La plupart des comédies scéniques contemporaines sont basées sur des blagues agressives. En effet, le dramaturge exige que les spectateurs se plient au rythme de ses punchlines et crachent des rires au bon moment. Cela peut être une expérience satisfaisante, bien que rarement surprenante, comme regarder des sitcoms en public. En tout cas, de telles comédies ont pratiquement étouffé les comédies plus anciennes et plus douces qui ont prospéré à Broadway dans la première moitié du siècle dernier, avec un minimum de yocks obligatoires ; peu d’œuvres écrites avant 1960 semblent pouvoir être relancées, du moins pour les producteurs commerciaux. C'est donc non seulement un régal mais aussi une leçon d'humour que de retrouver une pièce de 76 ans commeVous ne pouvez pas l'emporter avec vousjaillissant toujours de la page et déchirant un public. Il s'agit peut-être d'une châtaigne, mais lorsqu'elle est mise en scène et interprétée avec autant d'élégance que cette reprise de Broadway, une châtaigne descend comme un marron glacé.
Il est impossible d’éviter son caractère démodé ;Vous ne pouvez pas l'emporter avec vousa un casting principal de 15 personnes, trois actes et un goût pour la fantaisie plutôt que pour le réalisme. Son idée d'unau courantle nom est Trotsky. Mais dans cette troisième des huit collaborations des années 1930 entre George S. Kaufman et Moss Hart, l'architecture dramatique semble plus spécialement conçue que ces éléments autrefois à la mode pourraient le suggérer. La fantaisie est tactique. La période est cruciale. Et l'argumentation de la pièce requiert sa grande structure. Cet argument, comme le titre l’indique, porte sur l’utilisation de l’argent : un sujet tout aussi digne d’attention en 1938, alors que le pays passait de la dépression à la guerre, qu’il ne l’est aujourd’hui, alors qu’il fait quelque chose de similaire.
Mais avant que la pièce ne discute, elle fait signe. La scène est la confortable maison de Martin Vanderhof (James Earl Jones), à Washington Heights, sous le toit de laquelle vit un clan étendu de charmants excentriques. Il s'agit notamment de sa fille, Penelope (Kristine Nielsen) ; son mari, Paul (Mark Linn-Baker) ; leurs filles, Essie (Annaleigh Ashford) et Alice (Rose Byrne) ; le mari d'Essie, Ed (Will Brill) ; et divers quasi-employés et parasites. Tous, sauf Alice, la pratique, ont suivi l'exemple de Martin de ce que nous appellerions aujourd'hui suivre son bonheur ; aucun n’a un véritable travail ni les lourdes responsabilités qui l’accompagnent. Cela ne veut pas dire qu'ils sontbienà leur bonheur; Pénélope, autrefois mauvaise peintre, est aujourd'hui une mauvaise dramaturge ; Paul fait des feux d'artifice qui explosent inopinément ; Essie danse comme si elle avait une crise pendant qu'Ed l'accompagne avec des mélodies immortelles jouées au xylophone. Martin lui-même, généralement appelé grand-père, évoque une vie heureuse à partir d'une multitude de passe-temps : il s'occupe de ses serpents de compagnie, s'immisce lors des cérémonies d'ouverture et refuse de reconnaître l'Internal Revenue Service.
Le décor est donc planté pour un véritable feu d'artifice lorsqu'Alice, secrétaire d'un baron de Wall Street, amène dans cette ruche des refuseniks du capitalisme le fils du patron, qu'elle espère épouser. Le premier acte introduit le dilemme ; Le deuxième acte le fait exploser avec un dîner tumultueux pour faire connaissance avec la belle-famille, et le troisième acte le résout en douceur. En cours de route, diverses intrigues secondaires (Grand-père contre l'IRS ; l'arrivée d'une actrice ivre et d'une duchesse tsariste déchue) sont liées d'une manière qui pourrait sembler trop soignée et trop étroitement liée pour les sensibilités contemporaines. Et ils le seraient aussi s’ils étaient traités de manière contemporaine. Mais le réalisateur, Scott Ellis, qui s'est également occupé de la reprise en 2004 de The HoaryDouze hommes en colèreavec aplomb, ne commet pas l'erreur fatale de condescendre au matériau ou d'essayer de lui apporter des valeurs expressives pour lesquelles il n'a pas été conçu. Essie la ballerine n'est plus une pole danceuse. Son flamboyant instructeur de russe Kolenkhov n'est pas un pédophile. Aucune chair n'est mise à nu, à l'exception de celle de M. DePinna, un ancien marchand de glace qui a effectué une livraison il y a huit ans et n'est jamais reparti. (Il modèle pour Penelope dans une toge romaine.) L'ensemble incroyablement chaleureux de David Rockwell, chaque surface incrustée de bric-à-brac, tourne mais ne décolle pas, révélant des fantômes. Le rythme est rapide, pas inquiétant.
Mais tout aussi important que la connaissance des pièges à éviter est l’amour des opportunités qu’offre ce type de matériel. Le principal d'entre eux est la possibilité de tirer le meilleur parti d'acteurs dont le style démonstratif peut, dans d'autres genres, paraître exagéré. Un clown de premier ordre comme Nielsen peut utiliser ses outils familiers – les girations de la figurine, le baryton soudain – à bon escient, sans jamais permettre à son agression, qui est nécessaire au ton, de devenir explicative. Nous n'avons pas besoin de savoirpourquoielle est excentrique, seulement pour se sentir à l'aise en profitant de l'excentricité. Merveilleusement et typiquement pour l’époque, sinon la nôtre, la pièce ne fournit pas la psychologie nécessaire mais suppose que les acteurs la fourniront – et la garderont pour eux. Ce que le texte leur demande de montrer, c'est seulement lerésultat, qu'ils gèrent à merveille presque de haut en bas. Jones, à 83 ans, est si doué dans ce domaine qu'il n'a pratiquement rien besoin de faire ; il ne tente pas plus de justifier la bizarrerie de Martin que sa bonté. (Sa grâce dite devient ainsi un contrepoint étonnamment émouvant aux manigances de la soirée.) Quand Essie d'Ashford regarde terriblement au loin dans le cadre de son shtick terpsichoréen, son sérieux maniaque suffit à le rendre hilarant. Johanna Day, dans le rôle de la mère du fiancé sous le choc, est comme un pichet de gin-tonic trop plein, ne maintenant son équilibre que grâce à un effort interne délirant mais à peine indiqué. Will Brill dans le rôle d'Ed, qui joue du xylophone, est étourdiLes Simpsonle personnage prend vie. Et même Rose Byrne, qui fait ses débuts sur scène à New York en tant qu'enfant « normale », parvient à trouver dans le caractère conventionnel même du personnage la folie qui la lie à ce clan de cinglés. On comprend à un spasme soudain ou à un sanglot étouffé que rejeter sa famille, même pour l'amour et des millions, ce serait se rejeter elle-même.
Si les représentations bénéficient d'un fort style d'époque, certaines des hypothèses contemporaines de la pièce ne sont pas aussi confortablement restituées.Vous ne pouvez pas l'emporter avec vousétait probablement en avance sur son temps sur le plan racial en 1938 : la femme de chambre de la famille, Rheba, et son « petit ami », Donald – un homme adulte – ne sont pas particulièrement condescendants. Ils mangent en famille et fonctionnent comme des gens normaux. Pourtant, même avec quelques découpages judicieux (la phrase « Ils sont terriblement gentils, un peu comme Porgy et Bess » a été tronquée), les caractérisations deviennent parfois nauséabondes :
KOLENKHOV: Que penses-tu deceGouvernement?
DONALD: Oh, j'aime bien. Je suis en relève, tu sais.
KOLENKHOV: Oh oui. Et ça te plaît ?
DONALD: Yassuh, ça va. La seule chose c'est que tu dois faire le tour sur place chaque semaine pour l'obtenir, et parfois, il fallait faire la queue pendant près d'une demi-heure.
Avoir un père de famille noir en la personne de Jones contribue en partie à garantir la bonne foi raciale de la production ; Mais après avoir fait ce saut dans le daltonisme, n'aurait-il pas pu en faire un autre ? Peut-être au prochain réveil. Pendant ce temps, celui-ci est un gardien.
Vous ne pouvez pas l'emporter avec vousest au Théâtre Longacre.
