Hulu, comme tous les services de streaming, ajoute et perd des titres chaque mois. Si vous voyez quelque chose que vous souhaitez diffuser, ne présumez pas qu'il sera toujours là deux semaines ou deux mois plus tard lorsque vous y parviendrez. Cette émission ou ce film peut passer à un autre service de streaming comme Netflix ou Amazon Prime pendant quelques mois, ou il peut disparaître complètement du streaming pour une durée indéterminée. La leçon ici ? Diffusez-les pendant qu'ils sont chauds.
Notre liste des meilleurs films sur Hulu comprend la crème de cette récolte tournante, qui comprend généralement les meilleurs choix du calendrier de sortie de Neon et de Searchlight Pictures, maintenant qu'il a été entièrement englouti par la machine Disney. Mais parmi le flot d’originaux et de sorties récentes, il y a des joyaux d’horreur, des drames internationaux et bien plus encore. Poursuivez votre lecture pour découvrir les meilleurs films de Hulu etLe Club AVles réflexions de chacun.
Cette liste a été mise à jour le 1er octobre 2024.
Étrangerest un film terrifiant et brillant. Du casting à la conception en passant par la musique, tout fonctionne et, peut-être plus important encore, fonctionne bien ensemble. Et bon, il y a un minou comme celui que j'ai à la maison ! Il n’y a pas d’exposition de conneries, pas de narration inutile, pas d’intérêt amoureux obligatoire.Étrangercommence, vous inquiète, puis se termine. Dès la première seconde,Étrangerétablit l'espace comme une étendue de néant hostile et périlleuse – comme le décrète la célèbre affiche du film : « Dans l'espace, personne ne peut vous entendre crier. » C'est peut-être simplement parce que la plupart des décors sont très sombres, maisÉtrangerça a toujours l'air bien. Oui, les graphismes de l'écran d'ordinateur sont simples, et quelques décors ont cet incontournable de la science-fiction, The Wall Of Blinking Lights, mais le film a toujours l'air légitimement futuriste. J'attribue l'obscurité susmentionnée, mais aussi le minimalisme du film : les spectateurs ne sont pas bombardés de gadgets et de mots ou de langages étranges. Cela peut sembler forcé ; au lieu de cela, vous obtenez une équipe de sept personnes qui se parlent et interagissent avec la technologie d'une manière comparable à Joe '70s (et Joe Millennium). Ridley Scott et son équipage ont ignoré le minimalisme là où cela comptait : les tripes, les monstres et la conception externe du navire. Mission accomplie. [Kyle Ryan]
Nous tous, étrangers
Andrew Haigh est un maître conteur d'histoires d'amour, toutes deux sur des relations naissantes (Fin de semaine) et les mariages à vie s'effondrent (45 ans). Il est également l'un des meilleurs chroniqueurs contemporains de la vie gay (Fin de semaine, HBORegarder). Dans , il combine ces éléments pour arriver à une histoire encore plus riche que ce qu'il a fait auparavant. Il s'agit d'un film sur un amour nouveau et passionnant teinté de tristesse, et il s'agit également de la manière de concilier les sentiments non résolus entre les parents et leurs enfants adultes. C'est un film sur les premières et dernières chances d'amour, de rédemption et de guérison des blessures.Nous tous, étrangersraconte comment les relations continues – celles qui durent toute une vie – peuvent apporter tant de joie en raison des liens forts qu’elles engendrent, mais aussi tant de chagrin en raison des attentes qu’elles suscitent. []
Malgré ses styles visuels de plus en plus audacieux et expérimentaux, l'industrie de l'animation japonaise n'a pas encore produit de film qui rivalise véritablement avec l'adaptation cinématographique d'animation tant annoncée de Katsuhiro Otomo de sa bande dessinée de 2 000 pages.Akira. L’extravagance cyberpunk de 1988 – dans laquelle un motard punk faible et soumis nommé Tetsuo est soudainement doté de pouvoirs psychiques phénoménaux et les utilise pour exercer de violentes représailles contre toutes les figures d’autorité perçues – a certainement ses problèmes. Son scénario est chargé, précipité et parfois opaque ; les scénaristes Otomo et Izo Hashimoto ont tenté d'intégrer dans le film un échantillon des complexités politiques et sociales de la série manga, avec des résultats inégaux. Même si les concepts tragiques centraux du conflit homme contre machine bien connu au Japon sont suffisamment lucides, tout comme l'est l'histoire plus universelle du passage à l'âge adulte, les motivations derrière la plupart des petits acteurs sont loin d'être claires. Mais l’imagerie reste incomparable parmi les films d’animation.Akiraest une production phare qui peut être regardée avec la même satisfaction comme un psychodrame métaphorique ou comme un pur spectacle visuel. [Tacha Robinson]
Le roi des beignets
Comme un montage énergique au début deLe roi des beignetsAux États-Unis, Los Angeles compte un pourcentage de boutiques de beignets beaucoup plus élevé que toute autre ville des États-Unis : une pour 7 000 habitants, contre une moyenne nationale d'une pour 30 000. Et presque toutes ces boutiques de beignets appartiennent à des Cambodgiens, dont la domination du marché est si totale que même Dunkin' Donuts, un incontournable de la côte Est, a eu du mal à pénétrer dans le sud de la Californie dans les années 90. Étonnamment – presque miraculeusement – tout cela est l’œuvre d’un seul homme : Ted Ngoy, qui a parrainé des centaines de réfugiés pour qu’ils viennent aux États-Unis et leur a accordé des prêts clé en main pour qu’ils puissent gérer leur propre boutique de beignets dans les années 70 et 80. La première partie du documentaire de Gu célèbre Ngoy, ainsi que l'ingéniosité et l'éthique de travail infatigable des immigrants en général, avec un hybride vivant de documentaire biographique et de food porn sur une animation colorée et un rythme hip-hop. En fait,Le roi des beignetsse joue un peu comme un épisode prolongé deMoche Délicieux, avant de plonger dans un territoire plus sombre dans sa seconde moitié qui démantèle activement les mythes qu'il a passé la première heure à construire. Et même si ce retournement brutal déstabilise la structure du film d'une manière dont il ne s'en remet jamais vraiment, il rend égalementLe roi des beignetsbien plus qu'une simple pornographie culinaire - même s'il n'y a rien de mal à cela, en particulier lorsque des friandises créatives et alléchantes comme les cronuts et les beignets emoji sont présentées avec tant d'amour. [Katie Rife]
L'égaliseur 2
L'égaliseur 2, qui réunit Washington avecÉgaliseur1le réalisateur Antoine Fuqua et le scénariste Richard Wenk, mettent moins de crétins jetables dans la ligne de mire de Robert McCall, échangeant la campagne de vengeance par cœur de l'original contre une approximation à moitié-cul d'un meurtre mystère. Après avoir quitté son travail chez Home Depot qui a été réduit en miettes à la fin du dernier film, McCall conduit maintenant pour Lyft, à la recherche d'ennuis – pour ceux qui ont besoin d'un peu de justice de rue ou de protection – dans son rétroviseur. Au débutL'égaliseur 2, il fait un travail court et brutal sur certains frères d'affaires violeurs, mais pas avant de leur avoir poliment donné la chance de se rendre. (C'est le truc avec M. Equalizer : il est dur mais juste, et un parfait gentleman, jusqu'au moment où il claque des doigts comme des brindilles.) Washington, qui joue des hommes d'action stoïques presque aussi longtemps qu'il perfectionne ses talents d'acteur, apporte une autorité décontractée et même une touche de gravité à son rôle. Il a une manière de ralentir les scènes, de savourer les monologues de réflexion et les conseils chargés que son personnage délivre calmement avant d'égaliser quelqu'un. []
Île de Feu
Cela ne prend pas longtemps pourÎle de Feu, le riff classique instantané de Jane Austen de Joel Kim Booster, pour revendiquer sa place dans le canon de la comédie romantique – ou plutôt, avec défi en dehors de celui-ci. Moins d’une minute après le début de la séquence d’ouverture, Booster fait référence àOrgueil et préjugés, son matériel source, comme une « absurdité hétérogène ». Comme Lizzie Bennet, le remplaçant gay de cette histoire, Noah, un Brooklynien gay, continue de le raconter : il frémit devant « l'énergie de petit ami » de l'homme nu dans son lit dont le nom lui échappe clairement, puis appelle la famille qu'il a choisie, le groupe d'amis lors de leur réunion annuelle. Vacances à Fire Island, le mot F (celui réservé aux gays). «Ne m'annulez pas», nous dit-il, la ironie fermement en joue. "Je le récupère!" Il suffit de dire que ce n’est pas une comédie romantique typique, mais là encore, comment est-ce possible ? Avec tout le respect que je dois àet un peu moins de respect pourAmour, Simon, le public queer ne s'est pas beaucoup vu reflété dans un genre qui, du moins à son apogée, définissait le courant dominant d'Hollywood et renforçait les normes socioculturelles hétéronormatives. Booster et le réalisateur Andrew Ahn utilisent l'histoire de tension de classe d'Austen, un contexte de comédie romantique, pour rire face à de telles normes et en introduire de nouvelles. Les téléspectateurs queers et hétérosexuels peuvent ressentirÎle de Feusur Hulu avec un mélange de délice et de dépaysement ; ils n'ont pas travaillé les muscles nécessaires pour regarder une histoire gay, ils ne voudront pas, et encore moins une histoire peuplée de personnages sans vergogne. []
Flamin' Chaud
Flamin' ChaudIl s'agit, vous l'aurez deviné, des collations Cheetos extrêmement populaires, qui se déclinent actuellement dans une gamme de saveurs. L'adaptation cinématographique retient l'intérêt du spectateur grâce à Jesse Garcia, qui incarne Richard, le plus improbable des héros. Dans les années 1970, avant de devenir gardien de l'usine Frito-Lay de Rancho Cucamonga, en Californie du Sud, Richard vend de la drogue et vole. Finalement, il change de vie et se lie d'amitié avec l'ingénieur blasé de Frito-Lay, Clarence (Dennis Haysbert). Au milieu d'une série de licenciements et de suppressions d'équipes, le directeur général de PepsiCo, Roger Enrico (Tony Shalhoub), présente une vidéo de motivation implorant les employés de l'usine de penser comme un PDG. Richard prend ce message à cœur et se lance dans une quête pour trouver la collation légendaire, puis contourne tous les gardiens pour pouvoir présenter l'idée à Enrico. Eva Longoria fait des débuts assurés en tant que réalisatrice sur grand écran. En effet, le produit fini ressemble plus à l’effort d’un prodige d’une école de cinéma qu’à un projet vaniteux d’une actrice devenue cinéaste. []
Fuir
L'utilisation de l'animation dans les documentaires était autrefois une nouvelle épanouissement stylistique, jusqu'à ce que les cinéastes commencent à utiliser ces intermèdes si souvent pour couvrir les séquences manquantes que cela commence à paraître moins inspiré et plus fantaisiste. À tout le moins, le film intense et émouvant de Jonas Poher RasmussenFuirest un rappel de la façon dont l'animation dans les films de non-fiction peut élever la narration. En employant diverses techniques (abstraction crayeuse, illustrations plates en 2D et même des séquences d'archives d'actualités en direct) Rasmussen et une équipe d'artistes et d'animateurs maintiennent le public alerte et engagé, tout en l'entraînant dans le sombre récit à la première personne d'un Afghan. réfugié qui n’a jamais complètement vécu son enfance traumatisante. []
Bonne chance à toi, Lion Grande
À partir du moment où nous rencontrons Nancy Stokes, arpentant anxieusement une chambre d'hôtel anonyme et de bon goût, buvant une vodka dans un minibar et posant devant le miroir sans grande satisfaction personnelle, nous pouvons dire qu'elle est une épave nerveuse. Et pourquoi ne le serait-elle pas ? Nancy est une veuve de 55 ans qui attend l'arrivée d'une travailleuse du sexe qui, espérons-le, lui donnera le premier orgasme de sa vie. L'escorte masculine assignée à cette tâche monumentale est le jeune Leo (Daryl McCormack) « esthétiquement parfait » et, comme il l'apprendra au cours de leurs quatre rencontres, donner à Nancy une chance de présenter son O-face signifie bien la briser. -les défenses établies. Si cela ressemble à la prémisse d’une comédie ou même d’une tragédie, ce n’est en réalité ni l’un ni l’autre.Bonne chance à toi, Lion Grandeest un charmeur tendre et richement satisfaisant dont les thèmes de l'acceptation de soi et de la positivité corporelle sont livrés avec une touche légère et soigneusement élaborée. Emma Thompson est à son meilleur, épineuse, vulnérable et farouchement intelligente dans le rôle de Nancy, remplaçante de chaque femme qui a supprimé sa sexualité par honte, par sentiment d'inadéquation ou par besoin de plaire aux autres. Se déroulant presque entièrement dans une seule pièce, le film est une étude à deux personnages de l'éveil sexuel et d'un message sincère et ardent venant du coin le plus éloigné de la fracture d'âge. Il s'agit d'une histoire sexuellement franche et intime racontée d'une manière agréablement mainstream qui évite les clichés des cartes de vœux et les postures vides de « girl power ». []
Le docu-essai de Raoul PeckJe ne suis pas ton nègreest raconté par Samuel L. Jackson, parlant d'une voix si basse et si affectée qu'il se ressemble à peine. Il ne ressemble pas vraiment à James Baldwin non plus – ou du moins pas au doux et vibrant Baldwin vu dans les vieux extraits de talk-shows et de programmes d'affaires publiques disséminés dans le film de Peck. Jackson ressemble plus à l'auteur tard dans la nuit, épuisé, murmurant à moitié des vérités amères dans un magnétophone.Je ne suis pas ton nègre» pourrait être considérée comme l'une des dernières déclarations d'un grand écrivain américain, et c'est une déclaration tristement résignée, résumant des siècles de racisme manifeste et subtil et exprimant un sentiment de désespoir.Je ne suis pas ton nègreest basé sur une mission de non-fiction que Baldwin a refusée à la fin des années 70, après avoir écrit 30 pages décrivant ce que le projet aurait pu devenir et expliquant pourquoi il ne pouvait pas se résoudre à le faire. Intitulé provisoirementSouviens-toi de cette maison, le livre était censé être un retour sur la vie et la mort de Medgar Evers, Malcolm X et Martin Luther King, filtré à travers les expériences personnelles de Baldwin avec les trois. Mais le film de Peck n'est pas strictement une adaptation d'une œuvre inachevée, ni même un biodoc détourné sur trois personnalités clés du mouvement des droits civiques des années 50 et 60. En intégrant d'anciens discours, des extraits d'autres livres et même des juxtapositions visuelles que lui seul comprend peut-être pleinement, le réalisateur présente un argument convaincant et intuitif en faveur de Baldwin en tant que poète et prophète. Lorsque Baldwin soupire : « Ce pays, dans tout son système de réalité, n'a pas évolué pour vous », les mots flottent dans l'air comme un nuage sombre, qui ne se dissipera pas tant que tous ceux qui partagent cet espace ne reconnaîtront pas qu'ils ne peuvent pas voir à travers. il. [Noël Murray]
Cela ressemble à une soirée pyjama, à un récit édifiant à chuchoter avec une lampe de poche ou à embellir sur une flamme vacillante : Dormez avec la mauvaise personne, comme l'héroïne adolescente deÇa suitfait, et la chose sans nom viendra pour vous. Dans la banlieue de Détroit, Jay (Maika Monroe) se retrouve la cible de cette entité implacable et changeante – une malédiction transmise par le sexe avec Hugh (Jake Weary), son nouveau compagnon beau mais mystérieux. Il y a une simplicité primitive et ingénieuse dans cette configuration, une simplicité que le scénariste-réalisateur David Robert Mitchell exploite pour une énorme frayeur après l'autre. MaisÇa suitest bien plus qu'une simple machine à cris calibrée par des experts. Situé dans le désert adolescent d'une époque indéterminée, où de jeunes adultes ennuyés regardent des téléviseurs à oreilles de lapin tout en piaffant sur des appareils mobiles personnalisés, le film transforme la mélancolie irritante du cinéma de passage à l'âge adulte en quelque chose de plus fataliste. Les fans des premiers John Carpenter identifieront immédiatement l'influence du maître : sur le mouvement voyeuriste de la caméra, la pulsation synthétique de la partition rétro de Rich Vreeland et la transformation d'environnements résidentiels « sûrs » et chaleureusement éclairés en paysages d'effroi. MaisÇa suitn’est pas une contrefaçon. Tout au long, Mitchell ajoute à son horreur formellement magistrale d’épaisses cuillerées d’anxiété sexuelle. Mais aussi tentant que cela puisse être de lire le « ça » du titre comme une sorte de MST ambulante, Mitchell n'a pas prononcé la conférence sur la santé la plus effrayante au monde. La métaphore est plus lâche et plus mythique : Jay et ses amis sont hantés par la disparition de leur adolescence insouciante, jour après jour sans incident. [AA Dowd]
Combler l'écart
De la maison qui faisait faceRêves de cerceau Voici un autre documentaire captivant et déchirant sur la majorité en marge économique du Midwest américain. C'est sur les planches, pas sur le basket, que les jeunes sujets deCombler l'écartconsidéré comme une issue de secours, à l'époque où ils étaient adolescents se remettant, un après-midi à la fois, du traumatisme commun de leur vie familiale. Bing Liu, le réalisateur, était l'un d'entre eux, un cinéaste en herbe qui tournait des vidéos de patinage avec ses amis. De retour dans son ancien terrain de jeu de Rockford, dans l'Illinois, il retrouve ces compagnons d'enfance, toujours hantés par les abus qu'ils ont subis dans leur enfance, et qui ont façonné leur vie adulte d'une manière à la fois évidente et non. Comme d’habitude, le modèle de tournage à long terme de Kartemquin rapporte d’énormes dividendes dramatiques. Mais Liu s'intéresse tout autant à l'endroit où se sont déroulées ces vies réelles qu'à la direction qu'elles prennent, car les deux sont intimement liés - ce n'est qu'un des enseignements profonds de son portrait aux multiples facettes de garçons qui deviennent des hommes, essayant de devancer leurs démons en cours de route. []
Pays nomade
À moins que le paysage politique ne change de manière significative au cours des prochaines années, le nombre d'Américains confrontés à un âge avancé comme celui décrit dansPays nomadene fera que croître. Fern (Frances McDormand), résidente de longue date d'Empire, dans le Nevada, a vu sa ville se ratatiner et mourir après la fermeture de la mine de gypse qui employait la majorité de la communauté en janvier 2011. Une graine de pissenlit laissée à flotter dans les vents inconstants du capitalisme, Fern vit désormais dans une camionnette personnalisée qu'elle appelle « Vanguard », voyageant à la recherche d'un emploi temporaire et d'un endroit sûr pour se garer la nuit. En hiver, elle emballe des cartons dans un entrepôt Amazon ; en été, elle fait frire des hamburgers et nettoie les toilettes des attractions touristiques. Ses plaisirs sont simples, ses luttes immenses. Ses cheveux sont courts, ses chaussures pratiques. Elle continue de bouger pour ne pas s'attarder longtemps sur le passé. Entre des mains différentes, l'histoire de Fern pourrait être tragique. Mais pendant quePays nomadela réalisatrice (et scénariste, monteuse et coproductrice) Chloé Zhao s'intéresse aux réalités matérielles d'une veuve sexagénaire vivant une vie itinérante, elle apporte aussi au film une dignité qui frise le sublime. [AA Dowd]
À quoi ressemble le pire jour de la vie de Peter Gibbons ? Chez Mike JudgeEspace de bureau, cela ressemble visiblement àtonLe pire jour aussi : tourner au ralenti pendant une heure dans un trafic aux heures de pointe, devancé par un vieil homme avec un déambulateur ; huit heures dans une cabine sous la lueur maladive des lampes fluorescentes ; le patron (ou huit patrons) le harcelant à propos d'un ajout bureaucratique insignifiant à son travail déjà insignifiant ; les pauses déjeuner dans une chaîne de restaurants, où un serveur trop enthousiaste vend des « shooters à pizza, des poppers de crevettes et des fajitas extrêmes » ; et les millions d'autres petits ennuis, des imprimeurs sans scrupules et des banderoles de motivation (« Que peut-ontoifaire pour l'entreprise ? ») aux chocs statiques et aux mini-batailles autour des fournitures de bureau. Et à la fin de la journée, il retourne dans un appartement d'une chambre rempli de meubles Ikea bon marché et de ces horribles stores dont les lattes claquent comme des carillons éoliens lorsque vous les fermez. Il y a eu de nombreux portraits de la culture des cabines avant et aprèsEspace de bureau—Le bureau,Les horlogers,Dilbert, et les premières scènes deJoe contre le volcanviennent immédiatement à l’esprit – mais aucun n’a exposé les paramètres de ce monde moderne suceur d’âmes de manière aussi compréhensible. Mais savez-vous dans quoi d'autre Mike Judge est vraiment bon ? Le montage. Avec leur utilisation merveilleusement ironique du gangsta rap et du mambo, les séquences de montage deEspace de bureaubadassery au ralenti digne deÉcharpeen gags comme l'embouteillage d'ouverture, le démantèlement du lieu de travail par Peter, ou la plus blanche des criminalités en col blanc, comme planter un virus ou dévaster une imprimante. Le style de tournage trompeusement simple de Judge, qui ressemble plus à un pince-sans-rire avec une caméra, ne devrait pas occulter le fait qu'il utilise les films pour agrandir la vie d'un gars douloureusement ordinaire et la rendre importante. Son univers est modeste, mais à cette échelle, ses triomphes sont épiques. [Scott Tobias]
Palm Springs
Andy Samberg incarne Nyles, un idiot fainéant coincé à un mariage à destination en Californie du Sud, auquel il assiste en tant que rendez-vous d'une demoiselle d'honneur. Errant allègrement à la réception dans une chemise à manches courtes bruyante et très informelle, Nyles n'a clairement rien à foutre. Mais il semble aussi avoir une idée étrangement prémonitoire de la façon dont la nuit va se dérouler. Et d'ici peu,Palm Springsrévèle la raison des deux : il est coincé dans une distorsion temporelle, se réveillant chaque matin pour se retrouver toujours à Palm Springs le matin du mariage. Le film utilise sa vanité magique comme métaphore polyvalente d’une relation à long terme. Le revers de la médaille, bien sûr, est que la monogamie peut vous laisser aussi coincé que les personnages, vivant la même journée encore et encore, avec seulement votre partenaire pour compagnie. MaisPalm Springsporte tous ces bagages à la légère. C'est une chose malheureusement rare : une comédie romantique douce, follement inventive, totalement mainstream, soutenue par des secousses inspirées de violence comique (certaines d'entre elles fournies par JK Simmons en tant qu'autre invité au mariage avec un très gros os à cueillir avec Nyles). [AA Dowd]
En simple description,Cochoncela semble simple, direct, presque inévitable. Comment Nicolas Cage a-t-il pu passer autant d'années dans sa longue et excentrique carrière avant de finalement endosser le rôle d'un ermite en colère poursuivant les connards qui lui ont volé son porc bien-aimé ? Quelle que soit la forme que vous pourriez imaginer qu'un tel film prendrait, ce n'est pas du tout ce que Cage et le jeune scénariste-réalisateur Michael Sarnoski ont en tête. À partir de cette prémisse superficiellement loufoque et modeste, ils ont élaboré une odyssée quasi-philosophique qui, bien que non dénuée de violence ou d'humour, se concentre en grande partie sur l'exploration de la nature de la créativité, de la passion, de la perte et de l'amour. C'est à la fois ridicule et profondément ressenti, ancré dans une performance principale qui équilibre l'intensité maniaque avec une retenue inhabituelle dans des proportions idéales.Cochonest agressivement allergique à l'alimentation à la cuillère et au fait de se tenir la main, se contentant de nous laisser spéculer en interne sur qui sont certaines personnes, pourquoi un mensonge est raconté, exactement ce qui a volé à Rob (Cage) son ancienne existence. Comme l'animal lui-même,Cochonest considérablement plus intelligent et ardent qu'il n'y paraît à première vue, et déterre des trésors à peine visibles à la surface.Mike D'Angelo
Portrait d'une dame en feu
Celle de Céline SciammaPortrait d'une dame en feu, qui doit être le film le plus romantique de l'année (sinon des derniers), est une histoire d'amour au énième regard. Pendant deux heures, les personnages du film - deux femmes qui se rencontrent aux limites de la société et des convenances - ne cessent de s'étudier, leurs yeux parcourent les salles éclairées aux bougies et les falaises balayées par les vents, l'intensité croissante de leur regard et le frémissement de leur passion faisant fondre les barrières. entre eux. Tomber amoureux de quelqu'un, affirme le cinéaste français, c'est vraimentvoireux. Et les voir demande du temps et de l’attention – un processus de découverte qui necommenceavec ce premier regard. Ce que nous assistons est une séduction, mutuelle et très progressive, et le film séduit également son public, nous attirant par la vivacité saisissante de ses images et la patience tranquille de sa narration. DansPortrait d'une dame en feu, le subterfuge du processus du peintre est à la fois une métaphore et un catalyseur de l'épanouissement gênant de l'engouement : les motifs privés d'aperçus volés, des yeux errants agissant selon les directives du cœur. Même s'il ne s'agit pas vraiment d'un joueur à deux mains,Portraittrouve son drame dans la chimie intensifiée et électrisante entre ses protagonistes, tacite jusqu'à ce qu'elle ne le soit finalement pas. Ce n'est que lorsque les deux deviennent collaborateurs, lorsque l'un devient un sujet volontaire, qu'ils sont capables de créer ensemble quelque chose de significatif.Portrait d'une dame en feufait exactement cela, jusqu'à sa fin historique, une supernova de sentiments exprimés et provoqués. [AA Dowd]
Proie
Une préquelle àPrédateur,Proiese déroule en 1719, à la suite de Naru (Amber Midthunder), une jeune guerrière Comanche qui veut briser les traditions de genre de sa tribu et devenir chasseuse. Déjà traqueuse et guérisseuse talentueuse, la force de Naru est mise à l'épreuve lorsqu'un adversaire invisible met sa tribu en danger. Dans ce nouveau décor, [Dan] Trachtenberg dépouille lePrédateurla franchise revient à ses éléments fondamentaux : la cruauté de cette espèce extraterrestre et l'ingéniosité de l'humanité confrontée à des obstacles presque impossibles. En se concentrant sur le personnage et le lieu, il recule par rapport aux répercussions mondiales des prédécesseurs immédiats de la franchise, créant une expérience impliquante et tendue axée sur les personnages dont les forces reposent sur la simplicité narrative et une avance convaincante dans Midthunder. []
Située dans un bar sportif ringard de style Hooters appelé Double Whammies, la délicieuse comédie d'Andrew BujalskiSoutenez les fillesplus qu'à la hauteur de son double sens clin d'œil/sérieux d'un titre. Le film s'ouvre sur une séance d'orientation pour les nouveaux employés, qui apprennent l'art du service à la clientèle : rire des blagues stupides des hommes, trouver des raisons de toucher brièvement leurs bras et, de manière générale, travailler dans les uniformes étriqués et centrés sur la poitrine du restaurant. Le film n'est cependant pas en colère contre cette absurdité, juste légèrement exaspéré. Pour Lisa (Regina Hall), la gérante, Double Whammies est vraiment un travail, avec tout le stress et la frustration qui accompagnent toute position d'autorité. Dans le même temps, elle a forgé un lien émotionnel avec chacune des jeunes femmes qu'elle emploie, créant le genre de famille de travail de fortune qui est généralement le domaine des sitcoms de longue durée plutôt que des films. Ses rythmes sont résolument cinématographiques, en particulier lorsqu'il s'agit de punchlines ostensibles jetées avec désinvolture – prononcées hors écran ou piétinées par de nouvelles informations visuelles (ce qui, paradoxalement, rend le dialogue encore plus drôle). Pourtant, le film ressemble un peu à la fusion d'un pilote et d'un final de série, présentant l'ensemble puis concevant ce qui s'avère être le dernier jour de travail de plusieurs personnages. En dehors de cette vague trajectoire, c'est pour l'essentiel sans intrigue, suivant simplement Lisa alors qu'elle fait face à une série sans fin de tracas, de distractions et d'urgences. La superbe performance profondément ressentie de Hall maintient le film sur pied, permettant aux acteurs secondaires de fournir un décollage hilarant à intervalles réguliers.Soutenez les fillesn'est pas tant un manifeste féministe ou un discours anticapitaliste (bien qu'il comprenne des éléments des deux, à sa manière discrète) qu'un portrait ironique et compatissant de l'existence banale de la classe moyenne inférieure, mettant l'accent sur la valeur de la solidarité tout en reconnaissant que la vie n’est jamais plus facile pour certaines personnes. [Mike D'Angelo]
Titane
Disons simplement que le lauréat surprise de la Palme d'Or [2021], alias le premier prix du Festival de Cannes, parle des corps. Des corps jeunes à la peau tendue sur des muscles durs comme la pierre, et des corps vieillissants désespérés de retrouver la souplesse de la jeunesse. Corps traumatisés, corps incontrôlables, corps en pleine transformation. Il y a beaucoup de rebondissements dans ce film, mais en dessous il y a une constante : l'agonie d'être piégé à l'intérieur d'un corps humain et le désir irritant et agité de le transcender. L'œuvre de [Julia] Ducournau est parfois comparée à celle de David Cronenberg, et cela sonne vrai dans le sens où tous deux sont obsédés par l'érotisme du dégoût et les possibilités d'une « nouvelle chair ». Pourtant, les similitudes entreTitaneet celui de Cronenberg ont été exagérées. Après tout, une prédilection sexuelle pour les voitures n'est qu'un aspect de notre héroïne, Alexia (Agathe Rousselle), et de son psychisme foutu… []
Triangle de tristesse
Ce serait trop paresseux, voire peu judicieux, de voir» – un terme de l'industrie de la beauté qui fait référence aux rides entre les sourcils – comme une simple satire de « manger les riches ». Le génie d'Östlund réside dans son refus obstiné d'être didactique, veillant à ce que nos sympathies changent continuellement tout au long du récit à mesure que ses structures de pouvoir évoluent. Même ainsi, une chose qui reste constante est la sensation d’inconfort nerveux (mais étrangement drôle), souvent amplifié par des sons incessants comme le bourdonnement des moustiques, les bébés qui pleurent et les cris des ânes. C’est un film stellaire qui atteint un point idéal rare en tant que divertissement grand public et accessible, mais aussi en tant que commentaire culturel indéniablement incisif. Et le meilleur de tout, il vous tiendra en haleine jusqu'au dernier moment sensationnel de sa dérive venteuse. []
Si vous deviez choisir une franchise d'horreur mûre pour une préquelle, vous pourriez faire bien pire queLe présage, tout simplement parce que le classique original de 1976 laisse tant de choses sans réponse. À la base, il s’agit essentiellement de l’histoire d’un petit groupe de personnes qui réalisent peu à peu qu’elles sont en compagnie d’un enfant maléfique, puis sont victimes de fins horribles et apparemment surnaturelles. Cela laisse toute la matière première sur la façon dont nous sommes arrivés àLe présageà gagner pour une nouvelle histoire, une que le réalisateur Arkasha Stevenson saisit joyeusement par les cornes du diable pour livrer un film qui est à la fois une préquelle satisfaisante et un morceau macabre d'horreur catholique qui se suffit à lui-même. Cette fois-ci, au lieu d’une famille apprenant sa place dans un sombre réseau de secrets, nous découvrons l’histoire du point de vue d’une seule religieuse au noviciat. Les yeux brillants et dévoués, Margaret (Nell Tiger Free) arrive en Italie pour se préparer à prononcer ses vœux perpétuels et travailler dans un orphelinat à Rome, s'occupant d'enfants qui, comme elle, sont sous la garde de l'Église. Bien sûr, parce qu'il s'agit d'unPrésagefilm, à peine Margaret s'est-elle installée que les problèmes commencent à s'infiltrer dans ses nouvelles fonctions. Si cela semble un peu similaire à la formule de l'originalPrésage, c'est exactement ce que les cinéastes veulent que vous pensiez, du moins au début. Il s'agit bien sûr du film sur la façon dont le bébé Damien est arrivé dans la famille Thorn au début deLe présage. Cela signifie par nécessité qu'il s'agit d'une grossesse bizarre, et enraciner l'expérience de l'horreur dans les yeux d'une femme modifie radicalement le paysage émotionnel de ce qui se passe ensuite. Casting Free dans le rôle central, fraîchement sorti de son travail triomphal dans des trucs commeServiteur, a été un coup de maître pour la production et permet à Stevenson d'ancrer les racines émotionnelles de la terreur chez un acteur bien équipé pour passer lentement de l'étrange au véritable cauchemar. Oubliez ce que vous pensez savoir sur les préquelles d’horreur.Le premier présagel'obtient, le prend à la gorge et ne le lâche jamais. [Matthieu Jackson]
