Les 25 meilleurs albums de 2024

25. Le Quatuor Dur,Le quatuor dur

Wilburys itinérants pour les enfants cool de la table de la génération X, The Hard Quartet surmonte les stigmates de leur nom loufoque avec un premier album qui rassemble toutes les forces des quatre hommes impliqués. Stephen Malkmus, le leader de Pavement, Matt Sweeney de Chavez/Zwan, Emmett Kelly, collaborateur de longue date de Will Oldham, et Jim White, le batteur de Dirty Three, se connaissent depuis des décennies, et cette camaraderie rend ces 14 chansons à la fois familières et fraîches. . Et avec Malkmus, Sweeney et Kelly se relayant au micro, des chansons comme le « Earth Hater » incliné et enchanté, le charmeur de tabouret de bar « Rio's Song » et le « Our Hometown Boy » évoquant Alex Chilton abritent la fluidité de la confiance qui ne semble transpirer que d'une rencontre à Malibu entre vieux amis. Nous espérons qu’il s’agit d’un supergroupe qui jouira d’une durée de vie plus longue que ceux qui l’ont précédé. [Ron Hart]

23. Faye Webster,Sous-habillé à la Symphonie

Faye Webster ouvre son cinquième album avec « Thinking About You », une sérénade soft-rock qui se balance et se balance pendant plus de six longues et belles minutes. Le morceau pourrait facilement se terminer à mi-parcours, et beaucoup de gens préféreraient qu’il en soit ainsi. Mais l'auteur-compositeur d'Atlanta continue, répétant le titre rêveur comme un mantra, alors que les leads de guitare harmonisés scintillent comme des étoiles lointaines sur des vagues de piano et de glockenspiel. C'est l'expression ultime du « vibe first »—et cela ressemble à la mission centrale du chill de bon goûtSous-vêtu à la Symphonie, qui utilise le roucoulement vaporeux de Webster comme texture dans une mosaïque plus grande. C'est un geste audacieux mais satisfaisant, car les arrangements explosent de couleurs, de l'art-soul métamorphe de « Lego Ring » (avec Lil Yachty) au rock de chambre glacial de « But Not Kiss ». [Ryan Reed]

22. Maggie Rogers,Ne m'oublie pas

"It Was Coming All Along" est le titre du morceau phare du chagrin d'amour de Maggie RogersNe m'oublie pas, mais cela pourrait tout aussi bien décrire l’album dans son ensemble. L'écriture de Rogers a toujours eu une qualité sage au-delà de ses années, mais cette confiance n'a jamais été aussi évidente qu'à travers ces 10 chansons. Si vous pouviez retenir la douce douleur de la nostalgie mélangée à la dernière brise d'une chaude journée d'été, cette recette sonnerait un peu comme « So Sick Of Dreaming », « The Kill » ou l'excellente chanson titre de l'album. En canalisant ses ancêtres comme Brandi Carlile et Joni Mitchell, Rogers devient complètement folk en chantant sur l'enfance, l'amour perdu et le passage inévitable du temps. Avec un tel élan, nous ne pourrions pas l'oublier si nous essayions. [Emma Keates]

21. Impératrice de,Pour votre considération

Le quatrième album de Lorely Rodriguez sous le nom d'Empress Of est peut-être son plus accessible, mais il n'est pas moins complexe ou intéressant que ses œuvres précédentes. En fait,Pour votre considération- son titre exprimant même le désir d'être, sinon aimé, du moins largement apprécié et respecté comme seul quelqu'un dans l'industrie du divertissement peut l'exprimer - possède le genre d'art pop qui peut conquérir aussi bien les fans occasionnels que les critiques fervents. Rodriguez mélange son talent pour la mélodie avec la production d'un who's who des producteurs de danse les plus remarquables de 2024 ; voir : le rythme époustouflant de Nick Sylvester pour « Femenine », le mélange de motifs flamenco de Casey MQ avec un rythme house pour « What Type Of Girl Am I ? ». MaisPour votre considérationest également tout à fait disposé à abandonner le facteur cool pour de gros refrains vulnérables. Rodriguez termine l'album, en collaboration avec MUNA, sur une note de passion confuse. "Je ne voulais pas avoir quelqu'un dont j'avais besoin / Mais si ce n'est pas de l'amour, peux-tu me dire ce que signifie l'amour ?" elle chante. On dirait qu'elle connaît la réponse. [Drew Gillis]

20. Billie Eilish,Frappe-moi fort et doucement

Après avoir remporté son deuxième Oscar de la meilleure chanson originale, Billie Eilish semble faire partie intégrante d'un nouvel établissement émergent ; peu d’autres artistes de sa génération ont remporté autant de récompenses. Compte tenu de toutes ces distinctions, c'est tout à son honneur queFrappe-moi fort et doucement, son troisième album, ne semble ni complaisant ni calculateur. Certes, les surfaces sont peut-être plus lisses et les tempos généralement plus lents, mais sous ce vernis froid, Eilish semble agitée, prête à explorer de nouveaux territoires émotionnels avec un sentiment d'urgence tranquille. Cette détermination contrôlée confère une douce douleur au tube « Birds Of A Feather » tout en imprégnant « Lunch » d’une charnalité vorace. [Stephen Thomas Erlewine]

19. Charley Crockett,10 $ Cowboy

Le premier des deux excellents albums livrés cette année par Charley Crockett,10 $ Cowboytrouve l'homme le plus travailleur de la musique country se plongeant dans un groove doux et réfléchi. Crockett est toujours un troubadour texan, chantant ses appels de malchance et ses ballades de perdants d'une voix aiguë et solitaire et laissant place au cri plaintif d'une guitare en acier. Ce n’est cependant pas une affaire austère. Si10 $ CowboyC'est un retour en arrière, c'est l'époque glorieuse du country progressiste, où les hymnes de la classe ouvrière étaient habillés de cordes et soutenus par des rythmes soul du sud. Le toucher doux fait descendre facilement les chansons tristes. Crockett a suivi10 $ Cowboyquelques mois plus tard avecVisions de Dallas, un disque country plus simple qui a néanmoins permis à l'auteur-compositeur-interprète de conserver un sens similaire du swing soul. [Stephen Thomas Erlewine]

18. Redd Kross,Redd Kross

Ces anciennes adolescentes de Hawthorne, en Californie, ont entre 50 et 60 ans en 2024. Mais 45 ans après avoir éclaté en tant qu'enfants de la scène punk de Los Angeles, les frères Jeff et Steve McDonald possèdent toujours le même dynamisme juvénile qui a ébloui l'alternative. fans de rock tout au long des années 80 et 90. Pourtant, sur leur neuvième album parfait, éponyme en hommage aux BeatlesAlbum blanc, le groupe – qui comprend également le guitariste Jason Shapiro et le batteur de Melvins Dale Crover – utilise la sagesse de leurs années collectives pour produire un double album de power pop chevronnée qui atteint tous les objectifs. Des chansons comme « Stunt Queen », « Terrible Band » et « Emanuelle Insane » – ces 18 morceaux, d’ailleurs – incarnent essentiellement l’éclat de la marque Redd Kross mieux que tout ce que ces gars ont fait depuis.Déphaseur.Serait-ce le meilleur album de leur illustre carrière ? Les signes indiquent que oui, mais il y a de fortes chances qu'ils puissent se surpasser en matière de suivi. [Ron Hart]

17. Mdou Moctar,Funérailles pour la justice

Rares sont ceux qui jouent de la six cordes avec autant de force et de fureur que Mdou Moctar, le guitariste touareg du Niger. Le dernier LP de Moctar,Funérailles pour la justice, est une éruption d’émotion, canalisant la rage et l’horreur, mais jamais le désespoir, des conflits politiques mondiaux. Sur des rythmes dansants et syncopés, Moctar rebondit sur le manche, tirant et martelant les cordes comme si sa hache était en feu. À certains égards, c’est le cas. Le blues nerveux et désertique de « Djallo #1 » et l'hypnose circulaire « Takoba » enchantent avec une concentration aiguë, superposant des leads de guitare héroïques sur la voix illimitée et vivifiante de Moctar. Le plus proche, "Modern Slaves", rassemble une communauté de chants, clôturant l'album avec un sentiment de calme et de solidarité, faisant allusion à la prochaine version acoustique de l'album,Des larmes pour l'injustice, à venir en 2025.Funérailles pour la justiceest un message politique pointu et fièrement psychédélique sur la vie et la violence dans son pays d'origine, l'Afrique. La guitare de Moctar enflamme le bûcher funéraire pour que tous puissent le ressentir. [Matt Schimkowitz]

16. Johnny Ciel Bleu,Passage Du Desir

Sturgill Simpson a dévoilé pour la première fois le nom de plume Johnny Blue Skies surUn guide du marin sur Terre, enterrant l'appellation dans les notes de doublure. AvecPassage Du Desir, il a mis Johnny Blue Skies sur le devant de la scène, attribuant son huitième album à son alter ego. Le changement de nom coïncide avec un changement d’attitude.Passage Du Desirtrouve Simpson adoucissant sa position iconoclaste, se relaxant dans des grooves doux et émouvants sans abandonner son envie de voyager musical. Simpson repousse encore les limites de la musique country métamoderne – le dernier « One For The Road » se transforme en jams psychédéliques dignes de Pink Floyd – mais la clé du disque est la légèreté de « Scooter Blues », où il accepte avec bonheur les détails banals de la musique domestique. bonheur. [Stephen Thomas Erlewine]

15. Friko,Où nous sommes allés, où allons-nous à partir d'ici

Il est facile d'avoir l'air cool dans les communiqués de presse et les citations, en citant les Beach Boys et Modest Mouse aux côtés de Frédéric Chopin et Philip Glass. Il est beaucoup plus difficile de fusionner ces influences avec cohérence et originalité—un exploit que ce duo de Chicago réalise sur leur passionnant premier album,Où nous sommes allés, où allons-nous à partir d'ici. Prenez, par exemple, le point culminant du milieu de l'album « Chemical », qui émerge d'une brume ambiante dans une tension rapide de « Ave Maria », puis quelques riffs post-punk élastiques, accentués par des voix de style choral. Il s'avère que Friko est à l'aise pour voyager à peu près n'importe où : ballades au piano et aux cordes (le très Elliott Smith "For Ella"), power-pop à tendance emo ("Get Numb To It!"), et le genre de un rock indie du début des années 2000 que peu de gens réussissent de manière convaincante (« Crimson To Chrome »). Plus, s'il vous plaît. [Ryan Reed]

14. Père John Misty,Mahashmashana

Face à une année aussi difficile que celle-ci, il est important de se donner un peu d’espace pour se vautrer sans sombrer dans un désespoir complet et total. C'est le projet du Père John MistyMahashmashana, une ode cinématographique radicale au nihilisme qui, d’une manière ou d’une autre, ne cède jamais à ses tendances les plus dépressives.Mahashmashanavoit FJM alterner entre son orchestration classique des années 70, sa disco et sa pop de stade pure, mais tout cela s'assemble d'une manière ou d'une autre pour créer un portrait magnifique et pleinement réalisé de notre époque. Sa plume reste toujours aussi aiguisée sur des morceaux comme « Josh Tillman And The Accidental Dose » et le remarquable « I Guess Time Just Makes Fools Of Us All », alors qu'il chante « Pynchon yuppies », une « poupée himbo Ken » et obtenir conseils de carrière d'un serpent à sonnette mort. Oui, l'album se lit parfois comme un programme universitaire, mais au final, le voyage est si satisfaisant que cela ne vous dérangera pas de faire le travail. [Emma Keates]

13. Kim Deal,Personne ne t'aime plus

Kim Deal est tellement associée aux Breeders, les légendes du rock alternatif qu'elle a guidées à travers des changements de line-up et des interruptions intermittentes au cours des 35 dernières années, que l'idée d'un album solo de Kim Deal semblait inutile.Personne ne t'aime plusprouve que cette hypothèse est fausse. La construction d’un album solo permet à Deal de s’aventurer dans un nouveau territoire musical, en soutenant « Nobody Loves You More » avec des cordes et en soutenant la pop ensoleillée de « Coast » avec des cuivres. Toutes les nouvelles et somptueuses textures sont contrées par des secousses de bruit, des appareils électroniques cloîtrés et des guitares floues, tout cela prouvant qu'elle n'a pas abandonné le rock & roll hérissé qui est son métier. La liberté musicale permet à Deal d'être émotionnellement sans surveillancePersonne ne t'aime plus, traitant les récentes pertes de ses parents et de Steve Albini, ami et collaborateur depuis son passage dans les Pixies, avec une franchise lucide. L’immédiateté du sentiment est frappante, surtout lorsqu’elle est combinée avec une perspective musicale expansive. [Stephen Thomas Erlewine]

12. MJ Lenderman,Feux d'artifice

Héritier présumé du royaume des fainéants, MJ Lenderman reprend ce que Neil Young écrivait dans les années 1970, en mettant autant l'accent sur les chansons hirsutes que sur les guitares négligées.Feux d'artifice, la suite du célèbre film de 2022Chansons de bateau, avance à un rythme nonchalant, un rythme qui permet à Lenderman de s'attarder avec sa guitare et de formuler ses observations arrogantes avec un haussement d'épaules qui masque la précision de son langage. Son regard de travers rafraîchit sa forme délibérément rétro, mais son adhésion à l'album rock à l'ancienne signifieFeux d'artificejoue comme un vieux favori, où les chansons s'infiltrent dans le subconscient à chaque tour suivant. À un moment donné, cela finit aussi par ressembler à un disque classique. [Stephen Thomas Erlewine]

11. Tyler, le Créateur,Chromacopie

Au cours de la dernière décennie, et surtout depuis 2017Garçon de fleurs, Tyler, The Creator a opté pour un son qui lui appartient indéniablement, alternant entre des morceaux énormes, fanfarons et percussifs et des morceaux plus funky, plus introspectifs et vocaux.Chromokopiea les deux en grande quantité - "Like Him" ​​est un exemple particulièrement magnifique de ce dernier - et c'est un compliment. Lorsque vous trouvez un style qui fonctionne, l’opportunité est alors de continuer à l’affiner. C'est exactement ce que fait Tyler ici, en utilisant l'album pour explorer des thèmes nouveaux, et souvent plus matures, que ses travaux précédents. « Hey Jane » explore une grossesse inattendue et demande s'il est prêt à être parent ; Le single « Noid » sonde l’accès que les gens s’attendent à avoir au rappeur alors qu’il ne fait que devenir plus célèbre. MaisChromokopiec'est aussi souvent très amusant; sur le morceau « Sticky », par exemple, Tyler mène un défilé de fanfaronnade avec Lil Wayne, Sexyy Red et GloRilla. Il l'a plus que mérité. [Drew Gillis]

10. Beyoncé,Cowboy Carter

Le deuxième volet de la trilogie d'albums prévue par Beyoncé célébrantcontributions négligées des artistes noirs à la culture musicale américaine,Cowboy Carterest nominalement un album country. Certainement,Cowboy Cartera les attributs de la country : Willie Nelson et Dolly Parton sont tous deux apparus sur le disque, tout comme Shaboozey et Post Malone, et il y a des mélanges de danse en ligne, des ballades et des brûleurs lents country-soul. Ce qui rend l'album fascinant, c'est que ces fils explicitement country font partie d'une tapisserie qui tisse ensemble le rock'n'roll, le folk, le funk et même les Beatles, dont « Blackbird » est interprété par Beyoncé aux côtés de Tanner Adell, Brittney Spencer, Tiera. Kennedy et Reyna Roberts. Peu de disques en 2024 offraient un texte aussi riche et révélateur queCowboy Carter, un album dont l'audace conceptuelle ne remplace jamais les plaisirs viscéraux. [Stephen Thomas Erlewine]

9. Doechii,Les morsures d'alligator ne guérissent jamais

Doechii s'est faufilé sur tous ceux qui n'y prêtaient pas suffisamment attention et a réalisé l'un des plus grands tours de star de 2024. Au-delà d'une belle apparition sur Tyler, le créateurChromokopie, la rappeuse de 26 ans a présenté son propre travail sous sa forme la plus claire et la plus confiante à ce jour avecLes morsures d'alligator ne guérissent jamais. L'album capture souvent la sensation brumeuse d'une journée d'été humide, la climatisation inexistante et un ventilateur de bureau soufflant paresseusement de temps en temps dans votre direction. La native de Tampa garde rarement son sang-froid, se livrant plutôt à des mises en scène qui rappellent le meilleur des premiers travaux de Nicki Minaj. « Denial Is A River » est une conversation complète avec elle-même, réfléchissant aux épreuves et tribulations des cinq dernières années ; « Boiled Peanuts » voit le maître de cérémonie prononcer un refrain comme un méchant de dessin animé. « Nissan Altima » en particulier montre sa dextérité rythmique, se comparant à Carrie Bradshaw et se surnommant la « Madone lyrique ». Il y a une multitude d'idées ici et Doechii fait avancer les choses : la grande majorité des chansons durent moins de trois minutes. Entre de mauvaises mains, cela pourrait facilement être épuisant, mais ici, c'est passionnant. [Drew Gillis]

6. Jessica Pratt,Ici dans le pitch

Ici dans le pitchtrouve Jessica Pratt allant au-delà des arrangements épurés, presque squelettiques, qui caractérisaient ses trois premiers albums, le tout sans perdre son sens d'une intimité délicatement rendue et douloureusement ressentie. Des notes de pop de chambre et de bossa nova résonnentIci dans le pitch, remontant à la surface sous forme d'accords jazzy, de cordes spectrales, de piano fané et de percussions mélodramatiques. Toute cette instrumentation supplémentaire est réalisée à une échelle modeste. Pratt déploie les couleurs dans sa palette sonore élargie avec précision, laissant de légers accents et des phrases passagères façonner la poussée émotionnelle du disque. Ces choix nuancés fontIci dans le pitchse sentir incroyablement hors du temps : c'est un album qui capture le sentiment d'introspection crépusculaire. [Stephen Thomas Erlewine]

5. Cindy Lee,Soixantenaire

Sortant de l'éther numérique,Soixantenairese sentait détaché de la réalité de 2024, tant dans la forme que dans le contenu. Cindy Lee – le pseudonyme de Patrick Flegel, ancien leader du groupe indépendant Women de la fin des années 2000 – s'appuie sur de vastes réservoirs d'histoire de la pop et du rock indépendant, associant des mélodies de groupes de filles au primitivisme stylisé du Velvet Underground. C’est un son à la fois familier et étranger, comme une hallucination à moitié mémorisée. Comme un rêve,Soixantenaires'étend avec sa propre logique interne. Il disparaît doucement et se termine brusquement, passant ses deux heures à parcourir des mélodies soupirantes, des fuzz métalliques, des harmonies pétillantes et des mélanges inquiétants. Là où d'autres albums d'une longueur considérable tendent à développer leur propre élan,Soixantenaireau lieu de cela, dérive et flotte, invitant l'auditeur à se perdre dans sa brume. [Stephen Thomas Erlewine]

3. Le remède,Chansons d'un monde perdu

Chansons d'un monde perducommence à la fin. «C'est la fin de chaque chanson que nous chantons», chante Robert Smith sur «Alone», le morceau d'ouverture de l'album. "Le feu s'est réduit en cendres et les étoiles se sont obscurcies par les larmes." Il faut environ trois minutes et demie pour arriver à ces mots ; la première moitié de la chanson est entièrement composée d'instruments éthérés, atteignant un point d'ébullition avant que la voix de Smith n'intervienne enfin. À travers les huit chansons de l'album, Smith médite sur le temps : comment il nous glisse si rapidement entre les doigts, et combien il en a relativement peu. est parti. Il a commencé The Cure quand il était adolescent, chantant sur l'attente d'une fille qui l'appelle à la fin de la nuit. Aujourd'hui, à 65 ans, il chante la fin de tout : son travail, sa carrière, son héritage. Sa vie. Pour être honnête, Smith a toujours été un peu obsédé par la mort, mais les choses se passent différemment maintenant. Bien plus qu'un album de retour,Chansons d'un monde perdurétablit Smith comme l’une des voix les plus vitales de la musique rock. «Je vais me perdre dans le temps», chante Smith sur l'album plus proche, «Endsong». "Ce ne sera pas long." Espérons qu'il se trompe à ce sujet. [Jen Lennon]

1. Waxahatchee,Sang de Tigre

Sur le troisième morceau deSang de Tigre, Katie Crutchfield, l'artiste solo derrière Waxahatchee,invoque David Foster Wallace. « C'est de l'eau », chante-t-elle, faisant référence au livre de l'auteur.célèbre discours d'ouvertureà la promotion de 2005 du Kenyon College. Lorsque le discours a été publié sous forme de livre imprimé après sa mort, il était accompagné d'un sous-titre :Quelques réflexions, prononcées lors d'une occasion importante, sur la vie d'une vie compatissante. AvecSang de Tigre, Crutchfield soutient que chaque occasion est significative, chaque moment que nous vivons mérite d'être examiné et contemplé. C'est également ce à quoi Wallace voulait en venir : nous devons constamment nous rappeler d'être présents et de nous engager avec empathie avec le monde qui nous entoure, et c'est difficile, tellement difficile, mais cela en vaut finalement la peine. "C'est une perte de sang", poursuit Crutchfield. Vivre avec ce genre d’hyper-conscience vous épuise, mais cela peut aussi vous soutenir, comme elle le réalise dans la chanson suivante. « Votre amour écrit sur un chèque en blanc / Portez-le autour de votre cou / J'étais perdu », chante Crutchfield sur « Right Back To It ». La voix de Crutchfield est lente et délibérée, superposée à des instrumentaux d'inspiration country qui défient le genre. (Sang de Tigrea été nominé pour le meilleur album Americana aux Grammys, le premier clin d'œil en carrière de Crutchfield à la cérémonie annuelle de remise des prix, et c'est à peu près ce qui se rapproche le plus de mettre la musique de Waxahatchee dans une boîte soigneusement étiquetée.) Les chansons surSang de Tigrerayonnent d'empathie, mais Crutchfield est également ouvert à la recevoir, apprenant à naviguer dans le monde sans s'y perdre. [Jen Lennon]