De chez Eboni BoothParis,à l'étape Atlantique 2.Photo : Ahron R. Foster
Le thriller naturaliste d'Eboni BoothParisest techniquement une pièce d’époque. L'action se déroule en 1995, à Paris, dans le Vermont : les gens portent de terribles coupe-vent mauve et les coupes de cheveux sont tragiques. Mais la portée du drame de Booth n'appartient pas au passé. C'est un condensé féroce de la vie dans la précarité moderne, un jeu d'horreur qui n'utilise la réalité que pour ses grandes frayeurs.
Nous commençons dans une salle de repos qui ressemble à un abri anti-bombes, en regardant le film d'orientation des employés d'un magasin de type Wal-Mart appelé Barry's. Quelque chose dans la vieille cassette vidéo rugueuse avec ses riffs de Van Halen semble hilarant – comme dans la mode saisissante de la série des années 1990, chaque touche de retour nous amuse. On rigole (pourquoi diable avons-nous porté ça ?), retardant légèrement notre reconnaissance d'une insulte sur le lieu de travail. Dans ce cas-ci, la cinématographie du cheeseball nous distrait suffisamment pour que le message antisyndical arrive avant que nous soyons prêts. Bienvenue dans la famille Barry, dit la vidéo, le genre de famille où vous ne vous organiserez absolument pas de peur qu'on vous traîne devant un putain de tribunal.
Emmie (Jules Latimer) vit l'angoisse particulière de l'interviewée qui ne sait pas si son intervieweur, le manager Gar (Eddie K. Robinson), lui a confié le poste ou non. Il ne cesse de poser des questions aléatoires auxquelles elle est impatiente de répondre (« Nommez votre chanson préférée des Talking Heads ! »), mais le poste de réserve semble déjà être le sien. Ce sentiment d’hésitation ne s’arrête jamais. Emmie travaille chez Barry pendant les 90 minutes de la série, mais à chaque seconde d'anxiété, vous sentez qu'elle pourrait être licenciée – les cinq dollars de l'heure dont elle a tant besoin lui sont récupérés. Ce gouffre bée sous tous ceux qui y travaillent : Wendy (Ann McDonough), la vieille rusée au cœur tendre ; Logan (Christopher Dylan White), le stoner qui démange et rêve de devenir une célébrité en tant qu'animateur ; et Maxine (Danielle Skraastad), la mère de trois enfants pleine de rage.
Le réalisateur Knud Adams cadre la production comme un film d'horreur. Il a soigneusement réfléchi à la façon dont notre regard se déplace dans le décor photoréaliste de David Zinn (la salle de repos au-dessus sur une étagère en béton, la réserve en dessous et semblant se prolonger dans le hall du théâtre), pour que les espaces, même vides, palpitent de menace. . Chaque élément – des lumières d'Oona Curley aux costumes d'Arnulfo Maldonado en passant par le son de Fan Zhang – possède cette précision cinématographique. Et son casting est parfait de bout en bout, tous tour à tour hilarants et dangereux, entourant Latimer frémissant, qui reste immobile comme un lapin au centre de la série.
Booth semble n'avoir eu qu'une seule règle de composition : chaque conversation doit tourner autour de l'argent. Le mari de Wendy, Dev (James Murtaugh), continue de vendre une série de livres sur la façon de devenir millionnaire ; Logan doit vendre des billets pour son groupe pour pouvoir poursuivre sa (terrible) carrière musicale. Peu à peu, cependant, elle se montre comme une intrigueuse, glissant des éléments de thriller en elle.Nickel et Dimedréalisme. Chez Barry, les choses ne sont pas toutes ce qu'elles semblent être. La marchandise ressemble à des déchets, mais elle vaut plus qu'une vie humaine. La rigueur de Gar en matière d'ordre public s'adoucit parfois – Emmie et lui ont un moment de solidarité parce qu'ils sont noirs dans le Vermont – puis devient sournoise. À un moment donné, lorsque Bruce McKenzie apparaît sur scène dans le rôle du mystérieux Carlisle, la pièce a l'impression qu'elle est sur le point de tourner à la vitesse de Tarentino. Mais les horreurs de la vie dans un emploi à volonté sont déjà assez effrayantes. Le froid de ce spectacle était si profond que je me suis retrouvé à marcher dans la neige après, suppliant mon cœur de se réchauffer.
Ensuite, il y a unréeljeu d'horreur,La Femme en Noir,même si c'est le genre d'horreur qui est censé vous faire sentir mieux au lieu de pire. Parce que quels que soient vos problèmes, je parie que vous n'êtes pas poursuivi par une silhouette surnaturelle sortie d'un cauchemar, une silhouette vêtue de noir qui vous traque à travers les brumes marines et les marais traîtres. Je veux dire, pas à moins que vous soyez en campagne électorale !Ha-Ha,nous sommes en enfer.
Le roman de Susan Hill de 1983 est un faux style victorien, plein d'atmosphère. Clairement admiratrice d’Henry James, Hill a enveloppé son récit dans l’une de ces histoires gothiques du XIXe siècle ; son adaptateur de 1987, Stephen Mallatratt, a ensuite enfermé son intrigue à deux niveaux dans une autre coque dramaturgique. (Cela semble être une erreur : mettre un chapeau sur un chapeau.) L'ancien avocat nerveux Arthur Kipps (David Acton) a écrit sa « vraie » histoire pour la faire sortir de sa poitrine ; Mallatratt invente un acteur (Ben Porter), qui entraîne Kipps à l'adapter à la scène et finit par jouer son rôle. L'histoire de Kipps suit les vieilles règles des histoires de fantômes : les gens le mettent en garde contre le fait de passer la nuit dans une maison hantée ; il fait plusieurs rencontres macabres ; puis il lit un paquet de lettres d'exposition.
La femme en noirest utilement sous-titréUne pièce de théâtre fantôme dans un pub, pour que nous sachions qu'une partie importante de notre soirée sera consacrée à la boisson. Le joli bar lambrissé de l'hôtel McKittrick (mieux connu comme l'hôte deNe dormez plus) propose autant de grogs et de bières que possible, et si vous évaluez un bon divertissement dans un pub comme « des gens suffisamment paniqués pour se défouler sur leurs propres bières », ce spectacle obtient le Sticky Floor Award. La nuit où je l'ai vu, il régnait dans la pièce une certaine crédulité qui aurait pu être l'œuvre de l'alcool. Les gens criaient à haute voix, lançaient un avertissement à un personnage de la pièce et applaudissaient lorsqu'un artiste agitait avec désinvolture sa canne.
La pièce de Mallatratt est jouée dans le West End de Londres depuis 30 ans et a fait 14 tournées. Le directeur de la mise en service d'origine, Robin Herford, a dirigé chaque casting, y compris celui-ci. Les os de cette chose sont donc solides. Vous pourriez matraquer à mort d’autres émissions avec ces os. Mais même si les frayeurs sont fortes, elles vous font en partie sursauter parce que les vingt premières minutes d’introductions répétitives vous ont endormi. Le drame a été surchargé de près d'une heure, peut-être pour qu'il y ait du temps pour un entracte et d'autres sorties au bar. Ce sera bien sûr une question de goût si vous trouvez cette châtaigne classique et réconfortante ou morbidement rassis. Pour moi, cela ressemblait à une version zombie de quelque chose qui avait autrefois eu vie. Cette série sait clairement une chose ou deux sur le refus de mourir.
Parisest à l'étape 2 de l'Atlantic Theatre Company.
La femme en noirest à l'hôtel McKittrick.
