Les films en compétition pour l'Oscar du long métrage international de cette année présentent des conceptions très vivantes du lieu. Screen étudie ces décors, du Copenhague des années 1910 au Hong Kong des années 1980, à travers des flous ludiques de l'Iran et du Canada, du Portugal et de l'Asie.
Twilight Of The Warriors : Walled In - Hong Kong
Le réalisateur hongkongais Soi Cheang, né à Macao, a hésité lorsqu'on lui a demandé de réaliserCrépuscule des guerriers : emmuré– un projet ambitieux lancé dans les années 1980 contre l’emblématique ville fortifiée de Kowloon – pleinement conscient que la reconstruction de l’enclave aujourd’hui démolie constituerait un véritable barrage routier.
Sans juridiction claire du gouvernement britannique de Hong Kong ou de la Chine, la ville fortifiée était une colonie exiguë, semblable à un labyrinthe, avec des immeubles d'habitation interconnectés, regroupés, ce qui en faisait un refuge pour les criminels qui contrôlaient essentiellement l'enclave, résistant aux tentatives de réglementation municipale.
Cheang s'est entretenu avec son collaborateur clé Kenneth Mak avant de s'engager dans le thriller d'action, qui a été lancé au public international lors d'une projection à minuit à Cannes et qui constitue la candidature de Hong Kong à l'Oscar du meilleur long métrage international. Le chef décorateur acclamé a réalisé des décors d'époque pour Wilson Yip.Ip hommefranchise et a travaillé avec Cheang sur un thriller noirLimbo, qui a remporté les prix de la direction artistique aux Asian Film Awards, aux Hong Kong Film Awards et aux Golden Horse Awards en 2021-2022.
Cheang a passé deux semaines avec Mak à faire des recherches pour s'assurer qu'ils pourraient fournir de manière satisfaisante le lieu du héros du film avant de finalement donner son accord à Angus Chan de la société de production Entertaining Power, qui détenait les droits cinématographiques du roman.Ville des ténèbresde Yuyi, situé dans la ville fortifiée
Crépuscule des guerriers : emmuréest une adaptation du livre, qui a lui-même donné naissance à une série de bandes dessinées, mais l'équipe artistique s'est appuyée sur d'anciennes photos d'archives, notamment du Japon et de France, comme référence visuelle. Le film se déroule pendant le boom économique de Hong Kong dans les années 1980 – la ville fortifiée a été rasée en 1994 avant la rétrocession historique de Hong Kong à la Chine trois ans plus tard.
"Malgré les vices, il offrait un refuge temporaire aux immigrants pour gagner leur maigre vie avant de partir", explique Cheang, ajoutant que le public peut découvrir à quoi ressemblait la vie dans la ville fortifiée grâce au protagoniste Chan Lok-kwan, joué par Raymond. Lam, un réfugié qui s'y cache et mène des combats acharnés pour protéger sa nouvelle maison.
Ce spectacle d'action regorge de séquences de combat rapides chorégraphiées par Kenji Tanigaki, basé à Hong Kong, dont les crédits incluentFeu qui fait rageet le JaponRurouni Kenshinfranchise cinématographique.
"J'ai hâte de ramener l'ancien mode de vie à l'écran et d'évoquer les souvenirs et les sentiments de ce qui a été perdu avec la ville fortifiée", explique Cheang.
Constructeurs du monde
Le cinéaste était conscient que le monde du crime organisé et des conditions de vie insalubres de la ville avait déjà été représenté à l'écran dans des films d'action tels que celui de 1984.Le long bras de la loi.
La mission de Cheang pour l'équipe artistique était de « créer un lieu si plein de vie que le public puisse le sentir et le sentir ». Les expériences quotidiennes des résidents – comme la façon dont ils préparent des raviolis, réparent des chaussures ou nettoient le temple – sont quelques-uns des moments qui lui ont touché le cœur. Même les antennes de télévision sur les toits et les canalisations et canalisations apparentes accentuent la beauté du chaos.
Le budget annoncé du film, d'environ 40 millions de dollars, est un pari réussi pour Entertaining Power et ses bailleurs de fonds, notamment Media Asia (qui gère également les ventes internationales) et Sil-Metropole.Crépuscule des guerriers : emmuréa rapporté 13,7 millions de dollars à Hong Kong et 96 millions de dollars supplémentaires en Chine continentale, et s'est largement vendu en dehors de l'Asie, en Amérique du Nord, en Europe et au Moyen-Orient. Well Go USA Entertainment l'a sorti aux États-Unis en août.
Le tournage a eu lieu à Hong Kong pendant la pandémie, dans une école abandonnée à Yuen Long et un studio à Sai Kung. Les décors élaborés comprenaient un salon de coiffure, un café de style hongkongais, un temple, un toit, des magasins familiaux et des ruelles sinueuses. Les structures ont été construites sur trois étages, avec des effets visuels utilisés pour améliorer les plans extérieurs.
Cheang est triste que les décors aient été démolis après le tournage, car leur conservation coûte cher. Le gouvernement de Hong Kong a désormais pris conscience du potentiel d'une attraction touristique en installant une exposition présentant des répliques de plusieurs décors mémorables à l'aéroport international de Hong Kong. De nouveaux décors seront construits pour une préquelle et une suite en préparation.
Cheang a réalisé une vingtaine de longs métrages depuis ses débuts en 1999.Notre dernier jour, y compris ceux de 2009Accidentet 2012Autoroute, tous deux produits par Johnnie To ; et 2021Limboet 2023Destin fou, tous deux présentés en première à la Berlinale Special. Il réalise actuellement une épopée de guerre historique en Chine, traduite littéralement parLa bataille navale de Penghudu titre chinois.
Silvia Wong
Grand Tour - Portugal
Dans son long métrage, le cinéaste portugais Miguel Gomes dépeint l'Asie d'une manière idiosyncrasique, floue entre les époques, à la fois imaginée et vraie.Grand Tour. Lauréat du prix de la mise en scène au Festival de Cannes cette année, le film se déroule en 1917 et suit le fonctionnaire anglais Edward Abbot (Goncalo Waddington) alors qu'il voyage à travers le continent, gardant une longueur d'avance sur sa fiancée Molly (Crista Alfaiate), qu'il a décidé de ne pas se marier.
Une grande partie deGrand TourLe film présenté par le Portugal à l'Oscar du long métrage international a été tourné dans un studio de Lisbonne, mais il comprend également des images d'un voyage à travers l'Asie réalisé par Gomes début 2020.
« Faire des films, c’est un peu comme quitter la maison et vivre une aventure », explique leTaboucinéaste, réfléchissant aux parallèles entre lui et les protagonistes. "Grand Tourn'est pas seulement une grande aventure pour moi et pour tous les gens qui ont réalisé le film, mais c'est aussi un film d'aventure.
À Cannes, les critiques ont critiqué l'approche formelle radicale de Gomes, décrite dansÉcran Internationalcomme « une odyssée asiatique hypnotique et inventive », dans laquelle ces personnages coloniaux anglais parlent le dialogue en portugais. "C'est peut-être vrai, mais en même temps, le film a davantage de liens avec la mémoire du cinéma classique américain", dit Gomes, citant Marlene Dietrich dansShanghai Expresset des comédies loufoques commeÉlever bébé.
Une coproduction Portugal-Italie-France,Grand Tourest produit par Uma Pedra No Sapato de Lisbonne. Mubi a acquis les droits pour l'Amérique du Nord, le Royaume-Uni, l'Amérique latine et plusieurs autres marchés après Cannes auprès de l'agent commercial The Match Factory. Une sortie américaine en temps opportun le rendra éligible à toutes les principales catégories d'Oscar.
Influences littéraires
Grand Toura été « inspiré par deux pages » dansLe monsieur dans le salon : récit d'un voyage de Rangoon à Haiphonde l'écrivain britannique W Somerset Maugham, sur les voyages de l'auteur dans les années 1920.
"Il a deux pages où il raconte ce genre de blague sur un homme fiancé à une femme, qui l'attend dans le port de Rangoon", explique Gomes. « Elle vient en bateau. Il panique et s’enfuit – et elle l’a poursuivi pendant des mois sur un vaste territoire d’Asie du Sud-Est.
Gomes révèle son admiration pour les auteurs de cette période et d'avant, notamment Joseph Conrad, Henry James et Herman Melville. « Il y a un personnage [dans le film] qui s'appelle Sanders, un étrange cow-boy qui travaille au Vietnam et en Birmanie. Il y a du bétail. Il était un peu basé sur le personnage principal deLe portrait d'une dame[par James]. »
Grand Tourpeut avoir des origines littéraires, mais une grande partie a une sensation semi-documentaire. Il utilise des images de style vérité de marionnettes, de forêts, de grandes roues, d'artistes d'arts martiaux et de scènes de rue – « des séquences très diverses », selon les mots de Gomes – le tout lié par une voix off. « Dès le début, nous souhaitions ne pas seulement avoir ce monde du cinéma en studio », dit-il. « Nous voulions aussi du réel, un dialogue entre l’imaginaire et le réel. »
C’est pourquoi Gomes et une petite équipe de collaborateurs ont réalisé un véritable grand tour en 2020. Leur itinéraire « correspondait à ce circuit traditionnel appelé Grand Tour Asiatique ». Cependant, le parcours n'était pas tout à fait le même que celui emprunté par les protagonistes de l'histoire : Gomes et son équipe ne sont pas parvenus à Hong Kong. «C'était très difficile parce que c'était au moment où il y avait toutes les manifestations et les émeutes», dit-il.
Les compagnons de voyage de Gomes étaient ses scénaristes, un ingénieur du son, deux assistants caméra, un assistant réalisateur et l'un des trois directeurs photo du film, Sayombhu Mukdeeprom, connu pour son travail avec Apichatpong Weerasethakul et Luca Guadagnino.
« Ensuite, nous avions une production locale dans chacun de ces pays », explique Gomes. « L'idée était de filmer cet itinéraire, de faire ce grand tour nous-mêmes [à travers la Thaïlande, le Vietnam, les Philippines, le Japon et la Chine], et de voir quel genre de choses nous pourrions récolter lors de ce voyage. Ensuite, nous retournions à Lisbonne et essayions de réagir à ces images, à nos archives… en créant de la fiction.
Le plan a toujours été d'avoir deux cinéastes, un asiatique pour le voyage et son collaborateur portugais régulier Rui Pocas (le film de GomesTabou,Notre bien-aimé mois d’aoûtetLe visage que vous méritez) pour les scènes de studio en Europe. Mais le voyage asiatique s’est arrêté début 2020, à cause de la pandémie, au moment même où la production se dirigeait vers Shanghai.
L'équipage est retourné au Portugal. Gomes a tourné les scènes chinoises deux ans plus tard, réalisant à distance depuis Lisbonne, instruisant son « équipe 100 % chinoise » et son troisième directeur photo, Guo Liang.
"Je ne l'ai jamais rencontré personnellement pendant le tournage car je ne pouvais pas entrer en Chine", explique Gomes. « Je suis allé au festival de Jia Zhangke [Pingyao] et j'ai finalement rencontré ce directeur de la photographie. C’était une situation assez étrange.
DansGrand Tour, qui est tourné principalement en noir et blanc, les spectateurs « passent toujours de la vision des personnages en studio à la vision du monde réel aujourd'hui, et puis vous avez une voix off qui vous oblige à projeter les personnages, mais ils ne sont pas là ». dit Gomes. "On voit les mêmes lieux mais d'une manière très différente, entre le monde artificiel du cinéma et la réalité."
On recommande souvent aux conteurs de « montrer, de ne pas raconter ». Gomes renverse les conseils en faisant les deux. «Je pense que c'est [plus] amusant», sourit-il.
Geoffrey Macnab
Langue universelle - Canada
Géographiquement parlant, la candidature du Canada à l'Oscar du film international se déroule à Winnipeg, la capitale provinciale du Manitoba, surnommée la « Porte de l'Ouest » du pays et connue pour son architecture distinctive et ses hivers glacials. Mais selon son directeur Matthew Rankin,Langage universeloccupe une « interzone » quelque part entre Winnipeg et Téhéran.
Le cinéaste a grandi dans la ville canadienne, qui est le théâtre de l'histoire d'enfance racontée par sa grand-mère qui a donné naissance au film, tandis que Téhéran abrite le cinéma iranien qui l'a inspiré au début de sa carrière, l'incitant même à un projet « naïf » de fréquenter une école de cinéma en république islamique.
Aussi éloignée que soient Winnipeg et Téhéran sur la carte, la comédie surréaliste, avec son mélange de fantaisie canadienne et de néoréalisme iranien, tente, dit son créateur, de « créer une proximité là où nous pourrions imaginer une grande distance ». Ce deuxième long métrage de Rankin, après celui de 2019Le vingtième siècle, mélange plusieurs histoires, dont deux frères et sœurs qui tentent de libérer un billet de banque de la glace, un guide touristique qui traîne son groupe vers des destinations ennuyeuses à Winnipeg et un fonctionnaire québécois qui quitte son emploi pour rentrer chez lui en ville et rendre visite à sa mère. .
Une façon d'établir le concept unique du lieu était de tourner - à partir d'un scénario écrit par Rankin avec les créatifs iraniens Pirouz Nemati et Ila Firouzabadi - presque entièrement dans la langue prédominante de l'Iran, le farsi, et avec une signalisation en farsi à la place de l'anglais. marquages sur les devantures et les bureaux du film.
L'utilisation du farsi plutôt que de l'anglais n'a rencontré aucune résistance de la part des bailleurs de fonds du film au Québec, le centre de l'industrie cinématographique de langue française au Canada, rapporte Rankin. Et cela a contribué à établir le sentiment du film « d'être simultanément dans un espace et dans un autre. Il s’agissait toujours de créer un espace qui soit à la fois des lieux et aucun des deux – créer un troisième espace, si vous voulez.
Langage universela utilisé des lieux à Winnipeg et à Montréal (où sont basés Rankin et le producteur Sylvain Corbeil) et a tourné la plupart de ses scènes intérieures dans une centrale hydroélectrique abandonnée. L'architecture brutaliste et moderne du milieu du siècle aux couleurs neutres de Winnipeg figure en bonne place à l'écran, les bâtiments encadrant souvent les personnages humains du film tout en créant un autre lien avec l'Iran.
« Lorsque je suis allé pour la première fois en Iran, les bâtiments beiges et brutalistes me rappelaient beaucoup Winnipeg », se souvient Rankin de sa visite de jeunesse dans ce pays, dont il souhaitait étudier la culture cinématographique mondialement admirée. « Et pour mes collaborateurs, qui n'étaient jamais allés à Winnipeg avant que nous commencions à travailler sur ce film, l'architecture beige de Winnipeg leur rappelait Téhéran. Il y avait donc cet écho architectural entre les deux villes.
L'architecture de Winnipeg a donné au film une dimension esthétique supplémentaire, affirme le réalisateur, dontLe vingtième sièclea été entièrement tourné en studio : « Lorsque le soleil d’hiver frappe le beige, ces structures ennuyeuses deviennent en fait divines et belles. Ils deviennent des surfaces de lumière brillantes. C’était quelque chose que je voulais vraiment filmer.
La conception de la production du projet (par Louisa Schabas, collaboratrice récurrente de Rankin) et la conception des costumes (par l'Iranien Negar Nemati, dont les crédits incluent Asghar FarhadiUn héros) présentait d’autres occasions de « tracer une ligne entre le banal et le divin ».
«Je considère la culture canadienne comme étant très beige et bureaucratique», déclare Rankin. « C'est quelque chose avec lequel nous voulions nous amuser. Nous voulions refléter à la fois l’absurdité et la beauté.
Langage universelLa partition de, quant à elle, est devenue « une métaphore musicale pour tout le film », combinant les sons électro-ambiants du compositeur/musicien québécois Christophe Lamarche-Ledoux avec le travail de l'Irano-Canadien Amir Amiri, expert en santur, un persan instrument classique.
Bien que Lamarche-Ledoux et Amiri ne se soient jamais rencontrés avant de rejoindre le projet, Rankin les a réunis pour créer la musique d'une seule séquence du film et a été si heureux du résultat qu'il a commandé une musique complète, qui représente, suggère-t-il, « un fusion totale des esprits et des compétences ».
Depuis sa première à la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes, où il a remporté le prix du public,Langage universela remporté les honneurs à Melbourne, Toronto, Pingyao et ailleurs, apparemment à la hauteur de son titre et du concept de transformer la distance en proximité. Oscilloscope Laboratories sortira aux États-Unis le 12 février, et Best Friends Forever gérera les ventes internationales.
Alors que le réalisateur et ses collaborateurs ont fait voyager le film à travers le monde, tant les spectateurs iraniens connaissant peu le Canada que les spectateurs canadiens connaissant peu l'Iran «nous ont dit que le film les avait rendus nostalgiques», rapporte Rankin.
"Le Canada et l'Iran étant si étroitement liés, si profondément intercodés dans le film, je ne peux qu'interpréter cela comme un sentiment de nostalgie l'un pour l'autre."
John Hazelton
La Fille à l'aiguille - Danemark
Magnus von Horn avait presque tout ce dont il avait besoin pour apporterLa fille à l'aiguilleà la vie – des acteurs et une équipe adaptés, un scénario finement peaufiné et des lieux atmosphériques dans de petites villes polonaises. Il ne restait que trois ingrédients supplémentaires qui l’aideraient à raconter l’histoire exactement comme il l’envisageait : de la boue, de l’eau et de la fumée.
« Nous jetions de la boue dans les rues, puis nous mouillions le tout et démarrions les machines à fumée. C'étaient nos trois éléments principaux sur chaque lieu », se souvient le cinéaste né en Suède et basé en Pologne.
Ce troisième long métrage de von Horn — qui a été présenté en compétition à Cannes et représente le Danemark pour l'Oscar du long métrage international — sera distribué par Mubi en Amérique du Nord, en Amérique latine, au Royaume-Uni et sur plusieurs autres marchés. Vic Carmen Sonne incarne Karoline, une ouvrière naïve d'usine, qui rencontre une femme charismatique mais dangereuse nommée Dagmar (Trine Dyrholm) dans la Copenhague industrielle de la fin des années 1910 après avoir été abandonnée par l'homme riche qui l'a mise enceinte. (L'histoire est inspirée d'un cas réel concernant une Danoise qui a tué des bébés non désirés.)
Filmé en noir et blanc par le directeur de la photographie Michal Dymek, dont le générique inclut le deuxième long métrage de von Horn.Transpirer—La fille à l'aiguilleprésente un Copenhague en dur, coincé dans l'ombre de la Première Guerre mondiale. «C'est un endroit oppressant et une histoire de gens qui s'oppressent les uns les autres», explique von Horn. "Cette ville n'est pas accueillante."
Rejets
Le cinéaste voulait explorer l'idée des indésirables de la société – et, au cours du développement, il réfléchissait également à la pertinence contemporaine alors que les droits reproductifs étaient limités en Pologne. « Il y a un thème fort dans ce film, celui des indésirables : les personnes indésirables, les enfants non désirés, les indésirables de la société », explique von Horn. Mais l’histoire concerne plus d’une femme dans ses crimes historiques : « Il s’agit aussi de la société, d’où elle vient – ce n’est pas un événement isolé. »
Von Horn a commencé à travailler sur le style visuel du film avec Dymek plus de deux ans avant le tournage. « Nous effectuons beaucoup de recherches d'images, et c'est inspirant car nous ne sommes pas limités par le budget ou la réalité », dit-il.
Ils ont créé de grandes cartes mentales – comportant des photos, des images et des mots clés – qui montraient certaines des approches visuelles des personnages, des arcs d’histoire et des thèmes. Certaines images proviennent de livres d'architecture de Glasgow ou de Manchester de l'ère industrielle, et d'autres des photographes Robert Frank, August Sander et Sergio Larrain.
Les inspirations cinématographiques ultérieures incluent Andrei TarkovskiHarceleur, celui de Steven SpielbergLa liste de Schindler, celui de David LynchL'homme éléphantet surtout celui de David LeanOlivier Twistde 1948. De plus, une scène évoque la vie des frères Lumière.Ouvriers quittant l'usine Lumièreà partir de 1895.
Les lieux ont été repérés très tôt afin que von Horn et Dymek puissent visiter les bâtiments, principalement dans de petites villes du sud-ouest de la Pologne, 18 mois avant le début du tournage. "Nous ne nous sommes pas toujours souciés de savoir si c'était historiquement correct, si ces cadres de fenêtres venaient de cette époque ou ces poignées de porte ou autre", poursuit le réalisateur. «C'était plutôt une réflexion : 'Est-ce que ça semble vieux ? Est-ce que ça semble sale ? Est-ce que ça fait mal ? Nous voulions exagérer les choses.
En raison de rues étroites et de bâtiments penchés, et d'une modernisation moindre qu'au Danemark, les extérieurs des villes polonaises ressemblaient au Copenhague qu'il avait imaginé. Quelques intérieurs clés ont été construits dans un studio « afin que nous soyons libres et puissions proposer ce que nous voulions, en particulier pour quelque chose comme le magasin de bonbons de Dagmar et son appartement ».
Une équipe dirigée par le chef décorateur Jagna Dobesz a également construit environ 40 à 50 bâtiments modèles à utiliser pour certains plans extérieurs – par exemple, lorsque les véritables toits où ils tournaient avaient été modernisés.
Pour le mari de Karoline, Peter (Besir Zeciri), qui revient de la guerre avec une défiguration faciale et rejoint un spectacle anormal, von Horn et son équipe ont étudié des photos de chirurgies faciales pratiquées sur des soldats blessés après la Première Guerre mondiale – dont une dans laquelle un médecin tentait de créer le nouveau nez d'un homme en utilisant l'une de ses côtes - et également créer un masque pour couvrir la moitié du visage de Peter, donnant au personnage une sensation furtive et plutôt sinistre. "Cet accessoire crée un personnage à part entière", explique von Horn.
Pour les costumes de Karoline, conçus par Malgorzata Fudala, les robes devaient montrer deux mondes : la pauvreté dans laquelle elle vivait et ses rêves de devenir quelque chose de plus. Le réalisateur a parfois poussé la réalité dans tous les métiers, incitant les équipes de coiffure et de maquillage à « ajouter plus de sueur, plus de saleté sur le visage, les mains ».
Carmen Sonne et Dyrholm « ont adoré ces choses : plus il y a de sueur et de saleté, plus ils ressentent le personnage ».
Wendy Mitchell
