Même si c'est peut-être le casplus difficile de s'y retrouverPlus que n'importe lequel de ses pairs du streaming de premier plan grâce à son insistance à diviser sa bibliothèque en chaînes, Amazon Prime Video propose toujours une large sélection de films, y compris de nombreux films plus anciens que des services comme Netflix ne souhaitent tout simplement pas héberger. Cela dit, son turnover est fréquent et subtil. Un film ajouté à une liste de surveillance lundi pourrait ne pas y être vendredi. Alors, que doit faire un abonné avide de films ? LireLe Club AVLes recommandations de 'pour les meilleurs films disponibles sur Amazon Prime Video, c'est quoi.
En ce qui concerne les offres originales de la société, les nominations aux Oscars abondent pour des films commeManchester au bord de la mer,Guerre froide, etLe grand malade. Et si vous voulez une bonne dose de classiques, vous avez de la chance :CharadeetLunette arrièrevous attendent. Consultez notre tour d'horizon des meilleures options de visionnage de Prime Video etLe Club AVles réflexions de chacun.
Cette liste a été mise à jour le 1er novembre 2024.
Tout est possible
Il est difficile d'exagérer l'importance d'un film commeTout est possiblerecevoir quelque chose qui ressemble à une version grand public. À une époque où une vague sans précédent de lois anti-transgenres déferle sur les législatures des États, les récits d’expériences trans sont vitaux et nécessaires. Bien que l’on puisse espérer qu’une représentation empathique puisse humaniser les personnes trans aux yeux de leurs oppresseurs, la valeur d’une histoire comme celle-ci est évidente pour les adolescents trans et leurs alliés qui, autrement, ne voient pas leurs expériences représentées à l’écran, et encore moins dans les médias. une époque de culture pluralisée où il y a suffisamment de place pour répondre à tous les publics. Cela ne donne pasTout est possibleun laissez-passer gratuit en termes de qualité - et il y a certainement des aspects du premier long métrage de Billy Porter qui ne fonctionnent pas vraiment - mais la scénariste Ximena Garcia Lecuona élabore un conte de passage à l'âge adulte si doux qu'il est facile de célébrer les nombreux mérites du film. []
Le grand malade
Les anecdotes intéressantes ne font pas toujours des films intéressants ; votre histoire peut tuer lors des fêtes, mais cela ne veut pas dire qu'elle a sa place sur grand écran. DansLe grand malade, l'humoriste Kumail Nanjiani, qui incarne Dinesh dansLa Silicon Valley, et Emily V. Gordon, l'écrivain et ancienne thérapeute qu'il a épousée, dramatisent la première année difficile de leur relation, avec Nanjiani jouant le rôle d'une version légèrement romancée de lui-même. Cela peut ressembler, en résumé, à une histoire mieux racontée autour d’un dîner et d’un verre ; outre les amis, la famille et les fans dupodcastles deux co-animateurs, qui réclamaient un long aperçu de la cour du couple ? Mais il y avait plus que les obstacles habituels sur la scène des rencontres qui menaçaient leur avenir ensemble. Collaboration au scénario deLe grand malade, Nanjiani et Gordon ont réalisé une comédie romantique perspicace et gagnante à partir de ces obstacles, y compris de l'urgence imprévue qui donne son titre au film. []
Challengers
Challengers, qui concerne apparemment trois joueurs de tennis, concerne en réalité trois personnages qui jouent à l'amour comme à un match de tennis, pour aller de l'avant et récolter les récompenses qu'ils souhaitent. Le cadre du film est un match important dans les carrières de Patrick (Josh O'Connor) et Art (Mike Faist), rivaux et anciens meilleurs amis. Entre eux se trouve Tashi (Zendaya), ancienne petite amie de l’un et actuelle épouse et coach de l’autre. Dans des flashbacks, le public apprend comment ils se sont rencontrés il y a 13 ans et comment leurs vies sont devenues intimement liées. Pour les matchs de tennis, Guadagnino a quelques atouts dans son sac. Le premier est la musique forte et percutante de Trent Reznor et Atticus Ross. Ensuite, le ralentissement de nombreuses scènes jusqu'à l'arrêt quasi total pour montrer toutes les nuances de mouvements des visages des acteurs tout en ignorant les petites boules jaunes sans intérêt. La caméra de Sayombhu Mukdeeprom surveille les corps des acteurs, capturant chaque scintillement de lumière dans leurs yeux, chaque lèvre tremblante et chaque front moite. Tout cela en fait un film riche en chaleur sexuelle, quelque chose que l’on ne voit pas beaucoup dans le cinéma américain contemporain. []
Charadeest tellement hitchcockien qu'il a souvent été confondu avec le véritable article. Certains l’ont qualifié de meilleur film d’Hitchcock qu’Hitchcock n’ait jamais réalisé. En fait, il a été dirigé par, célèbre pour ses comédies musicales commeChanter sous la pluieetSur la ville. Il a recruté deux formidables stars de l'âge d'or d'Hollywood - Audrey Hepburn et Cary Grant, le favori d'Hitchcock - pour son propre thriller élégant du genre dans lequel le maître s'est spécialisé. Amusant et charmant,Charadea beaucoup en commun avec un divertissement hitchcockien plus léger commePour attraper un voleur: des protagonistes incroyablement beaux, un décor glamour, une garde-robe digne d'un défilé (conçue par Givenchy), une partition jazzy (par Henry Mancini). Il utilise également le trope hitchcockien de la personne innocente qui se retrouve prise dans une conspiration en forme de toile (que Grant avait récemment vécue dans les années 1959).Nord par nord-ouest). []
Guerre froide
Guerre froide, du scénariste-réalisateur polonais Pawel Pawlikowski, est une épopée romantique hantée en miniature, comme un roman écrit avec l'économie minutieuse et précise d'une nouvelle. Retraçant les hauts et les bas d'une histoire d'amour tumultueuse face aux changements sismiques du paysage culturel, il condense 15 années d'intrigue et d'histoire - réparties dans quatre pays situés sur la ligne de fracture du 20e siècle - en 89 minutes épurées et élégantes. Ce genre de rationalisation impitoyable peut donner l'impression qu'un drame mineur ressemble à ses propres CliffsNotes, avec tout ce qui, quoi et où, sans texture ni poésie. Mais Pawlikowski, qui ne perd pas un seul plan (ni n'en compose un qui ne soit pas une œuvre d'art seul), crée un présent captivant grâce à la clarté et à l'efficacité de sa narration : peu importe la fréquence à laquelle il nous fait avancer dans temps, on reste enfermé dans la sphère émotionnelle de ses personnages. []
La servante
Park Chan-Wook accède au rang de maître du cinéma avecLa servante, qui transporteDoigteux, le roman de Sarah Waters sur les identités cachées et la passion lesbienne, dans la Corée du Sud des années 1930, ajoutant ainsi beaucoup de suspense hitchcockien. Somptueusement photographié avec une formalité fétichiste qui rappelle celle de l'année dernière., Park crée une expérience sensuelle aussi luxuriante que de mordre dans une pêche trop mûre et aussi coquine qu'une paire de gants en cuir caressant doucement la nuque. Kim Tae-ri incarne Sook-hee, un jeune pickpocket embauché pour travailler pour la noble japonaise apparemment protégée Lady Hideko (Kim Min-hee) ; le plan est que Sook-hee aide son collègue escroc, le comte Fujiwara (Ha Jung-woo) - qui n'est, en réalité, ni un comte ni un Japonais - à frauder Lady Hideko de sa fortune. Mais à mesure que leur triangle amoureux se complique de plus en plus, il devient clair que Lady Hideko n'est pas aussi naïve qu'elle en a l'air. Les performances exceptionnelles des protagonistes féminines portent le film à travers ses rebondissements vertigineux, soutenus par une méchante séquence de comédie noire et une foi inattendue dans le pouvoir du véritable amour. []
Se
La violence domestique s'étend, pour beaucoup, bien au-delà du physique et dans un système brutal qui n'est pas construit en pensant au survivant. Quitter un foyer violent est une bataille difficile dans de nombreuses sociétés avancées, où les tribunaux et les lois peuvent désavantager lourdement les victimes. Réalisé par Phyllida Lloyd (La Dame de fer), d'après un scénario de Malcom Campbell et de la star Clare Dunne,Seaborde le sujet avec grâce et avec un degré d’espoir inattendu. À une époque où les voisins se retournent souvent contre eux, la perspective optimiste du film « Il faut un village » risque d'être ridicule. Mais grâce à la performance discrète et puissante de Dunne en tant que mère célibataire qui fait à peine du surplace, le résultat final est un regard efficace et touchant sur la communauté triomphant de la peur. []
Les petites heures
L'une des premières choses que dit Aubrey Plaza dansLes petites heuresest "Putain, ne nous parle pas." Il s'avère que l'anachronisme est le fil conducteur de cette farce souvent drôle et agréablement paillarde, qui imagine à quoi pourrait ressembler un couvent du Moyen Âge crasseux, violent et infesté de maladies s'il était peuplé de personnages tout droit sortis du Moyen Âge. une sitcom NBC moderne. Fernanda de Plaza, une nonne hipster caustique née trop tôt, se faufile pour se lancer dans des bêtises, en utilisant un âne qui s'échappe perpétuellement comme excuse. La giroflée Genevra (une inestimable Kate Micucci) bavarde sans relâche contre les autres femmes, rapportant chaque transgression à sœur Marea (Molly Shannon, jouant sa piété dévouée presque totalement honnête - elle est le seul personnage ici qui pourrait réellement exister dans les années 1300). Et Alessandra (Alison Brie), la plus proche du couvent d'une enfant riche et gâtée, rêve d'être emmenée et mariée, mais cela dépendrait de la façon dont son père débourserait une dot décente. Si la peste ne les tue pas, l'ennui le fera. Lorsque Plaza, Micucci et Brie se font écraser avec du vin de communion volé et chantent ivres un incontournable de la chorale sans paroles, comme des étudiantes qui se faufilent devant le RA et chantent un hymne radio dans leur dortoir, la véritable résonance de tout cet anachronisme. se met en évidence : le désir irritant d'une vie meilleure est quelque chose que les femmes de chaque siècle expérimentent, peu importe si leur catalogue de malédictions inclut ou non le « putain ». []
Long voyage étrange
Le rare documentaire rock qui plaît aux fans inconditionnels et fonctionne également comme un film complet et satisfaisant, Amir Bar-Lev'sLong voyage étrangeraconte l'histoire des Grateful Dead d'une manière suffisamment sinueuse, prenant quatre heures pour riffer sur différents aspects du groupe. Pour ceux qui veulent savoir comment et pourquoi le guitariste Jerry Garcia et ses amis ont émergé de la scène hippie de San Francisco du milieu des années 60 pour devenir des sensations cultes mondiales, ces informations de base sont ici. Pour les connaisseurs qui souhaitent des images live rares et des anecdotes personnelles intimes,Long voyage étrangeoffre beaucoup des deux. Mais la principale raison pour laquelle ce film perdure est que Bar-Lev (surtout connu pourMon enfant pourrait peindre ça,Vallée heureuse, etL'histoire de Tillman) utilise les meilleurs et les pires moments de l'histoire de Garcia et compagnie pour explorer comment les mythes sont créés, puis mal interprétés. []
Amour et amitié
Whit Stillman adaptant Jane Austen semble à la fois approprié et presque inutile. Ses films précédents – obsédés par les bonnes manières, le statut social et la diplomatie conversationnelle – sont assez proches de répondre à tous les besoins que nous pourrions avoir d’un Austen des temps modernes.MétropolitainLes personnages discutent même longuement d'Austen, discutant avec passion deParc Mansfieldl'héroïne vertueuse de et sa pertinence pour les lecteurs contemporains. Certains cinéphiles peuvent également se sentir épuisés par le déluge d'adaptations d'Austen qui ont frappé la télévision et les multiplexes au milieu des années 90 : le film en six parties de la BBCOrgueil et préjugés, Les LeeSens et sensibilité, Celui de Roger MichellPersuasion, la Gwyneth PaltrowEmma.(Croyez-le ou non, tous ont été diffusés ou sortis en salles sur une période de 16 mois.) Pourtant, ce n'est pas comme si les films d'aujourd'hui offraient un tel excès d'esprit et de sophistication qu'un film aussi purement agréable que celui de Stillman.Amour et amitiépeut être licencié. Au moins, cela donne à Kate Beckinsale, qui a déjà joué dans Stillman'sLes derniers jours du disco, un rôle principal qui n'est pas un vampire et ne l'oblige pas à combattre des loups-garous tout en portant un équipement fétichiste en caoutchouc noir. []
Manchester au bord de la mer
Manchester au bord de la mertranspire les gros trucs et les petits trucs, et c'est la clé de son pouvoir anormal : il s'agit d'un drame américain stupéfiant, presque opératique dans le chagrin qu'il raconte, qui est également adapté aux maux de tête quotidiens, comme oublier où la voiture est garée et se cogner la caboche. sur la porte du congélateur. Le réalisateur Kenneth Lonergan a lui aussi eu des problèmes ; son dernier film,Marguerite, a subi une litanie de revers, disparaissant dans la salle de montage pendant des années. Lancer une autre étude de personnage difficile et compliquée après les difficultés très médiatisées de celle-ci est un accomplissement en soi. Mais pour son troisième long métrage, le dramaturge devenu cinéaste n'a pas reculé devantMargueriteambition désordonnée. Au lieu de cela, il a réussi, d'une manière ou d'une autre, à l'associer à l'intimité émotionnelle de son premier album acclamé,Tu peux compter sur moi. Les résultats sont presque indescriptiblement émouvants et, parfois, d’une drôlerie désarmante. [AA Dowd]
Une nation enfant
En 1979, la Chine a lancé sa politique de l’enfant unique, qui interdisait légalement à la plupart des parents d’avoir plus d’un enfant. Cette tentative drastique visant à enrayer la crise démographique urgente du pays allait façonner toute une génération. Les répercussions de ce programme, encore ressenties aujourd'hui, tant en Chine qu'à l'international, font l'objet deUne nation enfant, qui a remporté le Grand Prix du Jury du documentaire américain à Sundance. Aussi vaste dans sa portée qu'horrible dans ses détails, le film fait le travail nécessaire en éclairant, pour un large public, un chapitre sombre de l'histoire chinoise. []
Une nuit à Miami...
Basé sur une pièce de théâtre deStar Trek : Découvertele rédacteur Kemp Powers, qui a adapté l'histoire pour le cinéma,Une nuit à Miami…se déroule principalement dans un seul endroit : un camping-car séparé de Hampton House. La réalisatrice pour la première fois, Regina King, ajoute des touches subtiles (elle aime particulièrement se concentrer) qui empêchent le film de devenir visuellement plat, tout comme les détails assidus de la période. Mais comme on peut s’y attendre d’un film basé sur une pièce de théâtre et réalisé par un acteur célèbre, les dialogues et les performances en sont le moteur. Le casting est remarquable : tout le monde regarde de près mais pas trop près les personnages célèbres qu'ils incarnent, ce qui permet au public de se laisser prendre par la vraisemblance de l'histoire sans être distrait par l'étrangeté de la ressemblance. La carte de titre n'apparaît que 19 minutes plus tard, après que chacun des quatre personnages principaux apparaisse dans une vignette qui expose les tensions sous-jacentes qu'ils apporteront à la longue conversation au centre du film. (Pour Brown, c'est la dissonance cognitive des Blancs racistes qui l'encouragent sur le terrain de football, mais uniquement sur le terrain de football. Pour Clay, c'est le besoin obstiné de faire ses preuves.) À la suite de ce prologue prolongé, le casting est énorme : La plupart des rôles secondaires, comme Lance Reddick en tant que garde du corps de X, frère Kareem et Michael Imperioli en tant qu'entraîneur de Clay, Angelo Dundee, ont un temps d'écran relativement faible. Mais il n’y a pas de maillon faible dans l’ensemble de King. []
Peterloo
La dramatisation tentaculaire de Mike Leigh des événements qui ont conduit au massacre de Peterloo en 1819 met en scène un big band haut en couleur de révolutionnaires de la classe ouvrière et de copains du gouvernement. Plutôt que de se concentrer sur un seul personnage, Leigh adopte une voie quelque peu expérimentale, concentrant son attention sur les différentes textures du discours au sein du collectif pour finalement montrer à quel point la relation entre rhétorique et action est semée d'erreurs. Le scénario est une mine d'or de langage délicieux, du dialecte hétéroclite de Manchester de la paysannerie au discours orné et bavard de l'aristocratie. C'est de la politique rendue poétique. []
Le rapport
Le regard de Scott Z. Burns sur une enquête de l'ère Obama sur le programme de torture de la CIA sous l'ère Bush capture un sentiment qui semble plus actuel que jamais : l'incrédulité stupéfaite que, d'une manière ou d'une autre, même une documentation détaillée sur l'action gouvernementale incompétente et illégale ne soit pas suffisante pour inciter n'importe qui à faire quelque chose à ce sujet. Adam Driver pourrait offrir une performance plus spectaculaire dansHistoire de mariage,mais le sentiment de frustration intériorisée qu'il transmetLe rapportest tout aussi convaincant. []
Sainte Maud
Les nouveaux convertis sont généralement les plus intenses. Même ceux qui ont grandi dans un environnement évangélique avec parler en langues et spectacles de marionnettes créationnistes (à la manière des sujets du fameuxCamp de Jésus) ne peut rivaliser avec la ferveur de silex d'un ex-toxicomane qui a trouvé Dieu. Certains remplacent même les vieux vices par la religion, dans une sorte d’échange individuel d’obsession autodestructrice. C'est le cas du personnage principal du premier long métrage de la scénariste-réalisatrice Rose Glass. Maud (Morfydd Clark), une infirmière à domicile au passé troublé, dépend de sa dose régulière de communion avec le divin pour rester sur son nouveau chemin juste. Et quand elle ne comprend pas ? Eh bien, vous verrez.Sainte Maud's La combinaison d'un drame de chambre bavard, d'une étude de personnages à la Paul Schrader et d'une horreur corporelle viscérale convient parfaitement à A24. En fait, le film contient une scène en conversation directe avecune séquence souvent citéede l'un des premiers triomphes d'horreur « élevés » du distributeur,La sorcière. Et s'il n'y a pas de goût de beurre pour Sainte Maud, c'est parce que son visiteur surnaturel est le type d'ange de l'Ancien Testament, celui qui inspire à la fois une crainte transcendante et une peur effrayante. []
Brûlure de sel
Dans la même lignée que sa photo précédente, Fennell met brillamment son sens aigu de l'épanouissement visuel. Plutôt que d'utiliser un format grand écran, elle exploite la claustrophobie d'un rapport hauteur/largeur serré de l'Académie pour plus de punch. Pourtant, les espaces extérieurs spacieux, les intérieurs tentaculaires du château et les secrets étouffés contenus dans ces murs sont tous photographiés comme tactiles et expansifs. Elle place les personnages dans des positions de pouvoir dans le cadre pour évoquer l'émotion et capturer leur psychisme. Il est intéressant de noter où les deux copains sont placés à égalité dans le cadre (ce qui arrive deux fois) et où ils sont bloqués dans le cas contraire. Les images inversées d’Oliver sont peut-être les plus frappantes sur le plan esthétique. []
Soupirs
Le chef-d'œuvre d'horreur de Dario ArgentoSoupirs(1977) est beau à regarder, mais le qualifier de film d’art est une impulsion nettement révisionniste. Bien que l'esthétique exacerbée et le mélodrame hystérique de l'opéra italien aient sans aucun doute influencé le style d'Argento, il superpose également ces impulsions artistiques aux formes du genre du film B. Tourné principalement sans son synchronisé et doublé pour ses sorties italiennes et américaines,Soupirsn'était pas destiné à être une pièce de musée. En fait, ôtez la beauté délirante de l'éclairage à code couleur et de la musique progressive de rock progressif, et vous obtenez un simple film slasher, un film dont la mythologie des « sorcières d'une école de ballet » n'est qu'un simple moyen de transmettre le vrai. attraction : la violation violente et symbolique des jeunes corps féminins. Ce n'est pas le cas avecUne plus grande éclaboussure etAppelez-moi par votre nomle nouveau remake du réalisateur Luca GuadagninoSoupirs, un film qui remplace la fixation d'Argento sur la violence sexualisée par une ostentation d'art et essai. Dans sa version, Guadagnino redouble d'engagement envers l'esthétique qui a donné une telle résistance à l'original d'Argento, mais s'inspire d'un tout nouvel ensemble d'influences : l'architecture du bloc de l'Est de l'ère soviétique, le collage d'art populaire, l'art de la performance féministe des années 70, le films de Rainer Werner Fassbinder. Ce qui était brillant et coloré est maintenant bruineux et gris, et ce qui était sinistre est maintenant consciemment lourd. []
Nous devons parler de Kevin
Pour son adaptation radicale du livre de Lionel Shriver, la réalisatrice Lynne Ramsay (Callar du Morvern) renonce complètement au format épistolaire et tente d'accéder au psychisme troublé de la mère sans un souffle de narration. Et dans ses meilleures séquences, Ramsay exprime sa contrainte en termes visuels éblouissants, effondrant le passé et le présent dans une ruée associative d'images striées de rouge et de moments hors du temps d'une vivacité perçante. Lorsque le film s'installe enfin, il se transforme en scènes d'une Swinton zombie, après le massacre, essayant de continuer avec son fils (Ezra Miller) en prison et ses voisins exprimant ouvertement leur hostilité. Il retrace également la relation mère-fils depuis le début, alors qu'un nourrisson et un enfant en bas âge inconscients se transforment en un adolescent maussade, violent et effrayant, tandis que son père inconscient (John C. Reilly) détourne le regard. []
Tu n'as jamais vraiment été là
La dernière plongée de la réalisatrice Lynne Ramsay dans les tranchées les plus profondes et les plus diaboliques de la psyché humaine est aussi fracturée que la conscience de son protagoniste, l'assassin à gages physiquement intimidant et psychologiquement fragile Joe (Joaquin Phoenix). Ramsay oscille entre la sous-estimation et l'excès avec bravade, une tactique déstabilisatrice qui injecte dans chaque silence chargé un sentiment de terreur palpable. Le résultat est une fugue impressionniste d'un film qui illumine des moments de violence indescriptible avec l'indifférence aveuglante d'un flash, une série de photographies Polaroid cachées sous un matelas sale et taché de sang dans une chambre d'hôtel dévastée de Skid Row. Mais malgré toute sa misanthropie sinistre et large d'épaules,Tu n'as jamais été prêt icitrouve également le temps de vivre des moments d'une beauté simple et préservée, éphémères, mais néanmoins beaux. []
