La gamme de films originaux de Netflix varie énormément en qualité, allant des œuvres dignes d'un Oscar de certains de nos meilleurs cinéastes aux comédies romantiques qu'on ne souhaiterait pas à leur pire ennemi (attaché, dans une sorte deOrange mécaniquesituation). Mais ensemble, avec la bibliothèque passable du service de streaming, Netflix possède en moyenne l'une des bibliothèques les plus cohérentes. Et pourquoi ne le ferait-il pas ? C’est celui qui a poussé l’industrie dans l’ère du streaming en premier lieu.
Mais plutôt que de vous promener aveuglément dans le désert algorithmique, dressez cette liste, qui comprend des écrits perspicaces de bon nombre de nos collaborateurs.Club AVcinéphiles ? Votre guide de films Netflix incontournable. Faites votre sélection ici avant de vous installer pour entendre cet incontournable « tu-dum », ne serait-ce que pour éviter la fatigue de l'indécision qui vient d'un défilement sans fin.
Cette liste a été mise à jour le 1er octobre 2024.
Tout est calme sur le front occidental
Edward BergerTout est calme sur le front occidental, la troisième adaptation cinématographique majeure du roman légendaire d'Erich Maria Remarque, joue avec bon nombre des mêmes matières premières que celles de Mendes ? un succès plus récent, axé sur la Grande-Bretagne. Vous trouverez davantage de longs plans de charges futiles dans les tranchées, davantage de moments de calme avant l'inévitable tempête de guerre et davantage de jeunes acteurs jetés dans le creuset qui fait des garçons des guerriers. Mais dans un monde qui a depuis été ravagé par une pandémie et une nouvelle guerre européenne, le film de Berger évite les inévitables comparaisons avec Mendes (et encore moins avec le lauréat du meilleur film de Lewis Milestone en 1930) pour nous offrir plutôt quelque chose de plus sombre, de plus brutal, et peut-être plus honnête. Il s'agit d'un film sur les garçons qui ne rentrent pas à la maison, et son histoire s'avère à la fois profondément touchante et étonnamment intemporelle. [Matthieu Jackson]
Usine américaine
Le premier film de Higher Ground Productions de Barack et Michelle Obama est intrinsèquement politique, mais il est plus complexe que l’agitprop. Après la réouverture d'une usine fermée à Dayton sous la direction d'une entreprise chinoise de verre automobile, les réalisateurs Steven Bognar et Julia Reichert offrent un regard intime et surprenant sur la lutte pour mélanger deux cultures de travail. Ne tombant jamais dans la xénophobie ou la condescendance, leur documentaire souligne que les problèmes sont importants en raison de l'effet qu'ils ont sur les gens. [Allison Cordonnier]
Atlantiques
Chez Mati DiopAtlantiques, le mécontentement règne sur la ville portuaire de Dakar, où se dresse un gratte-ciel futuriste tel un phare cruellement conçu. Lors de sa première présentation, Souleiman (Ibrahima Traoré), l'un des ouvriers de ce projet de construction, réclame trois mois d'arriérés de salaire ; Lorsque lui et ses compatriotes sont repoussés, il se tourne vers son amante, Ada (Mama Sané), pour obtenir du réconfort. Leur relation, cependant, n'est pas plus sûre que son salaire, puisqu'elle est fiancée à Omar (Babacar Sylla), un riche homme d'affaires qui partage son temps entre le Sénégal et l'Europe, et qui peut offrir à Ada une vie d'aisance et de confort ? c'est-à-dire tout ce que Souleiman ne peut pas. Les deux amoureux envisagent de se retrouver ce soir-là dans leur repaire habituel, une discothèque en bord de mer. Mais lorsqu'Ada arrive à l'heure convenue, elle apprend que Souleiman et un groupe d'autres hommes ont mis le cap sur l'Europe en pirogue. Bientôt, il est révélé que leur bateau a coulé. Aucun survivant n’a été signalé. []
Barry
Le nom d'Obama n'est jamais prononcé une seule fois dansBarry, l'histoire d'origine présidentielle mineure de Vikram Gandhi.Ce n'est que dans les dernières minutes du film que le personnage principal s'appelle Barack - et seulement dans sa tête, lisant une lettre à son père absent. Annoncer de manière dramatique qu'une figure enjouée est en fait une personne célèbre avant qu'elle ne le soit est une convention biopic particulièrement éculée, maisBarryne l'évite pas juste pour rester en dehors de ?ssphère de la parodie. C'est également le cas parce que le jeune homme que nous regardons ici, un étudiant intelligent et solitaire, nouveau venu à New York et originaire de "Hawaï, d'Indonésie, du Kenya", vous l'appelez, est à des décennies et à des kilomètres du commandant en chef. -chef qu'il deviendra un jour. Il n'est pas encore le président Barack Obama. Pour les moments modestes relatés, il n'est que Barry. []
La ballade de Buster Scruggs
Tout le monde connaît le vieux principe selon lequel les films d’anthologie sont inférieurs à la somme de leurs parties ; c'est une histoire aussi vieille que le cowboy chanteur ou l'histoire des fantômes de la diligence. Joel et Ethan Coen devraient être particulièrement familiers, ayant contribué àParis, Je T?Aime et j'ai été confronté à des hypothèses selon lesquellesLa ballade de Buster Scruggsétait vraiment censé être une série télévisée. Mais il est difficile d’imaginer diviser leurs six mini-films occidentaux en une « saison » Netflix. parce qu'ils se complètent si gracieusement. Situées dans un monde souterrain séduisant entre la tristesse impitoyable de la vie réelle et la pulposité accrue des contes, les histoires vont d'une comédie musicale délicieusement mordante avec Tim Blake Nelson à un coup de poing déchirant avec Zoe Kazan, pour n'en nommer que deux. La mort hante le tout, qui se transforme en un film à la fois hilarant et feutré « The Mortal Remains ». un rapprochement aussi satisfaisant et ivre de langage que les Coens n'ont jamais concocté. Leur vision parfois fataliste les a étiquetés comme nihilistes, un groupe qu'ils ont attaqué ainsi que n'importe qui d'autre.Le Grand Lebowski. Mais les nihilistes ne réfléchissent pas autant aux fins. [Jesse Hassenger]
Carole
Si vous avez déjà regardémai décembreet que vous voulez plus de Todd Haynes dans votre vie, cette romance de vacances de la période 2015 avec une touche devrait bien faire l'affaire. Basé sur le roman de Patricia Highsmith de 1952Le prix du sel, il met en vedette Cate Blanchett dans le rôle principal (Carol a un double sens, voyez-vous), une femme qui entame une liaison avec une vendeuse (Rooney Mara) pendant la période des fêtes dans le New York des années 1950. C'est à parts égales de joie et de mélancolie, ce qui n'en fait peut-être pas le film le plus réconfortant, mais il est beaucoup plus proche de la capture du véritable esprit de la saison - des attentes exorbitantes suivies d'inévitables déceptions - que beaucoup d'autres, des tarifs de Noël incroyablement optimistes. [Cindy Blanc]
Came
Depuis des années, je trouve étrange qu'il n'y ait que deux ou trois bons films sur Internet, la chose la plus importante au monde. Mon souhait d'un film capturant fidèlement toute la connexion, la gratification, le désespoir et le désespoir de la vie en ligne s'est réalisé avec ce thriller sophistiqué, dans lequel une cam girl (Madeline Brewer, se présentant comme une véritable star) découvre que un sosie automatisé a repris sa chaîne. Il y a beaucoup à aimer ici, de la positivité sexuelle discrète à la comédie grinçante en passant par le délicieux tour de soutien deancienne sorcière de l'amourSamantha Robinson. Mais j'aimeCamemeilleur comme notre film le plus impitoyablement honnête sur les cauchemars du travail indépendant à plein temps. [Charles Bramesco]
Cowboy en béton
La tradition de l'équitation noire remonte à plusieurs siècles, les historiens estimant désormais que25% des cowboys du Far Westétaient noirs. Le premier long métrage de Ricky Staub,Cowboy en béton, poursuit sa mission consistant à intégrer cette sous-culture légendaire dans le courant dominant, en faisant d'Idris Elba le leader non officiel d'un groupe de cavaliers urbains noirs et ? Caleb McLaughlin comme son ex-fils. Alors que l'histoire commence, Cole (McLaughlin), 15 ans, est envoyé par sa mère de Détroit à Philadelphie pour passer l'été avec son père et échapper aux mauvaises influences qui ont conduit à son expulsion de l'école. Cole et Harp (Elba) se connaissent à peine, et Harp semble plus intéressé à prendre soin de son cheval – qui, dans l'un des détails les plus surréalistes du film, vit dans le salon de la maison en rangée délabrée de Harp – que son fils adolescent. La vue de Harp et de ses amis chevauchant des chevaux dans les rues de North Philly est cependant irrésistible, même pour un adolescent maussade. C'est ainsi que Cole commence son apprentissage auÉcuries de la rue Fletcher, domicile du club d'équitation dont les membres réels constituent une grande partie du casting de soutien du film. [Katie Rife]
Le diable tout le temps
Deux crucifixions menacent le réalisateur Antonio Campos ?Le diable tout le temps. Le premier est celui qui a tué Jésus-Christ. L'autre est celui dont Willard Russell (Bill Skarsgård), vétéran de la Seconde Guerre mondiale, est témoin aux Îles Salomon, lorsqu'il retrouve un camarade soldat qui a été écorché et pendu de son vivant. Lorsqu'il revient de la guerre dans sa maison du sud-est de l'Ohio, Willard n'est pas particulièrement religieux. Mais plus il s'enracine dans sa communauté et plus il pense aux choses terribles qu'il a vues, plus il devient fervent chrétien. L'histoire se concentre principalement sur le fils adolescent de Willard, Arvin (Tom Holland), qui endure une série de tragédies familiales qui le laissent aussi endurci que son père. Sans véritables objectifs à long terme, Arvin passe principalement ses journées à s'occuper de son propre peuple, et en particulier de son amie orpheline Lenora (Eliza Scanlen), qui est impitoyablement harcelée par les garçons plus âgés de leur école. Lenora est la fille du fougueux prédicateur Roy Laferty (Harry Melling), décédé dans des circonstances mystérieuses ; elle est secrètement séduite par le nouveau ministre, le révérend Preston Teagardin (Robert Pattinson), qui utilise les Écritures pour rabaisser et manipuler sa congrégation. Pendant ce temps, toute la zone est surveillée de manière très lâche par le shérif corrompu Lee Bodecker (Sebastian Stan), dont la propre sœur Sandy (Riley Keough) est la moitié d'un couple qui s'amuse en séduisant des voyageurs solitaires puis en les assassinant. (Jason Clarke joue l'autre mi-temps.) En bref :Le diable tout le tempsest le portrait d'un lieu peuplé de sales types et d'agresseurs, où la police et l'église offrent peu de refuge. [Noël Murray]
Divins
Divins,écrit et réalisé par la cinéaste franco-marocaine Houda Benyamina, rivaux comme portrait d'une banlieue combustible de féminité, dégageant une énergie brute et une bonne humeur décousue même s'il se termine par une finale étonnamment tragique et horrifiante. Le film présente également une performance potentiellement stellaire d'Oulaya Amamra, qui se trouve être la sœur cadette du réalisateur. Choisie malgré un appel au bétail au cours duquel Benyamina a regardé plus de 3 000 autres jeunes femmes, Amamra est si saisissante à l’écran que les pensées de népotisme semblent ridicules. [Mike D'Angelo]
Dolémite est mon nom
Pour un film où quelqu'un dit « enfoiré » ? toutes les quelques secondes,Dolémite est mon nomest étonnamment sain. Le film est un biopic sur l'humoriste et leader de la blaxploitation Rudy Ray Moore, originaire de l'Arkansas qui, après plusieurs tentatives infructueuses pour devenir célèbre, a finalement réussi à combiner les rythmes de la narration traditionnelle afro-américaine avec l'énergie sexuellement libérée des débuts. ?70s sur des ?disques de fête torrides classés X ? avec des titres commeMangez plus souvent au restaurant.Et en tant que tel, tout film sur la vie de Moore qui n'a pas inclure des blagues sales mur à mur ne rendrait pas service à son héritage grossier. Mais en même temps,Dolémite est mon nomprésente l'histoire de Moore comme une histoire inspirante et réconfortante sur les étrangers qui réussissent malgré toutes les difficultés. Et même si la sexualité de Moore étaitplus complexeCe que ce film laisse entendre, le caractériser comme un outsider qui force Hollywood à le remarquer par son talent et sa force de volonté est juste. [Katie Rife]
Le jeu de Gérald
Le jeu de Géraldn'est pas facile à vendre : non seulement le livre original de Stephen King est-il structuré de manière à le rendre extrêmement difficile à adapter, mais une grande partie se déroule dans l'esprit du personnage principal, Jessie (Carla Gugino), alors qu'elle est menottée à un lit, seule et incapable de s'échapper, après la mort de son mari en plein sexe pervers - mais elle aborde des thèmes très difficiles de l'abus sexuel et de la réduction au silence des femmes. Heureusement, le film de Flanagan est à la hauteur du défi, en grande partie grâce à Gugino et à sa performance convaincante, qui exprime habilement des émotions allant de la panique au chagrin en passant par le désespoir et la rage, parfois en même temps. Contrairement au méga-hit de Stephen King d'Andrés Muschietti,Le jeu de Géraldreste fidèle à la fin du roman de King. (Le film laisse également des références àDolorès Claiborne,La Tour Sombre, etDont,consolidant sa place dans le multivers de Stephen King.) Et bien que Flanagan et son co-scénariste Jeff Howard le rationalisent autant que possible, la conclusion digressive et riche en expositions de King nécessite toujours une voix off maladroite qui contraste fortement avec le reste. du film. (Soyons honnêtes : Stephen King est meilleur au début qu'à la fin.) Pourtant, dans l'ensemble, le projet passionné de Flanagan bénéficie de son style de réalisateur. Alors que la vague renouvelée d'intérêt pour Stephen King continue de déferler sur nos côtes cinématographiques, nous ne pouvons qu'espérer que les futurs adaptateurs et adaptations seront aussi bien adaptés. []
Oignon de verre : un mystère à couteaux tirés
est le premier (et probablement le seul) film sur la pandémie que je reverrai. Tout d’abord et surtout, la suite de Rian Johnson à son hit surprise de 2019 , est un vrai film, pas un pis-aller créatif ou un passe-temps comme ceux d'autres conteurs qui essayaient d'éviter l'ennui ou l'inactivité pendant qu'ils étaient enfermés chez eux. Mais comme son prédécesseur, il est intelligent, joyeux et plus qu'un peu espiègle, encore une autre manipulation/réinvention du polar classique, réalisé avec un casting dont le plaisir de travailler produit une expérience aussi exubérante pour eux comme pour les téléspectateurs. En bref, ce n'est rien de moins qu'une contre-programmation parfaite qui plaira à tous pour les gens qui ont envie de quelque chose qui n'est ni lié aux super-héros ni à l'horreur. Daniel Craig reprend son rôle de Benoit Blanc, détective sudiste à l'accent de Foghorn Leghorn, devenu déprimé et agité après avoir langui dans l'isolement pendant plusieurs mois sans cas complexes à résoudre. Blanc bénéficie d'un sursis opportun lorsqu'il est invité sur l'île privée de Miles Bron (Edward Norton) aux côtés d'un groupe de connaissances les plus proches du milliardaire excentrique. Comme presque tous les films de Rian Johnson (surtout les plus récents),Oignon en verreoffre une sorte de réalisation des souhaits du prolétariat sans exercer la droiture morale comme une épée frappant quiconque s’identifie à ses 1 pour cent ayant droit (et surtout, aspirants). Après plus de deux ans coincés à l’intérieur avec principalement nos angoisses collectives de nous tenir compagnie, cette sensation est particulièrement agréable ; son film offre à la fois une évasion, un commentaire astucieux et une catharsis viscérale – une énigme que peu de gens semblent actuellement capables de résoudre, mais qu'il donne l'impression d'être particulièrement facile. []
Heureux comme Lazzaro
La première moitié du film d'Alice RohrwacherHeureux comme Lazzarose déroule dans une ferme de tabac en métayage connue sous le nom d'Inviolata, dont le nom (littéralement « inviolé ?) évoque un lieu pur et intact, à l'abri des ravages du temps. À l'ouverture du film, une ampoule électrique, ce marqueur durable du progrès humain, circule dans une maison où il y en a manifestement trop peu. Bien qu'il soit vite clair que nous sommes dans une poche isolée de l'Italie rurale, il serait pardonné au téléspectateur de se tromper précisément surquandce conte a lieu. Et ce n'est pas un hasard puisque le bienheureux troisième long métrage du réalisateur italien (prix du meilleur scénario à Cannes, aux côtés de Jafar Panahi)3 visages) évoque pleinement un sentiment de dislocation temporelle - un sentiment d'être détaché du flux de l'histoire - et, ce faisant, clarifie notre rapport même à la modernité. [Laurent García]
Oiseau volant haut
La filmographie de Steven Soderbergh est parsemée de portraits de personnes très douées dans ce qu'ils font professionnellement, depuis l'escroc constamment mangeur de Brad Pitt dans leOcéan?franchise à l'agent étouffant les cuisses de Gina Carano dansDétraqué. DansOiseau volant haut, Soderbergh applique le même intérêt au monde puissant de la NBA, où tout le monde est à la recherche de pouvoir et de papier. Pendant un lock-out de six mois, l'agent Ray Burke (André Holland) envisage de révolutionner la façon de jouer au basket-ball. Sa vision est celle du travail organisé, de la solidarité ouvrière et de profonds bouleversements.Clair de luneLe dramaturge Tarell Alvin McCraney déplace habilement Ray des bureaux penthouse aux tribunaux communautaires alors qu'il critique chaque élément de ce système multimilliardaire. "Ils ont inventé un jeu par-dessus un jeu", dit l'entraîneur Spencer de Bill Duke à propos de la structure capitaliste du sport professionnel. CommentOiseau volant hautdes démontages qui en font l'un des films les plus urgents de Soderbergh depuis des années. [Roxana Hadadi]
Je suis la jolie chose qui vit dans la maison
La renaissance de l'horreur s'est poursuivie sans relâche en 2016, alors que des films comme,,,,Ne respire pas, a apporté une respectabilité accrue à ce genre souvent manqué de respect. Mais l'un des films d'horreur les plus singuliers de l'année,Je suis la jolie chose qui vit dans la maison, est toujours passé entre les mailles du filet. C'était peut-être le titre trop lourd. Peut-être était-ce dû au fait que le film, une expérience sensorielle immersive, soit allé directement sur Netflix. Je parierais que la vraie raison pour laquelle Oz Perkins ? une histoire de fantômes unique en son genre a été endormie ou même détestée (note moyenne duClub AVcommunauté de commentaires : C+), c'est qu'il est totalement en décalage avec les conventions et tendances contemporaines de l'horreur. C'est un exercice dans une atmosphère purement déstabilisante, tellement décalée qu'elle semble carrément hantée. Un petit culte, par opposition à une popularité généralisée, est probablement à propos de quelque chose d’aussi inhabituel et gratifiant. []
J'ai perdu mon corps
Le meilleur film d'animation de 2019 parle en partie d'un jeune homme solitaire et malchanceux qui tombe amoureux, et en partie d'une main coupée qui rampe lentement à travers une ville remplie de dangers à petite échelle. Les deux pièces se complètent, poussant fréquemmentJ'ai perdu mon corpsvers le poétique et la métaphorique. Mais le film est aussi tout simplement magnifique et passionnant à chaque instant – à la fois comme une romance discrète et comme un thriller sanglant. [Noël Murray]
Je pense mettre fin aux choses
"C'est bien de se rappeler que le monde est plus grand que dans votre propre tête", a-t-il ajouté. Jake (Jesse Plemons) dit à Lucy (Jessie Buckley) au débutJe pense mettre fin aux choses, la plongée exaspérante de Charlie Kaufman dans le terrier du lapin de son imagination sans limites. Kaufman nous assure-t-il ou lui-même ? À la fin de cet étrange film - peut-être le plus intransigeant et le plus déconcertant, ce qui veut vraiment dire quelque chose - nous n'avons aucune garantie que le monde qu'il dépeint existe en dehors de la tête de quelqu'un. La question est peut-être simplementdont? Il s'agit d'un head trip sous la forme d'un road trip. Jake a invité Lucy, sa petite amie depuis quelques semaines seulement, à venir rencontrer ses parents dans le nord de l'État de New York, un long trajet en voiture malgré une météo qui se dégrade. Les deux sont des millennials intelligents et anxieux ; ils parlent avec des références enivrantes, bien que souventàau lieu deàl'un l'autre. Ils semblent plus superficiellement compatibles que Joël et Clémentine, les anciens et futurs amants deSoleil éternel de l'esprit impeccable, mais une rupture pourrait encore être imminente. Lucy pense mettre fin aux choses, après tout – quelque chose qu'elle nous répète à plusieurs reprises à travers un monologue interne continu qui ne cesse d'être piétiné par des intrusions de bavardages. (Il convient de rappeler que Kaufman fait de la voix off avec plus d'intelligence, de détermination et d'insistance que presque tous ceux qui travaillent aujourd'hui.) [AA Dowd]
L'Irlandais
Un jour, Martin Scorsese mourra. C'est une chose difficile à accepter – difficile parce que ce sera une perte énorme pour la culture cinématographique, mais aussi assez difficile à accepter.croire. Scorsese, avec un très vif 77, était partout en 2019 : déclenchant unedébatsur ce qu'est ou n'est pas le cinéma ; inspirantautomnecoupstellement redevable à son style qu'il aurait dû recevoir des redevances ; producteur exécutif de deux desautrefilmssur cette même liste et reconstituer unconcert perdu de Bob Dylan. Et pourtant à regarderL'Irlandais, son opus gangster pour mettre fin à tous les opus gangsters, doit sans cesse rappeler la promesse de mortalité – la sienne, la nôtre, celle de tous. Ne vous y trompez pas, il s'agit d'un film de trois heures et demie remarquablement animé, dramatisant un demi-siècle de crime organisé à travers des confrontations sombres (et une performance démesurée d'Al Pacino) si délirantes et drôles qu'elles ont déjà généré toute une bibliothèque de mèmes. Mais dès le premier plan, une parodie morbide de la séquence de Copacabana dansLes Affranchis, Scorsese met en avant l’inévitable. Et son film devient, dans sa dernière partie magnifiquement sombre, une méditation sur les véritables conséquences de la vie de la mafia, la fin ignoble qui attend des hommes comme Henry Hill, Sam Rothstein et le propre protagoniste du film, le tueur à gages de la mafia Frank Sheeran (Robert De Niro, transformant la somnolence de son œuvre contemporaine en un portrait dévastateur de l'absence morale). Une des nombreuses ironies du film est qu'il utilise des moyens résolument modernes - de la technologie vieillissante aux ressources des plateformes de streaming - pour faire l'éloge d'un genre séculaire et des carrières des artistes qui l'ont façonné. Mais quelle que soit la fermeté avec laquelle Scorsese s'est implanté à l'avant-garde, aussi pertinent et vital soit-il, et, oui,vivants'il reste un artiste, son dernier triomphe est une claire reconnaissance de ce qui s'en vient. Si nous avons de la chance,L'Irlandaisdit, nous pouvons choisir notre propre cercueil. Regarder le film, il est difficile de se débarrasser du sentiment que Scorsese a choisi le sien. [AA Dowd]
Le fond noir de Ma Rainey
« La vie peut changer en un clin d’œil ? fait partie de ces clichés qui semblent plus hyperboliques qu’ils ne l’ont en réalité. Même s'il peut sembler dramatique de suggérer que de véritables millisecondes peuvent modifier radicalement la trajectoire de l'existence d'une personne, le fait intimidant n'en demeure pas moins que la vie est délicate et inconstante. Le regretté dramaturge August Wilson a exploré autant de choses dansLe fond noir de Ma Rainey, dans lequel le traumatisme et l'orgueil d'un homme conduisent à une chute de grâce énorme et rapide comme l'éclair. À la base,La pièce de Wilson de 1982 est une allégorie tragique sur la nature extrêmement ténue du rêve noir américain et sur le fait que, pour un trop grand nombre de personnes dans ce pays, la prospérité ne se résume pas seulement à un travail acharné, mais aussi à la réparation de torts plus importants et à la victoire sur des obstacles systématiques. À cette fin, un revers apparemment mineur peut être catastrophique pour quelqu'un qui dépend d'un succès retentissant pour survivre - une réalité que Wilson explore à travers la figure de Levee, un jeune trompettiste ambitieux qui, en l'espace de quelques heures, perd tout : son emploi. , son intérêt amoureux et, via le vol créatif, bien plus encore.Maman Raineyest la ballade d'un talent prometteur dont l'étoile montante est éclipsée sans ménagement. Cet aspect prend une nouvelle signification – une ironie particulièrement cruelle – dans la nouvelle adaptation de George C. Wolfe. Après tout, Levee est joué par Chadwick Boseman, dans son dernier rôle à l'écran. Le film a plus que sa part d'éléments dignes d'un toast, de son ensemble pointu à ses clins d'œil respectueux au Chicago des années 1920 et au vieil Hollywood, grâce à la cinématographie éclairante de Tobias A. Schliessler. Mais l'apparition de l'acteur, dans une dernière prestation de star formidable, ne fait que renforcer la puissance tragique du matériau. [Shannon Miller]
Maestro
Bradley CooperMaestroest une ode inspirée au regretté grand Leonard Bernstein. C'est aussi une déconstruction épineuse du trope de l'homme en tant que génie torturé, remplie d'une concentration compatissante sur sa femme soumise et le lien qu'ils ont partagé pendant près de trois décennies. D'une portée ambitieuse et mettant en vedette deux performances puissantes en son centre, la sortie de Netflix tient la promesse faite dans les débuts de Cooper,Une étoile est Born, une autre romance musicale en coulisses qui explorait la promesse et le prix de l'ambition. Le tour de force de la séquence d'ouverture est une première indication que l'acteur-réalisateur a offert à Matthew Libatique (A Star Is Born, Black Swan) une nouvelle occasion de montrer pourquoi il est l'un des cinéastes les plus passionnants travaillant aujourd'hui. Le travail de Libatique avec Cooper et Darren Aronofsky a montré qu'il est un directeur de la photographie qui sait comment naviguer au mieux entre des scènes d'émerveillement crépitantes et cinétiques et des moments d'aliénation intime soigneusement chorégraphiés. Maestro est peut-être son couronnement, un exercice de fluidité contrôlée – des éclats assurés et confiants de spontanéité en bouteille – qui reflète la sensibilité et les talents de Bernstein. [Manuel Bétancourt]
Histoire de mariage
Dans le style le plus de Noah Baumbachcompletimage à ce jour, le fidèle cinéaste indépendant combine les vignettes vivantes de tranches de vie deFrances Haavec l'auto-examen sans faille deLe calmar et la baleine. Il raconte également une histoire riche et provocatrice, celle de deux personnes fondamentalement honnêtes qui souffrent énormément une fois qu'elles soumettent leurs différends irréconciliables à la justice brutale du tribunal de la famille. Adam Driver et Scarlett Johansson, rejoints par un casting de stars, sont à leur meilleur, apportant une telle nuance à leurs personnages que le public peut comprendre à la fois pourquoi ce couple est tombé amoureux et pourquoi ils doivent se séparer. MaisHistoire de mariageest vraiment le spectacle de Baumbach, car il reprend ce qu'il a appris de Brian De Palma etLe New-Yorkaisdes histoires courtes, brisant l'arc d'un divorce désordonné en une série de décors captivants. [Noël Murray]
mai décembre
Dès son tout premier plan Todd Haynes ?mai décembres’annonce comme une provocation follement enivrante et intentionnellement stridente. Les images en gros plan des papillons monarques et de leurs jardins de fleurs bien entretenus environnants sont marquées par le thème du film de Joseph Losey de 1971, The Go-Between. La musique dramatique et archaïque confère un sentiment déconcertant aux scènes de vie domestique (un repas entre amis et en famille à Savannah, en Géorgie) qui suivent bientôt. Une juxtaposition aussi choquante, mieux résumée par ladite musique menant à un personnage se plaignant de ne pas avoir assez de hot-dogs, met en place un film qui veut suturer le sinistre et le banal, créant ainsi une méditation magistrale sur la performance et la prédation. [Manuel Bétancourt]
Les histoires de Meyerowitz (nouvelles et sélectionnées)
Personne ne doute comme Noah Baumbach ; ses personnages se demanderaient à haute voix ce qu'ils auraient pu faire pour figurer sur la bonne liste des meilleurs, avec une ironie démentant leurs insécurités.Meyerowitz, vaguement structuré comme une série de nouvelles, présente une certaine ressemblance superficielle avec les films de Wes Anderson, l'ami de Baumbach, en particulierLes Tenenbaum royaux, mais cela inverse la dynamique familiale d'un père vaurien qui élève des enfants génies rabougris. Harold Meyerowitz (Dustin Hoffman) est comme un enfant Tenenbaum enragé, ignorant à moitié ses enfants qui réussissent mais non glamour, et Baumbach capture à la fois l'affection et la réalité désagréable de traiter avec un parent au mieux médiocre dont l'humanité fragile reste dans vue complète. Ce film n'est pas aussi vif que ses collaborations avec Greta Gerwig, mais il est très drôle et magnifiquement joué, en particulier par Adam Sandler, le meilleur en carrière, dans le rôle d'un père au foyer qui adore sa fille adolescente intelligente. Aucune hésitation n’est nécessaire pour que je puisse appeler cela un autre moment fort de la carrière de Baumbach. []
Boueux
Tiré des pages du best-seller international d'Hillary Jordan en 2008,Boueuxa le poids – la richesse narrative et thématique, le fourré de personnages, d'intrigues secondaires et d'incidents qui s'étendent sur des années – d'un livre que vous ne pouvez pas lâcher. Mais si le film est romanesque dans son ampleur, peut-être parfois à tort, il est écrit aussi bien en poésie qu'en prose. Pour Dee Rees, scénariste et réalisateur de la tendre (bien que dramatiquement trop familière) sensation de SundanceParia, cette belle adaptation littéraire est un grand pas en avant en termes de portée et de savoir-faire : une deuxième balançoire pour les clôtures. Mais Rees ? les sensibilités singulières ne se sont pas atténuées avec l’expansion de ses ambitions. Ils brillent toujours, illuminant la vision de Jordan des difficultés, des conflits latents et des inégalités raciales dans le Mississippi des années 1940. []
La nuit vient pour nous
Fusionnant les thèmes d'un film d'action classique de Hong Kong avec le chaos d'un film d'arts martiaux indonésien moderne et suffisamment de gore pour satisfaire les fans d'horreur extrême sur le circuit de minuit, Timo Tjahjanto'sLa nuit vient pour nousprend ?une effusion de sang héroïque ? à un nouveau niveau de nausée indescriptible et éclaboussée d’intestins. Comme souvent, le symbole de l'innocence prend la forme d'une petite fille : Joe Taslim est le dangereux tueur qui ne recule devant rien pour la protéger ; son la co-star Iko Uwais est l'ancien partenaire du gangland envoyé pour l'abattre. Mais le véritable conflit central dans ce panorama de mort et de démembrement se situe entre les personnages archétypaux et codés et les tas de corps ensanglantés et découpés qu'ils laissent dans leur sillage. [Ignace Vishnevetski]
Pas de rancune
La star de cinéma est bel et bien vivante. Jennifer Lawrence prouve, une fois de plus, qu'elle peut porter un film par la seule force de son magnétisme à l'écran et de son agilité dans la performance. Lawrence est l'attraction principale et la raison pour laquelle le film fonctionne quand il fonctionne. Elle est tellement engagée dans le rôle qu'elle rend ce personnage parfois abrasif, parfois déroutant, tout à fait séduisant. En guise d'alouette estivale, No Hard Feelings constitue une belle diversion. Les fans de Lawrence trouveront beaucoup à aimer et son engagement physique dans la comédie devrait ajouter à son troupeau d'admirateurs. [Murtada Elfadl]
Nyad
Le principe est peut-être simple et le résultat presque prévisible (surtout si vous avez vu des nouvelles de Diana Nyad en septembre 2013), mais cela ne rend pas son histoire moins convaincante. Surtout parce que la scénariste Julia Cox (qui travaille sur l'autobiographie de Nyad,Trouver un moyen) formesNyadcomme un portrait dans un acharnement obstiné. Sonnant parfois comme un mélange entre un conférencier motivateur tenace et un athlète trompé avec un complexe de supériorité (et peut-être étant un peu des deux), Diana d'Annette Bening est tellement concentrée sur la réalisation de son rêve d'un marathon de natation depuis Cuba. à Key West qu'elle ne se laisse aucune place à l'échec. Comme le lui dit Bonnie (une Jodie Foster ensoleillée et chaleureuse), la simple pensée de cela est insensée et l'échec est ce à quoi elle doit le plus faire face : même si nous voyons des images de ses tentatives de 1978,Nyadse concentre sur les quatre essais qu'elle a organisés dans les années 2010, chacun apparemment plus périlleux que le précédent, chacun offrant des défis plus difficiles qu'elle doit surmonter. Si, en fin de compte,Nyadressemble à un drame sportif bien huilé qui plaira au public avec un message réconfortant (bien que légèrement insidieux) sur le fait de ne jamais abandonner, qui n'émousse pas son impact. Nous n'avons peut-être pas tous l'endurance nécessaire pour accomplir quelque chose de proche de ce que fait Diana, mais il y a quelque chose à dire sur un film qui élève l'aspiration simple mais poétique de tirer le meilleur parti de sa vie sauvage et précieuse. []
La vieille garde
AvecLa vieille garde,Amour et basketetAu-delà des lumières La réalisatrice Gina Prince-Bythewood dirige un hybride action-fantastique qui prend les grains de beauté – et les verrues – de chaque genre et crée une suite pour Netflix. Le film suit un groupe idéaliste de héros qui partagent tous un fil conducteur : ils peuvent vivre des siècles. Le groupe titulaire est dirigé par Andy (Charlize Theron), avec Booker (Matthias Schoenaerts), Joe (Marwan Kenzari) et Nicky (Luca Marinelli) constituant le reste de l'équipage. Lorsqu'une nouvelle guerrière immortelle, Nile (Kiki Layne), les rejoint, elle déclenche une prise de conscience avec les idéaux de la Garde et l'image rose qu'ils tentent de défendre. Greg Rucka écrit le scénario, refaçonnant son propre roman graphique et faisant autant pour conserver le ton et l'agencement des personnages que Gillian Flynn l'a fait pour elle.Fille disparue adaptation, par exemple. Dans une vie antérieure, cela serait un tournage de film B standard. Mais, comme le présente Prince-Bythewood,La vieille gardeest un ensemble efficace et tendre de contradictions, une rampe de lancement de franchise sur (entre autres) les fins. [Anya Stanley]
L'autre côté du vent
Pour citerPics jumeaux: ?Quelle année sommes-nous ?? Après plus de quatre décennies passées dans les limbes de la post-production, Orson Welles ? le projet final arrive comme une missive d’une époque révolue. Rien de moins qu'un acte herculéen de chirurgie reconstructive,L'autre côté du ventraconte l'histoire apparemment familière du mentor surpassant de son protégé (Brooks Otterlake de Peter Bogdanovich) (Jake Hannaford de John Huston), ici dans le contexte hollywoodien des années 70. Mais c'est aussi une implosion délirante et follement divertissante de métatexte instable, rempli de rappels incessants, de bons mots flétris et d'envois à peine voilés de personnalités alors contemporaines, sans parler de certains des plus électriques (et sans vergogne libidineux). ) le cinéma de Welles ? carrière légendaire. Basculant librement entre images en noir et blanc et photographies couleur sinistres, il s'agit d'un véritable objet prismatique, une sorte de cristal craquelé d'autant plus fascinant par ses supposés défauts. Le mettre sur une liste de fin d’année semble inadéquat. [Laurent García]
Paddleton
S'ouvrant sur un diagnostic de cancer qui se révèle bientôt en phase terminale,Paddletonéquivaut plus ou moins à une heure et demie de suicide assisté au ralenti. Cela vous semble amusant ? Remarquablement, ce duo à petit budget – arrivant sur Netflix quelques semaines seulement après sa première à Sundance – parvient à générer pas mal de rires, même s'il rend pleinement justice à la gravité sous-jacente du scénario. Écrit par Alex Lehmann (qui a également réalisé) et Mark Duplass (qui joue également l'un des deux rôles principaux),Paddletontire son inspiration émotionnelle deConditions d'affection,élargir la dernière partie de ce film en un long métrage complet et remplacer les liens mère-fille par l'amour profond mais généralement tacite partagé par deux copains masculins. Un peu de tricherie est nécessaire pour obtenir la dynamique épurée que Lehmann et Duplass voulaient apparemment, mais le résultat est un portrait atypique et intime d'une amitié alimentée par la testostérone. [Mike D'Angelo]
Le pouvoir du chien
Le pouvoir du chiendévoile ses secrets de manière délibérée et mesurée, s'enrichissant à chaque nouvelle révélation. Le dialogue est minime, tout comme les histoires et l'exposition. La réalisatrice Jane Campion s'appuie sur des repères visuels pour transmettre des nuances subtiles dans la dynamique entre les personnages, un peu comme le changement des saisons à l'extérieur des murs en bois sombre du ranch. La signification d’un moment ne sera peut-être claire que plus tard dans le film. Prenez, par exemple, Rose avalant un cocktail d'un seul coup après avoir échoué à impressionner les invités de George - un acte impulsif qui s'avérera changer la vie. Les performances sont superposées. Bien qu'il incarne un personnage redouté par tout le monde autour de lui, comme Peter, Cumberbatch s'abstient de toute explosion voyante, choisissant plutôt de transmettre la vision rigide du monde de Phil à travers une posture raide, des mots haineux et un regard intense et perçant. Dunst cache le désespoir de Rose jusqu'à ce qu'elle n'en puisse plus, la peur et la tristesse s'échappant d'elle alors qu'elle trébuche, ivre, pieds nus, dans la cour du ranch, vêtue uniquement d'une combinaison. George n’a pas un tel point de bascule ; ses émotions restent enfermées tout au long, agitées derrière le niveau de respectabilité. Le Peter sensible et érudit de Smit-McPhee contient également des profondeurs intérieures turbulentes, comme nous l'apprenons lorsqu'un lapin de compagnie devient un modèle de dissection pour l'aspirant médecin. Ce pouvoir, la capacité de regarder plus profondément et de voir au-delà de l'évidence, sera essentiel à la survie de Peter. C'est aussi essentiel dans le film de Campion. []
Vie privée
« C'est ma vie privée ? » s'écrie Danny Elfman dans la chanson Oingo Boingo du même nom. "Viens et sors-moi d'ici." C'est plus ou moins ce que ressentent Rachel (Kathryn Hahn) et Richard (Paul Giamatti) dans Tamara Jenkins ? troisième long métrage tant attendu, qui explore dans des détails minutieux, souvent atroces, les efforts herculéens de ce couple infertile pour concevoir ou adopter un enfant. Jenkins a apparemment vécu beaucoup de choses cela elle-même (ce qui explique en partie pourquoi cela fait 11 ans depuisLes sauvages), et elle enfile l'aiguille de manière experte, trouvant des moyens de rendre son épreuve à la fois scrupuleusement précise et extrêmement divertissante. Et le récit qui émerge progressivement, dans lequel Rachel et Richard deviennent les parents de substitution de leur nièce d'âge universitaire (Kayli Carter), qui se porte volontaire pour donner des ovules, transmet magnifiquement l'idée que l'amour et les conseils ne nécessitent pas nécessairement une famille traditionnelle. structure, et que parfois on trouve ce qu'on cherche sans même s'en rendre compte. [Mike D'Angelo]
Crête rebelle
Tout au long de sa série de films à suspense, le réalisateur Jeremy Saulnier a trouvé de nombreuses façons de serrer la vis à ses personnages et à son public : obliger les gens ordinaires à faire face à une violence horrible, bloquer les personnages dans le calme troublant des arrière-pays américains, explorer et exposer le désordre peu pratique de la vengeance. Saulnier donne le coup d'envoiCrête rebelleavec une nouvelle astuce, élégante dans sa simplicité : observer le visage d'Aaron Pierre. Il a le regard sévère et les yeux perçants d'un héros d'action poussé trop loin par l'homme, mais il ne pousse jamais Terry jusqu'au bout dans l'éloignement de l'homme qui fétichise la souffrance silencieuse.Crête rebelleinverse la dynamique de SaulnierRuine bleue, où un homme cherche une vengeance sanglante sans être pleinement préparé à ce que cela implique. Ici, les antécédents militaires de Terry l'ont préparé à une situation qu'il fait de son mieux pour éviter, alors qu'une faille juridique réelle particulièrement exaspérante déclenche l'une des chaînes de terreur croissantes de Saulnier. Toujours,Crête rebelleil n'y a pas de conférence sur la confiscation des biens civils ; c'est aussi fondamentalement satisfaisant qu'un grand western. []
Rome
Alfonso Cuarón poursuit son film de science-fiction à succèsPesanteuravec quelque chose d'inattendu : une tranche de vie intime et semi-autobiographique, qui se déroule au début des années 70 à Mexico. Encore plus surprenant ?Romea tout autant de panache cinématographique que les précédents films fantastiques et comédies sexuelles du réalisateur. Tourné en noir et blanc de rêve (avec Cuarón lui-même comme directeur de la photographie), le film retrace la dissolution d'un mariage, ainsi que les changements sociaux au Mexique, à travers les yeux de la femme de chambre d'une famille de classe moyenne, Cleo. (Yalitza Aparicio). Dans de longues prises étonnamment bien chorégraphiées, Cuarón crée l’impression d’un monde plus vaste se précipitant devant la fenêtre d’une maison de plus en plus dysfonctionnelle. Mais sa caméra revient sans cesse vers Cleo, alors qu'elle gère les petits drames domestiques - y compris certains des siens - tout en contemplant tranquillement ce qui donne un sens à sa vie. [Noël Murray]
€€€
Plein de héros hauts en couleur, de méchants diaboliques, de séquences d'action époustouflantes, de numéros de danse vertigineux et, surtout, d'une amitié vertueuse, animée par une créativité fiévreuse et un sentiment aigu et sans ambiguïté de fierté pour le peuple indien et son histoire, le scénariste-réalisateur SS Rajamouli ?s épopée en langue Telugu€€€» a été la sensation du bouche-à-oreille de 2022. Et sur grand ou petit écran, il faut simplement le voir. Se déroulant dans l'Inde des années 1920, le film met en vedette NT Rama Rao Jr. dans le rôle de Bheem, un guerrier et protecteur de la tribu Gond qui vient à Delhi pour sauver une jeune fille nommée Malli (Twinkle Sharma) après qu'elle ait été enlevée par le tyrannique gouverneur britannique Scott Buxton ( Ray Stevenson) et son épouse Catherine (Alison Doody). Lorsqu'un responsable régional prévient les Britanniques de la mission de Bheem, Buxton sollicite un volontaire, l'officier A. Rama Raju (Ram Charan), pour l'appréhender en échange d'une promotion dans les rangs de la police d'État. Bien que Bheem dissimule son identité, les deux hommes se croisent alors qu'ils sauvent un jeune garçon d'un accident de train, et ils développent bientôt une puissante amitié sans se rendre compte qu'ils sont en réalité des adversaires. Pour entrer dans€€€« et se mettre sur sa longueur d'onde » est moins un défi qu'un cadeau pour le public, et un rappel du pouvoir des films à transporter, transformer, divertir et inspirer, dans n'importe quelle langue. [
Rustin
Reconnu pour avoir initié le Dr King au concept de résistance non-violente et pour avoir orchestré la marche de 1963 sur Washington, Bayard Rustin était une force au sein d'un mouvement qui se méfiait néanmoins de lui en raison de ses liens passés avec le communisme et de son homosexualité sans vergogne, ce qui faisait de lui un un paria parmi les dirigeants noirs en quête de respectabilité pour leur mouvement. Il n'est donc pas étonnant que les écrivains Julian Breece (Quand ils nous voient) et Dustin Lance Noir (Lait), et le réalisateur George C. Wolfe (Le fond noir de Ma Rainey), souhaiterait apporter une histoire commeRustinà la vie. Colman Domingo dépeint Rustin avec une grandiloquence excentrique, un esprit pétard et un désir tendre extrêmement divertissant. Après un prologue dans lequel le Dr King refuse de défendre l'implication continue de Rustin dans le mouvement, conduisant à une rupture entre eux, le film passe à 1963 lorsque Rustin, ostracisé, déclenche l'effort populaire pour organiser la plus grande manifestation pacifique du pays. histoire à Washington, un événement qui le réunirait avec King pour le film « I Have a Dream ? discours. En guise de démonstration de l'effort collectif nécessaire pour réaliser un tel événement, le film communique efficacement le génie du leadership de Rustin, ainsi que l'hostilité à laquelle il a été confronté de la part de ses supposés alliés de la NAACP et d'autres dirigeants noirs. [Leigh Monson]
Les escrocs
À Singapour en 1992, Sandi Tan et ses deux meilleurs amis décident de réaliser un road movie indépendant avec leur énigmatique professeur de cinéma Georges Cardona. Inspiré des auteurs indépendants américains de l'époque, leur film,Les escrocs, était sur le point de créer un nouveau cinéma national. Mais à la fin du tournage, Cardona s'est enfui avec les images, pour ne plus jamais être revu. Plus de 25 ans plus tard, Tan a récupéré les images (sans le son) et a réalisé un documentaire de type mémoire sur la réalisation turbulente du film et ses conséquences, les récupérant ainsi des mains de son mentor sociopathe. Tandis que l'histoire deLes escrocsFascinant en soi, le film de Tan sert également d'hommage aux artistes underground d'antan. Tan et ses amis, avec leur syndicat clandestin de cassettes vidéo et leurs fanzines internationaux, étaient des pionniers de la contre-culture quand et où cela avait encore un sens. LeLes escrocsLe documentaire ressemble autant à une relique artisanale d’une autre époque qu’à son inspiration originale perdue et retrouvée, ce qui rend sa sortie sur Netflix d’autant plus ironique. []
Société de la neige
Il est choquant que le crash du vol 571 de l'armée de l'air uruguayenne ait inspiré des adaptations aussi ternes de l'affaire déchirante, dans laquelle une équipe de rugby et leurs amis et leur famille sont bloqués dans les montagnes enneigées des Andes pendant 71 jours.Survivre!, une production mexicaine à petit budget de 1976, a mis en avant la valeur d'exploitation du schlock qui était populaire dans les films catastrophes de l'époque. 1993 est formidable mais défectueuxVivant, du réalisateur Frank Marshall, a utilisé un casting américain et s'est fortement penché sur le mélodrame et le sensationnalisme. La dernière version de la tragédie, du réalisateur/co-scénariste espagnol JA Bayona?Société de la neige, cherche à redonner l’honneur à ces hommes et femmes courageux qui ont affronté des obstacles insurmontables. Bayona n'est pas étranger à la capture d'épreuves humanistes et motivées par le deuil, l'ayant fait avec beaucoup de grâce dansL'Impossible. AvecSociété de la neige, Bayona et les scénaristes Bernat Vilaplana, Jaime Marques et Nicolás Casariego suivent la carte que l'auteur Pablo Vierci a dessinée comme guide, mais le résultat est un film moins centré sur les personnages ? psychés individuelles et plus encore sur les détails factuels d'un drame humain fascinant de la vie réelle. [Courtney Howard]
Spider-Man : à travers le Spider-Verse
Les cinéastes derrière le film oscariséSpider-Man : dans le Spider-Verseétaient assez intelligents pour savoir ne pas gâcher le succès. Pour la suite, ils ont pris tout ce qui fonctionnait dans l'original et l'ont rendu plus grand, plus étrange et plus beau. Dans une année avec plus que sa part de films d'animation formidables, se distingue par ses designs imaginatifs et ses personnages dynamiques. De l'ambiance aquarelle maussade de Gwen Stacy à l'esthétique du collage de papier de Spider-Punk en passant par le vibrant Mumbatan de Pavitr Prabhakar, c'est un kaléidoscope d'images en constante évolution qui ne vous font jamais oublier que vous regardez une œuvre d'art en mouvement. [Cindy Blanc]
Le calmar et la baleine
Émotionnellement oscillé entre sanglots angoissés et rires amers,Le calmar et la baleineest parfois drôle, mais il ne sacrifie jamais la vraisemblance pour rire. Évitant la stylisation simple, parfois précieuse, des films d'Anderson, Baumbach crée des scènes qui semblent entièrement extraites des moments les plus angoissants de sa jeune vie. C'est un regard sans faille et honnête sur une famille qui se sépare, et il frappe rarement une note peu convaincante ou inauthentique. Bien qu'il examine le terrain émotionnel rocheux de l'adolescent depuis la distance de sécurité de l'âge adulte,Le calmar et la baleinerésonne encore de la piqûre d’une nouvelle blessure. []
Le film Super Mario Bros.
DansLe film Super Mario Bros., les frères Mario et Luigi ont déménagé de l'Italie/Japon/Moo Moo Farm à Brooklyn, New York, où ils tentent de lancer une entreprise de plomberie. Alors que les frères font ressortir leurs accents italiens caractéristiques (c'est moi ?) dans les publicités télévisées pour leur nouvelle entreprise de plomberie, ils ont par ailleurs adopté de nouvelles voix fournies par Chris Pratt (pour Mario) et Charlie Day (pour Luigi). Après une malheureuse visite à domicile, les plombiers tentent de sauver la face en réparant le système d'égouts de la ville de New York (déplacez-vous, le maire de la ville de New York, Eric Adams), pour ensuite être aspirés dans un tuyau de distorsion qui dépose Mario dans le royaume du champignon avec la princesse. Peach (Anya Taylor-Joy) et Luigi dans un monde souterrain sombre rempli de Dry Bones et de Shy Guys. En fin de compte, les fans de Nintendo trouveront certainement dans le deuxième film Mario (contrairement au premier) une excellente façon de passer 92 minutes. [Matthieu Huff]
Sous l'ombre
Il y a un moment dansSous l'ombreoù l'héroïne fait quelque chose que les gens dans les films de maisons hantées ne font presque jamais : elle attrape son enfant et se précipite vers la porte d'entrée. Les ajouts récents au genre ont conçu des justifications intelligentes pour garder les personnages implantés, allant deàà l'explication selon laquelle les fantômes vont simplement. MaisSous l'ombrecoupe tout ce bruit, permettant à son protagoniste effrayé et stupide de faire une pause raisonnable pour lui. Le problème, c'est que cette jeune mère vit à Téhéran vers 1988 et, dans sa course instinctive à la sécurité, elle ne parvient pas à se couvrir la tête avec un hijab. Oubliez d'abandonner la maison hantée. Combien de films d’horreur mettent en scène quelqu’un fuyant la terreur impie qui régnait chez lui, pour ensuite être arrêté pour ne pas porter de tenue convenable en public ? [AA Dowd]
L'hiver en feu : la lutte de l'Ukraine pour la liberté
L'hiver en feu : la lutte de l'Ukraine pour la libertéreprésente une nouvelle génération de documentaires qui reflète ce bouleversement majeur. Commandé par Netflix et réalisé par le cinéaste russe Evgeny Afineevsky,L'hiver en feun'est-ce pas le premier documentaire sur les manifestations d'Euromaidan qui ont eu lieu de novembre 2013 à février 2014, ni nécessairement même le meilleur ; Sergueï LoznitsaMaïdan, qui couvre un territoire similaire, est sorti aux États-Unis il y a presque exactement un an et a reçu des critiques élogieuses. Mais oùMaïdanse concentre sur les manifestants eux-mêmes (en mettant l’accent sur un portrait « en coulisses » de la solidarité),L'hiver en feu, qui a utilisé une douzaine de caméras filmant en permanence pendant trois mois, fournit ce qui équivaut presque littéralement à un compte rendu détaillé de toute la confrontation cauchemardesque, rassemblant tellement d'images déchirantes qu'on ne peut rien faire d'autre que rester bouche bée d'horreur. Il y a une énorme différence entre voir de temps en temps 20 ou 30 secondes bouleversantes aux informations du soir et assister à une descente progressive vers l'anarchie pure, comme cela arrive. [Mike D'Angelo]
