« Oh, le Canada » : la critique de Cannes

Réal. Paul Schrader. États-Unis 2024. 95 minutes

Après une carrière excentrique et irrégulière, le scénariste-réalisateur américain Paul Schrader a reconquis l'attention du monde du cinéma avec un drame intense en 2017.Premier réformé. SuivisLe compteur de cartesetMaître jardinierl'a confirmé en tant qu'auteur trouvant un nouvel élan d'énergie – d'autant plus que les trois films montraient une continuité thématique, avec leurs histoires d'âmes masculines perdues en quête de rédemption. Le titre de Schrader en compétition cannoiseOh, le Canadaest quelque peu différent dans son humeur et son ambition, mais affiche une cohérence de pensée et un sérieux, ainsi qu'une ambition formelle imposante. Fortes performances de Richard Gere (le rôle principal de Schrader dans les années 1980)Gigolo américain), Uma Thurman et Jacob Elordi devraient donner du punch commercial à ce drame pour adultes sans compromis après sa première en compétition à Cannes.

Au milieu de la fluidité formelle, le jeu d'acteur énergique nous tient en haleine.

Le film est adapté d'un roman de feu Russell Banks (à qui le film est dédié), dont le travail a également inspiré le superbe long métrage de Schrader de 1998.Affliction. Sans vergogne littéraire et cinématographique introspectif,Oh, le Canadase présente comme le prologue de la mort d'un documentariste américain estimé, Leonard Fife (Gere). Atteint d'un cancer en phase terminale, Fife a décidé de donner une interview filmée substantielle, qui – s'avérant être un ultime aveu – constitue la trame du film.

Fife et sa femme et productrice Emma (Uma Thurman) reçoivent la visite dans leur maison montréalaise de style baronnial du duo de documentaristes oscarisés Malcolm et Diana (Michael Imperioli, Victoria Hill); eux, comme Emma, ​​sont d'anciens élèves de Leonard. En tant que documentariste politique dans unvéritétradition, Leonard accorde une grande importance à l’honnêteté. Mais alors qu'il insiste avec humeur pour dire la vérité sans fard sur sa vie – au grand malaise d'Emma – il se révèle ni tout à fait honnête avec lui-même ni en contrôle de son histoire. Il se trompe, perd le fil et tisse généralement un réseau contradictoire de souvenirs partiels.

Son histoire commence dans les années 60 comme une saga d'idéalisme, d'ambition et de désir juvénile, avec Elordi jouant Leonard à la fin de son adolescence et dans la vingtaine en tant que romancier et aventurier en herbe. En tant que jeune mari de l'héritière du sud Alicia (Kristine Froseth), il résiste à une invitation à occuper un poste lucratif dans l'entreprise familiale – et organise une seule des escapades qui seront un thème récurrent dans sa vie.

Avec la narration de Leonard plus âgé capturée à la fois en voix off et dans le viseur des documentaristes, parfois en très gros plan, sa vie est un puzzle qui alternativement s'assemble et s'effondre sous notre regard – l'effet est d'autant plus désorientant que Gere remplace parfois Elordi dans l'histoire du jeune homme. D'autres astuces de casting ajoutent au flou, la dramatisation globale de la mémoire brouillée rappelant quelque peu celle d'Alain Resnais.Providence.L'utilisation de différents styles et ratios cinématographiques ajoute à cet effet, Schrader s'appuyant également sur l'histoire du cinéma : outre de brefs pastiches de styles documentaires,Citoyen KaneetCris et murmures(un mur de café rouge sang) faites des clins d'œil complices. On pourrait faire valoir que la structure fragmentée est à l’origine d’un manque de clarté et d’une catharsis finale – mais c’est en quelque sorte le problème.

Il est également frappant que, parallèlement à sa déconstruction progressive de son grand vieil homme en tant que protagoniste imparfait, le film remette également en question l'idée selon laquelle les jeunes Américains qui ont résisté à la conscription du Vietnam étaient des rebelles héroïques. C’est une proposition en décalage avec un principe vénéré de l’époque, et il faut un sceptique chevronné comme Schrader pour s’en sortir. Et – avec une allusion claire à Errol Morris dans la méthode d’interview conçue par Leonard pour obtenir la vérité – toute personne sentimentale quant à la fiabilité du documentaire verra également certaines certitudes affectueuses remises en question.

Au milieu de la fluidité formelle, le jeu énergique nous tient en haleine. Elordi, continuant de révéler de nouvelles profondeurs depuis ses rôles dansPriscilleetLe doux Orient, évoque l'imprudence du jeune Leonard et sa suffisance prétendument bohème. Gere, s'attaquant aux thèmes de la fragilité et de la mortalité, creuse progressivement plus profondément sous l'acariâtre poivrée de la surface de Leonard.

Le directeur de la photographie Andrew Wonder et le monteur Benjamin Rodriguez Jr interprètent habilement les changements de tons, de textures et de styles d'époque, tout en chantant des chansons néo-country poignantes et pessimistes de Matthew Houck, alias. Phosphorescent, apporte une poésie post-Dylan qui convient à la fois au sentiment de contemplation rétrospective et à l'évocation d'une décennie mythique des années 60 ici substantiellement démythifiée.