Revue de théâtre : Le travail d'un amour chantant et estival est perdu

Photo de : Théâtre public

QueLe travail de l'amour est perduest l'une des comédies de Shakespeare les moins jouées et les plus étrangement structurées, aurait pu en fait la recommander aux adaptateurs musicaux qui cherchaient à créer une ébat d'été pour la saison Delacorte. On pourrait affirmer qu’un tel texte discursif et inconnu absorberait facilement les chansons et l’humour contemporains sans mettre en danger un conte bien-aimé ni irriter les pédants. En effet, le public a déjà emprunté cette voie avec succès, avecDeux Messieurs de Vérone,joué pour la première fois dans le parc en 1971.

Mais contrairementDeux messieurs,Le travail de l'amour est perdu, à commencer par sa misérable ponctuation, est une œuvre profondément étrange (pas seulement profondément idiote) – une œuvre que, par pédantisme, je n’aurais pas cru capable d’une musicalisation réussie. Il n'y a presque aucune intrigue au-delà de sa prémisse : le roi de Navarre et trois de ses hommes renoncent aux femmes et autres distractions pendant trois années d'études nobles, mais sont immédiatement mis à l'épreuve et trouvés inconstants par la princesse de France et ses trois dames. Au-delà de cela, l’histoire continue de perdre la trace de ses personnages et de ses thèmes, les laissant de temps en temps au bord du chemin. Pendant ce temps, il s'amuse avec des jeux de mots inutiles, une poésie magnifique mais non intégrée, et ce qui semble être du matériel d'audition pour les plus satisfaisants.Beaucoup de bruit pour rien,Le Songe d'une nuit d'été, etComme vous l'aimez. Il comporte également au moins quatre fins, dont l'une s'écrase dans le texte à partir d'un type de pièce complètement différent, faisant dérailler tout ce qui l'a précédé.

Mais les adaptateurs, pas le pédant, avaient raison.Le travail de l'amour est perdus'avère avoir l'étoffe d'une belle comédie musicale déjantée. Alex Timbers (livre et réalisation) et Michael Friedman (chansons) n'ont peut-être pas encore atteint cet objectif, encore moins quelque chose de plus élevé, mais en se délectant de la nature presque revue de l'original au lieu d'essayer de le réparer, et en adaptant l'histoire. dans un décor moderne qui lui convient bien, ils ont su faire des opportunités avec les passifs de la pièce, et une délicieuse soirée d'été avec des ingrédients douteux.

Ce cadre est essentiel : Timbers déplace l'action de l'Europe médiévale vers ce qui ressemble à Williamstown, dans le Massachusetts, transformant la rencontre diplomatique de Shakespeare entre l'Espagne et la France en une altercation trop alcoolisée entre des diplômés universitaires lors de leurs retrouvailles de cinq ans. La vague histoire de l'original devient immédiatement plus explicite, bien qu'un peu banale : les quatre jeunes hommes et quatre jeunes femmes se sont manifestement mis en couple à l'école. John Lee Beatty donne le ton juste pour soutenir cette lecture avec son décor d'auberge de villégiature, doté d'un patio dallé, d'un bain à remous et de chaises longues, tandis que le concepteur d'éclairage Jeff Croiter peint la scène dans des couleurs vives de sitcom. Même les arbres du parc sont magnifiquement parés de violet.

Dans ce contexte, les gars bromantiques et le quatuor de fêtardes (avec leur acolyte gay discrètement indiqué par une chemise rose, un nœud papillon à pois et des chaussettes vermillon) sont en quelque sorte à la fois des réductions de leurs modèles shakespeariens et des extensions raisonnables de ceux-ci. Les hommes prêtent serment de sérieux en enfermant les accessoires de leur jeunesse (canettes de bière, bangs et lots de préservatifs) ; les femmes, remuant leurs cheveux comme le chœur deLégalement blonde, se plaignent de leur désir d'engagement significatif et de leurs problèmes avec leur père. Cela crée une certaine distance ironique : les vérifications de noms (conférences TED, Kierkegaard) se succèdent de manière rapide et furieuse, et la présentation puis l'élimination des clichés suffisent à vous donner un coup de fouet. (« Elle réchauffe les coques de mon cœur », chante le frère en chef Berowne dans une chanson d'amour sans amour ; « Je ne sais pas ce que ça veut dire, putain. ») Mais si Timbers en particulier est devenu le prince héritier de la facilité du théâtre musical, Ironie du sort, cette fois, cette technique, ou tic, met en place quelque chose de plus sérieux et plus touchant. Les jeunes finissent par s’interroger sur la valeur de l’ironie elle-même.

À mesure que les substitutions font mouche, la structure musicale aussi. Le placement et l'orientation des chansons sont particulièrement intelligents, trouvant dans les moments musicaux standards des analogues appropriés pour l'exploration de thèmes que Shakespeare ignore ou contourne dans de longues séquences de vers sans ancrage. Le numéro direct « Young Men » (« Ne me fais pas déjà être sérieux / Ne me fais pas déjà trente ans ») pourrait servir de manuel pour un atelier de théâtre musical. Dans une autre chanson, intitulée « Rich People », les personnages secondaires expriment de manière vivante les antagonismes de classe latents entre nobles et paysans que Shakespeare exploite uniquement pour un soulagement comique :

Tous ces gens riches avec toutes leurs écoles chics
Ils font les lois mais ensuite ils enfreignent toutes les règles
Et puis ils agissent comme des snobs
À nous, pauvres ploucs
Qui nettoient leurs piscines.

Si les grands points sont bien abordés, ce qui réussit moins, c'est l'écriture elle-même. Friedman – qui a remporté en 2007 un Obie pour son excellence soutenue et qui n'a encore que 37 ans – est expert dans l'art des blagues ; en effet, ses paroles semblent toujours se précipiter comme des fous vers leurs punchlines, au diable le rythme. Et tout comme il est trop intelligent pour ne pas savoir combien de syllabes un vers peut contenir confortablement, il doit comprendre la différence entre les vraies rimes et les fausses ; néanmoins, de manière perverse, il semble choisir cette dernière autant que possible. (Il falsifie même une rime que Shakespeare avait raison.) Je ne peux que supposer qu'il fait cela pour empêcher l'oreille de devenir trop passive, mais l'effet secondaire est que ses numéros déjà plutôt chantants ont tendance à se briser juste au moment où ils veulent être polis. Une chanson clairement destinée à être un succès (elle comprend des paillettes, des claquettes et des aides généreuses du vampire « One » de « A Chorus Line ») ne décolle jamais vraiment en raison de sa résistance aux règles de l'ascenseur musical. Et la chanson qui fonctionne le mieux à la fois comme expression de caractère et comme pastiche de genre s’avère être une sonnerie : un hymne rock de 1991 d’un groupe appelé Mr. Big.

Peut-être qu'un spectacle d'été ne veut rien de plus, et le casting jeune et charmant sait certainement comment faire passer le sujet. (Daniel Breaker dans le rôle du roi, Colin Donnell dans le rôle de Berowne et Rebecca Naomi Jones dans le rôle de la servante Jaquenetta se démarquent.) Il se peut même qu'une certaine baisse des attentes, aussi rebutante que cela puisse être pour la classe de 1980, est rassurant pour les millennials, du moins dans les comédies musicales. (J'ai emmené deux adolescents, qui ont adoré.) Mais comme le montre clairement la fin étonnamment touchante de la série, lorsque les créateurs, sortis du chapeau en lambeaux de l'ironie, parviennent toujours à tirer le lapin des sentiments authentiques, tout le monde doit grandir un jour. Ici, Friedman le dit bien : « L’amour, c’est apprendre / Et le cœur et le cerveau ne font qu’un. » Si la maturité ne vient pas de se récuser du monde avec des livres, elle ne vient pas non plus de s'excuser avec des blagues.