Photo-illustration : Vautour ; Photos : Collection Everett (Studio Canal, Orion Pictures, Justin Lubin/A24, New Line)
La première chose que vous devez savoir sur le showbiz, c’est à quel point cela peut être difficile. Peu importe à quel point vos rêves de gloire et de fortune vous font rêver, il est préférable de vous rappeler que vous n'êtes peut-être pas fait pour cela - et si vous êtes dans un film d'horreur du showbiz, vous pourriez en être littéralement exclu.
Vous êtes de l'OuestMaXXXine,le dernier chapitre de sa trilogie, consacré à la relation entre le genre slasher et le divertissement du XXe siècle, fait honneur àPerlela promesse d'être reconnu comme une star ; attendez-vous à Tinseltown, aux héritages hollywoodiens et à une quantité de graines médicalement déconseillées. Mais ce n’est en aucun cas le premier film à reconnaître le vernis de la célébrité comme un terrain fertile pour des récits salaces et dérangeants. Les films d’horreur se déroulant à Hollywood, critiquant son attrait fanatique ou impliquant tous ceux qui sont complices de ses abus et de son exploitation en cours, existent depuis des décennies.
Le meilleur résultat possible pour les rêves de célébrité est la gloire, la fortune et un héritage fantastique, tandis que le pire résultat possible est une variation sur la psychose surréaliste liée à l'ambition, le fait d'être massacré dans des lots de production obscurs et le métier méticuleux de faire un film. se reflète ironiquement dans le mode opératoire d'un meurtrier. Des tonnes de films d’horreur affirment que le rêve d’Hollywood nous tue ; la promesse de paillettes et de glamour encourage activement les personnes désespérées à se rendre vulnérables à l'emprise maligne de l'horreur.
Toutes ces choses sinistres mises à part, la plupart des films d’horreur sur le showbiz sont aussi drôles ! Le caractère caricatural de la façade de l'industrie et le coup de fouet que représente l'injection d'une violence macabre se prêtent à l'auto-parodie, au camp ou à la satire acide. Nous avons fouillé dans les coffres-forts pour trouver les meilleurs films d'horreur sur le showbiz avantMaXXXinevoir son nom s'illuminer.
Dario Argento a fait un discours beaucoup plus précis, subversif et provocateur.giallosqueOpéra, mais il est difficile de nier l'ampleur succulente de ce qui était à l'époque sa production la plus chère à ce jour. Cela ressemble également à la pierre angulaire du parcours impeccable du cinéaste à travers les années 70 et 80, où il souligne son côté sadique et décalé de l'horreur avec une ambiance expressive et théâtrale - très approprié pour un film se déroulant lors d'une grande production Verdi. dans l'un des opéras les plus historiques d'Italie. (L'opéra est Hollywood pour les Italiens.) Les émotions grandissantes de la représentation d'opéra, cependant, ne sont pas à la hauteur d'un tueur masqué qui se faufile et commet des meurtres macabres qu'il oblige notre soprano ingénue (Cristina Marsillach) à regarder. C'est impressionnant qu'Argento puisse adopter un tel style théâtral tout en trouvant une intimité conflictuelle - maintenant nous aimerions voir une version opéra mise en scène deSoupirs, s'il te plaît.
Ce méta-slasher introspectif était le retour de Wes Craven dans sa franchise phare, alors qu'il se briseRue de l'Ormecontinuité et se déroule dans le monde réel, où l'actrice Heather Langenkamp (elle-même) voit les murs entre les plateaux de tournage et la réalité s'effondrer. Pour résumer, un véritable démon hantait les cauchemars du réalisateur, et il a pu contrôler ses pouvoirs malins en le décrivant comme Freddy Krueger dans la série originale – et maintenant ce néo- ou proto-Freddy va déchirer la famille de Heather.Nouveau cauchemarest une horreur de studio audacieuse avec de vrais défauts (elle se rapproche d'une incroyable psycho-horreur mais tâtonne les gains ; c'est environ 20 minutes de trop), mais parcourir le film est un concept troublant. Même si l’expression artistique personnelle était thérapeutique pour cette version romancée de Craven, la portée capitaliste élargie d’une série de films finit par aggraver les forces des ténèbres dont ont profité des acteurs comme Langenkamp et Robert Englund. Si le stupideRue de l'OrmeLes suites ont transformé Freddy en un personnage clownesque, puis son inspiration métaphysique apparaîtra plus sombre et cruelle qu'on pourrait l'imaginer sur la sécurité d'un plateau de tournage.
Pour un film qui a la réputation d'être le pireCrierle film, c'est plutôt bien ! Oui, la formule établie et ressassée dans les deux premiers volets a été aspirée sans beaucoup de joie et d'inventivité, mais il est normal que lorsque la série a déménagé dans un décor de Los Angeles (où nos personnages de Woodsboro sont témoins des événements du premier film). reconstitué pour unPoignardersuite), tout semble plus brutal et grandiloquent. C'est un film gonflé et creux pour un endroit gonflé et creux. Il n'y a pas de meilleur endroit que les studios pour découvrir des secrets minables, même si les critiques du film sur l'exploitation systémique d'Hollywood sont grandement mises à mal par la présence manifeste de Weinstein dans cette production Miramax. Il s'agit cependant du premier des deux films de cette liste avec une apparition de Carrie Fisher, ce qui est toujours le bienvenu.
Pour ceux qui rejouent encore à çaRobert EggersNosferatubande-annonceet je ne peux pas croire que Willem Dafoe n'ait pas été choisi comme titulairevampire, tu seras heureux de le savoirL'Ombre du vampireexiste. C'est un film où Dafoe incarne un vrai vampire jouant un vampire fictif (le Comte Orlok, véritable nom de Nosferatu) que FW Murnau, réalisateur deNosferatu(1922), convainc les acteurs et l'équipe qu'il s'agit non pas d'un vampire mais d'un obscur acteur de théâtre, Max Schreck. Il mélange des récits dramatisés sur la réalisation d'un film d'horreur pionnier et une intense fascination gothique avec une étrange créature cachée à la vue de tous, et commeDracula de Bram Stoker(1992),il trouve un terrain d'entente avec la diffusion du mythe du vampire et les débuts du cinéma. Ce film a le mérite d'avoir créé une horreur gothique frémissante à partir de ce qui ressemble à une formidable prémisse de sitcom.
Soit vous êtes d'avis que c'est là que leChuckyla franchise a déraillé, ou c'est là que leChuckyla franchise a déraillé et a atterri proprement sur un ensemble de rails entièrement nouveaux et insensés. Ici, Chucky et son épouse, Tiffany, se rendent à Hollywood, où ils sont utilisés comme marionnettes animatroniques sans vie pour une version cinématographique de la légende urbaine de Chucky. Ils sont ramenés à la vie par leur enfant, une poupée sexiste appelée Glen/Glenda, et se lancent immédiatement dans une violence plus dépravée, kidnappant Jennifer Tilly et Redman (eux-mêmes) pour transférer leur conscience dans leur corps. S’il y a une personne qui peut parfaitement chevaucher la terreur sincère et le pastiche de la pantomime, c’est bien Tilly.Graine de Chuckyprend la comédie noire exacerbée deCrieret le pousse au maximum sans lésiner sur les meurtres horribles - John Waters se fait fondre le visage avec de l'acide, mesdames et messieurs !
Si Mark Fisher avait raison de dire queEmpire intérieurc'est comme « être témoin d'une alimentation directe de l'inconscient », alors la transmission elle-même provient de la tour radio dans le logo de production de RKO Radio Pictures. Autrement dit : les cauchemars qui composent le film sont le produit d’années de rêve et de création d’images hollywoodiennes. Dans son premier projet de long métrage numérique, Lynch sape le glamour Technicolor de ses précédents pastiches médiatiques (le savonneux saccharine conscient dePics jumeaux, l'artifice troublant dePromenade Mulholland) pour parler d'une actrice (Laura Dern) sur un chemin menant à un tronçon sale et exposé du trottoir d'Hollywood Boulevard - et en cours de route, nous sommes plongés dans des états de terreur et d'anxiété engourdissante.Promenade Mulhollandétait effrayant, mais cela soulignait également la texture érotique et sensorielle de croire en une ville de rêve construite sur la douleur.Empire intérieurcorrode ses motifs de genre à chaque étape : le noir, le mystère, le mélodrame et une scène de danse folle se sentent tous soumis à l'inquiétude tremblante qui fredonne l'épopée de Lynch - peu importe ce que nous reconnaissons du showbiz, il y a un sentiment palpable que nous sommes au mauvais endroit.
Brandon Cronenberg (fils de David, plus d'informations sur lui ci-dessous) a fait ses débuts avec un film de science-fiction noir stérile et pâle dans lequel notre version capitaliste de la hiérarchie célébrité-consommateur a été dépouillée de toute joie et de toute couleur - mais a conservé son fanatisme et son caractère inhérents. caractère envahissant. Situé dans un monde où les gens peuvent acheter des charges virales auprès de leur personnalité publique préférée chaque fois qu'ils tombent malade juste pour se sentir proches d'eux, un homme à l'air maladif (Caleb Landry Jones, parce que qui d'autre vas-tu ressembler à ça ?) se laisse prendre dans le « marché illicite de la viande de célébrités » qui entoure cette industrie.Antiviralest tout aussi vide et mesuré que l'œuvre de Cronenberg Sr. du 21e siècle et vire souvent au commentaire trop direct, « ne serait-ce pas mental » de l'auteur.Miroir noirvariété - mais il y a quelque chose de tortueux mais reconnaissable dans la promesse d'une intimité construite et autodestructrice de cette culture des célébrités.
Située loin du faste et du glamour des tapis rouges et des salles de cinéma bondées, cette ode au métier isolant d'une production cinématographique sans prestige vous injecte une profonde méfiance à l'égard de l'artifice séparant l'horreur réelle et artificielle. Un ingénieur du son (Toby Jones) se rend dans un studio d'horreur italien pour enregistrer du Foley spongieux, squelchy et généralement écoeurant pendant un certain temps.jaunefilm, mais ses propres blocages psychologiques commencent bientôt à envahir le havre de post-production impersonnel mais viscéral. Le réalisateur Peter Strickland applique toujours une perspective aussi curieuse et lo-fi aux archétypes de genre reconnaissables, et cette histoire d'horreur de se perdre dans un film (pas de manière amusante) occupe un espace unique en marge du cinéma.
Pas le film le plus sophistiqué ou le plus stimulant, cette vaste comédie de Seth Rogen et Jay Baruchel sur les stars hollywoodiennes millénaires confrontées à une apocalypse biblique lors de l'une des soirées à la maison de James Franco met certes en scène un grand nombre de célébrités de premier plan confrontées à la terreur d'un démon. royaume. Le seul problème est que la plupart de ces célébrités sont des amis de Rogen, donc leur réaction face à une horreur qui fait fondre le visage est généralement une variation de « oh merde ! Mais au lieu d'un cinéaste examinant la culture des célébrités de l'extérieur, nous obtenons une nouvelle perspective intéressante de la part d'un groupe de comédiens conscients d'eux-mêmes se pastichant avec des versions biaisées et exacerbées de leur propre statut de star. Hé, la plupart de ces gars jouent leur propre rôle dans chaque film ; du moins, ils le font littéralementjouer eux-mêmesici.
EstYeux étoiléstrop direct, ou la brutalité de sa métaphore d'horreur est-elle le problème ? L'horreur culte psychologique de 2014 (comme dans, une horreur sur les sectes) retrace le retrait de l'agence de l'actrice en herbe Sarah (Alexandra Essoe) alors qu'elle s'approche prudemment de la portée abusive des producteurs. Comportements erratiques, mutations corporelles et hallucinations jalonnent son parcours vers l'approbation de l'industrie, avec des images saisissantes du futur.Sématiste pour animaux de compagniedes réalisateurs Kevin Kölsch et Dennis Widmyer chaque fois que Sarah donne un consentement douteux à transformer son corps au gré des caprices des puissants d'Hollywood. D'une part,Yeux étoilés» Assimiler les élites abusives et auto-protectrices aux véritables adorateurs de Satan semble didactique et simple ; de l'autre, il y a quelque chose de viscéral et d'inconfortable à établir un lien indubitable entre le mal conspirateur du genre de l'horreur et les secrets de polichinelle que l'industrie refuse toujours d'aborder.
L'une des satires hollywoodiennes les plus manifestes et les plus salaces, on pourrait le direCarte des étoilesa été réalisé par quelqu'un avec des instincts d'horreur experts, même si vous ne saviez pas qu'il s'agissait de David Cronenberg. Le maestro canadien a tourné en Amérique pour la première fois de sa carrière (mais la production n'a déménagé à Los Angeles qu'après le tournage principal à Toronto) pour une vision venimeuse de la Cité des Anges blanchie par le soleil et angoissée. Il y a ici un travail titanesque de Julianne Moore dans des motifs et des ambiances du classique LA noir commequartier chinoisetBoulevard du Coucher du Soleil— mais avec tous les thèmes obsessionnels et pervers portés jusqu'au délirant. Lorsqu'ils se combinent avec le « style tardif » étouffant et renfermé de Cronenberg, cela crée une ambiance étrange et désagréable dans laquelle il est agréable de s'immerger.
Se déroulant dans l'une des autres industries d'exploitation centralisées à Los Angeles, l'industrie de la mode, ce film qui divise s'est avéré être une autre raison pour laquelle de nombreux fans en attendaient un autre.Conduirede Nicolas Winding Refn étaient voués à être à jamais déçus. Mais pour les fans de femmes à l'apparence immaculée qui nourrissent une pourriture sombre et envieuse venue d'un coin du monde ravagé par le vice, il est difficile de trouver des reproches.Le Démon Néon.Après la mort de ses parents, Jesse (Elle Fanning), un mannequin mineur, arrive à Los Angeles à la recherche de succès et de conseils et devient bientôt un objet de fascination pour les modèles harpies souffrant intensément de la misogynie psychotique de leur culture de travail. . Malgré tous les rythmes ambigus de l'histoire et les longues séquences de synthétiseur de Fanning défilant dans un triangle lumineux,Le démon néonreprend dans un acte final barbare qui cristallise les thèmes de Refn dans des images choquantes et des dialogues acidulés. C'est un film qui fait preuve d'une retenue remarquable en ne laissant pas tomber la phrase « Tu as l'air assez beau pour manger ».
Il y a eu quelques films d'images trouvées sur Hollywood (le film violent et désagréable qui tue des stars du pornoBâtard chanceuxme vient à l'esprit), mais étant donné que le genre concerne une documentation soignée et non raffinée, on pourrait penser qu'il serait davantage utilisé pour fictionner les personnes et les processus en coulisses. Néanmoins, ce premier long métrage charmant et inquiétant de Ryan Schafer et Ian Tripp fait facilement l'affaire. Il s'agit d'un regard sombre et comique sur le travail d'amour du cinéma, où le vieux cinéaste culte Alfred Costello (Vinny Curran) tente de réparer un héritage endommagé en mettant en scène un dernier projet passionné, intitulé de façon inquiétante « Tout le monde meurt à la fin ». Costello est une présence dominatrice sur le tournage du ranch de montagne isolé, harcelant ses protagonistes masculins et féminins pour qu'ils agissent mieux et bénéficiant du dévouement sectaire de son équipe en uniforme, mais les documentaristes en coulisses filmant les efforts de Costello sont bientôt témoins d'une pratique cinématographique bouleversante qui va au-delà du dévouement à l’artisanat. Le film de Schafer et Tripp s'inspire de nombreux thrillers de routine « se rendant compte lentement que vous êtes en danger », mais le changement de ton et d'esthétique du pastiche du cinéma grindhouse à la terreur des images trouvées est habilement réalisé.
Coralie Fargeat a poursuivi ses débuts accrocheurs,Vengeance,avec un regard exagéré, brillant et méchant sur une ville surélevée, brillante et méchante, avec une vision troublante et horrible des règles hollywoodiennes sur la façon dont les femmes sont autorisées à vieillir dans l'industrie. Après avoir été expulsée de son émission télévisée d'exercices, la célébrité d'âge moyen Elizabeth Sparkles (Demi Moore) commence à expérimenter un bioproduit clandestin qui lui permet de donner naissance à une nouvelle personne plus jeune (Margaret Qualley) qui vivra à tour de rôle la vie de célébrité pour le plus complet.Le fond, dans ses meilleurs moments, puise dans unCinquième élémentouShowgirls« voici un réalisateur européen qui souligne tous les excès étranges et acceptés de la vie américaine » une énergie qui fait toujours rire. Les horreurs corporelles, en particulier celles qui se divisent, fonctionnent mieux si nous sommes coincés dans un espace inconfortablement intime avec les doubles adverses, ce que Fargeat évite tout au long des 140 minutes d'exécution. Mais en choisissant de mettre en scène les séquences squelchy et gluantes du genre – en particulier dans un point culminant à couper le souffle de Frank Henenlotter – nous obtenons à la place une attaque explosive et sans équivoque contre le mandat de perfection physique d'Hollywood.
Cela a pris deux films et deux ans, maisenfinquelqu'un devient une star dans l'un de ces films Mia Goth x Ti West. Après avoir commis un sénicide enX, Maxine Minx (Goth) s'est envolée pour Los Angeles et a fait carrière dans le porno, mais souhaite maintenant passer au divertissement grand public avec la suite scandaleuse d'horreur religieuse.Le Puritain II.Une variante amusante de cette trilogie beaucoup plus grandiose et plus traditionnelle est qu'il s'agit essentiellement d'unjaunemystère, avec un tueur aux gants noirs et des meurtres obscènes baignés de couleurs vibrantes, le tout dirigeant notre héroïne vers un mystère personnel et dangereux. Nous abordons une fois de plus le porno et l’horreur comme un art marginalisé (et donc potentiellement radical), le contexte aigre de l’expression subversive étant désormais aplati par une hiérarchie capitaliste moralisatrice et archi-conservatrice. Mais qu'est-ce qui faitMaXXXineCe qui brille, c'est que, plus que n'importe quelle entrée de la trilogie West x Goth, le film s'adonne à la pure joie des noirs sombres et éclaboussés qu'il admire de manière si palpable - c'est comme si tous ces films d'horreur VHS vulgaires et méchants avaient droit à un feu d'artifice qui fait tournoyer la canne. -numéro musical de célébration éclatant.
