Shannon Tyo dans le rôle d'Afong Moy dansLa dame chinoiseau Public.Photo : Joan Marcus
DansLa dame chinoise,Lloyd Suh dramatise la véritable histoire de la (peut-être) première femme chinoise à voyager aux États-Unis. Suh travaille à partir de peu d'informations : nous savons qu'en 1834, les frères Carne ont amené une adolescente Afong Moy (probablement pas son vrai nom) de Guangzhou à New York, où ils l'ont utilisée comme gadget promotionnel pour leurs étalages de produits asiatiques. . Même si elle était censée rester seulement un an ou deux, ses supérieurs ne l'ont pas laissée rentrer chez elle. Au lieu de cela, elle est restée aux yeux du public pendant près de deux décennies. Elle est apparue au Musée américain en tant que curiosité culturelle, a fait une tournée nationale et a finalement signé comme exposition vivante avec PT Barnum. Présenté comme un «nouveauté sans précédent», elle a attiré des foules qui voulaient la voir démontrer les raffinements chinois, y compris la préparation du thé et, bien sûr, comment elle pouvait marcher sur ses petits pieds bandés.
Suh utilise cette histoire vraie comme armature pour sa pièce instructive, parfois dévastatrice. Onstage est une version de la salle d'exposition utilisée par les frères Carne, un lieu surélevé où Shannon Tyo – jouant Afong Moy avec une combinaison éblouissante de chaleur et de retrait – peut s'adresser à nous. Son traducteur, Atung (Daniel K. Isaac), tire le rideau pour la révéler, et elle commence immédiatement à parler de sa vie avec optimisme et gaieté. Elle est ennuyée contre Atung pour son agression passive (« Atung n'a pas d'importance ! » chante-t-elle, ce avec quoi il est d'accord), et les deux ont une conversation souriante et pointue. Lorsqu’il nous parle directement, Isaac s’attaque à tous les stéréotypes asiatiques captivants et désireux de plaire. C'est délibérément horrible, et c'est encore plus douloureux quand le public rit.
Chaque fois qu'Atung tire le rideau après la courte exposition de thé et de marche d'Afong Moy, les années passent. Dans la scène suivante, elle est toujours dans sa chambre, un peu plus âgée mais toujours optimiste, pleine de grands projets de retour en Chine. Elle pourrait ramener une fille blanche vers une meilleure compréhension culturelle, pense-t-elle. Atung ferme le rideau. Atung ouvre le rideau. Elle semble moins enthousiaste lorsqu'elle verse le thé, même si elle sourit toujours. Les décennies passent ; elle ne part jamais.
Suh et le réalisateur Ralph B. Peña ont crééLa dame chinoiseen 2018, produit par le groupe de Peña, la Ma-Yi Theatre Company. Ma-Yi a désormais amené la production au Public Theatre, produisant actuellement une micro-saison de deux spectacles célébrant les artistes américains d'origine asiatique. Au Public's Martinson Theatre, la National Asian American Theatre Company présente une série de monologues (écrits par des écrivains dont Sam Chanse et Naomi Iizuka) interprétés par des acteurs de plus de 60 ans. Peut-être involontairement, le titre de la collection —Hors du temps —est un peu riche : même s'ils sont excellents, cinq solos d'une demi-heure font une longue production. Mais dans les moments oùLa dame chinoiseest devenu presque trop douloureux à supporter, cela m'a réconforté, indirectement, que ces aînés soient là, de l'autre côté du couloir et dans les escaliers, lui tenant compagnie pendant sa veillée solitaire.
J'ai vuLa dame chinoisedans cette première production en 2018. Il y avait le même casting et le même réalisateur – mais c'était assez différent. Dans la première, la scénographe Junghyun Georgia Lee a imaginé la chambre d'Afong Moy comme un écrin à bijoux en chinoiserie tapissé de papier peint, les murs bleu paon peints de fleurs et d'un toucan déplacé, tandis que ses costumes habillaient Tyo de soies matelassées carrées et adaptées à l'époque. . La pièce était ainsiun disque sournoisd’efforts infructueux pour être historiquement « précis », à la fois par la production et par les Carnes. Le renouveau Public aborde la mise en scène de manière plus impressionniste. En 2022, Linda Cho remplace Lee en tant que costumière et Tyo porte désormais une robe à manches profondes, entièrement imprimée d'images de plats bleus et blancs. Dans cette tenue délibérément non historique, Afong Moy devient un jeu de mots visuel (elle porte de la « porcelaine ») alors qu'elle est assise dans un nouvel ensemble (encore une fois de Lee) avec des images abstraites de pétales surdimensionnés sur ses murs. Ceux-ci ont l’air tachés et stériles, le genre de chose que l’on voit dans l’art hôtelier. Il y a aussi une série de projections, de diapositives sur la haine anti-asiatique, qui font un peu parler de TED Talk. La production a perdu une bonne partie de sa beauté avec ces changements. Il a également perdu son acidité visuelle et son humour.
Les coutures soignées de Suh, cependant, ne se sont pas relâchées au fil des années. Il équilibre la comédie sur le lieu de travail – nous avons tous travaillé avec un Atung ! — et une amertume rapide et excoriante d'une main mesurante. Et Peña dirige à nouveau des performances magnifiquement formées de Tyo et Isaac, qui ont peaufiné leurs rôles pour les rendre plus brillants. Leur jeu est si parfait, c'est musical : elle fonce à corps perdu, alors il traîne ses lignes, interrompant ses rythmes. Chaque fois qu'elle accélère la cadence verbale, il est là avec une corde à linge métaphorique. C'est tout un numéro acrobatique comique, exécuté avec Isaac assis droit au bord du rideau, Tyo complètement immobile sur sa chaise dans la boîte. (Cet humour rend la pitié éventuelle d'Atung pour elle encore plus angoissante, sans parler de son passage du ménestrel des débuts de l'interprète à quelque chose de plus tridimensionnel et las.) La production ne résiste pas au voyeurisme que Suh critique, ainsi, par exemple. , nous avons droit à une démonstration sur un pied en cire réaliste de la technique du « break-and-bind » qui a tant titillé les badauds américains. La pièce devient plus troublante à mesure que nous sommes obligés de lier le projet des frères Carne – dans lequel les relations commerciales étaient décrites comme des voies de compréhension – et la production elle-même, dans laquelle l'art a remplacé le marketing comme illusion libérale.
Utiliser des articles de journaux et des publicités vieux de 190 ans pour suivre une vie peut être délicat, c'est pourquoi il y a des silences et des trous dans le texte. Qu'est-il arrivé à Afong Moy ? Personne ne le sait. Qu'est-il arrivé à Atung ? Au lieu d’inventer des réponses, Suh nous laisse avec des questions. Et en remettant la « Dame chinoise » devant un public, il soulève d’autres questions sur les torts causés en regardant, même les torts causés en continuant à implorer son attention auprès d’un public blanc. Afong Moy croit qu'elle a une mission : elle, comme d'autres artistes que nous pourrions mentionner, continue d'essayer de vaincre l'insensibilité et la haine par la performance. Dans une séquence déchirante vers la fin de la pièce, Afong Moy nous dit qu'elle n'a pas atteint son objectif. Alors qu’elle énumère des siècles d’atrocités anti-asiatiques américaines et de racisme parrainé par l’État, elle s’excuse encore et encore. « Peut-être si j'avais été plus digne de cette tâche. Si je vous avais montré davantage de moi-même », dit-elle, assumant la responsabilité des péchés des autres. "Je suis tellement, tellement désolé." C'est ici que la pièce commence à plaider directement auprès d'un public qu'elle suppose clairement être en grande partie non asiatique. "Pouvez-vous me voir?" demande-t-elle dans son dernier moment sur scène. Est-ce que ce genre de supplication, s'il vous plaît, percevez-nous, fonctionne ? Cent quatre-vingt-huit ans montrent qu’il est temps d’adopter une approche différente. Il est peut-être pertinent – horriblement pertinent – que le public ait rapporté qu'un danseurLa dame chinoiseLa célébration du premier soir a eu lieuattaquéen route vers le théâtre. Il a été blessé, mais il a quand même joué. Le rideau se ferme, le rideau s'ouvre.
La dame chinoiseest au Théâtre Public jusqu'au 10 avril.
