Mickalene Thomas n'a pas besoin de la Biennale de Whitney

Photo: Malike Sidibe / The New York Times / Redux

Les peintures de Mickalene Thomas sont grandes, audacieuses, voyantes et belles, ancrées avec des strass, due à une couleur phosphorescente, et composée comme des courtepointes folles. Né à Camden, New Jersey, et basé à Brooklyn, cet artiste de 54 ans attire notre attention avec de magnifiques portraits de femmes noires qui incorporent un mélange vertigineux de références culturelles, du cubisme et de Matisse à Pam Grier et Carrie Mae Weems . Plus célèbre, le musée d'art moderne en 2010 a commandé une peinture de Thomas inclinéeDéjeuner sur l’herbe: Les Trois Femmes Noires, une pièce sur l'œuvre de Manet qui a choqué le public du XIXe siècle avec sa représentation d'une femme nue se prélassant avec deux messieurs entièrement habillés dans une forêt. Le rendu de Thomas, dans lequel les chiffres sont remplacés par des modèles noirs en maquillage bioluminescent, est un chef-d'œuvre du collage et des commentaires.

«Il s'agit de femmes noires revendiquant un espace», m'a-t-elle dit dans une conversation en février dernier à la New York Academy of Art, qui est reproduite ici, éditée et condensée pour plus de clarté, avant la clôture de la rétrospective de Thomas au Barnes à Philadelphie.

Votre travail frappe avec un incroyable punch rétinien. Il est effronté, confiant, agressif, infusé de puissance, expérimental et chargé d'une couleur haute. Ce que vous faites avec les femmes, les femmes noires et les corps queer fait de vous l'un des plus grands cubistes de l'art et de l'identité des soi-disant le jour. Pourquoi n'avez-vous jamais été inclus dans une Biennale de Whitney? J'en ai plaint en ligne.
Je pense que les conservateurs qui sont généralement sélectionnés ne pensent pas à mon travail ou à son étendue. Quand ils pensent Mickalene Thomas, ils pensent au portrait. Ils ne regardent pas tous les différents corps de travail dans lesquels je travaille. De la photographie au collage, en passant par l'installation, les performances, la création d'espaces immersifs, de vidéo et de film. Je pense que la plupart des conservateurs sont paresseux. Il n'y a pas assez de prise de risques. Ils restent confinés, choisissant des artistes qui semblent sûrs. Mon travail n'est pas facile. C'est bien. En vérité, être dans une Biennale de Whitney n'est pas quelque chose que j'aspire. Je l'ai retiré de ma liste il y a longtemps. Cela ne me donne pas l'inspiration pour entrer dans mon studio tous les jours. Cela ne me permet pas de générer des idées. Je n'ai pas besoin de ce type de distinctions pour valider ce que je fais et pourquoi je fais l'art que je fais.

Ce qui m'attire dans votre travail, c'est qu'il se déroule comme une bombe atomique cérébrale visuelle.
J'y mette tout - les complications de la perspective et du premier plan et de l'arrière-plan, tirant de divers genres de pratiques artistiques. Je propose ces questions de manière formelle et composée. Tout le monde peut aborder une peinture d'une manière personnelle, conceptuelle ou théorique, mais en fin de compte, il s'agit des aspects formels. Et je suis intéressé par la boxe avec ceux-ci. Je suis intéressé à entrer dans le ring avec ces artistes, qu'ils soient des impressionnistes français ou des artistes de la période de la Renaissance de Harlem ou de la peinture classique occidentale.

Vous ne restez jamais dans votre propre voie.
C'est trop facile. J'aime me sentir mal à l'aise. J'aime à sentir qu'il y a un aspect mystique dans le travail qui est un peu hors de mon contrôle. Lorsque j'adhére à un modèle ou un système particulier, personne n'a besoin de me dire d'attacher ma main derrière mon dos. Je permets au travail d'évoluer organiquement. Bien sûr, je dois parfois dire,Tu as fait ça trop de fois. Vous devez vous permettre de vous inscrire à votre propre travail pour créer quelque chose de nouveau.

Le monde de l'art aime agir comme un Undertaker et prononcer des choses est morte, comme la peinture ou l'auteur. Cela me frappe comme un moyen de dire aux nouveaux artistes: «Pas besoin de postuler. Problème résolu.
La peinture ne mourra jamais. La peinture absorbe tout, chaque outil. Lorsque vous pensez à la technologie - IA ou Photoshop - ces processus numériques sont vivants dans la façon dont les artistes fabriquent leurs peintures. Ce ne sont que de nouveaux outils pour voir et penser à l'espace et à ce qui se passe dans le monde, à en tirer et à le vérifier, puis à le ramener dans votre propre travail. La plupart des peintures sont sur qui nous sommes. Nous voulons nous voir se multiplier encore plus.

Pouvez-vous parler de votre peinture Killer 2010,Le Déjeuner sur l’herbe: Les Trois Femmes Noires.
C'était ma première peinture à grande échelle et a été commandée par Klaus Biesenbach, du MoMA. À l'époque, je ne travaillais pas à grande échelle. C'était un défi. Je suis allé au musée, j'ai photographié tous les modèles là-bas, la première fois que j'ai photographié mes modèles à l'extérieur de mon studio. J'étais très excité par ce multi-laiement des figures d'art historiques de Manet et Matisse. Il est de façon irrégulière, 10 sur 24 pieds, en trois parties séparées parce que je ne pouvais pas l'intégrer dans mon studio à l'époque. Je n'ai pas vu la peinture entièrement installée jusqu'à son installation au MoMA.

Le Déjeuner sur l’herbe: Les Trois Femmes Noires(2010)Art: © 2025 Mickalene Thomas / Artists Rights Society (ARS), New York

Comment a-t-il été fait? Quel était le processus? C'est généralement la chose que je suis le plus curieux dans tout l'art.
Mon processus est que je crée une photographie, puis un collage, puis une série de collages. J'utilise Collage comme un moyen de comprendre comment construire le travail et l'espace. Cela fonctionne comme un moyen de dessiner pour moi, de comprendre et de comprendre une histoire et de trier l'image -Qu'est-ce que j'essaie de transmettre ici?

À qui appartient cette peinture?
C'était malheureux. Le MoMA était censé l'acheter. Ils l'ont réservé pendant environ quatre ans. Et puis ils ont décidé de ne pas l'acheter.

Mais pourquoi? Je ne vous mets pas sur place, mais pourquoi? Parce qu'ils ont peur?
Parce que vous avez des gens dans des postes qui n'apprécient pas suffisamment le travail pour qu'il mérite des espaces particuliers. Souvent, c'est parce que vous n'avez pas de gens qui me ressemblent dans la pièce assis à table. Lorsque vous ne nous avez pas dans la salle ou au tableau ou parmi les administrateurs, ces acquisitions sont vraiment difficiles à passer, même si vous pourriez avoir une personne qui est vraiment pom-pom girl pour l'artiste.

Et le suggestif poses?
Il s'agit de femmes noires revendiquant un espace. FaireLe Déjeunerm'a donné la validation et le courage de commencer à faire des peintures nues à plus grande échelle. Il s'agit de la façon dont le spectateur est confronté à la gardienne. Avoir ce beau corps féminin noir dans la même pose historique qu'une icône classique commeGrande odalisqueEnverrait un message aux notions de beauté.

A-t-il été bien reçu en 2010?
Non. Les gens étaient inquiets, comme: «Que fait-elle?» Un collectionneur incroyable l'a acheté et l'a fait don au Brooklyn Museum.

Et vous ne peignez pas les corps noirs de douleur et de torture.
Non. Je ne suis pas intéressé par le traumatisme, pas que le traumatisme ne mérite pas l'espace et la reconnaissance. Il y a déjà tellement de traumatismes et de chaos dans le monde que je suis vraiment intéressé à retirer des récits spécifiques sur la joie et l'excellence, ainsi que sur l'état des loisirs, car les loisirs ne sont pas nécessairement ce que vous considérez lorsque vous pensez des corps noirs. Nous sommes considérés comme des ouvriers. Nous sommes considérés comme des travailleurs. Nous sommes considérés comme les gardiens. Nous ne nous regardons pas dans un état de repos. Et donc pour moi de personnifier ces femmes dans le même repos que ces femmes blanches dans ces gestes classiques, c'est moi qui prétend que l'espace et la dignité de mes sœurs de la même manière, que nous aussi méritons cet état de loisir.

Que faites-vous de toutes les chapeaux sur Dei?
Maintenant, c'est comme: «D'accord, nous avions Dei. Nous avions la diversité, l'équité, l'inclusion. Maintenant, nous allons les supprimer parce que nous n'en avons plus besoin. C'est une portée limitée. L'aiguille se déplace un peu, puis nous retournons à notre mauvais comportement. Nous n'avons pas appris, nous ne devrions pas être dans cette situation même politiquement où Trump fait même partie de notre conversation. Et donc en tant qu'être humain et société, nous n'avons qu'à nous blâmer, que nous revenons en arrière. Lorsque vous pensez à Planned Parenthood, à l'autonomie corporelle, au corps des femmes - pourquoi avons-nous même ces conversations? Nous devrions être tellement plus avancés dans notre société, et nous ne le sommes pas.

Comment pensez-vous que cela pourrait s'appliquer à votre travail?
Il y a un problème majeur ici. Les gens ne sont toujours pas prêts à voir un corps noir comme celui-ci à cette échelle car ils voient le corps d'Eric Fischl.

Personne ne me demande jamais: «Quelle identité êtes-vous?» Mais vous êtes obligé de répondre: «Êtes-vous un artiste noir? Êtes-vous un artiste queer? Les êtes-vous tous?
Je suis juste un artiste. Je suis toutes ces choses. Il y a souvent des moments où je dois représenter l'un d'eux. Et je suis fier de les représenter tous et de choisir de représenter l'un d'eux quand c'est nécessaire, parce que vous le devez. Parfois, vous devez vous présenter et dire: "Ouais, je suis un artiste noir, et il y a une raison pour laquelle je fais ce travail." Mais cela ne me définit pas, et je pense souvent que nous voulons compartimenter et mettre des choses dans des boîtes parce que les gens ne sont pas à l'aise d'être mal à l'aise. Ils veulent que les choses soient d'une certaine manière, et donc pour ce faire, pour leur propre besoin, ils vous mettent dans une catégorie. Ce n'est pas à cause de vous. C'est pour eux-mêmes.

Nous ne sommes ici que pendant un bref moment. Faites tout. Ne restez pas dans votre voie.
Non. Je pense que ce serait mon conseil à beaucoup d'artistes - dans vos studios, expérimentez. Ne vous réparez pas. Ne vous concentrez pas tellement sur une idée. Mettez-vous au défi, car le monde extérieur ne vous mettra pas au défi. Vous devez être votre propre critique. Vous devez retirer votre propre train de vos traces et faire un virage différent. Vous devez être prêt à trébucher sur vos propres lacets dans votre studio et à permettre à certaines de ces choses d'être des échecs et de ne pas comprendre et de crier votre propre travail et de lui jeter votre pinceau. Vous devez faire ces choses. Vous devez dire,Je vais jeter cette liasse de papier toilette sur le mur et voir si ça reste.

Cette expérimentation est cruciale, car le travail, je peux vous dire que tout le travail que je fais provient de toute mon expérimentation dans les études de premier cycle et des cycles supérieurs. Il revient dans mon travail. Je regarde mon journal et je dis: "Oh, maintenant je fais ces choses avec lesquelles je expérimentais il y a des années." Si vous n'expérimentez pas, si vous n'êtes pas disposé à essayer ces choses, vous n'allez pas permettre à votre travail de grandir de manière organique où vous ne faites pas la même chose. J'ai beaucoup de travaux différents, et ce n'est pas comme si je décidais: «Oh, je veux faire une photo. Je veux faire une vidéo. Je veux faire du film. Je veux faire des sculptures. L'expérimentation me pousse organiquement dans ces directions, parce que je n'ai pas peur d'être comme,D'accord, laissez-moi essayer ça dans mon propre travail.