célèbre groupe dépressif, est sortie initialement deux mois seulement avant le suicide du chanteur et parolier Ian Curtis et, en tant que telle, elle constitue une partie importante de la relation de tout fan avec le groupe.Choses étrangesprend cette association toute faite et la réutilise pour évoquer des sentiments à propos d'un personnage dont nous savons qu'il n'est même pas vraiment mort, dans un pastiche de films de genre spielbergiens qui, quelle que soit leur qualité, n'auraient pas touché cette chanson avec une perche de dix pieds à l'époque.
La série a utilisé une astuce similaire en utilisant la reprise de Peter Gabriel du tube ultime et désireux de David Bowie, « Heroes », dans le même but. Encore une fois, c'est une chanson avec un contexte préexistant fort et puissant, en particulier après la mort choquante de Bowie d'un cancer jusqu'alors non divulgué au début de l'année. Il y a quelque chose de grossier dans le fait d'associer une chanson aussi importante à un rebondissement qui sera bientôt démystifié.
De meilleurs spectacles queChoses étrangesouMonde occidentalont utilisé la pop pour dépasser leur catégorie de poids.Les Américains, l'une des meilleures émissions de télévision, est généralement assez intelligente dans la manière dont elle déploie ses chansons reconnaissables ; il y a un argument à faire valoir que l'utilisation par le drame des années 80 du stomper « Tusk » de Fleetwood Mac dans son épisode pilote a plus ou moins cimenté sa réputation. C'est ce qui a rendu si décevante sa récente utilisation de la collaboration magistrale entre Bowie et Queen, "Under Pressure", lors d'un montage de fin d'épisode conçu pour montrer que ses personnages sont, vous l'aurez deviné, sous pression. La correspondance entre la chanson et la scène est trop littérale, et la chanson elle-même fait trop partie du catalogue des artistes décédés et déplorés impliqués, pour que le résultat semble tout sauf exagéré.
Mais il existe une meilleure façon.Arrêtez-vous et prenez feu, un autre des meilleurs drames télévisés, qui se déroule également dans les années 80, n'a pas raflé la radio rock pour un élément majeur de la discographie de Thin White Duke pour sa chanson de Bowie cette saison. Il a sélectionné « Absolute Beginners », un morceau élégant de la fin de la phase yuppie-superstar de Bowie connu aujourd'hui, du moins aux États-Unis, uniquement par les aficionados sérieux de la carrière de l'artiste. Il a été joué en arrière-plan d'une soirée fastueuse et cokée organisée par le multimillionnaire de la Silicon Valley Joe MacMillan, son utilisation étant à la fois adaptée à l'époque et à l'environnement. Cela a donné du caractère à la scène sans créer le caractère de la scène de toutes pièces.Arrêta été particulièrement astucieux avec ses choix de chansons cette saison : ce même épisode présentait « War Songs », untrèsun extrait profond du magicien du synthétiseur Gary Numan (non, pas « Cars »), et « The Boy in the Bubble », un morceau de Paul SimonGracelandcela a à peine entamé les charts (non, pas « You Can Call Me Al »). Le seul grand succès inclus, « Burning Down the House » des Talking Heads, a été utilisé comme une blague ironique aux dépens de l'un des futurs iconoclastes de la série. (C'était une technique privilégiée dans une autre pièce d'époque,Le peuple c.OJ Simpson; voir : son utilisation très amusante de « Gonna Make You Sweat (Everybody Dance Now) » de C+C Music Factory et de « Sour Times » de Portishead.) C'est loin d'utiliser la célèbre chanson morose d'un groupe célèbre pour dire « hé, vérifie notre scène morose.
Comme l’a soutenu le critique musical Chris Ott, les utilisateurs les plus avisés de la pop au cinéma lancent tour à tour eux-mêmes des chansons (pensezLe club du petit déjeunerse terminant par "Don't You Forget About Me" de Simple Minds ouFaites la bonne choseen ouverture avec « Fight the Power » de Public Enemy), élèvent des joyaux négligés ou sous-estimés (John Cusack faisant exploser « In Your Eyes » de Peter Gabriel à Ione Skye enDites n'importe quoi), ou recontextualiser radicalement des œuvres classiques pour donner à la chanson et à la scène une tournure émotionnelle à laquelle elles ne peuvent accéder par elles-mêmes (Martin Scorsese utilise la magnifique et plaintive outro de « Layla » pour bander la découverte d'une série de cadavres dansLes bons gars). Tous ces éléments impliquent les parties visuelles et narratives de l’équation, conférant du pouvoir à l’élément sonore, et non pas l’inverse.Monde occidentalpeut détourner toutes les chansons à couper le souffle qu'il souhaite. Mais à moins qu’il n’ait la confiance nécessaire pour s’appuyer sur l’impact de ses propres images et idées, et sur les moyens de les soutenir, le résultat semblera toujours aussi vide et immérité que ce piano mécanique. Les touches bougent, les notes sortent, mais le talent artistique est absent.
