« Les lys, pas pour moi » : Revue d'Édimbourg

Dir/scr. Will Seefried. Afrique du Sud/Royaume-Uni/États-Unis 2024. 97 minutes

Drame d'époqueLes lys pas pour moipoursuit un objectif sérieux en révélant un aspect horrible, aujourd’hui largement oublié, de l’histoire de l’homophobie. Mais le premier scénariste-réalisateur Will Seefried – créateur et co-star de la mini-série Laura LinneyÉvier Coulé Coulé –explore le thème d'une manière étrangement inégale, avec des registres incompatibles résultant en un mélange discordant de photos patrimoniales convenables et de mélodrame à la limite du gothique. Des performances solides maintiennent les choses sur un pied d’égalité, et le film pourrait avoir une popularité limitée sur les chaînes LGBTQ+ après sa première à Édimbourg. Mais les jeunes téléspectateurs risquent de le trouver vieux chapeau et tout à fait timide – du moins, quand il ne recherche pas un effet de choc incongru.

Un étrange mélange de délicatesse timide et d'exagération maladroite

Se déroulant en Angleterre au début des années 1920, l'histoire se concentre sur Owen (Fionn O'Shea), un jeune écrivain aux prises avec son deuxième roman alors qu'il réside en tant que patient dans un établissement médical où il est soigné pour « guérir » son homosexualité. Entre les injections qui le rendent violemment nauséeux, il s'entraîne à des « rendez-vous » à l'heure du thé avec la jeune infirmière désireuse d'aider Dorothy (Erin Kellyman) pour le préparer à une attirance hétérosexuelle.

Des flashbacks couvrent le séjour antérieur d'Owen dans un cottage spartiate à la campagne, où il reçoit la visite d'un vieil ami Philip (Robert Aramayo), un médecin qui a survécu aux horreurs de la Première Guerre mondiale. Dans ce milieu doux et paradisiaque, l'attirance mutuelle des deux hommes se fait sentir – mais Philip annonce que leurs sentiments sont faux et doivent être corrigés. Avant que cela n'arrive, cependant, les hommes acceptent de laisser libre cours à leurs désirs, ce qui donne naissance à un sort idyllique de romance érotique, capturé dans des gros plans poétiques de peau contre peau.

Les deux hommes semblent si satisfaits de leur intermède qu'il est surprenant que Philip annonce qu'il est temps d'étouffer la passion dans l'œuf, en proposant une méthode médicale radicalement macabre – bien que le manque relatif de sang impliqué et la récupération étonnamment brève et indolore le temps, étend quelque peu la plausibilité, tout comme le traitement superficiel d'un intrus malheureux qui sert de donateur involontaire.

Puis un autre visiteur arrive, Charles (l'acteur allemand Louis Hoffman, convaincant dans son rôle de Britannique fringant et coquette), à ​​la recherche de son père disparu. Malgré l'apparente urgence de la situation, Charles décide de traîner un moment, de faire un gommage nu en plein air et d'apprendre à Owen une danse appelée le Grizzly Bear. Les événements prennent une tournure encore plus intime – en haut d'un arbre, adapté à ce décor bucolique – déclenchés par la récitation par Owen du vers du poète du XIXe siècle Digby Mackworth Dolben qui donne son nom au film.

Des changements de ton surprenants définissent ce film mal conçu : il est difficile de savoir dans quelle mesure les flashbacks ruraux sont fiables, ou s'ils sont filtrés à travers l'imagination romanesque d'Owen, mais ils ne parviennent pas à se concrétiser de manière convaincante. Les séquences country sont présentées d'une manière mélancolique et esthétisée qui rappelle les drames patrimoniaux en « lin blanc » associés à Merchant-Ivory des années 1980, et généralement aux films sur le thème gay (Maurice,Un autre pays) de la période. En revanche, les scènes d'hôpital évoquent une enceinte froide, semblable à une prison, où Owen est malmené par un préposé aux allures de lutteur.

Mais l’intervention médicale (historiquement réelle) adoptée par Philip ressort comme un pouce endolori. Nous ne voyons rien de graphique, mais nous risquons certainement de grimacer – en partie à cause de l'inconfort, en partie parce que cela implique un changement de ton si discordant. Ensuite, il y a la scène finale, où le réalisateur Seefried jette la prudence et le réalisme au vent dans ses images (y compris une lueur de l'iconographie gay éternelle de Saint-Sébastien).

Le jeu des acteurs fournit au moins un lest crédible.Game of ThronesetLes anneaux de pouvoirAramayo, ancien élève, est tour à tour bluffant, tendre et étrangement menaçant, tandis que Kellyman, dont la télévision comprendMeilleur garçonetSaule,donne à Dorothy un peu plus d'avantage que la sollicitude gauche que son rôle requiert principalement. O'Shea - surtout connu pourLes gens normauxetMaîtres de l'Air(et, comme Kellyman, un ancienÉcranStar of Tomorrow) – lutte courageusement contre la représentation potentiellement insipide d’Owen, la parsemant d’ironie rebelle dans les scènes de l’hôpital. Cependant, pendant une grande partie du film, le jeune écrivain est dépeint comme un esthète fragile aux yeux étoilés qui ne devrait clairement pas se cacher à la campagne alors qu'il pourrait profiter d'une période beaucoup plus fraîche au sein de la « génération perdue » littéraire représentée dans Le thème similaire de Terence DaviesBénédiction.

Une rigueur visuelle globale est soulignée par une palette qui fait la part belle à la pierre et à la farine d'avoine pour les passages à la campagne, tandis que des touches de costumes occasionnelles rappellent étrangement moins les années 20 que celle d'une Angleterre encore profondément ancrée dans l'ère édouardienne. Les titres de clôture exposent les faits historiques horribles sur lesquels le drame est basé. Mais le réalisateur Seefried aborde cette période sexuellement obscure avec un étrange mélange de délicatesse timide et d'exagération maladroite. Il est surprenant de trouver un jeune réalisateur réalisant un film aussi résolument démodé, à moins que vous ne lisiez le film comme un hommage volontairement rétro à l'époque révolue de « l'amour-qui-n'ose-pas-dire-son-nom » du drame gay.