Jeffrey Deitch dans la salle de bain de la discothèque Area recréée qu'il a mise en scène à la Hole Gallery en novembre. (Photo de Christopher Anderson/Magnum Photos/New York Magazine)Photo : Christopher Anderson/Magnum Photos

Cela fait quelques joursdans la nouvelle année, et Jeffrey Deitch est à Los Angeles, cette ville où il a dirigé le Musée d'art contemporain pendant trois ans - et comme tant d'hommes fanfarons et au sommet de leur art de Manhattan qui ont déménagé dans l'Ouest avant lui – n’a finalement pas réussi à séduire. Son projet était de transformer le musée en une Maison du Déitchisme : des foules, de l'excitation, de la musique, de la danse, James Franco et Marina Abramovic, des graffeurs mêlant le tout aux boîtes de soupe d'Andy Warhol, Kenneth Anger et les sœurs de la marque Rodarte. En bref, tout le complexe de divertissement esthétique théâtral, multidisciplinaire, parfois pervers et à l'écoute du pouls, qu'il avait contribué à susciter à New York, où pendant quatre décennies il avait gambadé avec style avec une marche de noms audacieux. C’était une concoction de cool très new-yorkaise.

Mais cela n'a pas été aussi bien accueilli au MoCA, où ses instincts sensationnalistes ont irrité ceux qui voulaient que leur musée d'art soit quelque chose de plus ecclésiastique, à l'écart de la folie du box-office « donnez-leur ce qu'ils veulent » de Tinseltown. Beaucoup à New York avaient trouvé son embauche brillante, après avoir vu comment Deitch avait, apparemment par simple désir de s'amuser en permettant aux autres, réussi à être à la fois transgressif et de qualité investissement. Mais les grands musées ne sont pas gérés par de grands marchands d'art, et encore moins par un titulaire d'un MBA de Harvard, et même si Deitch a donné à l'homme qui l'a embauché (le collectionneur milliardaire et souscripteur du MoCA Eli Broad) ce qu'il disait vouloir (des expositions qui attirent l'attention, si celles-ci perturbaient la mission éducative traditionnelle du musée), Deitch ne semblait pas très intéressé par le travail de gestion d'un musée, avec toutes ces mains joyeuses, ces collectes de fonds et ces caresses du conservateur. Il voulait juste pouvoir faire les spectacles qu’il voulait faire. Après beaucoup de controverses et de difficultés, il a annoncé qu'il démissionnait il y a six mois. Mais même maintenant, alors que le MoCA se concentre sur un remplacement plus conventionnel et prétend avoir levé 100 millions de dollars pour une nouvelle dotation, Deitch, systématiquement optimiste, n'est pas prêt à abandonner complètement Los Angeles.

"Il fait 77 et c'est magnifique", dit-il depuis une maison qu'il y habite toujours, un jour où New York est une toundra crasseuse se préparant au "vortex polaire". «Je trouve cela très productif», dit-il à propos du beau temps. « J'ai déjà écrit deux essais. Tant de gens avec qui je suis en contact ici peuvent survivre parce qu'ils ont vendu un pilote il y a deux ans. C'est donc beaucoup plus confortable. Les New-Yorkais, dit-il, se sentent gênés lorsqu'ils sont confrontés à des personnes entre deux projets. « Ils demandent toujours : « Qu'est-ce que tu fais ? Quand sort le livre ? »

« Le livre » est une rétrospective de Deitch Projects, une histoire méticuleusement organisée et une partie d'un projet de manucure d'héritage qu'est l'acte trois de Deitch. Lorsque je l'ai rencontré à l'automne, Deitch ne semblait pas du tout vaincu par son aventure à Los Angeles. Au lieu de cela, il semblait déterminé à consolider ses acquis et à affirmer sa prétention à une place centrale dans le dernier demi-siècle de l’art américain. Je l'avais vu pour la première fois au Hole, une galerie du Bowery, où l'une de ses anciennes protégées, Kathy Grayson, l'avait laissé recréer la discothèque Area des années 80, qui avait été importante pour lui quand il était plus jeune (chronométré sur quelqu'un). le livre d'un autre sur l'endroit). L'une des convictions fondamentales de Deitch est que la piste de danse est une bouilloire culturelle, même si lui-même est du genre sobre, généralement dans un coin, à regarder tout se dérouler. Il avait rempli cette fête d'œuvres d'art produites par les habitués de la région Keith Haring, Chuck Close et Larry Rivers, et alors que la soirée commençait, Deitch a accueilli les jeunes gens dansants, complètement nus et masqués par des Japonais, qui se font appeler « les Narcissiques ». et, un demi-sourire sur le visage, il hocha la tête : « Oh, ouais, nous l'avons compris. C'est Area, dit-il doucement. Il avait le sentiment d'avoir retrouvé quelque chose, une époque où, me l'a-t-il dit plus tard, « le centre-ville était vraiment une communauté, car pratiquement tous les artistes, écrivains d'art, musiciens et parasites vivaient d'une manière ou d'une autre dans ce quartier ». C'était une serre qu'il essayait de maintenir vivante, ou de remettre en scène, depuis des décennies maintenant, alors que la ville autrefois turbulente perdait une certaine énergie, d'abord à cause des ravages du sida, puis de la gentrification.

Je l'ai vu plus tard à Miami, pendant Art Basel, où il a organisé une conférence avec son ami Spike Jonze surSon,au cours de laquelle il a admis qu'il "avait presque le même genre de relation avec une fille qui me donne des indications sur mon GPS". Cela ressemblait à une blague que quelqu'un d'autre ferait à propos de Deitch et de sa vie personnelle sans trahison (presque tout le monde dans le monde de l'art s'empresse de le déclarer allègrement « asexuel », bien que « Page Six » ait déclaré qu'il avait trouvé le « véritable amour » avec Paige Powell, ancienne amie de Warhol en 2009). Et nous nous sommes également retrouvés dans son ancienne galerie de Grand Street, où il est désormais à la fois propriétaire et « invité » d'une autre ancienne protégée, Suzanne Geiss, en train de préparer cette monographie sur les quinze années de vie de Deitch Projects, intituléeVivez l'art— un concept, ou un mandat, qui le préoccupe depuis le milieu des années 70, lorsqu'il a organisé sa première exposition, « Lives », sur les artistes qui utilisent leur vie comme médium.

C'est Deitch, et non Larry Gagosian, David Zwirner, Tobias Meyer, désormais ex-capodastre de Sotheby's, ou le collectionneur Steve Cohen, qui est probablement la figure la plus exceptionnelle et la plus représentative du monde de l'art post-Warhol - un amalgame étrange et glissant d'expressions aux lèvres pincées. giroflée et showman averti en relations publiques. Le super-collectionneur chypriote grec Dakis Joannou, qu'il connaît et conseille depuis les années 80, plaisante en disant que Deitch est « surhumain ». Il ressemble certainement à Zelig. Deitch prétend être la première personne à avoir acheté Basquiat (« cinq petits dessins pour 50 $ chacun »), à avoir été le sage-femme de l'incroyable ascension de Jeff Koons, à avoir forgé le modèle de galerie à perte qui consiste à soutenir des œuvres passionnantes et accrocheuses mais profondément étranges avec un l'agitation agressive du marché secondaire en coulisses, a contribué à donner à Art Basel Miami son éclat bachique avec ses extravagances annuelles d'art musical (Fischerspooner, Devendra Banhart, Santigold, Chicks on Speed), et a encouragé le processus par lequel le musée d'art contemporain est devenu une vitrine et une salle de jeux pour des collections privées, dont beaucoup il a contribué à rassembler, en partie avec les œuvres d'artistes qu'il a rendu célèbres : Vanessa Beecroft, Cecily Brown, Dan Colen, Shepard Fairey et Miranda. Juillet, parmi tant d'autres.

Je l'avais appelé à Los Angeles pour lui demander des informations selon lesquelles il était sur le point de créer un temple du déitchisme à Red Hook.Forum d'artavait écrit sur son blog qu'il avait parlé lors d'un cocktail de vacances de l'ouverture d'un nouvel espace « gigantesque », qui pourrait être son propre mini-MoCA, un monument à son héritage et à ses valeurs sans tracas ni compromis. Mais Deitch dit que Red Hook est loin d’être une affaire conclue. «Je regarde différents endroits», dit-il, y compris peut-être ce qu'on appelle le SuperPier sur l'Hudson, à la 14e rue. « La plupart d’entre eux ont des complications. Je regarde Red Hook, mais il y a beaucoup de problèmes, comme pouvons-nous faire circuler un bateau-taxi ? Qui pourrait aider à subventionner cela ? Tout cela a été révélé sur Internet parce que la petite amie du milliardaire russe Roman Abramovich, la collectionneuse Dasha Zhukova, a mentionné qu'elle était allée à Red Hook (qui abrite déjà de nombreux espaces d'artistes de grande envergure, dont Dustin Yellin et les favoris de Deitch, Urs Fischer et Swoon), et il l'a interrogée sur sa perception de son accessibilité.

C'est Red Hook, les anciens docks glorieusement isolés que Robert Moses a coupés du reste de la ville avec le BQE, puis peuplés de logements sociaux, et que Sandy a tellement inondé. Red Hook, qui est maintenant, comme tout le reste, devenu un département colonial du milieu international de l’art et de l’argent – ​​une classe de personnes et une aspiration que Deitch connaît bien, car il a contribué à sa création. «Je veux faire quelque chose de grand et de nouveau», dit-il. Mais aussi : « Je veux un espace que je puisse contrôler. »

Deitch connaît tout le monde, mais la plupart des gens ne savent pas grand-chose de lui. Comme son héros Warhol, c'est un imprésario au brio presque indétectable, un homme douloureusement minutieux, patient avec ses explications mais seulement parce que, on le soupçonne, vous pourriez être trop inattentif pour comprendre autrement ce qu'il a en tête. Il est solitaire – un coureur discipliné, il n'a jamais été marié et répond à tous ses e-mails – et en 1992, il a organisé une exposition largement tirée de la collection de Joannou intitulée « Post-Human », sur le flou entre ce qui est réel et ce qui est réel. est artificiel. C'est un concept qu'il peut sembler incarner : une sorte de personne abstraite et évacuée, presque holographique, un peu comme son ami Jeff Koons. («Je pense qu'il a lui-même joué le rôle d'un personnage post-humain», déclare Massimiliano Gioni, conservateur du Nouveau Musée et de la Biennale de Venise.) Deitch parlera aux gens, mais poliment, en déployant sa perspicacité pédagogique. Cet affect social fermé, pour ce que ça vaut, a toujours agacé Los Angeles.FoisLe critique d'art (et archi-critique de Deitch) Christopher Knight, qui s'est plaint auprès de moi : « Je me suis assis à plusieurs reprises à côté de Jeffrey lors de dîners et je n'ai jamais pu avoir une conversation avec lui. »

Pour parler de son avenir et du sens de son passé, Deitch a proposé de dîner au Léopard dans l'ancien Café des Artistes, près de son appartement du Century sur Central Park West. C'est un endroit beige et discret qui a perdu l'essentiel de son charme historique lors d'une rénovation inattentive il y a quelques années. "Donc, ce sont des peintures murales de Howard Chandler Christy", dit-il, en désignant les fresques murales gambades de nymphes des bois des années 20 et 30 réalisées par l'artiste connu pour ses coquettes affiches de recrutement pendant la Première Guerre mondiale ainsi queScène lors de la signature de la Constitution des États-Unis,qui est accroché au Capitole des États-Unis. «C'est l'un des endroits spéciaux de New York. Je voulais cette table pour que vous puissiez vous inspirer ici.

La serveuse s'approche pour prendre notre commande : « Vous avez de bonnes tomates aujourd'hui ? demande-t-il, puis répète : « De bonnes tomates. » Elle se retire dans la cuisine pour vérifier. «Je suis très rapide», dit-il à son retour. « Ce que j'aimerais avoir, c'est des tomates et de la mozzarella, s'il vous plaît, avec des tomates supplémentaires. Ensuite, j'essaierai la semelle Dover.

Deitch est exigeant et très maître de sa présentation : depuis des années, il fait fabriquer ses lunettes de marque sur mesure en Allemagne selon son propre design, et ses costumes à double boutonnage de marque confectionnés en Italie par le tailleur qu'une vieille petite amie lui a présenté. à. « J'ai vécu toutes ces scènes de politique radicale, d'Étudiants pour une société démocratique et de la période hippie – tout cela, et puis le punk rock », me dit-il. «Mais voyez, j'ai été pareil à travers tout ça. Il y a des photos de moi comme dans les années 70 où je ressemble à peu près à ce que je suis aujourd'hui, d'une certaine manière, et ça fait partie de mon truc.

Deitch est né en 1952 et a grandi dans le Connecticut, où son père dirigeait une entreprise de mazout et de charbon et sa mère était économiste. Il était étudiant en échange au Japon pendant ses études secondaires ; son frère importe des instruments de musique d'Afrique et d'Indonésie. « Mes parents étaient des gens très cultivés », dit-il. « Ils collectionnaient l’art local. Ils ne connaissaient pas vraiment le monde de l’art new-yorkais, mais la maison était remplie, et est toujours remplie, d’œuvres d’art réalisées par des artistes locaux. L'entreprise de son père possédait un premier ordinateur, et « j'ai emporté à la maison ces rames de ce papier informatique de type accordéon qu'ils utilisaient, et je dessinais simplement des logos et des logotypes infiniment intéressants, des logos d'entreprise. La plupart de ce que vous voyez se passe dans les centres commerciaux et vous voyez les panneaux. C'est sur les paquets. C'est le monde visuel, c'est donc à cela que j'ai réagi. Je ne sais pas où se trouve cet art, des rames et des rames de mes dessins », dit-il avec mélancolie. « Ma mère a essayé de me pousser à prendre des cours de piano, ce que j'ai fait, mais ce n'est pas là que se trouvaient mon intérêt ni mon talent. Je me souviens avoir été un élève du primaire, âgé de 8 ans environ, et je me souviens très bien de la première fois où j'ai fait un tableau sérieux. J'étais à la plage de Long Island Sound et j'ai peint le cottage que nous louions. Je me souviens de ce sentiment d'extase, de fabrication. J’ai juste eu une telle joie.

Il est facile de voir, cinq décennies plus tard, chez cet homme de 61 ans, cet enfant obsessionnel, dessiner des logos (le logo de Deitch Projects est dérivé des boîtes Brillo de Warhol). C'est une sorte de romantique solitaire, un pragmatique qui cherche un mécanisme permettant une expérience transcendante – ou du moins un moyen de la payer. «Je jouais dans une fanfare quand j'étais à l'école. Je jouais des cuivres. Je jouais de la trompette, du cor de baryton et j'adorais ça. C'était une chose vraiment amusante à faire. J’aime ce genre de véritable Americana mainstream, comme John Philip Sousa. (Il a fait jouer une fanfare pour Jeff Koons à l'occasion de son 50e anniversaire et a invité l'USC Trojan Marching Band à jouer au MoCA.) « Je suis très conscient des liens entre l'art, la littérature et la musique. Je recherche une énergie esthétique, des mouvements esthétiques si grands qu'ils sont trop grands pour être un art à eux seuls, qu'ils débordent.

Il est passé de l'économie à l'histoire de l'art à l'Université Wesleyenne (pendant les vacances d'été, il a ouvert une galerie dans le salon d'une auberge à Lenox, dans le Massachusetts) et a également scruté les œuvres d'Andy Warhol.Entretienmagazine, fasciné par la contre-culture qu'il a créée à la Factory. "Je voulais juste faire partie de l'art, et je ne faisais pas vraiment la différence entre si j'allais être écrivain, conservateur, marchand, artiste."

Ce qu’il recherchait, c’était « ce genre d’énergie esthétique », dit-il : il s’est essayé à l’art de la performance, organisant des disputes dans la rue puis les filmant. «Je n'arrivais pas à obtenir de traction», dit-il un peu tristement. "Art Flashétait le seul magazine qui me couvrait. En travaillant dans une galerie, il découvre la scène musicale : « La télévision, les Talking Heads et Devo, et puis mon préféré, Suicide. Ce fut une belle récompense de pouvoir finalement exposer les œuvres d'Alan Suicide à la galerie. J'aurais pu être présent au premier concert des Talking Heads à New York. Parce que je voulais pouvoir rester éveillé la moitié de la nuit et aller à ces concerts, j'ai quitté mon travail à la John Weber Gallery et j'ai commencé à rédiger le bulletin d'information de la galerie afin de pouvoir rester dehors jusqu'à cinq heures du matin. C’était une excellente éducation pour moi.

Mais il ne gagnait toujours pas d'argent, ce qui explique en partie pourquoi il a obtenu le MBA. écrire sur le lien entre l’art contemporain et l’économie. J'ai peut-être été la première personne à écrire à ce sujet. J'ai donné une conférence à la College Art Association en 1979 sur l'art et l'économie. Cela est finalement devenu un essai enL'art en Amériquesur Andy Warhol en tant qu'artiste d'affaires. Donc, tout cela s’appuie sur ce que j’ai appris à la Harvard Business School, à savoir la compréhension de l’économie et de la théorie du marketing. Cela m'a vraiment aidé à avoir une vision originale de l'art et de sa structure économique et de la manière dont le marché de l'art était un élément crucial du consensus sur la manière dont les artistes présentent leur travail au monde et dont ils sont jugés. J'ai rédigé un plan d'affaires pour une banque afin de créer un département de marché de l'art, et je suis allé à la fois chez Chase et Citibank, mais en 1979, Citibank était la banque la plus dynamique. Walter Wriston était président de la banque et il est allé à Wesleyan, où j'ai fait mes études. C’était un chef d’entreprise légendaire et visionnaire. J’ai donc décidé d’aller à Citibank. Le nouveau siège social au toit en pente venait d'ouvrir (« Je viens de remarquer qu'il y a une œuvre de Haring qui est mise aux enchères, représentant une soucoupe volante zapping le Citicorp Center »), et Deitch devait souvent se rendre au Japon, parce que le Japon achetait beaucoup de l’art avec tout l’argent supplémentaire provenant de ce qui est devenu après coup sa « bulle économique » immobilière. Il a finalement fait la connaissance de Warhol grâce à un travail de conseil qu'il a eu avec quelque chose appelé le I Club à Hong Kong en 1982 – « une idée similaire à celle d'Area, mais c'était un investissement lourd », dit-il (c'est-à-dire des frais d'adhésion déclarés de 10 000 $). Warhol avait réalisé une exposition de portraits au Whitney, « et je savais qu'Andy adorait se promener et recevoir des commandes de portraits. J'ai donc amené Andy Warhol à Hong Kong.

«Avant, je l'avais vu dans les parages. Lorsque j'ai visité la Factory, j'ai fait cette recherche sur l'art commercial, et il parlait simplement par monosyllabes. Je pensais juste qu'il ne parlait pas vraiment en phrases complètes. Ensuite, je suis venu le chercher à l'aéroport au Mandarin Hotel Rolls-Royce, et il est très énergique. Lui et son entourage ont réservé toute la section de première classe sur le vol Pan-Am. Donc, il était prêt à aller au club et dîner, et il y a cette grande table de style chinois avec une Susan paresseuse, et c'était l'entourage d'Andy et moi et Alfred, le propriétaire du club. Et Andy était à l'aise avec tous ses amis, juste pour parler. Je n'en croyais pas mes oreilles. Quand je suis revenu, parlant au [galeriste] Leo Castelli, j'ai dit : « Non seulement Andy parle, mais c'est l'un des causeurs les plus fascinants que j'ai jamais rencontré. Léo a répondu : « Bien sûr. Connaissez-vous qui a une vie plus intéressante qu'Andy Warhol ? " Mais la plupart du temps, Warhol gardait cette volubilité secrète, dit Deitch, " parce qu'il ne pouvait pas parler à tous ces gens qui voulaient le pousser à faire ceci ou cela. "

En 1988, Deitch a lancé sa propre société de conseil en art, vivant et travaillant dans la Trump Tower, à quelques pas tous les vendredis du MoMA pour étudier la collection. Mais « dans les années 80 et 90, je me sentais insatisfait », dit-il – encore un peu trop loin du centre de la conservation en tant que simple homme d'affaires de l'art. « C'est l'une des raisons pour lesquelles j'ai créé Deitch Projects. J’ai dû me lancer dans des choses plus créatives. Il vendrait un Warhol pour 8 millions de dollars et financerait un collectif de performances comme Fischerspooner – il ferait souvent ce genre de choses. « L'entreprise n'a jamais été une fin en soi ; ce n'est toujours pas le cas », dit-il. « L’un de mes rôles est d’être le genre de personne qui trouve de l’argent pour le projet artistique le plus transgressif et le plus fou, afin de le réaliser. »

«Il a très clairement façonné son image en tant qu'agent-provocateur citoyen du monde», explique le peintre Kehinde Wiley, qui a présenté sa première exposition personnelle à New York chez Deitch Projects alors qu'il venait tout juste de sortir de l'école d'art de Yale. (« Lors de ses visites en studio, il n'aurait jamais de critiques négatives. Il disait : 'J'aime ça, c'est un chef-d'œuvre.' ») « Il me rappelle beaucoup le flâneur : il est dans le monde et n'est pas engageant. Mais il y a une bifurcation sur la route où le flâneur est capable de prendre toutes ces connaissances et de les mobiliser, mais il ne s'agit jamais d'une question d'action personnelle. Un peu comme le Magicien d’Oz.

« On lui reproche parfois d'être critique, conservateur et expert en finances », explique Gioni. « On lui reproche parfois sa complicité avec le marché. Mais il est devenu son propre modèle. L'autre critique, bien sûr, était qu'il n'était pas vraiment sérieux au sujet de l'art sérieux – ou pas aussi sérieux qu'il l'était à l'égard de la fête qui s'y déroulait. Ce qu'il avoue en quelque sorte : « Je ne pense pas qu'il y ait de contradiction entre être rigoureux, super sérieux, et être amusant et vivant », dit-il. « Regardez les plus grands artistes, Picasso. C’est la tâche la plus rigoureuse et la plus difficile. Il s'est poussé et s'est mis au défi, mais vous voyez les images de Picasso : il s'amuse, il adore ça. Toulouse-Lautrec, c'est un art révolutionnaire et rigoureux. Il traîne dans ces clubs. Il va au Moulin Rouge et passe un bon moment. Bien sûr, évidemment, l'exemple d'Andy Warhol, la Factory. C'est une chose fondamentale, qu'il n'y a pas de contradiction entre l'engagement et le plaisir de la vie, et une approche rigoureuse et disciplinée de l'art, et vous devriez être capable de faire les deux. L’art extrêmement sérieux – et certains que je respecte – ce n’est pas l’art qui me passionne.

Mais en 2010, il a choisi de fermer son nouveau carnaval d'Emerald City, ainsi que les opérations de vente d'art qu'il avait perfectionnées pour le payer, pour devenir directeur du MoCA, en difficulté financière, à la demande de Broad, avec avec qui il avait travaillé en étroite collaboration au fil des années et qui qualifierait l'arrivée de Deitch de « changement de donne ». "J'ai l'impression de m'être entraîné pour ce poste toute ma vie", avait déclaré Deitch à l'époque.

Réinventer le musée serait le plus grand projet de Deitch à ce jour : son spectacle haut-bas sur une nouvelle grande scène sonore et avec une météo plus clémente. Mais diriger une institution était un jeu très différent. En tant que galeriste, « vous pouvez vous consacrer entièrement à vos propres intérêts », explique Christopher Knight. « Un très grand directeur de musée doit avoir la capacité de mettre de côté ses préjugés esthétiques et d’accompagner le personnel. » Au lieu des deux galeries de type garage de Deitch Projects à Soho (et des espaces satellites à Brooklyn et Long Island City), il aurait à sa disposition un musée entier et, d'une certaine manière, une toute nouvelle ville, sans parler d'un espace de 8 000 mètres carrés. -pied de maison, avec un espace pour exposer sa collection d'art joyeusement surréaliste (il y a un piano Michel Gondry qui joue une vidéo programmée par les participants dans 88 endroits à travers le monde). À New York, il avait dormi dans un appartement de moine près de Central Park, où il courait des kilomètres chaque matin ; chez lui à Los Angeles, il pouvait recevoir une centaine de personnes. Il se trouve près de Griffith Park, surplombant la ville et le panneau Hollywood. Pour ajouter une romance transgressive - ce qui semble rendre Deitch le plus heureux - on dit que c'est là que Cary Grant a vécu avec Randolph Scott.

"J'ai été tellement critiquépour ce spectacle », dit Deitch, secouant la tête avec incrédulité. Nous sommes la veille de Thanksgiving et nous regardons des images de l'art de Dennis Hopper, sujet d'une exposition du MoCA inaugurée quelques mois après l'arrivée de Deitch. « Connaissiez-vous ses photographies ? Ils sont géniaux.

À New York, Deitch a installé son camp au 76 Grand – il est toujours propriétaire du bâtiment, même si Geiss y gère sa galerie. Et maintenant, ils partagent à nouveau le bureau à l'étage, aux allures de loft, avec des bureaux assortis qui semblent provenir d'une ligne d'ameublement Sol LeWitt. "Suzanne", dit Deitch en regardant Geiss, une femme élégante vêtue d'un pull intéressant avec trois anneaux de bon goût à l'oreille gauche, qui met fin à ses affaires pour pouvoir partir en week-end à Disney World. (Non, pas d'enfants, me dit-elle, juste parce qu'elle aime Disney World.) "Tu as vu 'Hopper', n'est-ce pas ?"

«Ouais, je suis sortie pour ça», confirme-t-elle, une main sur son téléphone.

Deitch se tourne vers son écran d'ordinateur. « C'était tout simplement fou… Vous avez lu toutes ces choses négatives de la part de critiques new-yorkais qui n'y sont jamais allés, qui n'ont pas compris que c'était… c'était aussi intéressant que tout ce que faisait n'importe quel musée contemporain du pays, ce que j'ai fait. dans trois ans… » Pour le prouver, il écrit également un livre sur son séjour là-bas, intituléL'indice MoCA.

La pluie tambourine sur la lucarne, les camions roulent sur Grand et deux autres jeunes femmes bien habillées peinent de l'autre côté de la pièce d'un blanc éclatant, devant un mur d'étagères, l'une avec une petite sculpture sur son bureau de une main, le majeur vers le haut. Deitch s'arrête : il n'est pas par nature un râleur, ou un étranger maussade et persécuté, mais plutôt un optimiste convaincu, presque aérobie, un homme dont le talent fondamental pourrait être la cohérence de son affirmation de tout ce qui frappe son imagination conceptuelle. Ce qui est beaucoup.

Il se tourne vers le PDF deVivez l'Art,à paraître à l'automne chez Rizzoli.C'est une sorte de mémoire sur l'histoire de l'art, racontée sous forme d'essai visuel ; une assiette sera fusionnée à son couvercle. Sa première ligne est « Deitch Projects n’était pas censé être une galerie d’art. »

«Je suis vraiment privilégié et au centre du monde de l'art depuis le début des années 70», dit-il. « J’ai tellement absorbé et j’ai la chance d’avoir eu des relations personnelles avec la plupart des artistes majeurs, tous les artistes majeurs, la plupart des grands collectionneurs, marchands et conservateurs. Je veux faire ce que je peux pour consolider ces connaissances et participer à l’écriture de l’histoire », ajoute-t-il solennellement, doucement. « Cela ne veut pas dire que je ne suis plus intéressé par les nouveautés. Je le suis toujours, mais je ressens cette responsabilité que je ne peux pas laisser tout cela passer entre mes doigts. Je veux participer à la narration de cette histoire.

Nous revenons au livre et il commence à raconter l'histoire : « Joe Fawbush avait cette galerie, et c'était une très bonne galerie », représentant Kiki Smith et Christian Marclay. C'est ici que nous nous trouvons actuellement, au 76 Grand, qui abritait autrefois un atelier de fabrication de rideaux de théâtre. « Il est mort du sida. Son partenaire, Tom, savait que j'adorais le bâtiment. Ils étaient de bons amis. Il m'a demandé si je voulais reprendre le bail. J’ai conclu un accord avec le propriétaire pour une location avec option d’achat, ce qui était une bonne affaire à l’époque. À l’époque, il aidait Koons à créer sa série « Celebration » (qui aurait failli mettre Deitch en faillite), et 76 Grand « était une salle de projets juste pour m’amuser pendant que je faisais mon travail de conseil en art ». Au début, il invitait uniquement des artistes qui n'avaient pas encore eu d'exposition personnelle à New York et leur donnait 25 000 $ de fonds de production, ce qui, s'il n'était pas remboursé par les ventes, signifiait que Deitch pouvait conserver les œuvres pour sa propre collection.

Nous continuons à défiler. Il y a Vanessa Beecroft, qui a rempli la pièce d'une vingtaine de femmes presque nues. Il y a Jocelyn Taylor, marchant entièrement nue dans Canal Street. Il y a l'artiste russe Oleg Kulik, qui a vécu deux semaines comme un chien. « Il était tout simplement incroyablement brillant, en fait vraiment effrayant. Vous pensiez que c'était un chien », dit Deitch. C'était amusant ; bientôt, il acheta le bâtiment abritant Canal Lumber, un espace plus grand au coin de Wooster. Le premier grand projet d'exposition était celui d'une projection de vidéos et de diapositives de Barbara Kruger à l'automne 1997.

Il y avaitDouche dans le noir,une performance conceptuelle de 2002 où les participants devaient laisser leurs sous-vêtements dans une tasse lorsqu'ils partaient et recevaient en échange un string Deitch Projects. Il y avait celui de Paul McCarthyLe jardin(mettant en vedette un homme animatronique frappant un arbre). Il y a eu « Session the Bowl », dans lequel il a cédé l'espace de Canal Lumber aux skateurs. «C'est une chose folle que nous avons faite avec Patricia Cronin», dit-il en se tournant vers une sculpture représentant deux femmes au lit. « Elle voulait avoir un spectacle ici. J'ai dit : « J'ai une meilleure idée. Cela ne devrait pas être une exposition dans une galerie. Achetons un terrain pour un cimetière. Elle a dit : « Eh bien, je veux une exposition en galerie. » «Faites-moi confiance», dis-je. «C'est beaucoup plus intéressant. C'est permanent. « C'est un lieu de sépulture pour elle et son partenaire au cimetière de Woodlawn. « C'est vraiment transgressif d'être dans un cimetière. Et c'est désormais comme l'une des étapes majeures de la visite du cimetière de Woodlawn, avec la tombe de Miles Davis.

Il continue : « N'est-ce pas fou ? C'est incroyable. C'était un bon spectacle… Et c'était un autre spectacle phénoménal. Celui-ci a remporté cette année-là le Prix de la Critique du meilleur spectacle… C'est probablement notre spectacle le plus célèbre… Un millier de personnes à cette ouverture. Nous arrivons à la « Art Parade », qui a envahi les pâtés de maisons voisins avec une fête de rue. «Il y a tous ces gens qui viennent nous voir avec de grands projets, et j'ai dit : 'Je suis désolé, il n'y a pas de place pour vous.' L'« Art Parade » était donc l'occasion de dire : « Tout le monde, vous pouvez venir ».

«Je suis très idéaliste», dit-il. « J’ai simplement cette idée fondamentale que l’art d’avant-garde peut améliorer la vie et inspirer toutes sortes de personnes. Je n'ai pas de hiérarchie. Pour certaines personnes, si vous êtes une personne conventionnelle avec un travail et de l’argent, alors vous êtes mauvais. Ou encore, pour d’autres, les gens qui vivent ce genre de vie conventionnelle, les gens qui sont en marge, que ce soit culturellement ou économiquement, sont comme des sous-humains. Vous ne voulez pas vous approcher d'eux. J'essaie d'être ouvert, embrassant, avec tout le monde, et je veux que tout le monde participe aux expositions s'il le souhaite. Aujourd'hui, j'étais dans le bureau de l'agent immobilier peut-être le plus important du pays, je parlais d'un projet artistique, et ce soir, je dîne avec Alan Suicide. C'est donc ma vie depuis longtemps.

Il fait une pause. « Ce fut une expérience formidable au musée, mais j'avais un système beaucoup plus efficace », dit-il. "Je suis heureux de revenir à ma manière."

*Cet article a été initialement publié dans le numéro du 20 janvier 2014 deMagazine new-yorkais.

Le retour de Jeffrey Deitch