Photo : Warner Brothers/Alay Banque D'Images
Au début, il y avait Woodstock. EtWoodstock.
En toute honnêteté, Woodstock n’a pas inventé le festival de musique, pas plus queWoodstockinventer le film festival.Jazz un jour d'étéarrivé une décennie plus tôt.Festivalbattez-le de trois ans,Pop de Montereypar deux. Mais lorsqu’il s’agit de culture des festivals, Woodstock constitue la charnière entre l’avant et l’après.
Woodstock a fait du festival de musique une institution déterminante, regorgeant de promesses utopiques faisant signe vers quelque chose de philosophiquement, politiquement et spirituellement plus grand que la simple musique.Woodstocka cimenté cette perception, faisant du rassemblement du nord de l’État de New York la forme platonique limite par rapport à laquelle presque tous les autres festivals sont mesurés et compris.L'été de l'âmeLe festival culturel de Harlem a été surnommé Black Woodstock.Message à l'amourLe festival de l'île de Wight était anti-Woodstock. Même son prédécesseur Monterey Pop est souvent considéré, non sans raison, comme le proto-Woodstock.
Bien que la majorité de l'action cinématographique ici soit constituée de gens jouant d'un instrument ou traînant ensemble, les films du festival sont thématiquement ambitieux, présentant leurs sujets comme des moments décisifs et des zéniths artistiques qui s'étendent au-delà de la signification culturelle dans l'histoire sociopolitique. Les cinéastes affirment que leurs festivals respectifs sont des catalyseurs et des baromètres de changements politiques et culturels. Il s'agit soit de projets utopiques, soit, dans le cas deMessage à l'amour, des utopies ratées. Les festivals nécessitent un retrait romantique de soi de la société quotidienne à la recherche d'une forme d'art qui est par défaut temporelle, et il est facile de projeter une signification démesurée à partir de là. Nousvouloirla musique pour faciliter la paix, l’amour et la compréhension là où d’autres efforts ont échoué. Et, au moins pendant toute la durée du festival, les participants regardent directement la caméra et jurent que c'est le cas.
Au-delà de leur rôle de documents, les films du festival sont des exercices de création de mythes, d’adoration des artistes et de projection d’un poids idéologique élevé dans l’entreprise. La place durable de Woodstock dans notre conscience culturelle est presque entièrement l'œuvre deWoodstock, et non l'inverse. Il en va de même pour Beychella etRetour à la maison. L’événement lui-même n’est jamais suffisant, surtout s’il s’est produit avant Internet. Que le festival culturel de Harlem de 1969, dirigé par Nina Simone et Stevie Wonder, est resté invisible pendant des décennies avant d'être redécouvert viaL'été de l'âmeen est la preuve.
Les films du festival vous rappellent constamment qu'il n'est jamaisjusteà propos de la musique. (Gladys Knight dit cela textuellement dansL'été de l'âme.)Wattstaxpartage son temps d'écran entre les performances réelles et les interviews de Black Angelenos sur la vie en Amérique.Sous le ciel électriquedéclare Electric Daisy Carnival le domaine des enfants assis seuls au déjeuner, enfin libres d'être qui ils sont. MêmeFabriqué en Amérique, qui est plus une longue publicité pour Jay-Z qu'un film de festival, tente une méditation superficielle sur le rêve américain au lendemain de la crise financière.
Cela dit, ils ne sont pas si sérieux. Les films de festival n’exigent pas une concentration dévouée. Les films de festival sont aussi des films de mode, deLes maîtres du club de bambou de Theolonius MonkdansJazz un jour d'étéàBague papillon taille soucoupe de Mama CassdansPop de MontereyàLe combo costume court et cape plus rose que rose de Rufus ThomasdansWattstax. Avant tout, les films de festival sont des films d’ambiance, c’est-à-dire qu’un film à succès reproduit ce que l’on ressent en étant là. Les meilleurs vont encore plus loin. Non seulement c'esttoute une ambiance, affirment-ils. C'est une ambiance deénormeimportance historique et culturelle.
Sans doute le premier film de festival jamais réalisé,Jazz un jour d'étéest à la fois une capsule temporelle captivante et un projet évident de passion de certains grands fans de jazz – dans ce cas, le regretté grand photographe de mode Bert Stern et le cinéaste indépendant pionnier Aram Avakian. Filmé au Newport Jazz Festival de 1958 dans des couleurs vives et des cadres serrés, il dégouline de la douceur langoureuse de l'été, mêlant des séquences de performances à des plans de public persistants et des scènes pittoresques des courses de yachts de l'America's Cup à proximité. Les sensibilités photographiques de Stern font de lui un maître dans l'observation des gens et dans la capture d'instants : des étudiants dansant sur le toit d'une maison de plage, un homme corpulent criant en mâchant un cigare, et l'ensemble de jazz de Yale circulant en ville, contrebasse horizontale à travers le banquette arrière. Fidèle au style Newport, tout le monde a l'air absolumentvivre de plaisir, et le film est vraiment léger pour cela. Louis Armstrong ne cesse de sourire que le temps de mettre les lèvres au son de la trompette. Dinah Washington prend un tour glorieux sur le marimba à mi-chemin de « All Of Me », souriant de boucle d'oreille de lustre en boucle d'oreille de lustre. Le ping-pong vocal d'Anita O'Day avec le batteur John Poole pendant « Tea For Two » est aussi fascinant que délicieux. Avec Chuck Berry rebondissant sur « Sweet Little Sixteen » et le bénéfice du recul,Jazz un jour d'étése situe de manière séduisante au bord des années 1960. Mais ce qui le rend remarquable, c'est qu'il s'agit d'abord d'un film de festival totalement captivant et agréable, et ensuite d'un document historique ou d'un sujet de fascination nostalgique.
Apparemment quelques instants avant que les hippies nus et les guitares démembrées ne s'emparent de la culture et des films des festivals, le documentariste musical Murray Lerner a publié le bien nomméFestivalà propos de Newportautrerassemblement musical de longue date et mondialement célébré. Combinant quatre tranches du Newport Folk Festival entre 1963 et 1966,Festivalest un portrait sincère en noir et blanc de la musique américaine jouée devant une foule élégamment habillée, avec des boutons à carreaux et d'épaisses lunettes à monture en corne. Les musiciens et les participants proposent leurs réflexions sur la musique folklorique en tant que forme d'art et véhicule de changement social, cette dernière étant astucieusement associée à quelques lignes de l'interprétation par Donovan de la chanson de protestation anti-Vietnam « La Ballade d'un homme de cristal ». Lerner consacre beaucoup de temps aux performances des têtes d'affiche Peter, Paul and Mary et Bob Dylan, y compris la majeure partie de « Maggie's Farm » des débuts électriques très controversés de ce dernier en 1965. Mais la génération précédente de musiciens folk et blues est encore plus merveilleusement préservée ici. Mississippi John Hurt chante « Candy Man » devant un public qui n'a même pas la moitié de son âge ; Son House explique la nature du blues —«BLUSE!»– en gros plan entre des plans de lui grattant sa guitare à résonateur Style O. Ailleurs, Joan Baez offre des idées significatives sur la célébrité et quelques bons mots occasionnels : "Sortez de manière non-violente ou je vous tuerai", plaisante-t-elle tandis que les fans l'assaillent pour des autographes. La musique est, comme on pouvait s'y attendre, brillante, mais la profonde affection de Lerner et de ses sujets pour la tradition musicale américaine est ce qui donne le ton et rend le film si irrésistible.
Bien qu'il soit désormais ancré dans l'histoire de la culture pop en tant que grand festival pré-Woodstock, l'attrait du Festival international pop de Monterey de 1967 réside en partie dans sa liberté par rapport au bagage culturel et philosophique démesuré accroché à son successeur géant. Le festival et l'accompagnement de DA PennebakerPop de Montereydoc sont toujours redevables à un optimisme des fleurs dans les cheveux du milieu des années 60, autonome et lâche à la manière de Woodstock etWoodstockne le sont tout simplement pas. Jefferson Airplane et les Who montent sur scène habillés comme des sorciers cachemire. Brian Jones, bien vivant, se promène dans les jardins. Janis Joplin est (pour la toute dernière fois) la chanteuse relativement inconnue de Big Brother and the Holding Company, provoquantCass Elliot, visiblement abasourdi, reste bouche béependant « Ball and Chain ». Bien qu'il balaye avec sa caméra les festivaliers et la scène en général, Pennebaker édite les performances à la taille voulue et les déclenche en succession rapide : la « Section 43 » sinueuse de Country Joe and the Fish, directement sur Otis Redding se plongeant dans « That's How Strong ». My Love Is », suivi immédiatement par Jimi Hendrix qui fait monter son ampli sur « Wild Thing » avant d'allumer sa Stratocaster. CommeJazz un jour d'étéavant cela,Pop de MontereyL'approche cinématographique directe des performances et des gens laisse les deux choses captiver pour elles-mêmes. Et mon Dieu, cette finale de Ravi Shankar est tout simplement captivante.
Il n’est pas exagéré de dire que la place singulière de Woodstock dans l’imaginaire populaire a tout à voir avec l’efficacité du tournage et du montage.Woodstockest. Le réalisateur Michael Wadleigh est arrivé tôt à Bethel, est resté tard et a tourné 120 heures de séquences entre les deux. Sept éditeurs (dontdeux courageux diplômés d'une école de cinémanommé Thelma Schoonmaker et Martin Scorsese) l'ont réduit à temps pour le projeter au Festival de Cannes de 1970. Il a ensuite remporté le prix du meilleur long métrage documentaire aux Oscars, a fait le ménage au box-office et a permis à Roger Ebertdéclarerque c’est « peut-être le meilleur documentaire jamais réalisé en Amérique ». Toutes ces images sont utilisées à bon escient avec des effets d'écran partagé quasi constants, qui servent à créer des diptyques astucieux du public et à donner aux performances une qualité de plus en plus psychédélique. Ce que Monterey Pop a mis en mouvement culmine ici : Roger Daltrey et Pete Townshend ont coupé le gras et les franges de leur style et de leur musique, Grace Slick dégage une confiance inédite en 1967, une Janis Joplin pieds nus s'impose au panthéon. Les caméras dynamiques et le montage hallucinatoire – les superpositions, les mises en miroir ou l'augmentation des proportions ne manquent pas – sont séduisants et sensoriels, préservant une ambiance socioculturelle à son apogée et les musiciens les plus doués de l'époque à leur apogée. Le film s'efforce de faire en sorte que Woodstock se sente miraculeux. Cela réussit.
Bien que nontechniquementun festival, le Concert for Bangladesh de George Harrison en 1971 au Madison Square Garden a soit été pionnier, soit a fait bon usage de multiples éléments de base de la culture des festivals modernes : l'invité surprise (Bob Dylan), une vaillante tentative de réunion d'un grand groupe (qui n'a pas réussi à se concrétiser lorsque Paul McCartney a catégoriquement refusé et John Lennon a fait marche arrière sur la stipulation d'Harrison selon laquelle Yoko Ono ne pouvait pas également comparaître) et sur l'angle des avantages caritatifs. Les concerts-bénéfice étaient pratiquement inconnus au début des années 1970 ; Harrison les a inventés presque à lui seul car, comme il le dit lors de la conférence de presse d'ouverture du film, "un ami m'a demandé si j'allais aider, c'est tout." Alerté par Ravi Shankar du sort des réfugiés du Pakistan oriental fuyant le génocide et la famine provoqués par la guerre de libération du Bangladesh, Harrison s'est rendu dans son Rolodex. Il a réuni Ringo à la batterie et Eric Clapton à la guitare, ainsi que Leon Russell et Billy Preston aux claviers, ce dernier en pleine forme lors d'une interprétation émouvante de « That's the Way God Planned It » qui soulève toute l'arène.Le concert pour le Bangladeshest filmé simplement et directement, un simple document d'un événement plus soucieux de sensibiliser à une crise humanitaire que de sensibiliser la conscience collective. Le public est entendu mais rarement vu ; Shankar répond drôlement à leurs applaudissements après avoir fini de s'accorder en disant : « Merci. Si vous appréciez autant l’accordage, j’espère que vous apprécierez davantage le jeu. »Le concert pour le Bangladeshest certes léger sur des moments comme ceux-là, et l'impact du concert lui-même est sans doute bien plus grand que celui de son film. Mais si vous aimez le Quiet One, jouez ce film à voix haute.
Le film du festival arrive sans doute dans les années 1970 avecFête de Glastonbury, un récit fait maison et portable du deuxième Glastonbury, avec de la lutte dans la boue nue, des côtelettes de mouton et des motos pour démarrer. La musique suit le mouvement. Avec Terry Reid déchirant « Dean » pour ouvrir le film, Family sortant une flûte et une guitare à plusieurs manches, et Kingdom Come dirigé par Arthur Brown avec un maquillage menaçant, il est évident que la spirale psychédélique et le folk rêveur de la décennie précédente évolue vers quelque chose de plus lourd, de plus progressiste, de plus baroque et de plus en plus sinistre. Cela ne veut pas dire que la foule a abandonné l'amour gratuit ou les couronnes de fleurs, qui ne sont pas rares parmi les participants occupant à la fois les positions de lotus et de missionnaire dans les champs verdoyants du Somerset. De retour au camping, la caméra filme consciencieusement des cercles de tambours et une messe catholique sous la tente célébrée par un prêtre qui est probablement la personne la plus âgée de tout le film. Les passionnés de Glasto apprécieront les scènes de la construction inaugurale de la désormais emblématique Pyramid Stage, déjà désintégrée à la fin du film. Sinon,Fête de GlastonburyLa performance la plus forte de (et sa finale) est « Gimme Some Lovin' » de Traffic, tourné à bout portant alors qu'il met tout le public debout. Les images des têtes d’affiche David Bowie et Joan Baez sont remarquablement absentes, mais l’euphémisme le plus britannique de Glastonbury ne l’est pas : « Cela a tendance à être un peu boueux. As-tu apporté des bottes avec toi ?
Wattstaxest un film de festival difficile à caractériser, en partie parce que des pans entiers du film ne se déroulent pas lors du Watts Summer Festival de 1972, ni même en sont discutés. Il existe délibérément dans le contexte des émeutes de Watts de 1965, une explosion de troubles raciaux qui a duré six jours déclenchée par un affrontement lors d'un contrôle routier entre un homme noir de 21 ans et un officier blanc de la California Highway Patrol. Wattstax a été organisé spécifiquement pour commémorer le septième anniversaire des émeutes, que le film utilise comme entrée dans un portrait plus large de la nature de la vie des Noirs dans l'Amérique des années 1970. Le réalisateur Mel Stuart parcourt les performances d'Albert King, des Staples Singers et des Bar-Kays avec une efficacité unique, coupant régulièrement de la dernière moitié d'une chanson à une longue interview avec Richard Pryor ou à des discussions externes entre Watts. résidents. Au fil de montages d'églises devant les magasins et de la vie dans la rue locale, la caméra de Stuart s'intéresse aux discussions sur l'expérience de l'église noire, les relations interraciales, la camaraderie inhérente au pouvoir, les flics, le blues, et bien plus encore. Ce sont les gens qui sont au centre de l'attention, à la fois ceux interrogés et les plus de 100 000 participants portant des chapeaux souples, des dashikis assortis, des mini-robes et des bas de cloche retenus par des bretelles. Peut-être encore plus délibérément queWoodstocket Woodstock avant lui,Wattstaxdépeint Wattstax non seulement comme un festival, mais comme le rassemblement où un moment idéologique, culturel, politique et artistique distinct s'est fusionné pour atteindre une signification historique. Ça a l'air bien de le faire aussi.
Tourné au Festival de l'île de Wight en 1970 mais inédit jusqu'en 1995, le film de Murray LernerMessage à l'amourest une représentation brutale du démantèlement de la culture hippie aux mains du capitalisme qui ne flatte aucun des deux camps. L'obscurité, la colère explosive et le cynisme pur et simple du film et de ses sujets rendentFestivalLe folklore du milieu des années 60 semble presque pittoresque. Rien que dans les premières minutes, l'animateur et producteur Rikki Farr crie contre les gatecrashers, puis Roger Daltrey du Who déchiquette ses cordes vocales sur « Young Man Blues », le morceau du groupe.deuxième plus célèbremais un hymne bien plus méchant à la désillusion générationnelle. Quelles que soient les vertus hippies encore professées dans de courtes interviews, la chute des années 1960 est inscrite sur tous les visages.Message à l'amourregarde la réalité s'installer dans la culture des festivals, représentée dans des scènes tendues de promoteurs se disputant des contrats et de gatecrashers affrontant des flics. Contrairement à la plupart des autres films de cette liste,Message à l'amoura de réels enjeux et de véritables conflits. « Ce business des festivals est en train de devenir un camp de concentration psychédélique où les gens sont exploités ! » » crie un radical dans le micro de la scène pour protester contre le prix d'entrée de trois livres, révélant par inadvertance le vide de l'idéologie de son époque mourante. Un autre gatecrasher interrompt le set de Joni Mitchell juste au moment où elle termine « Woodstock », un requiem accidentel s'il en est, pour ensuite être traîné hors de la scène par les flics. Elle est visiblement secouée alors qu'elle appelle le public au respect. Il y en a bien d'autres d'où cela vient. C'est un vrai bad trip, mais un sacré film.
Le deuxième des trois films centrés sur Glastonbury réalisés depuis le début des années 1970, au titre déroutantGlastonbury : le film en flashbackest le film le plus animé des festivals. Non seulement il capture efficacement l'esprit du festival de la Saint-Jean de 1993, bien avant qu'il ne serve dele terrain de prédilection des mannequins en bottes Hunter couvertes de boue, il offre également une fenêtre remarquable sur l'état de la musique britannique juste avant que la Britpop et la manie Cool Britannia des années Blair n'engloutissent tout. La musique est droney, ravey, psychédélique, fortement rythmée et toujours bizarre. Les MC stéréo, Spiritualisés, Ozric Tentacles, l'Orbe font tous de brèves apparitions, ce qui sied à cette version de Glasto entièrement axée sur le mystique. La caméra s’attarde sur les couchers de soleil rouge sang et les aubes bleues. Il tourne autour du chant de Hare Krishnas et des raves de fin de soirée, utilisant périodiquement des fuites de lumière et du flou de mouvement pour rendre les visuels convenablement drogués, bien qu'un peu datés. Ventriloques, joueurs de sitar et jongleurs divertissent le camping, là où le film passe le plus de temps. « Glastonbury est avant tout un festival païen », note un festivalier dans une brève interview façon homme de la rue, etGlastonburyest d'accord. Ce faisant, il coche de nombreuses cases de festival-film : leWoodstockécran partagé, interviews occasionnelles mais manque de narration et fixation sur les participants. Le film passe beaucoup plus de temps avec le public qu'avec les musiciens, puis se termine dans un package joyeux de 80 minutes. Si « Worthy Farm » ne vous dit rien, ce n'est pas pour vous. Si c'est le cas, essayez-le.
Sous le ciel électriqueest un peu différent, en termes de genre, du reste de cette liste. Bien que Skrillex fasse une apparition durantFabriqué en Amérique, la grande majorité des films de festivals de musique se concentrent sur la pop et le rock au sens large. Ce n'est pas difficile à expliquer. D’une part, la musique dance à partir du disco des années 70 était le domaine des clubs sombres et des sets de plusieurs heures. Mis à part le mauvais éclairage, il est également difficile de transmettre cinématographiquement un genre de musique qui existe pour être vécu physiquement. Néanmoins, lorsque l'EDM est devenu nucléaire aux États-Unis, les organisateurs du festival ont saisi l'instant et une caméra et sont sortis.Sous le ciel électrique. Filmé au Electric Daisy Carnival 2013 à Las Vegas,Sous le ciel électriquevous donnera un véritable SSPT par rapport au caractère criard et éhonté du début des années 2010. Il suit une poignée de participants au festival – y compris un groupe de connards insupportables qui se font appeler la meute de loups et des bières au fusil de chasse sur le toit du camping-car de leur tante (qu'ils saccagent) – alors qu'ils se frayent un chemin à travers la forêt de stores et de mailles néon. , Coiffes indigènes, capuches en fourrure avec oreilles d'animaux, pancartes « FREE HUGS » et jeunes de 21 ans en extase échangeant des bonbons (bracelets de perles, pour le non-initiés) avec un flic parce que la mentalité PLUR sauvera le monde. Ou quelque chose comme ça. Les images de la performance sont réduites au minimum, mais des plans au ralenti des participants s'embrassant devant la grande roue sont réguliers. « C'est presque comme si Woodstock était réinventé », s'enthousiasme Armin Van Buren. Lecteur, ce n’est pas le cas.
2012 était-il vraiment si loin ? Avec son optimisme écoeurant de l'ère Obama et la simple présence de Miike Snow, le récit de Ron Howard et Jay-Z sur le festival Made in America 2012 donne certainement ce sentiment. Quelle que soit la nostalgie que vous pourriez avoir pour les artistes de la programmation, elle ne peut pas non plus la sauver, étant donné que le film consacre très peu de temps aux performances et beaucoup de temps à inciter les artistes de la programmation à parler du rêve américain. (Ils demandent même à Pelle Almqvist, leader de Hives, qui est très certainement suédois, et ce n'est toujours pas le moment le plus glauque du film.) Jay-Z passe la majeure partie deFabriqué en Amériquefaire un cosplay d'homme du peuple risible, citant son parcours de Marcy Houses jusqu'au grand moment comme preuve que «nous avons tous les mêmes luttes et les mêmes rêves». (Est-ce que nous le pensons ?) D'Angelo parle du Tea Party. Tyler, The Creator, de l'ère Odd Future, explique à quel point il aime les couleurs vives. Jay-Z parle du club qu'il a ouvert au Barclays Center dans l'un des nombreux moments vraiment effrontés de publicité nue. Les extraits décousus des performances réelles qui constituent le montage final sont terriblement éclairés et à peine nets. Le pire de tout,Fabriqué en Amériquecommet le péché capital du film du festival : ça a l’air horrible. Ce n’est pas vraiment important, puisqu’il s’agit d’une publicité Jay-Z de 93 minutes. Pourtant, cet ingénieur du son a réalisé Pearl Jam et Passion Pit – vous vous en souvenez ? - tellement sale. Avons-nous déjà été si naïfs ?
Peut-être pourrions-nous être des puristes en ce qui concerneRetour à la maison, qui est un film sur un événement phare d'un festival plutôt qu'un film sur un festival dans sa totalité. Mais de manière réaliste, est-ce que quelqu'un se souvient d'autre chose à propos de Coachella 2018 ?en plusBeyoncé ? Elle a effacé le reste du festival de cette année-là et l'a refait à sa propre image ; « Beychella » reste gravé dans le lexique culturel. Tout cela a été conçu et préservé parRetour à la maison. Le film n’est rien d’autre qu’un exemple extrêmement réussi de création de mythes contemporains, consacrant la performance réelle comme un moment déterminant de l’esprit du temps tout en positionnant sa star dans un récit de triomphe sur l’adversité. Avec des digressions sur sa deuxième grossesse difficile et des images des coulisses,Retour à la maisonprésente une Beyoncé aux multiples splendeurs : interprète accomplie, épouse et mère aimante, gardienne spirituelle de sa fanfare et d'une petite armée de danseurs, et dictateur artistique bienveillant, motivée par la poursuite de la perfection et ses nobles idéaux de représentation, de communauté et libération. Et ça marche ! Vu sous tous les angles possibles et assemblé à l’aide d’images des deux week-ends, la performance réelle est vertigineuse et fascinante par son maximalisme. Bey est rarement seul sur scène, flanqué de danseurs et soutenu par une fanfare. La musique s'arrête rarement. Tout brille, de la coiffe de Néfertiti aux tenues de camouflage « Survivant » mises à jour portées lors du segment des retrouvailles de Destiny's Child. C'est fulgurant, et ça cristallise en peu de temps le mythe de Beyoncé.Fabriqué en Amériqueje ne pourrai jamais !
Sans vouloir manquer de respect au levain ou à ses entrées, mais le docu-ode oscarisé de Questlove sur « Black Woodstock » est peut-être le projet pandémique par excellence. Assemblé à partir de 40 heures d'images qui ont langui pendant des décennies dans le sous-sol du producteur Hal Tulchin,L'été de l'âmepermet au Festival culturel de Harlem de 1969 de voir enfin le jour avec un généreux recul. Le film s'efforce de positionner le festival qui s'étend sur plusieurs week-ends comme un moment culturel décisif au sein d'un moment historique complexe ; L'interprétation pleine d'entrain de Mahalia Jackson et Mavis Staples de « Take My Hand Precious Lord », chantée en l'honneur de Martin Luther King Jr., assassiné un an auparavant, est de facto la pièce maîtresse du film. Mettant en lumière tout, du gospel exubérant des Edwin Hawkins Singers au funk psychédélifié de Sly and the Family Stone en passant par le pilier de la Motown, David Ruffin.quenote élevée dans « My Girl », il capture une fragmentation artistique convaincante qui se produit au sein de la musique populaire noire de l’époque, et il le fait devant un public stylé. La plupart deL'été de l'âmeLes têtes parlantes obligatoires de Music-Doc sont les interprètes et les membres du public eux-mêmes, là pour souligner le profond impact personnel que l'événement a eu sur eux et fournir une trame de fond. C'est toujours utile et souvent intéressant, comme lorsque Marilyn McCoo et Billy Davis Jr. de Fifth Dimension réfléchissent au fait d'être un groupe noir avec un succès retentissant extrait deCheveuxet la culture hippie. Quoi qu’il en soit, la musique, enfin télévisée, est l’essentiel.
