Maintenant que nous sommes habitués à ce que HBO Max abandonne la meilleure partie de son nom pour devenir simplement Max, nous pouvons nous concentrer sur ce qui compte vraiment : les films. L'impressionnante bibliothèque de Max comprend la plupart des films sortis par Warner Bros., ainsi que des films originaux de HBO, ainsi que des titres d'autres studios (comme tous les meilleurs films d'animation du Studio Ghibli). Donc, avant de passer des heures à parcourir sans réfléchir leurs différents hubs et menus parce que vous ne pouvez pas décider quoi regarder, voiciLe Club AVrécapitulatif des meilleurs films sur Max.
Cette liste a été mise à jour le 1er octobre 2024.
2001 : Une odyssée de l'espace
Pendant des décennies, Stanley Kubrick?2001 : Une odyssée de l'espaces'est présenté comme une sorte de mystère primordial, un aperçu de forces dépassant l'entendement. Dans l’histoire du cinéma, il remplit plus ou moins la même fonction que celle que remplissent les vastes monolithes extraterrestres dans le film lui-même. Le voici : ce monument colossal de l'ambiguïté, tombé au milieu d'une culture de la fin des années 60 qui a dû le trouver déroutant et terrifiant. Mais ces publics ont quand même tenté de toucher à l’année 2001, et tout à coup, toutes sortes de vastes avancées ont éclaté. Les effets spéciaux sont devenus plus capiteux, plus fluides et plus immersifs. La narration cinématographique s’est étendue vers de nouvelles dimensions inexplorées. Le cinéma grand public s’est plongé à corps perdu dans le psychédélique. [Tom Breihan]
Les 39 étapes
Le McGuffin. Le mauvais homme. Un héros ordinaire qui est à la fois le poursuivant et le poursuivi. Tous les éléments classiques d'un film d'Alfred Hitchcock sont parfaitement articulés dans celui des années 1935.Les 39 étapes, qui constitue à la fois le point culminant de sa carrière au Royaume-Uni et le matériel génétique de futurs chefs-d'œuvre commeCélèbreetNord par nord-ouest. Premiers efforts comme le thriller muet de 1927Le locataireavait affirmé un style visuel conforme aux expressionnistes allemands, et son suivi de 1938La Dame disparaîta affirmé son don pour l'esprit sec de salon, maisLes 39 étapesreprésente la distillation ultime des forces d'Hitchcock. La course de Robert Donat à travers les Highlands écossaises peut anticiper les plaisirs à grande échelle de Cary Grant fuyant les épandeurs et escaladant la face du mont Rushmore, mais le film a une distinction au-delà d'un simple échauffement. Infusé d'éléments de comédie romantique loufoque, il utilise une histoire d'espionnage bien écrite pour explorer les questions de confiance avec maturité et sophistication cool. [Scott Tobias]
4 petites filles
4 petites filles, le documentaire de Spike Lee sur l'attentat à la bombe de 1963 contre l'église baptiste de la 16e rue à Birmingham, en Alabama, s'ouvre avec l'enregistrement de Joan Baez de « Birmingham Sunday ? et les tombes portant les noms des quatre filles tuées dans cet attentat à la bombe. C'est tout ce que beaucoup de gens savent de l'événement, à part le fait qu'il a constitué un tournant dans le mouvement des droits civiques, et le film de Lee tente de corriger cet oubli.4 petites fillesraconte l'histoire dans son intégralité, en mettant l'accent sur l'environnement instable qui a conduit au bombardement. Martin Luther King a qualifié Birmingham de « ville la plus ségréguée des États-Unis ». et en son sein, l'église baptiste de la 16e rue a joué un rôle clé dans la montée des protestations du début des années 60. Le bombardement était censé porter un coup critique aux manifestants, et une partie de la raison pour laquelle cela n'a pas été le cas peut être trouvée dans la résilience évidente dans les entretiens avec les victimes ? familles et autres survivants. Aussi émus que la plupart d'entre eux soient, ils trouvent également un moyen de transmettre leur dévouement toujours fort aux principes pour lesquels les quatre filles ont été de malheureuses martyres.4 petites fillesest un acte important de préservation historique, un film ciblé et efficace qui ramène un moment sombre et important de l’histoire avec une clarté surprenante. [Keith Phipps]
Les 400 coups
Les 400 coupsest devenu, pendant un certain temps, un énoncé de mission de facto pour tout un mouvement. En fait, cela a également donné au monde l’un des personnages récurrents les plus appréciés de l’histoire du cinéma. Au cours de cinq films (quatre longs métrages et un court métrage) et de deux décennies, François Truffaut a raconté avec affection les progrès de son alter ego fictif, Antoine Doinel, dont l'absentéisme adolescent finit par laisser la place à une vie adulte réticente, pleine de folies professionnelles et d'obsessions romantiques. L'acteur Jean-Pierre Léaud ? Lui-même un élève de quatrième trouble lorsque Truffaut l'a engagé dansLes 400 coups?deviendra un emblème de la Nouvelle Vague dans son ensemble, entamant une multitude de collaborations mémorables non seulement avec Truffaut mais aussi avec des cinéastes plus formellement aventureux et expressément politiques comme Jean-Luc Godard, Jacques Rivette et Jean Eustache. [Benjamin Mercer]
8 1/2
Le titre de Federico Fellini?8 1/2fait référence au nombre de titres de sa filmographie et à la dépression nerveuse dont souffre son alter ego, interprété par Marcello Mastroianni, en essayant de faire un nouveau film.8 1/2est considéré comme l'un des grands films sur le cinéma, une expression vitale et spontanée de l'anxiété et de la stase créatrice qui peuvent saisir même les artistes les plus imaginatifs. Pourtant, cela est aussi indéniablement lié à la peur de la mort : tout comme les idées de Mastroianni menacent de se dissiper et que les pressions liées au rôle de maître de piste dans un cirque cinématographique sont trop fortes à supporter, sa vie pourrait s'évaporer avec elle. L'existence même de8 1/2ne donne aucune raison de s'alarmer à Fellini, puisque la crise elle-même porte un autre type de fruit créatif, mais le film est chargé d'une tension et d'une panique qui ne peuvent pas être entièrement exorcisées. Quelques années plus tard seulement, Fellini passe un mois dans une maison de retraite après avoir subi une véritable dépression nerveuse. []
Ali : La peur dévore l'âme
Réalisé seulement deux ans après les désastreux Jeux olympiques de Munich en 1972, où des athlètes israéliens ont été pris en otage puis tués par des terroristes palestiniens après une tentative de sauvetage ratée par les autorités allemandes,Ali : La peur dévore l'âmeexamine ouvertement la tension raciale entre les autochtones et les immigrants arabes. Dans la scène d'ouverture, le réalisateur Rainer Werner Fassbinder présente deux partenaires de danse absurdement mal assortis : El Hedi ben Salem, un bel ouvrier marocain d'une quarantaine d'années, et Brigitte Mira, une femme de ménage allemande miteuse de plus de 20 ans son aînée. En entrant dans un bar par une nuit pluvieuse, Mira est boudée par la barman blonde (Barbara Valentin) et la clientèle majoritairement arabe, mais Salem lui tend la main, dans un geste basé moins sur l'attraction que sur le défi. Leur relation commence par un défi, mais elle se développe sur leur solitude commune et leur besoin de compagnie, conduisant à un mariage forcé qui met en colère les enfants adultes de Mira et l'éloigne de ses voisins et collègues. Mais juste au moment où les deux semblent être considérés comme des victimes, Fassbinder renverse toute la prémisse, montrant comment leur lien repose (et se nourrit) des mêmes machinations cruelles utilisées pour les séparer. Les tournants radicaux dans la seconde moitié d’Ali sont brusques et déconcertants, mais ils opèrent selon la logique inébranlable selon laquelle personne ne peut être complètement extrait du monde qui l’entoure ; même des gens de bon cœur comme Salem et Mira finissent par perpétuer les conditions qui les exploitent. [Scott Tobias]
Splendeur américaine
Il est difficile de choisir la réalisation la plus impressionnante de l'adaptation sur grand écran par Shari Springer Berman et Robert Pulcini des bandes dessinées American Splendor de Harvey Pekar : le mélange assuré et nonchalamment expérimental de documentaire, d'animation et de comédie naturaliste, ou la façon dont Berman et Pulcini rassemblent 30 ans d'histoires de Pekar en une seule pièce thématiquement cohérente, capturant de manière incisive son principe directeur selon lequel les roturiers ont autant à dire que les rois… [Noël Murray]
André le géant
"Avant qu'il y ait CGI, il y avait Andre The Giant." C'est ce que dit David Shoemaker, historien de la lutte, essayant de décrire ce que ressentait le public des années 1970 lorsqu'il a vu pour la première fois l'énorme Français André René Roussimoff, en personne ou sur son téléviseur. Comme l'explique Shoemaker dans le documentaire de Jason HehirAndré le géant"début mardi soir sur HBO à 22 heures, heure de l'Est" lorsque Roussimoff est arrivé aux États-Unis, la lutte télévisée était encore une affaire régionale, avec des stars qui restaient pour la plupart dans un petit circuit multi-états. Le sport ? les fans ont peut-être vu des photos d'André le Géant dans un magazine, mais ils n'étaient pas préparés à voir à quel point l'homme pouvait être impressionnant en chair et en os. Il valait mieux que n'importe quel effet spécial. Ceux qui le connaissaient personnellement ont dit que passer du temps avec lui après un événement, c'était comme s'amuser avec du folklore, un peu comme être ami avec Paul Bunyan. [Noël Murray]
Cendres et diamants
Beaucoup se souviennent de lui comme du « James Dean polonais ». Zbigniew Cybulski a acquis une renommée internationale dans le rôle d'un jeune résistant idéaliste qui prend la mission d'après-guerre d'abattre un fonctionnaire communiste de niveau intermédiaire. Portant des lunettes de soleil sombres qui soulignent sa nonchalance décontractée, Cybulski passe des heures à attendre sa cible dans un hôtel, où il attend son heure en flirtant avec une barman blonde (Ewa Krzyzewska) qui conquiert immédiatement son cœur. Soudain, ses priorités sont bouleversées : continue-t-il à se battre pour une cause douteuse, ou abandonne-t-il son poste par amour ? Au cours de la séquence culminante spectaculaire, avec le feu d'artifice de célébration au-dessus de nous,Cendres et diamantsapporte une réponse extrêmement ironique. [Scott Tobias]
Sonate d'automne
Une pièce de chambre pour une poignée d'acteurs,Sonate d'automnemet en vedette Liv Ullmann, collaboratrice fréquente d'Ingmar Bergman, et Ingrid Bergman, première star de Bergman, dans le rôle d'une mère et d'une fille qui se réunissent après sept ans pour passer une longue et sombre nuit à surmonter leurs différences. Avec le directeur de la photographie Sven Nykvist, le réalisateur transforme les éléments théâtraux du film - les soliloques, les longs échanges - en vertus, créant un film tour à tour chaleureux, claustrophobe et brutalement brut, racontant l'histoire en grande partie à travers de longs gros plans et compositions proches à deux personnages. Cela ne fait pas de mal qu'ils puissent travailler avec les performances remarquables d'Ullmann et d'Ingrid Bergman. [Keith Phipps]
La première fois que nous voyons Frank Tassone, le bien-aimé administrateur d'une école publique, Hugh Jackman, joue dansMauvaise éducation, il monte sur la scène d'un auditorium sous un tonnerre d'applaudissements. C'est sa soirée, une célébration de ses réalisations - même si, comme nous le verrons rapidement, il passe également la plupart de ses journées sous les projecteurs, profitant de l'admiration de ses collègues, de ses étudiants et de ses parents. Frank, qui nomme le surintendant, est à la tête d'un district scolaire de Long Island qui, sous sa direction, a atteint le sommet du classement national. Errant de réunion en réunion dans ses costumes finement repassés, un sourire chaleureux perpétuellement affiché sur son visage, il a l'assurance (et la popularité) d'un Kennedy - et en effet, Frank aborde le travail avec le sens avisé d'un politicien, engageant des noms et des intérêts. à la mémoire. Mais la véritable clé de son succès réside peut-être dans le fait qu’il s’en soucie réellement. En termes cinématographiques, c'est comme si l'un des héros carpe diem d'un drame inspirant pour enseignants gravissait les échelons, répandant son zèle pour l'éducation dans tout le quartier. C’est en tout cas ainsi que Frank préférerait probablement raconter son histoire.Mauvaise éducationraconte une version différente, extraite des gros titres et transformée en quelque chose de très éloigné du genre des mentors de classe doués et des jeunes vies qu'ils touchent. Le véritable Tassone, comme certains s'en souviennent peut-être, était au centre du scandale des écoles publiques de Roslyn à New York, dans lequel deux administrateurs de haut rang ont détourné des millions de dollars de l'argent des contribuables. Le scénariste Mike Makowsky, qui a grandi dans la communauté et a fréquenté une école de Rosyln l'année où la fraude financière a été révélée, dramatise cette actualité nationale dans une procédure captivante sur la criminalité en col blanc. Cuisiner les livres peut sembler un sujet aride, mais le film lui donne une touche d'urgence psychologique en construisant tout un récit de château de cartes autour d'un personnage aux contradictions convaincantes : un escroc qui a réussi à concilier son véritable engagement envers la communauté (et l’avenir de ses enfants) avec sa trahison. [AA Dowd]
À bien des égards,Batmanreprésente un cinéma à succès assez banal. Le rythme est lent, l'intrigue parfois incohérente. Trop de scènes d'action sont des gens portant des vêtements noirs qui se battent dans le noir, et on ne voit rien. Il y a beaucoup de moments de personnages pointus et amusants, mais le film a toujours l'impression de se diriger vers sa conclusion explosive inévitable - un problème qui hante depuis lors les films de super-héros. Mais ce qui distingue le film - ce que tous les critiques de l'époque ont immédiatement commenté - c'est la façon dont le filmregardé. Parce qu’aucun film n’avait jamais vraiment ressemblé à ça auparavant. []
Pour vraiment profiterBatman revient, ce qui n'est pas vraiment une chose difficile à faire, il faut s'abandonner à sa bêtise triomphante. Avant qu'un seul mot ne soit prononcé dans le film, nous voyons un bébé pingouin manger un chat tandis que Pee-Wee Herman lui-même, Paul Reubens, prend un long verre résigné. Selina Kyle, dans son apparence de secrétaire harcelée d'avant Catwoman, a un néon rose géant « bonjour ? signer dans son appartement – quelque chose qui ne peut exister que pour qu'elle puisse, dans sa transformation, briser quelques lettres et transformer cela en « l'enfer ici ». Lorsque Max Shreck de Christopher Walken rencontre la mort par électrocution, il ressemble à une pochette d'Iron Maiden. Il n'y a rien à proposBatman revientcela va même dans le sens général du réalisme, et c'est pourquoi le film est génial. []
Dans,? super-héros spectaculaire, lisse, trop long et majestueusement maussade, Robert Pattinson met vraiment leGothdevenu le principal protecteur de Gotham City. Ses yeux enduits de mascara comme Robert Smith (ou The Crow, un autre vengeur ailé nocturne), cette version du combattant du crime de DC se promène en ville sur une moto au son de l'accompagnement non diégétique du downer de clôture de l'album de Nirvana, "Something In The". Chemin.? Il raconte également le film avec une voix off feutrée qui vacille, telle une gargouille, au bord de l'auto-parodie. « Ils pensent que je me cache dans l'ombre ? il murmure. "Mais je suis les ombres." Ces réflexions ressemblent à des entrées de journal intime – et il s’avère que c’est exactement ce qu’elles sont. Enfin : un Batman qui tient un journal !Le Batmanest autant une machine à intrigue que les films de Christopher Nolan (l'exposition pourrait être empilée dans des gratte-ciel tordus), mais elle se déplace différemment, rampant et se faufilant pendant sa longue durée d'exécution au lieu de courir à travers elle comme une chauve-souris sortie de l'enfer. Et si nous ne le faisions pas exactementbesoinun autre film de Batman, y a-t-il un charme à en voir un relativement imprégné du langage du support original ? même si une partie de ce langage est un signe de mauvais augure qui ne convient qu'aux orphelins costumés torturés ou aux enfants gothiques de tous âges. []
La vérité et l’objectivité suffisent-elles pour créer un chef-d’œuvre ? Certains le pensent, certainement ?La bataille d'Algerapparaît régulièrement sur les listes des plus grands films de guerre jamais réalisés (et apparaît parfois sur les listes des plus grands films jamais réalisés, quel que soit le genre). Dramatiquement, le film souffre un peu de la même informe qui afflige les biopics et autres images fortement basées sur des faits, s'enregistrant comme une succession d'événements vaguement connectés, plutôt que comme un objet discret sculpté dans l'argile de l'histoire. Le choix de Pontecorvo d'imiter l'esthétique visuelle des documentaires - ce à quoi il a si bien réussi que le distributeur américain d'origine a tenu à se vanter qu'aucune image d'actualité n'apparaît - était à la fois révolutionnaire et extrêmement influent ; la plupart des docudrames bruts d'aujourd'hui ont desAlgerdans leur ADN. C'est ce génie formel, ainsi que la partition anxieuse et saccadée d'Ennio Morricone, qui perdurent vraiment, et continueront de le faire longtemps après des débats houleux sur l'expression « islam radical » ? sont finalement morts. []
Les mauvais traitements historiques infligés au classique de l'agit-prop de Sergei EisensteinCuirassé Potemkinemontre comment les films réalisés à des fins politiques expresses peuvent être secoués par le vent du changement. Dès sa sortie en 1925,Potemkinea été salué comme un chef-d'œuvre, tant pour la façon dont il dramatise les émotions derrière la révolution communiste que pour son utilisation innovante du montage. Mais Eisenstein a raconté l'histoire d'un marin ? révolte peut-être trop bien, avec trop de détails artistiques. Dans une Allemagne pré-nazie en dépression, les responsables craignaient que le film ne fomente une révolte parmi l'armée et la police. En Union soviétique, les pouvoirs en place ont progressivement réduit la vision originale d'Eisenstein en exigeant l'inclusion de musiques plus patriotiques et l'exclusion des citations de dirigeants politiques en disgrâce. Et aux États-Unis, il était difficile de trouver des tirages authentiques, car les distributeurs américains ne pouvaient traiter qu'avec des sociétés européennes qui avaient procédé à leurs propres retouches. []
La belle et la Bête(1946)
L'Académie n'avait pas de catégorie distincte pour reconnaître les films en langue étrangère jusqu'en 1956. Il n'est donc pas surprenant que la romance magique et visuellement saisissante de Jean CocteauLa belle et la Bêteest resté méconnu. Cocteau, qui a fait ses armes avec des plats aussi avant-gardistes queTheSang d'un poète, élève l'histoire classique de la Belle tourmentée et de la Bête maudite en baignant chaque image avec des images freudiennes ou une opulence d'un autre monde. Pour citer lefeu Roger Ebert, ?Sang d'un poèteétait un film d'art réalisé par un poète? alors que, ?La belle et la Bêteétait un film poétique réalisé par un artiste.? []
Derrière le candélabre
Steven SoderberghDerrière le candélabreest, comme beaucoup de films de Soderbergh, composé de beaucoup de choses. Il y a ici des éléments de comédie ironique - en particulier de la part d'un chirurgien plasticien joué par Rob Lowe - tout comme il y a des moments déchirants de drame relationnel, des scènes où Scott (Matt Damon) et Liberace (Michael Douglas) s'arrachent la gorge. Mais ce qui est le plus impressionnant dans le film, c'est la façon dont il crée un débat soutenu sur les progrès du mouvement pour les droits des homosexuels aux États-Unis. Sans aucun lien juridique réel entre Scott et Liberace, les deux sont contraints à des circonvolutions de plus en plus compliquées, et lorsque la relation s'effondre inévitablement, Scott n'a aucune protection juridique lorsque le pianiste prend tout. C'est l'histoire de deux hommes qui étaient amoureux, puis qui ont progressivement perdu cet amour, mais c'est aussi une histoire sur le manque de protection juridique pour eux (ainsi que la terreur de Liberace quant à la réaction de la société si il a été dénoncé) les a traqués à chaque étape du chemin. C'est entre des scènes calmes et intimes avec Scott et « Lee ». comme il aime qu'on l'appelle, se prélasser, profiter de la compagnie des autres et du regard de cette vieille femme, avec tout ce qui se cache derrière. []
Belle De Jour
De l'extérieur, le protagoniste de Catherine Deneuve dansBelle De Joura tout ce qu'une Parisienne des années 60 peut désirer. Elle est mariée à un homme d'une beauté comique (Jean Sorel) dont la carrière de chirurgien lui permet un immense confort et des loisirs apparemment sans fin. Ils passent des vacances dans le luxe et profitent de la compagnie de chacun. Par contre, le sexe est une autre affaire. Il le veut. Elle ne le fait pas. Ou du moins, ce n'est pas tout ce qu'elle veut. Réalisé par Luis Buñuel,Belle De Jourcommence par dramatiser un des fantasmes de Deneuve. Montée en calèche avec Sorel, elle rejette ses avances. Il répond en l'attachant à un arbre, en la fouettant, puis en disant à ses cochers de se débrouiller avec elle. L’expression de son visage révèle que la dégradation a remué quelque chose au plus profond d’elle. Puis elle se réveille dans le monde réel moins satisfaisant. []
Les larmes amères de Petra Von Kant
Si l'on inclut les œuvres réalisées pour la télévision allemande,Les larmes amères de Petra Von Kantétait le 13ème long métrage de Rainer Werner Fassbinder ? ce qui est sacrément remarquable, étant donné qu'il n'avait commencé que trois ans plus tôt, en 1969, et qu'il travaillait encore activement dans le théâtre à l'époque. En effet,Petra Von Kantest adapté de la production scénique de Fassbinder, créée l'année précédente ; comme la pièce, le film se déroule entièrement dans l'appartement de sa protagoniste, principalement à quelques mètres de son lit. Néanmoins, c'est sans doute le premier film de Fassbinder à tirer pleinement parti des qualités uniques du cinéma - à tel point, en fait, qu'il est parfois difficile d'imaginer comment il aurait pu fonctionner sur scène. Il fonctionne raisonnablement bien comme un mélodrame simple et angoissant, mais il s'agit avant tout d'un cours de maître co-enseigné par le célèbre directeur de la photographie Michael Ballhaus (Les Affranchis, Les Fabuleux Baker Boys, Quiz Show), qui a fait ses débuts avec Fassbinder ? dans l'utilisation visuelle dynamique d'un espace restreint, et preuve qu'un petit budget n'est pas une excuse. []
Fille noire
Le premier long métrage d'Ousmane Sembène,Fille noire, est communément cité comme le premier grand film sorti d’Afrique subsaharienne, malgré le fait qu’une grande partie du film se déroule en France. Sa place dans l'histoire du cinéma a moins à voir avec sa production (qui était suffisamment française pour se qualifier pour le Prix Jean Vigo français, quiFille noireremporté en 1966) qu'avec sa perspective.Fille noirea été le premier long métrage réalisé au Sénégal et le premier long métrage sur les Africains noirs à avoir été écrit et réalisé par un Africain noir. Aucun autre cinéma national ou culturel n'a démarré avec autant de confiance. Le film - sur une jeune femme qui accepte un travail apparemment confortable de femme de chambre et de nounou auprès d'un couple français à Dakar, puis les raccompagne en France - est à la fois un drame humaniste, un portrait de la vie sénégalaise dans les années 1960, une étude des relations raciales en France, et une déclaration personnelle sur les relations de l'Afrique postcoloniale avec l'Europe et le reste du monde. []
Dans ses mémoiresUne vie au cinéma, le regretté réalisateur britannique Michael Powell a expliqué qu'après la Seconde Guerre mondiale, il s'était intéressé au concept du « film composé ». et a commencé à façonner ses images pour qu'elles aient la résonance émotionnelle abstraite de la grande musique, plutôt que la simplicité du récit. Son premier signe clair dans cette direction remonte à 1947.Narcisse noir, un mélodrame spirituel qui culmine dans un incident de violence exagéré que Powell a assemblé, écrit-il, comme « un opéra, dans le sens où la musique, l'émotion, l'image et les voix se sont toutes mélangées dans un tout nouveau et splendide ».Narcisse noirétait la 11e collaboration entre Powell et le scénariste Emeric Pressburger, et le sixième des 12 films que les hommes sortiraient sous le générique de production « The Archers ». Il reste une œuvre d’art cinématographique captivante et presque indescriptible, issue d’une simple histoire de religieuses qui se rendent dans l’Himalaya pour ouvrir une école et un hôpital, pour ensuite voir les vents des montagnes et le mysticisme indigène affaiblir leur confiance et leur foi. [Noël Murray]
Orphée noir
Il n'est pas fréquent qu'un film commence par un résumé parfait de son propre attrait. Mais c'est exactement ce queOrphée noirfait. Marcel Camus ? Le mélodrame de 1959 s'ouvre sur une statue en marbre de son homonyme mythologique, un tableau de la tragédie grecque accompagné du doux rythme d'une ballade acoustique. Mais au bout de 10 secondes à peine (et immédiatement après l'apparition du titre), cette image en noir et blanc semble se briser en une centaine d'éclats en forme d'étoile. Ils s'éloignent pour révéler l'image suivante du film, bien plus illustrative : des hommes souriants, dansant et jouant de la musique sous le soleil brésilien. Le premier plan vous prépare à un enterrement. Le second annonce une célébration. []
La goutte
Quels que soient ses défauts en tant que film, parmi lesquels un monstre pas trop effrayant,La goutteest un film de monstres particulièrement convaincant. La décision de tourner en Technicolor, en grande partie sur des lieux réels en Pennsylvanie, lui donne une impression de haute qualité des années 50 que l'argent ne pourrait pas acheter. Le sérieux remarquable que les acteurs, en particulier le disciple de méthode Steve McQueen, apportent au matériel rend le film difficile à considérer comme un simple camp. Il en va de même pour un final qui unit toute la ville, adolescents et adultes, dans une lutte sans métaphores contre une menace extraterrestre, un moment qui semble confirmer la description de l'historien Bruce Eder deLa gouttecomme « comme regarder une sorte de film familial collectif sur qui nous étions et qui nous pensions être ». Ou peut-être que c'est tout simplement le meilleur film jamais réalisé pour opposer des adolescents en vogue à une masse de silicone. Il livre la marchandise sous tous les angles. []
Sang Simple
Imaginez deux frères qui n'ont jamais mis les pieds sur un plateau de tournage de long métrage se présentant à votre porte et vous disant : « Bonjour, nous avons cette bande-annonce, pouvons-nous la projeter sur votre mur ? Alors peut-être investirez-vous dans notre thriller sombre et comique mettant en vedette une actrice dont vous n'avez jamais entendu parler. Diriez-vous non ? Si c'est le cas, vous avez raté quelque choseDu sang simple.Ce néo-noir pionnier serait important uniquement pour sa stratégie de financement, mais il a également lancé les carrières de Carter Burwell, Barry Sonnenfeld, Frances McDormand et, oui, des frères Coen. Le tout à partir d’une bande-annonce d’un film qui n’existait pas encore. Cela laisse perplexe. [Allison Cordonnier]
Herk Harvey aurait réalisé plus de 400 films au cours de ses trois décennies de cinéma. Cependant, presque tous étaient des films éducatifs et de formation industrielle, qu'il tourna, dans les délais et dans les limites du budget, pour la Centron Corporation à Lawrence, Kansas. La principale exception – et le seul long métrage de Harvey – était celui de 1962.Carnaval des âmes, un fil d'horreur étrange à petit budget qui est devenu un véritable favori culte au cours du demi-siècle qui a suivi sa première sortie. Le film, sur une organiste d'église (Candace Hilligoss) hantée par des spectres lorgnants après un accident de voiture, se rapproche du sentiment d'un cauchemar qui ne finira pas. David Lynch et George Romero l'ont tous deux cité comme une influence sur leurs propres premiers chocs, tandis que la fin du twist prévoyait plusieurs décennies de tirages de tapis culminants. Mais comme beaucoup de classiques cultes,Carnaval des âmes"Un récent intronisé à la Criterion Collection" n'était pas apprécié à son époque. Le public a ignoré le film, le distributeur a fait faillite et Harvey est retourné à son travail quotidien, pour ne plus jamais faire de long métrage. Le gain de Centron était notre perte ; il y avait sûrement de meilleures utilisations des talents du réalisateur queavertir les enfants des dangers de la triche. [AA Dowd]
Carillons à minuit
Coupé-collé à partir des textes de cinq pièces différentes (plus des extraits deChroniques de Holinshed, la principale source du barde sur l'histoire anglaise),Carillons à minuitmet au centre de la scène John Falstaff, le rôle comique le plus populaire de Shakespeare, plus grand que nature, pour ensuite l'éclipser avec les intérieurs de cathédrales et de châteaux. Orson Welles a fait un usage innovant des contre-plongées à ses débuts,Citoyen Kane, réinventant les plafonds comme décors ; ici, dans son dernier voyage dans les couloirs du pouvoir, ils semblent tellement au-dessus qu'ils sont inaccessibles. MêmeCarillons à minuitLa séquence brutale et célèbre de la bataille de Shrewsbury - un ouragan de violence médiévale qui est resté un point de référence clé à Hollywood pendant des décennies - trouve le temps de revenir à Falstaff, vacillant dans une armure comme un astronaute perdu parcourant le paysage lunaire de l'histoire. . Un gros morceau de Welles ? l'ensemble de son œuvre pourrait être divisé en films sur le pouvoir (par exempleCitoyen Kane,Macbeth) et des films sur l'impuissance (par exempleLa Dame de Shanghai,Le procès), etCarillons à minuits’inscrit parfaitement dans cette dernière catégorie. [Ignace Vishnevetski]
Divorce, à l'italienne
Marcello Mastroianni, favori de Federico Fellini, joue dansDivorce à l'italienneen tant que baron sicilien traversant une crise de la quarantaine. Il se sent étouffé par sa femme Daniela Rocca, une femme légèrement moustachue au rire de sorcière et à l'appétit sexuel vorace, et se considère toujours comme une prise désirable, capable de transformer les jeunes filles ? chefs avec sa richesse et sa beauté. Mastroianni est particulièrement attiré par sa cousine adolescente Stefania Sandrelli, mais étant catholique, il ne peut pas y faire grand-chose. Son meilleur pari est de surprendre sa femme avec un autre homme, de la tuer et de plaider « crime passionnel ». Alors il part à la recherche d'un homme qui pourrait vouloir coucher avec Rocca. Cette description de l'intrigue pourrait correspondre à une farce ou à un film noir, etDivorce à l'italienneest un peu des deux, avec des éléments noirs venant à travers la narration flashback chuchotée de Mastroianni et ses fantasmes sombres. [Noël Murray]
En vertu de la loi
La déclaration clé faite par le chef-d'œuvre de Jim Jarmusch de 1984Plus étrange que le paradisLa théorie qui a défini et résonné dans le cinéma indépendant pendant des années par la suite était que les films américains n'avaient pas besoin d'être définis par des histoires propulsives, ni même par des personnages dynamiques. C'était une réussite suffisante simplement pour évoquer un petit coin du monde de la manière la plus précise et la plus savoureuse possible, de préférence un petit coin que le public a rarement l'occasion de voir. À cet égard, la superbe suite de Jarmusch de 1986En vertu de la loipeut être décrit comme beaucoup de choses : un conte de fées minimaliste, une version moderne des "drames de prison des années 30, une comédie existentielle", mais il est avant tout mémorable comme un regard richement texturé sur la vieille Nouvelle-Orléans et le bayou enchanté qui l'entoure. Avec la musique et les chansons des stars John Lurie et Tom Waits, et des photographies en noir et blanc épurées du grand Robby Müller (Paris, Texas), le film s'éloigne des touristes de Bourbon Street et s'inspire des entrailles délabrées de la ville, d'un monde triste et beau. comme Waits le poétise parfaitement. [Scott Tobias]
Quelle nouvelle élégante de Denis VilleneuveCe qui convient immédiatement, c'est l'échelle galactique vieille de plusieurs millénaires : une architecture gigantesque, d'énormes vaisseaux spatiaux, de vastes paysages, de gros vers de sable laids. Aucun autre film récent n'a été aussi beauénorme. Il convient de noter ici que le titre réel à l'écran du film de Villeneuve estDune : première partie. Le scénario (de Villeneuve, Jon Spaihts et Eric Roth) ne couvre que la première moitié du roman d'Herbert, et le résultat ressemble finalement à la moitié d'un film. Heureusement, c'est un projet ambitieux, réalisé avec la même intelligence stylistique que Villeneuve a apportée àet, ses premières incursions dans la science-fiction intelligente. Ayant parcouru un long chemin depuis ses racines d'art et essai, il est devenu l'un de nos réalisateurs de suspense et d'effets les plus fiables et les plus talentueux. []
Manger Raoul
Pour Mary et Paul Bland, les protagonistes deManger Raoul, le monde ne cesse d'offenser. Un couple asexué mais heureux en mariage interprété par une ancienne star de Warholet son partenaire fréquent à l'écran, Paul Bartel - le réalisateur et co-scénariste du film avec Richard Blackburn - les Bland rêvent d'ouvrir un restaurant de campagne à l'ancienne, mais n'arrivent pas à aller de l'avant, freinés par les factures et les imprévus. chômage. (Il s'avère que le magasin d'alcool du coin emploie Barteln'a pasont besoin d'un approvisionnement suffisant en vin français cher.) Alors ils sont plutôt coincés dans leur appartement rétro de bon goût au milieu d'un quartier de Los Angeles ? des coins les plus insipides, entourés d'échangistes qui, haletants, les invitent même à se détendre et à rejoindre leur fête. Mais quand quelqu'un viole leur maison et tente de violer Woronov, ils le tuent, lui font les poches et ont une idée : pourquoi ne pas publier une annonce dans un journal local sordide pour attirer les pervers sexuels et répéter le processus jusqu'à ce qu'ils aient de l'argent ? assez pour sortir ? Après tout, à qui vont manquer quelques échangistes de toute façon ? [Keith Phipps]
Lors de sa sortie sur les écrans américains, l'élégant film d'horreur de Georges Franju de 1960Des yeux sans visagea été renomméLa chambre d'horreur du Dr Faustuset associé à quelque chose appeléLe Manstre, le conte macabre d'un mi-homme mi-bête à deux têtes. Au-delà du fait que le film de Franju ne comprend ni une chambre d'horreur ni un méchant nommé Dr Faustus, le double long métrage a dû paraître curieux aux spectateurs du ciné-parc, qui se sont demandé ce que ces deux films pouvaient bien avoir en commun. EncoreDes yeux sans visagedoit plus à la tradition de l'horreur américaine qu'au cinéma d'art français, qui a tardé à reconnaître la légitimité du genre, et encore moins son potentiel. Pris entre les cultures, le film a été accueilli par le scandale dans son pays d'origine et les mauvais traitements aux États-Unis, mais il perdure comme une magnifique fusion de sensibilités opposées, un film monstre lyrique avec des frissons viscéraux et des moments de poésie visuelle inoubliables. []
Après un bref et malheureux mandat à la tête de projets hollywoodiens, John Cassavetes a passé le reste de sa carrière à travailler sur les fragments de ce moule brisé. Financé par des emplois d'acteur dans des films commeLa sale douzaineetLe bébé de Rosemary,Visagescréé en 1968 et introduit le paysage dans lequel Cassavetes reviendra encore et encore : la vie intérieure inquiète de ces nouvelles maisons qui ont surgi au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. John Marley et Lynn Carlin jouent le rôle d'un couple testant les limites de leur mariage malheureux, lui avec une call-girl (l'épouse de Cassavetes, Gena Rowlands), elle avec le gigolo à l'esprit libre Seymour Cassel. En partie improvisé, en partie scénarisé et en partie quelque part entre les deux, Cassavetes ? les films ont souvent été comparés au jazz.Visagesporte l'empreinte du jazz de son époque ; il échange de longues périodes de chaos, voire de laideur, qui produisent des passages inattendus de grâce et de beauté. Aussi punitive que puisse être cette laideur, les morceaux gracieux restent gravés dans la mémoire. []
De là-haut sur Poppy Hill
En adaptant un roman graphique de Tetsurô Sayama et Chizuru Takahashi, Goro Miyazaki et son équipe de scénaristes (qui comprend son père, Hayao Miyazaki) se concentrent sur les ramifications d'un pays en transition de l'ancien au moderne.De là-haut sur Poppy Hillévoque le charme des vieux parquets grinçants et montre ses héros défendant des traditions culturelles de longue date face à une société désireuse de montrer un nouveau visage au monde pour les Jeux olympiques de 1964. Le film est également beau à la manière distincte de Ghibli, caractérisé par une lumière tachetée, des pastels doux et le mouvement lent mais constant d'une ville portuaire, avec ses routes abruptes bordées de falaises et ses navires à la dérive. Tout est beau et doux, et même si cette histoire aurait pu être tout aussi engageante en prise de vue réelle, l'animation de Miyazaki élimine les détails superflus, recréant le monde d'il y a 50 ans et lui insufflant le caractère poignant de un instantané de famille. []
Häxan : la sorcellerie à travers les âges
Comme un tableau de Jérôme Bosch prenant vie malveillante,Häxan : la sorcellerie à travers les âgesreste un étourdissant de l’ère silencieuse d’images profanes et de commentaires socio-historiques fébriles. Le film du réalisateur danois Benjamin Christensen de 1922 (cofinancé par une société de production suédoise) combine des éléments d'animation, de non-fiction et de fiction pour enquêter sur l'histoire de la sorcellerie et la persécution des femmes au cours des siècles. Ce sujet est donné par Christensen, une vie visuelle glorieusement démente, qui imprègne ses vignettes en noir et blanc d'ombres sombres, de feu de soufre et de fumée, et de toutes sortes de spectacles impies, du pillage de tombes et du cannibalisme aux adorateurs du Diable prêtant allégeance à leur maître cornu en lui embrassant le cul nu. []
QuandGuerres des étoilesLes fans commencent à rechercher les origines du film, l'une des premières choses qu'ils découvrent est que George Lucas a été fortement influencé par l'aventure d'Akira Kurosawa en 1958.La forteresse cachée,qui implique une princesse dont le royaume a été détruit, un fringant voyou qui essaie de la protéger et deux idiots maladroits – un grand, un petit. Dans une certaine mesure, la similitude entre les films a été exagérée, même par Lucas lui-même ; il a crédité les deux paysans comme modèles pour C-3PO et R2-D2, par exemple, mais la même dynamique de base peut être trouvée chez Abbott et Costello, Laurel et Hardy, etc. Il n'y a pas d'équivalent à Luke Skywalker dansForteresse cachée,et les motivations du fringant voyou sont bien plus nobles que celles de Han Solo. Formellement, tout ce que Lucas a emprunté à Kurosawa étaient ses fréquentes lingettes horizontales. Néanmoins, l'association est bénéfique, carLa forteresse cachéeest l'une des meilleures portes d'entrée possibles vers les films étrangers. Ce n'est en aucun cas la meilleure photo de Kurosawa, mais c'est presque certainement sa plus amusante. []
Le choix de Hobson
David Lean est surtout connu pour ses drames historiques épiques de la fin de la période explorant les contradictions psychologiques de personnages démesurés, commeLawrence d'Arabie,Le pont sur la rivière Kwaï,etDocteur Jivago. Mais sa carrière de réalisateur a débuté avec des adaptations littéraires éminemment britanniques filmées à plus petite échelle ?Cette race heureuse, brève rencontre,etEsprit joyeux;Charles Dickens?Olivier TwistetDe grandes attentes ;et une adaptation de la comédie théâtrale toujours populaire d'Harold BrighouseLe choix de Hobson.Sorti en 1954,Le choix de Hobsonest le dernier des films en noir et blanc de Lean ; l'année suivante, il réaliseÉté(également à l'origine une pièce de théâtre) en Technicolor glorieux, puis les immenses spectacles ont commencé. Comme il sied à un film qui marque cette transition,Le choix de Hobsonincarne le meilleur du Lean intime, tout en anticipant la clarté de vision surprenante qu'il apportera plus tard au désert d'Afrique du Nord et aux steppes russes. []
Les tueurs de la lune de miel
Leonard Kastle était un compositeur d'opéra professionnel dont un ami lui a suggéré d'écrire un scénario sur les tristement célèbres Lonely Hearts Killers, des amants qui ont escroqué et assassiné plusieurs femmes dans les années 1940. Kastle a non seulement produit son scénario, mais il a également été engagé pour réaliser, remplaçant le choix initial du studio, un cinéaste licencié pour dépassement de budget. Qui sait comment le film aurait tourné si le réalisateur original, un jeune Martin Scorsese, avait conservé son emploi. Mais le film de Kastle a été très apprécié et continue de l’être. Cependant, ce n'était pas un grand succès au box-office, alors il est revenu avec plaisir dans le monde de l'opéra, affirmant ensuite : « Je n'ai jamais fait de mauvais film ». [Mike Vago]
1977 ?Maisonest un classique de ce que l'écrivain Chuck Stevens appelle ?le cinéma du WTF?!,?et c'est l'un de nos favoris du genre ici chezLe Club AV. (Nous avons mêmeil y a quelques années.) Écrit par le réalisateur Nobuhiko Obayashi d'après l'un des cauchemars de sa jeune fille,Maisonc'est comme un épisode deScooby-Dooréalisé par Richard Lester alors qu'il était complètement foutu par les psychédéliques. Ou peut-être que c'est comme une histoire de fantômes racontée autour du feu de camp par une préadolescente précoce qui est également folle des psychédéliques. Vous savez quoi, regardez peut-être simplement la bande-annonce. [Katie Rife]
On se souvient peut-être mieux d'Akira Kurosawa pour ses épopées de samouraï et de Shakespeare, mais le légendaire réalisateur japonais n'a jamais réalisé un film plus assuré et plus émouvant queIkiru, son histoire de 1952 sur un bureaucrate de Tokyo luttant pour faire face à sa propre mortalité et à l'héritage qu'il laissera derrière lui. Diagnostiqué d'un cancer mortel, Watanabe (le magnifique Takashi Shimura) cherche quelque chose qui donnera un sens à sa vie auparavant dénuée de sens ? une quête qui est bloquée par des proches qui se soucient peu de lui (sauf pour l'héritage qu'ils recevront éventuellement), mais aidés. par sa relation avec un collègue plus jeune et enthousiaste. En elle, Watanabe voit une vie au-delà des piles de papier qui encombrent régulièrement son bureau, dans un bureau où rien ne semble jamais se faire et où personne ne semble s'en soucier beaucoup. []
? les portraits de tranches de vie suggèrent une entreprise moins ambitieuse queHamilton, mais il raconte une histoire aussi vaste que celle d’une nation naissante. À travers les deux comédies musicales, [Lin-Manuel] Miranda démontre à quel point les personnes de couleur sont ancrées dans l'histoire de ce pays : avant de réinventer un chapitre crucial de l'histoire des États-Unis avec des acteurs noirs et latinos, le célèbre multi-trait d'union a mis en lumière les marginalisés. la lutte des gens contre les déplacements. Au cœur deDans les hauteurs, sur scène ou à l'écran, le mouvement est-il une migration, une immigration, une danse, un changement de code, un passage d'amis à amants. []
Pour raconter cette histoire,Judas et le Messie noirest relativement simple. Il est encadré par le dispositif familier d'un personnage donnant une interview et ancré par la quintessence des expériences humaines : une histoire d'amour. Le réalisateur Shaka King adopte une approche romanesque du sujet, en se concentrant moins sur la relation entre les deux personnages principaux que sur ce qui se passait à Chicago à l'époque où l'informateur du FBI William O'Neal (LaKeith Stanfield) a infiltré le Black Panther Party de l'Illinois. 1968. Ceux qui espèrent une confrontation culminante entre les acteurs principaux passionnants du film ne la trouveront pas ici, car, eh bien, cela ne s'est pas passé comme ça dans la vraie vie. Mais il reste encore de nombreuses frictions dramatiques à découvrir. En tant que président du parti de l'Illinois, Fred Hampton, Daniel Kaluuya est le soleil autour duquel tout le reste se déroule.Judas et le Messie noirtourne. Hampton recrute de nouveaux membres, unit les factions en guerre et, avec son charisme et sa plateforme radicale, fait peur au directeur du FBI, J. Edgar Hoover (Martin Sheen). L'activiste prend vraiment vie devant une foule, alors que Kaluuya canalise l'intensité fulgurante qu'il a apportée au film de Steve McQueen.à des fins plus justes mais tout aussi électrisantes. []
Service de livraison de Kiki
Fans des films les plus sombres de Hayao Miyazaki (Le voyage de ChihiroetPrincesse Mononokéle principal d'entre eux) peut trouverKikifade et sans danger pour les enfants ; De tous les films qu'il a écrits et réalisés, celui-ci présente le moins de conflits et de calamités. Le pire qui arrive à la jeune sorcière éponyme est qu'elle devient dangereusement déprimée et cesse momentanément de croire en elle-même : pour l'essentiel, son énergie effervescente et sa détermination lui gardent le moral alors qu'elle explore avec enthousiasme sa nouvelle ville et sa nouvelle vie. []
Ancienne modératrice de contenu Facebook, Angela Childs (Zoë Kravitz) travaille désormais comme « interprète de flux vocal » pour Amygdale fictive (joliement nommée d'après la partie du cerveau responsable de l'évaluation des menaces), répondant aux problèmes liés aux commandes données à un assistant de style Alexa appelé Kimi. ?Je suis là!? » gazouille Kimi (dans la voix de Betsy Brantley, l'ex-femme de Soderbergh) lorsqu'elle est convoquée, et il y a une blague très pertinente dans laquelle elle répond constamment, non désirée, aux mentions occasionnelles de son nom lors des conversations FaceTime. Les choses deviennent cependant beaucoup moins amusantes lorsque l'un des flux envoyés à Angela pour analyse s'avère être un extrait de musique forte (Inertia Creeps de Massive Attack, une autre touche agréable) sous laquelle le cri d'une femme peut être caché. faiblement entendu… []
Film d'anthologie de Masaki Kobayashi de 1964L'oeuf(le titre se traduit simplement parHistoires de fantômes) n'est pas le genre de film que vous regardez quand vous voulez avoir peur. Aucun de ses quatre récits surnaturels ne va à la jugulaire, et plusieurs d’entre eux télégraphient délibérément leur conclusion effrayante, sapant tout suspense. Kobayashi, qui a adapté les quatre à partir de recueils de contes populaires japonais rassemblés par Lafcadio Hearn, s'attendait à ce que le public local soit familier avec les récits de base, de la même manière qu'un public américain saurait ce qui se passe dans une version filmée, disons : ? Le crochet.? Qu'est-ce qui faitL'oeufsingulière est la combinaison de l'approche méthodique et patiente presque exaspérante de Kobayashi (comme en témoigne le film de 1962).Hara-kiri, également disponible via Criterion) et ses expériences expressionnistes avec la couleur, le son et l'artifice théâtral. []
Bresson avait un faible pour la littérature russe du XIXe siècle, ayant adapté Dostoïevski à deux reprises ; pour son dernier film,L?Argent, il s'inspire de Tolstoï en transposant la nouvelle publiée à titre posthume de l'écrivainLe coupon contrefaitdans la France d'aujourd'hui. Le film est un mouvement non-stop ; cela commence par la remise d'un faux billet de 500 francs, puis suit rigoureusement ses répercussions, pour se terminer par l'une des scènes de meurtre les plus troublantes de l'histoire du cinéma. Comme le chef-d'œuvre précédent de BressonAu Hasard Balthazar, c'est l'un de ces films qui semble contenir une vision complète du monde, informée par un sens pleinement formé de ce que le cinéma peut et doit faire - ce qui semble d'autant plus remarquable si l'on considère qu'il dure un peu plus de 80 minutes. []
Élu 21e plus grand film de tous les temps enle dernier sondage Sight & Sound, L'Avventura de Michelangelo Antonioni est un mystère sans résolution. Le film commence avec Anna (Lea Massari) essayant de se frayer un chemin dans un jardin. Elle est aussi un peu perdue émotionnellement. Elle est sur le point de retrouver son petit ami, Sandro (Gabriele Ferzetti), après un mois d'intervalle, le rejoignant pour une excursion en yacht autour des îles Éoliennes avec des amis. Mais Anna est anxieuse. En nageant, elle crie au requin et Sandro nage dramatiquement à ses côtés. Elle avoue à sa meilleure amie, Claudia (Monica Vitti), qu'elle a inventé le requin. Mais pourquoi ? Ils errent tous un peu sur une île. Anna dit à Sandro qu'elle veut se séparer définitivement. Et puis, pas une demi-heure plus tard, un fondu passe le temps et efface Anna de l'intrigue. Que lui est-il arrivé ? Sandro et Claudia passent le reste du film à sa recherche, mais il n'y a jamais de réponse. []
La première fois que nous voyonsLa nuitIl y a deux protagonistes - un couple marié depuis longtemps, Giovanni et Lidia Pontano - ils sont si éloignés de la caméra qu'ils semblent insignifiants. Même ceux qui savent que les stars de cinéma Marcello Mastroianni et Jeanne Moreau devront peut-être plisser les yeux et se pencher en avant, se demandant si c'est bien eux. Comme dans son film précédent, le film révolutionnaireL'aventure, le réalisateur Michelangelo Antonioni montre plus d'intérêt pour les environnements que pour les personnages ; à partir de 1960, les personnages de ses films sont moins définis par leurs paroles, voire leurs actes, que par leur situation physique dans le monde et le cadre. Ce n'est pas pour rien que la séquence du générique d'ouverture du film est un voyage vertigineux à travers la face d'un gratte-ciel, passant à mi-chemin à un angle qui montre l'étalement urbain de Milan en arrière-plan. []
Dame Sang-Neige
Une histoire de vengeance pulpeuse et violente basée sur une bande dessinée publiée dans un journal populaire.Playboy-un magazine pour hommes,Dame Sang-Neigeil n’était pas nécessaire que ce soit de l’art. Mais le réalisateur Toshiya Fujita l'a traité comme tel, utilisant une structure de flashback complexe et une cinématographie expressionniste pour raconter l'histoire de Yuki Kashima, un assassin hautement qualifié formé dès sa naissance pour trouver et tuer les hommes (et la femme) responsables du meurtre de son père et de son viol. mère avant sa naissance. Son surnom, shurayukihime (« princesse des neiges du carnage ? »), est un jeu de mots sur le nom japonais de Blanche-Neige, shirayukihime (« princesse des neiges blanches »), reflétant sa beauté froide et sombre. Yuki a trouvé son incarnation idéale en Meiko Kaji, première icône de la célébrité féminine d'action et reine des glaces ultime, dont les yeux immenses et profonds reflètent à la fois une haine brûlante et une réticence déchirante. Envoyant élégamment ses ennemis d'un simple mouvement du poignet au milieu de fontaines de pulvérisation de sang à la détrempe - c'est l'un de ces films où le sang ne coule pas et ne coule pas, il pulvérise - elle est à la fois humaine et divine. []
Les néophytes qui abordent l’œuvre d’Alfred Hitchhock pour la première fois devraient envisager de passer directement aux années 1938.La Dame disparaît, qui fonctionne comme une introduction point par point à ses pierres de touche : l'intrigue sinueuse rassemble des pièces apparemment sans rapport avec un tout tendu. Une cinématographie innovante met au premier plan les objets importants, les laissant dominer le cadre, tandis que des plans-tours élaborés donnent à un drame délimité une impression de vaste espace. Il y a le camée du réalisateur emblématique, le couple central irritant mais adorable, les conversations tranquilles sur des tranches de vie et la verve glamour. Surtout,La Dame disparaîtcontient l'une des séquences cinématographiques les plus emblématiques de Hitchcock, alors que deux personnages se laissent tomber juste devant un indice clé d'un mystère, puis le manquent complètement pendant des minutes atroces. Il ne se passe rien à l'écran que des bavardages banals, mais la tension est insupportable. []
Le titre du film de François Truffaut de 1980Le dernier métrovient de l’importance de prendre le dernier train de la nuit pour les Parisiens vivant sous le couvre-feu imposé par les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale. Alors qu'il se déroule dans un théâtre où finir une représentation dans les délais prend une nouvelle urgence, Paris ? autrement, les transports publics ne sont pas directement pris en compte dans l'intrigue. En fait, Truffaut limite presque entièrement l'action au théâtre, au pâté de maisons de Montmartre devant ses portes et à quelques lieux proches. Mais c'est toujours le meilleur titre possible pour le film, directement lié à l'état d'anxiété constant de la vie en temps de guerre sous un régime oppressif. La ville gardait une normalité superficielle, mais constamment ponctuée par le rappel que l'ennemi était arrivé, que les voisins pouvaient être des collaborateurs et que la survie pouvait exiger de chacun des compromis impensables. []
Plusieurs des films apparemment infinis sur Batman ont pris note de la dualité du super-héros. Mais des gens commeBatman revientetBatman pour toujoursconcentrez-vous principalement sur la dualité de Bruce Wayne et de son alter ego encapuchonné et combattant le crime. Batman a de nombreuses autres dualités, dont certaines sontpresque paradoxal: C'est un justicier solitaire et redoutable qui a souvent été entouré d'un groupe d'amis et de membres de sa famille hauts en couleur ; il apparaît fréquemment dans des histoires sombres et cruelles qui sont tout aussi souvent consommées et aimées par les enfants ; et il est un objet de réalisation des souhaits du public qui passe beaucoup de temps à être obsessionnel et misérable. Ce sont des aspects qu'aborde le film Lego Batman, utilisant son irrévérence envers le personnage pour formuler une vision originale de lui. [Jesse Hassenger]
Le Seigneur des Anneaux : La Communauté des Anneaux
En condensant le livre de Tolkien en longs métrages, Jackson et ses scénaristes font l'élagage nécessaire tout en restant fidèles au texte. Réduite à son essence Cliffs Notes, l’histoire avance à un rythme implacable, sacrifiant parfois l’ambiance au profit de la vitesse. Mais seule l’imagination la plus vaste pourrait imaginer un spectacle aux proportions aussi époustouflantes, avec Jackson et ses techniciens construisant des royaumes et des monstres avec l’innovation et la joie de Ray Harryhausens de haut niveau. Plaçant de vastes armées numériques sur des décors imposants, les séquences de bataille ont le coup de pied viscéral attendu du réalisateur de Dead Alive, alors que Wood et sa milice hétéroclite attaquent des ennemis comme des zombies au bout d'une tondeuse à gazon. La Communauté de l'Anneau se termine sur un cliffhanger, mais contrairement au premier film de Harry Potter, son concurrent annuel par cœur, il devrait laisser les téléspectateurs impatients de savoir ce qui se passera ensuite. []
Le Seigneur des Anneaux : Les Deux Tours
Pour être à la hauteur des attentes,Les deux toursil suffisait qu'il soit aussi bon que son prédécesseur – et, étonnamment, il est meilleur. Ce n'est pas simplement une question d'exposition cédant la place à l'action, même si le film en a beaucoup, alors que les hobbits émouvants Elijah Wood et Sean Astin se dirigent vers le Mordor, les amis Billy Boyd et Dominic Monaghan trouvent des alliés improbables au fond d'une forêt, et le L'équipe naine/elfe/humaine composée de John Rhys-Davies, Orlando Bloom et Viggo Mortensen tente de défendre un royaume en difficulté contre les forces de Christopher Lee. Qu'est-ce qui faitToursla manière dont il met en lumière toute la portée de l'adaptation de Jackson est si stupéfiante. Sans perdre un instant en trois heures, le film passe de l'épique au lyrique et vice-versa. Il dépeint une bataille d'une intensité déchirante à un moment donné, puis s'arrête sur le chagrin d'un père face à la mort de son fils le lendemain. Il montre avec des détails effrayants les engins de guerre, puis relie ces engins à l’effusion de sang qu’ils provoquent et à la destruction écologique qui les a rendus possibles. QuoiCamaraderiesuggéré, Towers explique. C'est passionnant lorsque les épées s'entrechoquent et les flèches volent, mais cela n'abandonne jamais non plus la tristesse sous-jacente du monde de Tolkien, dans lequel chaque victoire ne fait qu'anticiper la transition vers une époque plus méchante. (Et, malgré toute la technophobie qui l'accompagne, c'est un autre chef-d'œuvre technique. Gollum, exprimé par Andy Serkis, peut être considéré comme la première performance entièrement étoffée par un effet CGI.)]
Le Seigneur des Anneaux : Le Retour du Roi
La Communauté de l'Anneaua prouvé que Peter Jackson et ses co-scénaristes, Fran Walsh et Philippa Boyens, étaient plus que capables de porter Tolkien à l'écran avec un souci du spectacle à grande échelle ainsi qu'un respect pour l'histoire, les personnages et les thèmes originaux.Les deux toursj'ai fait mieux. En augmentant l'intensité à tous les niveaux, cela a amené la série au même endroit que les livres de Tolkien : le royaume du mythe culturel partagé. Jackson ne cède pas sous le fardeau de mettre fin à ses activités avecLe retour du roi, soit; en fait, il laisse la lourdeur définir le film. Alors que Frodon (Elijah Wood), Sam (Sean Astin) et le perfide Gollum (un CGI Andy Serkis) progressent vers la destruction de l'anneau, tandis qu'Aragorn (Viggo Mortensen), Gandalf (Ian McKellen) et les autres membres survivants de la Communauté Montez une défense contre le maléfique Sauron, chaque geste véhicule une signification soulignée par l'approche lente et menaçante de Jackson. En fin de compte, le réalisateur récompense le temps que les téléspectateurs ont investi dans les deux premiers films avec un point culminant qui met autant l'accent à la fois sur la lutte personnelle de Wood et sur une bataille de plusieurs millions de personnes, avec un dénouement qui donne un véritable adieu aux personnages. qui sont devenus comme de vieux amis. []
Un homme mord un chien
Bien que toujours puissant, la satire/simulation choquante de 1992Un homme mord un chien, des co-réalisateurs et stars belges Rémy Belvaux, André Bonzel et Benoît Poelvoorde, pourrait avoir un peu moins d'impact maintenant, compte tenu des provocations similaires et encore plus méchantes qui ont suivi. Mais son traitement fidèle d'un tueur en série prédit avec prudence l'ère actuelle de la télé-réalité, où les chercheurs de gloire vides obtiennent leurs 15 minutes et la caméra les stimule, transformant leur vie en une forme d'art de la performance malsaine. Alors que son titre est tiré du journalisme – faisant référence à une actualité privilégiant le sensationnel (?un homme mord un chien ?) au détriment du quotidien ( ?un chien mord un homme ?) ?Un homme mord un chienn'est-ce pas vraiment un commentaire sur les médias, mais plutôt sur le cinéma lui-même et sur la façon dont il impose des compromis moraux aux personnes derrière la caméra et devant l'écran. C'est un travail malsain. Je me sentais comme un talon en le regardant, mais je ne pouvais pas non plus détourner le regard. [Scott Tobias]
La Matrice : Résurrections
Pendant ses 45 premières minutes environ,Les résurrections matriciellesjoue comme la version de Lana Wachowski deLe nouveau cauchemar de Wes Craven. Dans ce dernier film, Heather Langenkamp jouait une version d'elle-même, une actrice revenant à contrecœur pour unCauchemar sur Elm Streetsuite qui brouille les frontières entre réalité, fiction et rêves. Maintenant, Keanu Reeves ne joue pas à « Keanu Reeves ? dansLes résurrections matricielles. Mais la métadimension hallucinante est similaire – améliorée, même. C'est un film Matrix, après tout… []
Rêverie de lune
Rêverie de luneest un documentaire sur David Bowie qui fait tout son possible pour éviter d'être un documentaire typique ? et il réussit. Il ne s’agit pas d’une enquête du berceau à la tombe de la vie de l’interprète, même si l’essentiel suit l’ordre chronologique. Ce n'est pas un film de concert, même s'il y a beaucoup d'images de lui sur scène. Tous les faits sur l'homme sortent directement de la bouche du cheval, via de vieux clips, mais la moitié d'entre eux se contredisent. Pourtant, vous repartez avec le sentiment d’avoir vu une facette de cet artiste bien-aimé dont vous n’aviez jamais entendu parler auparavant. C'est tout un exploit. La fermeté du réalisateur Brett Morgen à refuser d'offrir un contexte à certains (la plupart !) de ces contrepoints visuels est, de l'avis de ce critique, une panacée contre les documentaires ennuyeux. Cela va plus loin, avec des voyages spasmodiques à travers des images associatives. Une vieille interview de Bowie parlant de l'art de la performance (offrant des détails sur le personnage de Ziggy Stardust) insère des extraits deMétropole, Mickey Mouse, Buster Keaton, de la science-fiction ringarde des années 50 et des images réelles de l'espace dans le mixeur. C'est génial parce qu'il est réglé sur ces cool licks de guitare de Mick Ronson et, comme tout le film lui-même, il trouve toujours un groove. []
Mon dîner avec André
« De toute évidence, quelque chose de terrible était arrivé à André ? Wallace Shawn conclut après avoir entendu des rapports sur le comportement étrange d'un vieil ami au début deMon dîner avec André. Ancien metteur en scène de théâtre expérimental acclamé, Andre Gregory a passé des années à parcourir le monde et en est revenu un homme changé, quelqu'un qui pouvait continuer à parler aux arbres ou être vu en train de pleurer au coin des rues. À l'ouverture du film, Shawn a accepté à contrecœur de le retrouver pendant le dîner. Le rejoignant dans un restaurant haut de gamme, légèrement interdit, Shawn trouve Gregory implacablement optimiste, du moins en surface, et écoute ses récits d'ateliers de théâtre super-marginaux, de voyages au Sahara, d'une œuvre d'art de la performance qui impliquait d'être enterré vivant. , et d'autres aventures étranges. Après avoir écouté poliment, Shawn répond. Et ça, en bref, c'estMon dîner avec André, un succès d'art et d'essai de 1981 construit autour d'une conversation entre de vieux amis et collaborateurs jouant eux-mêmes, réalisé dans l'intimité d'une salle à manger par Louis Malle. [Keith Phipps]
Les connaisseurs américains d'anime étaient très attirés par Hayao Miyazaki, même lorsque ses aventures imaginatives et épiques n'étaient disponibles que sur le marché du bootleg. Mais les cinéphiles moyens (ou, plus précisément, les loueurs de vidéos) ont rencontré Miyazaki pour la première fois viaMon voisin Totoro, une manière atypique et sans doute non idéale de rencontrer le maître. Comparés aux séquences d'action à couper le souffle et aux paysages fantastiques élaborés des premiers longs métrages de Miyazaki (sans parler des films ultérieurs commePrincesse MononokéetLe voyage de Chihiro), le distingué, languissantExtensiblesemble au premier abord léger, et même soporifique. Le fragment d'une histoire - sur deux filles qui déménagent dans un petit village avec leur père pendant que leur mère se remet d'une maladie potentiellement mortelle - ne passe jamais la première vitesse, et les héroïnes ? peu de rencontres avec l'esprit mystique de la forêt Totoro justifient à peine le titre du film. EncoreMon voisin Totoroest peut-être l'entrée la plus durable de l'impressionnante filmographie de Miyazaki, car elle est si particulière sur les nuances du comportement humain et des émotions. Le film résiste au visionnage et gagne en profondeur. []
Nausicaä de la vallée du vent
Nausicaä de la vallée du ventétait l'un des premiers efforts de Miyazaki ; il l'a commencé comme une épopée comique de longue durée, mais en 1984, il a produit une version animée de deux heures. Les visuels sont datés par rapport à ses œuvres plus récentes, mais toutes les caractéristiques de Miyazaki sont en place : des explorations ravissantes de paysages naturels, une fascination pour le vol et les machines volantes, et une femme courageuse qui veut changer le monde, ou du moins tenir le coup. son coin de vie ensemble par pur amour. Nausicaä est la princesse d'une vallée rurale qui vit en paix au bord d'un désert fongique mortel, jusqu'à ce qu'un navire transportant une arme d'une époque industrielle révolue s'écrase à proximité. Lorsque des guerriers d'un pays lointain viennent récupérer l'artefact, leur invasion entraîne Nausicaä et son peuple dans un conflit politique tentaculaire. En partie aventure épique, en partie territoire environnemental, en partie terrain d'essai pour les thèmes et les personnages dePrincesse Mononoké,Nausicaäest en quelque sorte un film sombre et sérieux, mais il mêle un doux optimisme à ses leçons remplies d'horreur. []
Pour savoir ce qui fait le classique d'Isao Takahata de 1991Hier seulementsi spécial, regardez la scène de l'ananas. Basé sur une série de mangas autobiographiques de l'auteur Hotaru Okamoto (avec des illustrations de Yuuko Tone), le film suit une Tokyoïte de 27 ans nommée Taeko, qui prend des vacances à la campagne en 1982. Tout au long du voyage, elle repense à 1966, alors qu'elle était en cinquième année. Dans l'un de ces souvenirs, sa famille achète son tout premier ananas frais et le garde pour le dîner du dimanche, afin qu'il soit encore plus spécial. Mais le fruit n'est pas aussi mou ou sucré que celui en conserve, alors tout le monde pousse un soupir déçu et donne ses tranches à Taeko, qui continue de manger avec entrain, déterminée à profiter de quelque chose qu'elle attendait avec impatience toute la semaine.Hier seulementest animé, mais rarement caricatural, que ce soit dans sa conception ou dans sa narration. La majeure partie du film est constituée de moments aussi mémorables et elliptiques que celui avec l'ananas. Taeko se souvient de la maladresse des béguins de préadolescents, des débats âprement disputés du conseil étudiant sur les règles de la salle à manger, et de la fois où elle a raté un test de fractions et a entendu sa mère dire qu'elle n'était « pas une enfant normale ». Ces vignettes ne sont pas censées être drôles en soi. Ils sont censés être réels, ou du moins aussi réels que n'importe quel dessin. []
Guérison
Lorsque Disney a publié sa version de la nouvelle de Hans Christian Andersen « La Petite Sirène » ? en 1989, certains puristes affirmaient qu'en supprimant la majeure partie de l'agonie et de la tragédie de l'histoire, Disney avait perdu le cœur de l'histoire. Ces puristes ne seront pas plus à l'aise avecGuérison, une autre version animée de l'histoire, cette fois du scénariste-réalisateur japonais Hayao Miyazaki. Il s'adresse particulièrement au jeune public ; dans l'œuvre de Miyazaki, il est beaucoup plus proche duMon voisin TotoroqueLe voyage de ChihiroouPrincesse Mononoké« et il y a à peine des conflits, encore moins un sentiment de menace ou de menace. Il s'agit essentiellement d'une promenade dans un monde pastel fantastiquement détaillé, dans lequel l'intrigue n'est guère plus qu'une excuse pour Miyazaki pour plonger dans un monde regorgeant de vie colorée (et parfois préhistorique). Le doublage anglais généralement respectueux de Disney, comme d'habitude, peuple l'histoire de noms célèbres : Miley Cyrus ? La petite sœur Noah exprime le personnage principal, un enfant poisson volontaire qui échappe à son père magicien haineux (Liam Neeson) et se dirige vers la terre ferme, où elle se lie avec Sosuke, un garçon de 5 ans exprimé par les Jonas Brothers ? frère cadet Frankie Jonas. Un excès de magie sauvage activé au mauvais endroit et dans le mauvais temps transforme Ponyo en humain et la réunit avec Sosuke, tout en ramenant l'océan déjà animé autour de la maison de Sosuke à l'âge du Dévonien, avec de gigantesques et anciens poissons-ancêtres jouant dans les vagues. Tina Fey et Matt Damon complètent le casting en tant que parents de Sosuke, mais leur rôle est limité dans une histoire qui parle principalement des merveilles d'être assez jeune pour accepter sans aucun doute chaque nouvelle surprise que la vie a à offrir. [Tasha Robinson]
Le voyage mythique d'un héros commence lorsqu'Ashitaka (Billy Crudup), un prince du Japon féodal, est infecté par un sanglier géant devenu démon-monstre et entreprend de trouver la source maléfique responsable. Ses aventures le mènent à Iron Town, une forteresse industrielle présidée par Lady Eboshi (Minnie Driver), qui dépouille la forêt de ses ressources vitales pour fabriquer des armes. Cela attire la colère des dieux loups et du mystérieux personnage principal (Claire Danes), conduisant à une bataille littérale entre l'homme et la nature. Le message de Miyazaki laisse peu de place à l'imagination, mais son animation offre beaucoup de soutien, surtout lorsqu'il fait taire le dialogue explicatif et laisse ses images ravissantes parler d'elles-mêmes. Mis en valeur par un esprit forestier étincelant et translucide qui n'émerge que la nuit, de minuscules créatures squelettiques avec des têtes pivotantes qui claquent et un dénouement vraiment magique,Princesse Mononokéreste une réussite formidable, pour ne pas dire un succès retentissant. []
Le monde secret d'Arrietty
Tout comme une version légèrement plus ancienne deMon voisin Totoro,Le monde secret d'Arriettypoursuit la majeure partie de son histoire avec peu de sentiment d'urgence, même lorsque son protagoniste excitable se précipite dans son monde géant à toute vitesse. Hayao Miyazaki, co-responsable de Ghibli (scénariste-réalisateur deExtensible,Le voyage de Chihiro, et de nombreux autres projets Ghibli) ont confié des fonctions de direction àArriettyà l'animateur vétéran de Ghibli, Hiromasa Yonebayashi, mais a collaboré au scénario, qui montre clairement la sensibilité de Miyazaki en matière de narration. Arrietty est une héroïne typique de Miyazaki, à parts égales de joie innocente, de fanfaronnades et de mélancolie submergée. Elle est assez petite pour utiliser une épingle droite comme épée - et assez romantique et fringante pour apprécier cette image - mais il est révélateur que l'histoire ne la pousse jamais à utiliser son arme sur un être vivant. Ses ennemis sont généralement plus abstraits et ne sont en aucun cas vulnérables aux coups de couteau. []
Chanter sous la pluie
Chanter ? Sous la pluiedéfie une lecture autoritaire. En tant que star, co-réalisateur et co-chorégraphe du film, Gene Kelly semble être un candidat probable pour la paternité, mais le fait que Kelly partage les deux derniers rôles avec Stanley Donen révèle la nature collaborative du film. De même, l'auteur-compositeur devenu producteur Arthur Freed pourrait à juste titre être distingué pour son rôle dans sa création, puisqu'il a proposé le concept d'un film qui présenterait les chansons qu'il avait co-écrites avec Nacio Herb Brown. Enfin, les scénaristes Betty Comden et Adolph Green peuvent revendiquer une grande part du mérite pourChanter ? Sous la pluie?s succès, puisqu'ils ont transformé une mission de mercenaire en une œuvre d'art durable. En fin de compte, cependant, comme le commentaire audio du double disqueChanter? Comme le suggère le DVD, le film représentait un triomphe du système de studio plutôt que le génie d'une seule vision puissante. Confrontés à la tâche peu enviable de construire un film autour des chansons datées de Brown et Freed, Comden et Green ont eu l'idée de faire du film une pièce d'époque nostalgique, une démarche qui leur a permis d'envoyer doucement les chansons ? Tin Pan Alley est ringard tout en se délectant de leur simple pouvoir. Se déroulant pendant la transition difficile du film entre le silence et le son,Chanter ?met en vedette Kelly dans le rôle d'un vaudevillien devenu star de cinéma dont la série de films à succès avec Jean Hagen semble vouée à se terminer avec l'arrivée du son ; La voix abrasive et grinçante de Hagen devient soudainement un problème lorsque le public exige à la fois d'entendre et de voir ses idoles. Pris dans la vague de colère des goûts changeants du public, le studio derrière le dernier film de Kelly et Hagen décide d'en faire une image sonore puis une comédie musicale, et l'ingénieuse au visage frais Debbie Reynolds est enrôlée pour overdub les répliques de Hagen. L'évasion élevée au niveau de l'art,Chanter ? Sous la pluiefait la satire de manière inventive des illusions du processus de réalisation cinématographique tout en célébrant leur joie qui affirme la vie. [Nathan Rabin]
Après avoir écrit et réalisé l'épopée animée de 1997Princesse Mononoké, le cinéaste japonais Hayao Miyazaki a annoncé qu'il envisageait de prendre sa retraite. Dieu merci, il a changé d'avis.Le voyage de Chihiroest un merveilleux rappel, marqué par l'attention minutieuse portée aux détails et l'équilibre astucieux entre la terreur et la joie qui rendent son œuvre unique.Le voyage de Chihirose concentre sur Chihiro, une jeune fille japonaise maussade et craintive dont les parents déménagent si loin dans le pays qu'ils prédisent qu'ils devront se rendre à la prochaine ville juste pour faire du shopping. En voyage vers leur nouvelle maison, ils découvrent un parc à thème abandonné et en désintégration, qu'ils explorent joyeusement malgré les protestations stridentes de Chihiro. Soudain, un garçon s'approche d'elle et lui ordonne de partir avant la nuit. Mais avant qu'elle puisse rassembler ses parents capricieux et s'échapper, la nuit tombe, dans une séquence à couper le souffle et inquiétant qui englobe presque le danger de Chihiro avec sa prouesse technique. Chihiro est piégée dans le monde des esprits et, pour sauver elle-même, ses parents et éventuellement son nouvel ami, elle doit se réconcilier avec elle-même et ses ravisseurs involontaires. Petit à petit, au cours d'une série d'aventures presque épisodiques, elle apprend à être courageuse et à faire face à ses responsabilités envers elle-même et envers les gens qu'elle aime. Le matériel de base est un élément assez standard pour une histoire d'aventures pour enfants, mais les attributs complexes et la forme de cette histoire sont propres à Miyazaki. []
David Ayer est largement critiquéon avait souvent l'impression qu'il essayait de donner le sien à DC, avec une cavalerie de salauds dépareillées et des gouttes d'aiguilles de rock classique. Il est donc normal que ledevrait revenir à James Gunn, actuel scénariste et réalisateur duGardiensfilms, qui ont signé après leur rival de Crosstown Marvel (temporairement)à la lumière de certains tweets découverts. Et il n'est pas si surprenant que Gunn rachète la franchise en difficulté avec un suivi sanglant et hilarant classé R qui tient la promesse de sa prémisse. Harley Quinn de Margot Robbie fait partie d'une poignée d'anciens personnages réunis ; l'ensemble tentaculaire denouveaules personnages sont joués par Idris Elba, John Cena, Daniela Melchior, David Dastmalchian, Sylvester Stallone et bien d'autres. Juste avertissement : aucun super-vilain réformé n'est en sécurité dans un film de bande dessinée aussi joyeusement fataliste. []
