Les 25 films d'horreur corporels les plus goopis, les plus grodibonds et les plus noueux, classés

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Lorsqu’on nous demande d’imaginer « l’horreur corporelle », nous évoquons des images que l’on peut décrire comme répugnantes : croissances de nouveaux appendices, jets de pus et de sang, mutation dermatologique vers une nouvelle forme abjecte. Mais c'est là que réside la beauté du genre : et si vous ne pouviez pas vous éloigner de quelque chose d'horrible, car il est impossible d'échapper à votre propre chair et à votre propre sang ? Si vous vous retrouvez dans un film d'horreur corporelle – peut-être avez-vous partagé un trajet dans une capsule de téléportation avec un insecte, ou avez-vous été invité par le clergé transdimensionnel à élargir vos horizons pervers – vous êtes probablement en train de perdre votre pouvoir d'action à cause de choses bizarres qui se produisent. votre peau, vos organes ou vos tissus. Si vous avez la chance de simplement voir un autre pauvre con être victime d'une métamorphose inhumaine, vous êtes probablement terrifié à l'idée que tout cela puisse vous arriver. Après tout, vous avez aussi un corps et vous venez de constater par vous-même quelques raisons horribles de vous en méfier. Mais peut-être que dans les deux scénarios, vous trouverez quelque chose de libérateur dans une nouvelle perception de votre corps, de votre peau ou de votre conscience. L'horreur corporelle ne considère pas seulement le corps comme un lieu de violation, mais de fascination ; Les cinéastes explorent depuis des décennies une intimité tactile qui attire autant qu'elle repousse, et se concentrer sur la tension entre ces impulsions nous a donné le meilleur, le plus bizarre et le plus étrange regard sur ces sacs de chair que nous transportons avec nous.

Une satire éclaboussante de célébrités de Coralie ForgeatLa substance,l'intention de la transformation du corps central est toujours limpide, mais même si le film se sent tactilement redevable à l'histoire de l'horreur corporelle (tout en essayant également d'élargir ses horizons gluants dans l'espace grand public), il ne fait qu'effleurer la surface de ce qu'est le genre. capable sur le plan émotionnel et sensoriel. Pour célébrerLe fondLes nouvelles contributions secrètes de à l'un des genres les plus difficiles du cinéma, nous avons classé 25 points forts dans le canon de l'horreur corporelle. (Pour montrer à quel point le genre peut être flexible, nous avons également limité notre liste à un film par réalisateur.)

Néo-noir frémissant et sardonique pour commencer, ce film canadien se concentre sur Mary Mason (Snaps au gingembreKatharine Isabelle), une étudiante en médecine vivant sur le fil du couteau entre épuisement professionnel et richesses mal acquises. Une interview pour se produire dans un club de strip-tease mène à une intervention chirurgicale d'urgence sur des gangsters, avant que Mary ne se tourne vers le travail dans la communauté de niche de la modification corporelle, où les gens paient des fortunes pour obtenir le corps de leurs rêves - qui est généralement une réinterprétation unique et abstraite de ce qu'est un corps. peut être. Désireuses d'humaniser ceux que la société considère instinctivement comme « bizarres » et de montrer la pourriture sombre et misogyne ancrée dans les institutions organisées, les jumelles identiques Jen et Sylvia Soska mélangent le pulp des films B avec une vision provocatrice des horizons de l'autonomie corporelle.

À titre d'avertissement : nous allons voir dans cette liste de nombreux personnages ayant des aspirations en matière de carrière médicale. Cela ne veut pas dire que tout le monde en médecine aime secrètement les trucs étranges et bizarres, mais ce n'est pas comme si vous aviez de nombreuses occasions d'ouvrir les gens et de gâcher leurs entrailles en travaillant dans les communications, n'est-ce pas ? Au cas où ce ne serait pas clairExcisionest un film de série B sur une banlieue absurde, il y a des camées de John Waters, Ray Wise et Malcolm McDowell, mais le récit se concentre sur une lycéenne perturbée Pauline (AnnaLynne McCord) dont le désir fébrile de dérouler le corps humain fusionne avec une haine de l'artificialité insensée de sa mère contrôlante. Peut-être qu'une lame de chirurgien pathologiste est nécessaire pour se libérer de l'emprise psychologique de la banlieue.

La tristessesurpasse la férocité de28 jours plus tard, mettant en vedette un virus aéroporté répandu dans toute la ville et qui transforme ses hôtes taïwanais en créatures hargneuses et ricanantes, capables d'une violence horrible et explicite. L’agent pathogène viole et profane les corps, et ses victimes lui rendent la pareille en violant et en profanant tout homme, femme ou enfant non infecté sur son passage. La transformation impie au cœur de l’horreur corporelle, généralement localisée sur un seul individu, se déroule ici à grande échelle : ce sont les règles et les comportements de la société qui sont corrompus au point de devenir méconnaissables. En se concentrant sur un jeune couple qui se bat pour se réunir en toute sécurité, le réalisateur canadien Rob Jabbaz trouve une profonde veine de… eh bien, de tristesse dans son assaut incessant d'horreur à coups de poings blancs et à vous faire ramper la peau.

Nous utilisons ces premières entrées pour mettre en avant des films qui abordent l'horreur corporelle sous des angles peu orthodoxes, même s'ils ne représentent pas les sommets gluants que le genre peut atteindre. Ce thriller psychologique retrace un monde de désir malformé et de paranoïa ingestive sans avoir recours à des effets spéciaux courageux. Hunter (Haley Bennett) vient d'épouser un riche héritier (Austin Stowell) et, dans une rébellion tacite contre le fait de devenir une commerçante étouffée, elle commence à manger des objets dangereux et indigestes. Hunter reçoit un diagnostic de pica, un besoin psychologique de consommer ce qui ne peut pas être consommé, et nous fait ressentir un inconfort intolérable à mesure que l'ampleur et la netteté de sa nourriture augmentent jusqu'à son point de rupture. C'est un exemple parfait de la tradition de l'horreur corporelle auto-infligée : quelqu'un en marge cherchant la liberté à travers un changement dangereux que d'autres trouvent abject et horrible.

D'accord, oubliez ces approches sensibles de l'horreur corporelle pendant une seconde ; le caricatural et carrément immondeDéchets de rueest là pour choquer et dégoûter. À seulement quelques pas au-dessus d'une version de Troma, à la fois en termes de portée artisanale et intellectuelle, ce « film de fusion » dystopique et comique noir retrace une série de sans-abri se transformant en glu de couleur pastel après avoir goûté à la liqueur de malt la moins chère qu'un commerçant de Brooklyn a à offrir. Il s'avère qu'il s'agit d'un poison vieux de 60 ans, et une hystérie maniaque envahit bientôt la communauté - en particulier parmi les anciens combattants traumatisés du Vietnam - entre les plans méchants et voyeuristes de gens hurlants se fondant dans de la bave.Déchets de rueporte son caractère trash avec fierté, conscient de l’exploitation de son utilisation des traumatismes du monde réel et ne dirigeant que la méchanceté vers ceux que les Américains considèrent comme indésirables ; des déchets comme celui-ci sont si amusants car ils se déroulent dans une version de dessin animé biaisée de notre monde afin que nous puissions être divertis par ses provocations, tout en comptant également sur une large sous-section de son public révoltée et consternée par l'endroit où elle va. L'horreur corporelle est confrontante car elle vous demande si vous voulez être dans la foule de monstres qui en profitent, et le ton fébrile de ce film culte et sans goût est aussi agréable que les coups d'argent dégoûtants.

L’un des films les plus troublants sur l’abstinence concerne également le vagin denté, un conte populaire très répandu sur les femmes dont les dents tapissent les organes génitaux. Dawn (Jess Weixler) a une vie familiale difficile et est régulièrement ostracisée pour sa joyeuse campagne en faveur du célibat chez les adolescentes, mais des désirs contradictoires et des hommes prédateurs déclenchent une découverte biologique bouleversante qu'elle ne peut pas contrôler.Dentsest une comédie noire, et certains de ses changements de ton les plus délicats menacent de faire chavirer l'élan d'horreur, mais l'intimité de la mutilation du corps et l'intensité de la panique de Dawn alors qu'elle la provoque aident.Dentslaisser une marque durable.

Il existe de nombreux films d’horreur corporelle extrêmement subtils et frémissants, mais cela ne signifie pas que nous devrions rejeter d’emblée ceux qui sont criards et peu subtils. L'ancienne It girl Elisabeth Sparkle (Demi Moore) est consumée par sa crise de la quarantaine teintée de sexisme à Hollywood et se tourne donc vers un bioproduit clandestin qui donne naissance à Sue (Margaret Qualley), une version plus jeune et ambitieuse d'elle-même avec un sa propre volonté, qui mène bientôt une guerre sanglante et gluante contre son homologue. Coralie Forgeat rejoint la belle tradition des réalisateurs français qui réalisent des films sur l'étrangeté de l'Amérique avec une satire brûlante et hurlante du plaisir malsain qu'Hollywood prend à dégrader ses talents féminins - même s'il peut s'amuser un peu trop en cours de route. . Demi Moore est excellente en tant que personne essayant de reprendre le contrôle de son récit et de son corps, alors que Margaret Qualley compose une performance parfaitement observée et complètement artificielle alors que les deux moitiés d'une star hollywoodienne tentent de se mutiler (et donc de se mutiler) dans une tentative. défier la biologie. Soyez prévenu : cela devient dégueulasse, mais là encore, le showbiz aussi.

L'un des rares phénomènes de bouche à oreille qui a tenu la promesse sensationnaliste de « la chose la plus folle que vous verrez cette année », le giallo élégant et noueux de James Wan. riff reprend la pseudoscience et la fausse psychologie criminelle qui fréquentaient les films de Dario Argento et les combine avec un gore époustouflant et une action physique élastique. Si tu n'as pas vuMalin, son inclusion ici révèle un peu le tour dingue du troisième acte, mais ce serait un mauvais service de ne pas reconnaître qu'aucun film d'horreur en studio de la dernière décennie n'a éclaté comme celui-ci.Malincomprend que perdre le contrôle de ce qu'il y a sous votre peau et briser votre psychisme provoque l'horreur corporelle la plus forte ; ici, une excroissance maligne extrême prépare sa propre rébellion contre le corps qui l’a involontairement réprimée pendant des années.

Le remake de Chuck Russell du film original de Steve McQueen fait tout son possible pour subvertir les rythmes fatigués des films B des années 50 à chaque instant : tuant des protagonistes sportifs, mettant joyeusement en scène les meurtres les plus viscéraux et impliquant le gouvernement américain dans Conspiration historique du Blob. Ici, l'horreur corporelle vient d'une force extérieure inhabituelle - personne n'est blessé à moins d'entrer en contact avec notre tueur, la grande entité gélatineuse rose et translucide - mais de l'imagination vertigineuse que Russell, le co-scénariste Frank Darabont et le superviseur des effets Tony Gardner applique sur ses Blob Kills qui font fondre la peau, provoquant une peur si intense des blessures corporelles que vous vous éloignerez de l'écran au cas où le Blob commencerait à en sortir.

Le film le plus commercial de Ken Russell reprenait de nombreux thèmes de son travail d'art et d'essai : le corps comme hôte d'impulsions et de désirs basiques, l'esprit subconscient cartographié sur une toile visuelle, les transgressions violentes poussant au-delà des murs de notre monde. Ici, un chercheur scientifique (William Hurt) introduit un mysticisme chamanique marginal dans ses expériences sur la conscience, qui l'enferment dans des sorts prolongés et d'isolement à l'intérieur d'un réservoir de privation sensorielle. Les expériences l’envoient dans un endroit complètement nouveau et libérateur – mais recodent ainsi son cerveau et son corps. Avec les explosions d’images chrétiennes incendiaires et le sentiment croissant que le contrôle sur notre propre matière a été complètement abandonné, Russell met en scène une nouvelle méthode ambitieuse et provocatrice de dissection et de reconstruction du corps sur film.

Pour emprunter leformulation délicate d'un tweet emblématique: Et si votre père avait été enlevé par des ALIENS mais qu'il revenait et qu'il était un FREAKY GOBLIN et que vous aviez des POUVOIRS PSYCHIQUES ? La Grande-Bretagne a toujours eu une relation difficile avec l’horreur – même s’il existe de nombreux exemples de contes gothiques effrayants, leur industrie cinématographique a toujours été réticente à l’idée de se livrer à des sensations fortes et peu sophistiquées, quel que soit leur succès commercial.Xtroest emblématique des transgressions des loyers basl’ère des « vidéos méchantes », cette histoire de perversion d'une cellule familiale voit un père absent (Philip Sayer), disparu des années auparavant dans la lumière vive d'un OVNI, revenir auprès de sa femme et de son fils dans le seul but de propager sa nouvelle race extraterrestre de manière dégueulasse et invasive. L'horreur de la grossesse et les images qui évoquent la peur des abus remplissent ce film d'exploitation inconfortable, et parmi toutes les créatures qui se précipitent et les abcès paranormaux se trouve l'histoire conflictuelle d'un père imposant sa volonté sur l'avenir de l'enfant qu'il a abandonné.

L'ancien photographe de mode Carter Smith s'est essayé à l'horreur corporelle depuis le début de sa carrière cinématographique (découvrez son court métrage priméÉcrasement de bugset débuts en studio,Les ruines) maisAvaléporte ses motifs récurrents de morsures venimeuses et de relations homosexuelles dangereuses à un nouveau niveau. Deux jeunes homosexuels gâchent leur dernière nuit ensemble avec un trafic de drogue bâclé aux enjeux élevés où ils doivent avaler des substances scellées pour passer la frontière. Smith ne profite pas seulement de la dynamique de pouvoir violente et oppressante de la fiction mule de drogue, il exploite également le potentiel fétichiste ludique des éléments d'ingestion de son film, jouant avec le tabou à la fois pour l'excitation et l'horreur noueuse et bouleversante. Il est difficile d’imaginer un film d’horreur corporel récent qui capture de manière aussi impressionnante la douleur physique interne.

Le meilleur film d'horreur corporelle de cette liste sur une actrice plus âgée qui recherche une procédure anti-âge peu orthodoxe et dangereuse pour lutter contre la misogynie intériorisée qu'elle a héritée de sa culture, le film sournois et provocateur de Fruit Chan.Boulettesaborde la fréquence des avortements dans le cadre de la politique chinoise de l'enfant unique et pousse la nature antipathique des normes de beauté de Hong Kong à un extrême invasif et morbide. L'ancienne actrice Mme Li (Miriam Yeung) a perdu l'attention de son mari, alors elle traque tante Mei (Bai Ling) et ses raviolis fabriqués à partir de fœtus à naître pour déclencher un rajeunissement physique. CommeLe fond, il y a une veine d'égoïsme née de l'impuissance sociétale qui sous-tend le film, se concentrant ici sur le choc unique entre ultra-modernité et traditionalisme vécu en Chine et à Hong Kong à l'aube du nouveau millénaire. Chan et le scénariste Li Pi-Hua (crédité sous le nom de Lillian Lee) s'appuient sur l'imagerie grotesque des fœtus avortés et embellissent la comédie franche et sans tabou entourant le non vérifié mais toujoursrapport sensationneltrope du cannibalisme du fœtus chinois. Mme Li se remet assez rapidement du caractère choquant de son régime et son nouvel objectif devient de traquer les aliments les plus puissants.taperde fœtus à consommer, avec peu d'empathie pour les circonstances traumatisantes qui ont conduit à l'avortement en premier lieu ; N'oubliez pas qu'un genre qui s'intéresse aux changements inattendus du corps d'une personne est plus susceptible de mettre en vedette un protagoniste narcissique.

SiSociétésorti aujourd'hui, ils ajouteraient "We Live in a" au début du titre. Le premier film électrisant de Brian Yunza (il avait déjà produit la dyade Lovecraft de Stuart GordonRéanimateuretDe l'au-delà) prend le toilettage métaphorique des classes supérieures traditionalistes et lui donne une littéralité joyeuse et bouleversante. Le jeune Bill (Billy Warlock) devient convaincu que sa famille fait partie d'un clan sombre, violent et incestueux, et vient d'absorber sa sœur aînée dans leur giron. À son honneur, rien de tout cela n'est techniquement faux, il y a juste quelques effets de fonte corporelle qui définissent une décennie de Screaming Mad George qui y sont également mélangés. La joie démente générée par cette orgie d’élite clandestine, une pierre de touche narrative qui n’est presque jamais déployée pour démontrer l’attrait du sexe en groupe, ne fait que rendre les tableaux de fluides drainants et de chair fusionnée plus bouleversants.

Qui a dit que l’horreur corporelle ne pouvait pas aussi être une farce ? La scénographie vibrante de Stuart Gordon et son sens de l'humour méchant ont donné naissance à l'une des plus grandes comédies d'horreur de l'histoire américaine, dans laquelle un himbo étudiant en médecine (Bruce Abbott) se retrouve pris dans la rivalité entre son camarade de classe Herbert West (l'inégalable Jeffrey Combs) et leur professeur (David Gale). Librement basée sur une série de HP Lovecraft et imaginée à l'origine comme un spectacle sur scène, cette version remaniée et déviante de l'histoire de Frankenstein maintient l'étrangeté de parties du corps sans vie et détachées agissant indépendamment les unes des autres et enhardit l'horreur avec beaucoup d'humour ricanant. Il rend également hommage à l'interprétation principale du roman de Mary Shelley, à savoir que les scientifiques devraient arrêter de s'amuser avec des conneries bizarres.

La distinction entre la fiction cannibale ou vampire et l’horreur corporelle est si mince et changeante qu’elle montre simplement pourquoi maintenir les frontières de la classification des genres est une perte de temps, surtout lorsque l’horreur s’intéresse tant à la fluidité et à la transgression. Dans cette œuvre controversée de Claire Denis, ses thèmes de longue date que sont le désir et la survie se cristallisent dans une enquête aveugle sur la compréhension de nos pulsions les plus fondamentales et de la tension qui sous-tend les connexions érotiques instables. Qui de mieux pour diriger tout cela que Vincent Gallo, qui incarne un Américain essayant de traquer un neuroscientifique français pendant sa lune de miel. Plus on nous présente les explosions vampiriques et cannibales du film, plus Denis mine le caractère sacré de la nouvelle union nuptiale, la révélant comme celle d'un désir fatalement incompatible. Traiter l'horreur corporelle barbare comme quelque chose de plus profond en nous que l'amour mutuel d'un partenaire, surtout quand cela est fait sans les pièges théâtraux ou d'exploitation, en fait l'une des œuvres les plus troublantes de New French Extremity.

Nous promettons que le top dix ne sera pas uniquement constitué de films français, mais quelque chose dans le New French Extreme est trop puissant pour nier les positions de premier plan sur cette liste. Si le film de Denis s'inscrit dans la vague originelle du début du siècle, Julia Ducournau remporte la Palme d'OrTitaneune génération après que les traités subversifs européens sur notre rapport aux plaisirs et aux violations du corps aient été canonisés. Même siTitane’Le rythme cardiaque rapide attire bien plus l’attention sur lui-même queDes problèmes tous les jours, les mêmes provocations thématiques glissantes sont là, liant désir et camaraderie de manière opaque mais manifestement dangereuse, mais avec une sensibilité qui sape la cruauté de la violence à l'écran. La suite de Ducournau à ses débuts incendiaires (mais plus déchiffrables),Brut, parle du mannequin d'exposition automobile Alexia (Agatha Rouselle), qui a une plaque de titane dans la tête et une fascination érotique pour les voitures, mais après avoir été imprégnée par une automobile vorace et avoir assassiné un groupe de personnes, elle se défigure pour se faire passer pour la disparue. fils d'un capitaine des pompiers (Vincent Lindon). Comme ses prédécesseurs pionniers, Ducournau s’intéresse autant à la violation des attentes sociales et culturelles entourant le genre et le corps qu’aux sécrétions d’huile de moteur et à l’automutilation cybernétique. C'est passionnant de voir un film avec une telle compréhension de sa thèse de survivre et de nourrir le corps être aussi audacieux et aux multiples facettes.

De nombreux films de Pedro Almodóvar ressemblent à une expansion intertextuelle de films classiques plus anciens (son dernier regard poétique sur le deuil,La chambre d'à côté, roule des clips entiers de John HustonLes morts) et ce mélange de mélodrame et d'horreur transcodée est une invocation directe de l'horreur proto-corporelle françaiseDes yeux sans visageà partir de 1960. Basé sur le romanTarentulepar Thierry Jonquet,La peau dans laquelle je vismet en vedette Antonio Banderas dans le rôle d'un brillant chirurgien plasticien connu pour faire pousser de la peau artificielle, dont l'angoisse face à la mort de sa famille le pousse à procéder à une opération de féminisation forcée. CommeParlez-luiouMauvaise éducation, les films les plus sombres d'Almodóvar résistent à l'évocation de toute implication morale ou thématique, mais la façon dont les perceptions du genre et le désir de mutiler sont ancrés dans la psyché des personnages et tissés dans leur peau donneLa peau dans laquelle je visun arrière-goût puissant et inquiétant.

C'est toujours un peu suspect lorsqu'un film sur un divorce compliqué (écrit pendant le divorce compliqué du scénariste-réalisateur) implique que la femme ait des relations sexuelles avec une créature gélatineuse géante à tentacules. À la fin des années 80, le mur sera tombé dans le Berlin de la guerre froide, mais pas avant que l'agent secret Mark (Sam Neill) confronte sa femme, Anna (Isabelle Adjani), qui veut le quitter et emmener leur enfant avec elle. Sa paranoïa peu sûre d'elle se heurte à son comportement erratique, et alors que leur drame domestique frénétique se heurte aux frontières concrètes d'un Berlin divisé, une entité se tordant et changeant de forme fait passer le cocu à un niveau supérieur. Le réalisateur Andrzej Żuławski n'avait pas seulement vécu un divorce traumatisant avec son partenaire, il avait également trouvé une injonction créative avec sa Pologne natale, etPossessionrevisite le thème récurrent de Żuławski sur l'identité en crise avec une horreur désordonnée et fataliste et un sentiment palpable de perte de contrôle de son corps et de soi au profit d'un nouvel âge apocalyptique imminent.

Merci mon Dieu pour un petit flop appeléRex tête crue qui a poussé l'auteur et scénariste Clive Barker àassurez-vous qu'aucune de ses pulsions d'horreur bizarres et subversives n'a été compromisedansHellraiser. On a demandé à Barker en post-production de changer le décor depuis l'Angleterre.où son romanLe cœur enfer(un titre tout aussi dur) a lieu, mais la dynamique familiale dépravée et transactionnelle et les paysages urbains industriels sombres et évidés (comme en Amérique, ces endroits étaient intentionnellement affamé dans les années 80) semblent refléter une situation dure, l'Angleterre sensoriellement engourdie même si les accents étaient doublés. Ce chef-d'œuvre dégueulasse de l'horreur des années 80 est surtout connu pour nous avoir présenté les Cénobites, le collectif de prêtres sadomasochistes issus d'une dimension lovecraftienne de tourments orgiaques, et dont la chair a été tordue, pénétrée et brûlée à l'extrême. Mais le film du maestro de Liverpudlian cherche également à corrompre la sécurité d'une famille : un oncle mort et hédoniste réclame le corps du père de sa jeune nièce, aidé par sa belle-mère complice. Alors que nous regardons sa chair et ses os détrempés se reconstruire douloureusement, son appétit sexuel violent et tabou devient une menace aussi grande que Pinhead et ses lieutenants. Il est bon de savoir que les Cénobites ont au moins un code de conduite strict dans la dimension Hellraiser.

Le cinéma d'exploitation de Frank Henenlotter, riche en effets pratiques, est probablement le précurseur le plus approprié deLe fondC'est une marque joyeusement de mauvais goût d'abandon de l'autonomie du corps (que cela se produise volontairement ou involontairement). Ensemble avec leCas de paniertrilogie etFrankenhooker, la petite filmographie de Henenlotter contient une attitude crachant au visage qui est rarement aussi puissante et corrosive dans l'horreur indépendante.Dommages cérébrauxpeut-être le point culminant de sa carrière ; Le jeune et séduisant Brian (Rick Hearst) devient dépendant des fluides d'un ver cérébral parasite (exprimé par l'animateur d'horreur de Philadelphie, John Zacherle) qui le séduit dans le meurtre pour fournir à la créature de la nourriture cérébrale. Les effets d'optique, de stop-motion et de marionnettes à eux seuls devraient faireDommages cérébrauxune priorité sur votre liste de surveillance, mais le film de Henenlotter excite et repousse à un niveau plus profond. Les changements drastiques dans le comportement de Brian, s'isolant de ses proches et se pliant à la volonté du parasite, rappellent tellement le fait de voir le libre arbitre de quelqu'un céder la place à la dépendance.Dommages cérébrauxdevient une aventure sinistrement émouvante.

La peur de l'intimité qui prospère dans l'horreur corporelle est exprimée en termes très littéraux et masculins dans le chef-d'œuvre durable de John Carpenter..Lorsqu'un extraterrestre métamorphe et pratiquement impossible à tuer est accueilli dans une base de recherche américaine en Antarctique (il était déguisé en husky, allez-y doucement), une tornade de chaos déformant le corps explose. Comme dansLa goutte, la créature d'horreur est une force externe qui tue et remplace ses victimes, outrepassant leur biologie pour imiter leur voix et leur apparence seulement après les avoir assassinées, mais Carpenter laisse judicieusement les effets de classe mondiale - où les coffres s'ouvrent comme les gueules des requins et le La chose titulaire se lasse souvent de respecter les règles de l'anatomie humanoïde bipède – éclate en quelques éclats choisis mais inoubliables. Le reste du film s'appuie sur des confrontations claustrophobes et des regards frénétiques et menaçants, canalisant la terreur de se rapprocher trop de son prochain dans une saga de dents serrées et d'explosions de sueur. "Ça pourrait être n'importe lequel de ces gars-là" devient rapidement un pessimiste "Ça pourrait tout aussi bien être n'importe lequel de ces gars-là."

Si David Cronenberg n'est pas le grand-père de l'horreur corporelle, alors il est définitivement cet oncle préféré qui vous a fait découvrir la télé bizarre et qui est devenu un peu calme et sérieux après le divorce. À travers ses 23 films, il explore comment le désir est défini et reconstitué par la psychologie, l'histoire et la société, et comment l'humanité est définie et reconstituée par cet étrange mélange de désirs. Même dans ses exercices les plus pulpeux, comme ce remake libre du film d'horreur d'insectes de 1958 à Montréal, Cronenberg mélange la chimie érotique avec une empathie mélancolique, révélant à quel point il ressent profondément pour les étrangers les plus abjects du genre comme l'ADN du scientifique Seth Brundle (Jeff Goldblum). se soumet progressivement à la biologie des mouches avec laquelle il a été combiné. Contrairement aux décors d'assaut de grange dansLa chose, Cronenberg nous laisse nous asseoir avec l'inconfort ignoble et déprimant de votre corps cédant la place à une nouvelle forme et texture, avec les yeux curieux mais pitoyables de Goldblum brillant d'angoisse. Sa brève amante, Veronica (Geena Davis), regarde la peau se durcir, les tissus se corroder, les membres se dissoudre et son enfant à naître devient une violente fixation pour « Brundlefly », car c'est la seule façon pour lui de survivre de manière significativement intacte. Le fait que le narcissisme désespéré de Seth reste intact jusqu'à la fin confirme pourquoi Cronenberg était la personne idéale pour ce retour en arrière du film B : pour lui, rien n'est plus humain que nos pulsions et nos peurs vaines et pathétiques.

Le quatrième et dernier remake d'un classique de l'horreur des années 50 sur cette liste ! Il est clair que les visions d'horreur conservatrices et hokey de l'industrie cinématographique du milieu du siècle n'ont pas seulement séduit de nombreux réalisateurs transgressifs parce qu'ils veillaient tard pour les regarder à la télévision lorsqu'ils étaient enfants, mais parce que l'horreur était généralement définie comme un phénomène extérieur, extraterrestre, ou anomalie scientifique, et une censure laxiste sur la diffusion de matériel érotique et grossier ont poussé des cinéastes comme Cronenberg, Carpenter, Russell et finalement Abel Ferrara à enhardir le sous-texte de « l'ennemi intérieur » pour faire de l'horreur corporelle des classiques. Le roman de science-fiction original de Jack FinneyLes voleurs de corpset ses nombreuses adaptations invitent et repoussent à la fois les interprétations faciles et compréhensibles, mais cette deuxième mise à jour de la version de 1956 de Don Siegel « Nous jurons qu'il ne s'agit pas de la peur rouge » attire certainement l'attention sur la complaisance de l'Amérique à l'égard du pouvoir utilisé de manière brusquement oppressive - en grande partie en partie parce qu'il se situe dans la hiérarchie d'une base militaire et est sorti à peu près en même temps que celui de Francis Fukuyama.La fin de l'histoirel’annonce de la démocratie libérale était le point final naturel de l’évolution du monde.Ferrara a acheté une tonne d'accessoires pour ténias et les a embauchésune Meg Tilly qui vole la scèneet nous a montré que, même en temps de paix docile, les exigences d’obéissance et de conformité peuvent être facilement récupérées par les forces du mal, ne nous laissant aucune option sur la manière de vivre hors de leur contrôle. Il s’agit de l’adaptation qui intègre le mieux une imagerie et un spectacle ignobles et invasifs avec l’escalade de la paranoïa des « rangs serrés » au cœur de chaque version, donnantnon-conformisteau cinéaste Ferrara l'occasion de nous donner des halètements inquiétants de décomposition corporelle et un érotisme parasite répulsif aux mouvements robustes du texte très adapté.Voleurs de corpsobtient un crédit supplémentaire pour avoir laissé les créatures métamorphes et corrompantes expliquer avec des mots patients et effrayants que nos survivants sont complètement foutus une fois la durée d'exécution de quatre-vingt-dix minutes écoulée. Je ne peux pas leur reprocher leur honnêteté !

Il n'y a pas de dose d'horreur corporelle plus électrisante et fondante que celle de Shinya Tsukamoto.Tetsuo : L'Homme de Fer. Il s'agit d'une œuvre déterminante pour le cinéma japonais indépendant, l'ère de la vidéo qui donne aux films cultes une portée mondiale, et pour les engouements naissants du cyberpunk et de la science-fiction industrielle. Le film vivifiant de 67 minutes de Tsukamoto regorge d'érotisme à haute tension et d'impulsions corporelles dangereuses, alors que deux hommes japonais (joués par Tomorowo Taguchi et Tsukamoto lui-même) se livrent à des fusions fétichistes et fétichistes avec le métal et les machines. Au-delà de la nature sensuelle des transformations des personnages, qui se déplacent comme un moteur frémissant qui démarre dans la vie, l'esthétique cybernétique (cybérotique ?) érotique imprègne le domaine subconscient autant que le domaine physique, les rêves et les délires décrivant la société japonaise contemporaine comme un disque dur corrompu consommé par une machine dominante. C'est stupéfiant ce que réalise la production à petit budget ; si vous êtes submergé par la photographie frénétique en 16 mm (prise par Tsukamoto et sa co-star Kei Fujiwara), les décors intérieurs exigus (dont beaucoup sont là où vivait Fujiwara à l'époque) et les tons industriels fracassants de Chu Ishikawa, alors vous pourriez avoir une idée de ce que c'était pour les acteurs et l'équipe, qui se sont presque tous brouillés avec Tsukamoto au cours du tournage ardu. Mais le produit final a un pouvoir qu'il est impossible de nier :Tetsuodépeint l’horreur corporelle industrielle comme un acte sexuel, comme une infection incurable, comme une étape évolutive inévitable et comme une belle folie sur le point de convertir nous tous, non-croyants.

➼Bloqueurs T(2023) :Le genre de l'horreur corporelle a fait l'objet de lectures trans plus que la plupart des autres, il ne serait donc pas juste de ne pas en mentionner une réalisée par un cinéaste trans. La prodige Alice Maio Mackay a tourné ce regard métatextuel sur une jeunesse queer en crise alors qu'elle n'avait que 17 ans, en se concentrant sur une cinéaste trans (Lauren Last) qui apprend qu'elle est la seule à pouvoir identifier une invasion de corps extraterrestres se produisant dans sa petite ville bigote. C'est drôle, épouvantable quand il le faut et très gagnant.

➼Secondes(1966):Dans une sombre parodie du bien-être à travers le capitalisme, le réalisateur John Frankenheimer – connu plus tard pour ses thrillers politiquement chargésLe candidat mandchou,L'homme-oiseau d'Alcatraz, etLe train– a cartographié un homme mécontent (joué d'abord par John Randolph, puis Rock Hudson) échangeant sa vie déprimante contre un tout nouveau corps, une toute nouvelle identité et une toute nouvelle vie. Mais il est rongé par un chagrin existentiel lorsqu'il réalise pour quel cauchemar limité et bourgeois il a tout modifié chirurgicalement. Presque tout ce que l’horreur corporelle s’efforce d’exploiter est présent – ​​la libération par la transformation, une forte diminution de l’action à mesure que le changement progresse, la terreur de la disparition de soi – mais toutes les images explicites sont conservées sous des bandages et derrière des portes dans des couloirs stériles.

➼Crimes du futur(2022) :Cronenberg a réalisé trop de classiques de l'horreur corporelle déterminants et contre-intuitifs pour le limiter à une seule entrée de liste, alors permettez cette double trempe pour célébrer un film qui est le plus fidèlement à la hauteur de son changement de nom du genre comme"corps magnifique.» CommeLa mouche,Crimes du futurpartage son titre avec un film plus ancien, mais sa réimagination de l'un des premiers longs métrages de Cronenberg est une mise à niveau totale, se concentrant sur un couple d'artistes qui grandissent et opèrent sur de nouveaux organes dans des expositions d'art vénérées. Situé dans un état dystopique où les corps sont surveillés et les biologies radicales sont supprimées, chaque personnage est invité à franchir un seuil dangereux vers un nouveau monde d'autonomie corporelle. C’est un coup de génie discret mais articulé et douloureux.