Son ami Darren Criss sourit et rit hors du cadre.Photo : Matthew Murphy et Evan Zimmerman
La meilleure comédie romantique de l'année n'était pas dans les salles de cinéma, ni dans une série en streaming sur Netflix. Il s'agit d'une nouvelle comédie musicale de Broadway sur deux robots à la retraite – Oliver, père de plantes et fan de jazz hyperfixateur, et Claire, cool et brillante – ayant une liaison étrange avant qu'une de leurs batteries ne meure pour toujours.Peut-être une fin heureuse,écrit par le compositeur américain Will Aronson et le parolier sud-coréen Hue Park, est un spectacle charmant, doux et visuellement éblouissant, mêlant une comédie rétro et loufoque à une conception de production techniquement élaborée et futuriste. D’autres émissions ces dernières années ont provoqué une fatigue à l’écran ; ici, les écrans sont utilisés intelligemment pour illustrer les interfaces et les mémoires des robots, un peu commeAprès cela,mais aussiWall-E,et ils ne se font pas au détriment des décors physiques, de la partition classique aux influences jazz et de l'alchimie entre les protagonistes Darren Criss et Helen J. Shen. Levraicependant, au moins surréseaux sociaux, est HwaBoon, la plante en pot d'Oliver.
Contrairement à d'autres plantes célèbres de Broadway, commePetite boutique's Audrey II, ou mêmeÉcailléAvec la tige de maïs tombante, HwaBoon ne bouge pas et ne parle certainement pas. C'est simplement une plante. Mais Oliver le traite comme un colocataire, un acolyte, un animal de compagnie, et l'équipe de production s'en accommode. La photo de HwaBoon figure dans le Playbill et il a reçu unRobe héritéelors de la soirée de gala de l'émission. Nous voulions avoir HwaBoon lui-même pour ce salon de discussion, mais c'est une plante qui ne parle que très peu de mots. Au lieu de cela, nous avons parlé avec le réalisateur Michael Arden et l'ami personnel proche de HwaBoon, l'assistante technique de la régie Karlie Teruya, dans une conversation qui a porté sur des sujets tels que la façon dont nous nous rapportons aux objets inanimés, les prouesses techniques de la mise en scène et l'adaptation d'un spectacle qui à l'origine a été diffusé à Séoul pour un public américain de Broadway.
j'ai vu cette semaine, les gens apprécient la performance de HwaBoon et vraimentespace de rétentionavec ça, et ressentir du pouvoir là-dedans. Qu’en pense HwaBoon ?
KT : HwaBoon est nouveau dans ce domaine. C'est ses débuts à Broadway. Il est donc très heureux que les gens soient touchés par sa performance. Comme Cynthia l’a dit, c’est aussi ce qu’il voulait dans sa performance.
Il est vraiment sorti de nulle part et joue désormais un rôle majeur dans une production de Broadway. HwaBoon est-elle une usine industrielle ?
MA : Non. C'est vraiment un nouveau talent. Le voir si adopté par la communauté et le monde est si excitant et, espérons-le, inspirera de nombreuses autres personnes qui n'auraient jamais pensé qu'elles se retrouveraient sur une scène de Broadway.
Qu’est-ce qui donne à cet accessoire, essentiellement, un tel facteur It ?
MA : HwaBoon représentenousdans cette histoire. Il est le seul être vivant dans cette pièce avec ces robots, et donc il témoigne de l'histoire d'Oliver et Claire comme nous. Nous sommes tous Spartacus, nous sommes tous HwaBoon, d'une certaine manière. De plus, nous tous, dans nos moments de solitude et de solitude, nous accrochons à quelque chose et avons besoin de quelque chose à retenir, et c'est notre sécurité, et c'est notre sécurité. Ce que HwaBoon représente pour Oliver nous semble très connu, en tant que public. C'est hystérique, doux et très réel. HwaBoon est nécessaire. Il faut faire attention à une telle plante d'intérieur.
La série s'est vraiment appuyée sur HwaBoon sur les réseaux sociaux et lui a donné une biographie dans le Playbill. Comment cela représente-t-il le spectacle et en quoi cela aide-t-il votre stratégie de commercialisation d’un spectacle original en 2024 ?
MA : Nous cherchons comment commercialiser quelque chose de totalement nouveau sans rien à quoi s'accrocher, donc le fait que les gens s'accrochent à HwaBoon est tellement excitant. J'ai toujours su que je voulais que la série commence sur HwaBoon et se termine sur lui aussi ; cela nous rappelle qui nous sommes, que nous vivons et que nous mourons. Mais aussi, c'est un si petit casting, et c'est un tel personnage. Son nom est probablement plus prononcé que ceux d'Oliver ou de Claire. Un jour, je me suis dit : « HwaBoon a besoin d'une biographie et d'une photo dans le programme. » Et nous avons convaincu HwaBoon de créer une page Instagram. Il était nouveau dans ce domaine, mais il s'y mettait vraiment. C'est une façon de faire découvrir au public quelque chose qui lui est étranger : un processus de répétition, un spectacle de Broadway, une compagnie, à travers le prisme de HwaBoon. Cela semblait être une façon vraiment excitante d’amener de nouveaux esprits, yeux et oreilles à ce que nous faisions.
KT : Cela vient aussi de Will [Aronson] et Hue [Park], car à partir du moment où vous ouvrez le script, HwaBoon est un personnage répertorié. Il est clair qu'il est un personnage très important dans la série.
En parlant du scénario, j'imagine qu'il n'était pas dans les livres dès le premier jour.
KT : C'est l'acteur le plus constant. Nous n'avons jamais eu à lui donner de note.
MA : Vert, mais cohérent.
Quelle est la relation du reste du casting avec lui dans les coulisses ?
KT : Tout le monde essaie de donner à HwaBoon son espace à la demi-heure, car il lui faut une minute pour vraiment entrer dans le personnage. Il aime se sentir bien enraciné avant de monter sur scène. Mais tout le monde l'aime. C'est un favori.
MA : HwaBoon a eu un accident l'autre jour. Pendant notre stage de doublure, il est tombé de la scène, s'est souillé et tout le monde dans la salle a crié. Il allait tout à fait bien. Un peu gêné, voire quoi que ce soit.
Oh non!
MA : Il est devenu évident que cette compréhension du sujet de notre pièce – à quel moment l'inanimé s'anime et comment y inscrivons nos sentiments et nos émotions – a transcendé notre environnement de travail au théâtre. Maintenant, nous avons tous ce respect pour HwaBoon d'une manière que nous n'aurions peut-être pas eu si nous n'avions pas travaillé ensemble sur la série. C'est une belle chose que tout ce que nous touchons ait une expérience. Cela m'a certainement fait réfléchir à la façon dont nous choisissons d'interagir avec notre environnement, et cela s'est vraiment répercuté sur l'ensemble du casting et de l'équipe.
KT : Ça a été amusant de voir tout le monde vraiment adopter HwaBoon comme mascotte de la série.
Comment s’est passée l’adaptation d’une série initialement diffusée à Séoul ? En quoi cela diffère-t-il de la réalisation d’un renouveau à Broadway ?
J'ai abordé cela comme une pièce complètement nouvelle. Je n'ai jamais vu la production coréenne. Je ne voulais pas, parce que je savais que j'en serais influencé, et je voulais faire quelque chose qui soit sa propre création. Je suis donc parti du scénario sur la page et de la partition. Les scénaristes voulaient que cette production soit à part entière. Ils n’essayaient pas de faire la version américaine de la série coréenne. C'est assez différent. Dans la production coréenne, James et Gil sont interprétés par le même acteur et l'intrigue est assez différente. Il y a environ cinq chansons différentes, elles ont une relation différente, la façon dont les robots se décomposent est différente. Quand j’ai reçu le scénario pour la première fois, j’avais des idées sur la façon dont je voulais que la série change, et les scénaristes ont été très collaboratifs. Nous l’avons abordé comme s’il n’y avait pas eu de production auparavant. C'était probablement très difficile pour eux, étant donné que c'était un tel succès là-bas, mais ils savaient que ce qui fonctionnait pour ce public ne fonctionnerait pas nécessairement pour le public de Broadway. Et j’essayais vraiment de faire quelque chose pour les gens qui n’avaient aucune idée de ce qu’ils allaient voir, ce qui était très différent d’un réveil. Avec un revival, vous savez comment fonctionne l'histoire, donc il s'agit plutôt de,à travers quelle lentille regardons-nous ? Sur quoi voulons-nous nous concentrer ?Alors qu'avec cela, mon travail consistait à raconter l'histoire aussi clairement que possible, à essayer de faire passer un message, par opposition à mon opinion sur la série.
Quels sont certains de ces différents éléments qui, selon vous, n'auraient pas fonctionné à Broadway comme ils l'ont fait en Corée du Sud ?
MA : Je savais qu'il devait y avoir une séquence de comédie extrême dans la pièce, et toute la séquence du motel a été vraiment développée dans la pièce. C'est tellement ridicule et drôle, et tout cela est très théâtral musical américain. C'est amusant qu'ils s'écartent un instant de la norme de cette version coréenne plus calme. Et les flashbacks, l'apprentissage du passé de Claire et d'Oliver à travers des séquences vidéo et cinématographiques, c'était quelque chose que j'avais vraiment envie de mettre en valeur dans cette production. Ils ont écrit du matériel tellement nuancé et subtil que je pense que c'est passionnant pour le public de pouvoir jouer également dans les deux médiums.
Au-delà des séquences vidéo, qui utilisent les écrans de manière intéressante, la mise en scène revêt un style cinématographique. Il y a des panneaux devant qui semblent effectuer un panoramique et un zoom pour se concentrer sur l'action sur scène.
MA : C'est incroyablement complexe. La vidéo, l'éclairage, l'automatisation, les décors, les accessoires, l'action et la musique doivent tous fonctionner en tel tandem, avec une telle synchronicité imbriquée, que c'était à la fois un défi et un plaisir de travailler dessus, car il fallait vraiment que tous les départements réfléchissent en dehors du cadre. un peu leur propre champ de compétence, et c'est ainsi que j'aime travailler. Je veux créer un système dans lequel les frontières sont floues entre les départements.
Quand on regarde habituellement une scène, elle est plate et les acteurs sont bas. Mais nous passons tellement de temps sur nos iPhones, qui sont verticaux, et nous pinçons et zoomons, et nous décidons sur quoi nous voulons nous concentrer, et nous balayons vers la gauche et la droite et faisons glisser les choses. C'est ainsi que ce système en pleine expansion m'est venu à l'esprit. C'est l'idée de deux doigts qui zooment sur les choses. Si vous remarquez, pendant toute la première demi-heure de la pièce, c'est plus un espace vertical qu'horizontal. Je voulais donner aux gens une entrée assez personnelle. Et la façon dont nous regardons nos téléphones est très personnelle.
J'ai également augmenté la hauteur de la scène. C'est beaucoup plus haut que la normale, ce qui crée une audience un peu plus égalitaire entre la mezzanine, le balcon et l'orchestre. J'ai commencé à faire ça enParade,où j'ai mis l'action à huit pieds dans les airs. Si vous regardez quelque chose sous un nouvel angle, cela vous ouvre automatiquement un peu plus la possibilité de ressentir quelque chose d'une manière plus spongieuse. C'est comme ça que nous avons commencé, et nous savions que cela devait évoluer de manière cinématographique, mais nous ne voulions pas que ce soit comme un film. Nous voulions vraiment laisser le public participer activement au choix de l'aventure qu'il souhaitait vivre, presque comme dans un manga. Nous avons beaucoup d’espace noir en dehors de ces mondes incroyablement réalistes, afin que le public puisse imaginer quelque chose de bien plus excitant que ce que nous pourrions réellement faire sur scène. Nous garderons cela pour le film. Cela permet au public d’avoir une solide idée de ce qu’est le monde réel. Dane Laffrey et moi avons réalisé de nombreuses itérations de ce modèle, et nous avons réalisé la majorité de cette conception dans un gratte-ciel à Tokyo. C'est donc très inspiré du design oriental et de la verticalité de l'espace. Heureusement, aucun de nos acteurs n’a le vertige.
Quelle est la partie de la mise en scène la plus difficile à réaliser ?
KT : Il y a une partie, dans « Goodbye, My Room », où ils ont très peu de temps pour frapper tous les accessoires de l'unité Oliver. Nous l'appelons Propnado. Et il y a sept personnes impliquées dans cette transition dans cette toute petite pièce. Tout le monde a cette chorégraphie très précise, mais quand ça marche, et qu'on le fait tous de manière synchronisée, c'est vraiment beau. Il y a beaucoup plus de membres d’équipe [sous la direction de la production Stage Manager Justin Scribner] que de membres du casting. Vous voyez quatre personnes sur scène pendant tout ce temps, et vous ne réalisez pas qu'il y a 17 personnes dans les coulisses pour que tout se réalise.
MA : Il y a une séquence où nous entrons dans la mémoire d'Oliver avec James, « Where You Belong », où nous utilisons soudainement une platine vinyle pour la première fois, et ces murs s'effondrent, mais nous ne sommes pas réellement sur une platine vinyle ; nous sommes sur un beignet. Si c'est la largeur d'une carte de crédit, elle s'effondrera. Mais c'est ce qui est si excitant. Le théâtre musical est comme une extension du cirque. Il faut que l'atterrissage soit réussi pour que cela fonctionne, et si vous pouvez le faire sans que le public ne s'en aperçoive, vous créez un monde magique dans lequel il peut complètement oublier qu'il est même dans un théâtre. Ils sont dans l'histoire de telle manière qu'ils croient que tout se passe. Et si l’on amène les gens à croire à la magie sans être sceptiques, alors leur cœur s’ouvre. C'est beau.
Et vous n’utilisez ce décor rotatif géant qu’une seule fois pendant tout le spectacle, pendant environ cinq minutes.
MA : Cela fait trois minutes, en fait. La mémoire est comme ça. C'était toute une vie, et nous n'en avons qu'un aperçu. La tristesse que cela peut apporter quand elle est partie et que nous sommes de retour dans son ancienne chambre, j'adore ça. La tentation serait : « Nous avons dépensé beaucoup d’argent et construit cette chose énorme, restons assis dessus pendant un bon moment, et ne la laissons pas passer. » Mais Oliver ne peut pas rester là. C'est pourquoi il doit partir à l'aventure.
Les billets pour Broadway sont si chers et de nombreux décors sont si minimes. Dans ce contexte, ces décors et ces moments de mise en scène élaborés et immenses semblent très généreux envers le public.
MA : Regardez quelque chose commeParade,ce qui était incroyablement minime mais au final, nous avions 19 personnes dans l'orchestre et 27 personnes sur scène. C’était une expérience différente et un effort différent. Pour ça, les gens paient la même chose pour venir voirPeut-être une fin heureusecomme ils doivent voirMéchant,espérons-le, et je pense que le public a la responsabilité de vraiment les enlever, tant que cela n'éclipse pas l'histoire. Il s'agit de trouver cet équilibre entre le visuel et la narration afin que vous soyez émerveillé mais pas distrait. S'assurer que les visuels sont toujours au service de quelque chose.
Il y a un beau moment dans le spectacle que je ne gâcherai pas, celui des lucioles, qui sont un motif pendant une grande partie du spectacle.
MA : Dans le script, il n'y a aucune mention des lucioles dans cette section. Je pense que dans le scénario, il est dit "les images de Claire et Oliver ensemble commencent à se séparer et à disparaître", et je voulais vraiment ramener cette idée pour les représenter dans ce moment d'obscurité comme des lucioles, qui sont si petites dans le monde. , et danser brièvement les uns avec les autres, puis se séparer et s'envoler. C'est un petit point de lumière dans cette obscurité immense et infinie, et tous les types de créations scéniques se produisent à ce moment-là. Cela est fait par les humains, par les ordinateurs, par tout. C'est un geste simple lors de cette séquence super technologique.
HwaBoon s'inquiétait-il du fait que les lucioles volaient sa concentration ?
KT : HwaBoon adore être la star et il est définitivement très protecteur quant à son amitié avec Oliver. Mais il a toujours son moment. Il arrive à mettre fin au spectacle. HwaBoon obtient donc le dernier salut.
Vous mentionnez vous être inspiré des mangas et des écrans de téléphone dans la mise en scène, ainsi que jouer dans des sièges plus abordables plus haut. Pensiez-vous attirer un public plus jeune lors de la construction de ce spectacle ?
MA : Quand je l'ai lu pour la première fois, j'ai pensé qu'il s'agissait de fin de vie. Ce n'est pas nécessairement l'histoire d'un jeune. De toute évidence, les rencontres mignonnes et les hijinks sont une romance si jeune. Alors tu regardesSur l'étang dorédans le corps de jeunes de 20 ans. Vous pouvez avoir 15 ans, venir voir ça et dire : « C'est moi. Je m'appelle Oliver » ou « Je m'appelle Claire ». Et j'ai vu des couples de 90 ans venir, et ils se voient dans le corps de ces gens. Être capable de regarder au-delà de tout type de division physique humaine et de dire : « Oh, c'est moi », est la raison pour laquelle je fais du théâtre. Donc non, ce n'est pas quelque chose que je voulais juste faire pour les jeunes. Je voulais faire ça pour les gens, et la seule façon de vraiment le faire pour les gens est d'être hyper spécifique, avec des robots. Mais c'est pourquoi nous aimons les films Pixar. Nous pouvons nous voir un peu mieux dans l’inanimité que lorsque nous nous regardons réellement dans le miroir. N'est-ce pas drôle ? À une époque où le monde est si divisé, ces 100 minutes semblent très fédératrices.
Aussi futuriste soit-elle, la série contient également des éléments de comédie romantique classique. Vers quel art recherchiez-vous lorsque vous travailliez là-dessus ?MA : Sa configuration est super classique. Je suis allé à l'opéra ce week-end pour voirLa Bohème,et pendant que je le regardais, j'ai pensé,Oh mon Dieu, c'est Oliver et Claire.Sa bougie est éteinte, elle est mourante et elle vient frapper à sa porte. Et la série a des allusions à une partition classique à travers le matériel de Gil Brentley, ce qui aide vraiment à faire un clin d'œil à cela. J’essayais de m’inspirer de la vieille école, des histoires et du cinéma du milieu du siècle, des films des années 60. Il y a une telle richesse de matériel auquel nous voulions rendre hommage, avec une touche de futurisme mélangée. C'était drôle de regarderLa Bohème.Nous y voilà à nouveau : pas de tuberculose, mais nous avons une batterie mourante, ce qui est un peu la même chose.
Plus tôt, vous avez dit quelque chose comme « gardez-le pour le film ». Avez-vous pensé à la façon dont cela serait adapté en film ?
MA : Oh mon Dieu, je suis prêt. Allons-y. J'aimerais faire découvrir cette histoire à plus de gens et aller en Corée pour montrer ces lieux. Ce serait un vrai frisson.
KT : Et HwaBoon en ferait partie. Il serait en colère si nous choisissions un autre acteur.
MA : Mais nous voulons nous assurer qu'il ne devienne pas trop vieux pour le rôle.
