« Rose joue Julie ? : Revue de Londres

Directeurs/scr : Joe Lawlor, Christine Malloy. Irlande-Royaume-Uni. 2019. 100 minutes

Austère, méditatif et vivifiant, sans compromis,Rose joue Julieest le troisième long métrage audacieux du duo scénariste/réalisateur Joe Lawlor et Christine Malloy, collectivement connus sous le nom de Dangerous Optimists, aprèsHélène(2008) etMonsieur Jean(2013). Le film explore des thèmes similaires à ceux des œuvres précédentes ? identité, culpabilité, chagrin et vengeance ? mais marque une avancée en termes de définition narrative et de portée cinématographique. En superposant son histoire assez simple d'une fille irlandaise adoptée qui retrouve sa mère biologique avec des motifs visuels et sonores immersifs, il ressemble plus à une tragédie d'opéra moderne qu'à un drame social ordinaire.

Le film passe du drame au territoire fantastique de vengeance surréaliste.

Ayant fait ses débuts dans la compétition principale du London Film Festival, ce long métrage devrait certainement attirer davantage l'attention des festivals. Avec son casting fort, son penchant féministe et son atmosphère hypnotique, les perspectives du secteur de l'art et essai pourraient bien être renforcées par le bouche à oreille critique ; même si l'esthétique volontairement détachée du film pourrait s'avérer un obstacle pour un public plus large.

Au cœur du film, et sans aucun doute un grand contributeur au succès global du film, se trouvent deux performances saisissantes d'Ann Skelly (émission télévisée).Vikings) et Orla Brady (télévisionsDans les badlands) comme la mère et la fille séparées qui, malgré leur distance, découvrent qu'elles ont beaucoup en commun. Tous deux recherchent quelque chose d’essentiel ; Rose (Skelly) pour le sentiment d'identité et Ella (Brady), moins consciemment au début mais de manière plus viscérale à mesure que le film avance, pour la clôture.

Pour Rose, étudiante vétérinaire recluse, un cours sur l'euthanasie animale ? qui suscite sans doute des émotions suite au décès de sa mère adoptive bien-aimée deux ans plus tôt ? prouve à la fois le catalyseur pour prendre contact avec Ella. Aujourd’hui actrice de télévision à succès vivant en Angleterre, Ella est initialement réticente à nouer une relation avec Rose, pour des raisons qui deviendront extrêmement claires. Pourtant, elle est instinctivement attirée par sa fille et se confie bientôt sur un passé qu'elle préfère oublier.

C'est ainsi que Rose apprend que son père, Peter (un sombre et charismatique Aiden Gillan) est un célèbre archéologue et que les circonstances de sa conception étaient violentes ; essentiellement, qu'elle est le rappel constant d'un traumatisme trop grave pour que sa mère le supporte. Déterminée à obtenir justice, pour Ella comme pour elle-même, Rose se déguise en « Julie ». ? le nom qu'Ella lui a donné lorsqu'elle était bébé ? et, coiffée d'une perruque sévère, s'insère dans la vie de Peter sans révéler sa véritable identité.

Les événements commencent alors à prendre une tournure de plus en plus sombre et, à mesure que le film passe du drame au territoire fantastique de vengeance surréaliste et que les artifices dramatiques entrent en jeu, la direction confiante de Lawlor et Malloy maintient tout ancré dans la vérité. Ceci est mis en évidence par une scène de dialogue remarquablement contrôlée dans laquelle Ella a enfin la chance d'exprimer sa douleur et d'exorciser ses fantômes. Et même si les métaphores visuelles du film peuvent parfois être autoritaires, le ton onirique et hallucinatoire du film contribue à l'enliser dans l'allégorie.

L’artisanat est crucial à cet égard. Le travail solide du directeur de la photographie Tom Comerford joue sur les idées de perte, d'illusion et sur le sentiment de vie qui échappe à ses amarres. En contraste efficace avec le tumulte psychologique de l'histoire, les mouvements de caméra sont délibérément langoureux, les plans longs et le cadrage contemplatif. Les scènes cruciales, y compris les séquences côtières balayées par le vent qui clôturent le film, sont d'une composition exquise.

L'utilisation du son est tout aussi importante. La partition de Stephen McKeon combine des accords classiques gonflés et des basses gutturales et grondantes, qui gagnent en intensité avant de passer brusquement au bruit quotidien, ou au silence. Ceux-ci transforment des plans apparemment banals en moments pleins de tension.