Les meilleurs films de 2024 sont sortis à une époque de polarisation croissante dans l’industrie cinématographique. Les mâts de tente sont devenus plus gros, plus encombrants, plus inégaux et plus susceptibles de s'écraser et de brûler. De l’autre côté du spectre, les films indépendants sont devenus plus petits, plus décousus, plus impressionnants qu’ils n’ont été réalisés, sans parler d’une telle beauté.Le Club AVLa liste des meilleurs films de a trouvé des films à aimer dans les deux camps. Il y a eu les films qui ont été retirés très tôt des salles de cinéma parce qu'ils ne répondaient pas aux attentes de leurs seigneurs corporatifs, et les films qui n'ont presque pas été projetés du tout. (Au moins une de nos sélections n'est toujours pas distribuée aux États-Unis, mais elle est tellement incroyablement bonne que nous avons fait une exception.)
Mais au milieu des suites, des préquelles, des spin-offs et d'autres éléments gourmands en propriété intellectuelle qui continuent de dominer le box-office, il y avait des cinéastes qui défiaient les attentes de la franchise et des auteurs vétérans qui tentaient apparemment la dernière tentative de grandeur. Il y avait des nouveaux venus bravant les lettres de cessation et d'abstention, mettant à nu leur âme, réinventant la roue et assassinant d'innombrables créatures à fourrure des bois. Il y avait de bons films, si on savait où chercher.
Nos six critiques ont trouvé à juste titre des films dignes d'être défendus sur le circuit des festivals internationaux, mais aussi dans la catégorie des genres directement en VOD. Ils ont trouvé un anime déchirant et un nouveau classique des fêtes. Ils trouvaient les horreurs difficiles à regarder et la rage impossible à ignorer. Les meilleurs films de 2024 ne sont pas unis par un thème ou une approche cinématographique commune, mais par une inventivité partagée et une dépendance à l’égard de quelqu’un qui fait tout son possible pour donner une chance à quelque chose d’étrange. Même le film le plus conventionnel de cette liste défie les attentes d’une manière ou d’une autre, s’opposant à un paysage de culture pop qui s’aplanit d’année en année.
25.
Le premier récit de Payal Kapadia semble enraciné dans la sensibilité non-fictionnelle mais onirique qu'elle a créée dans son premier long métrage.Une nuit sans rien savoir, dans lequel elle a documenté les manifestations antinationalistes (qu'elle a co-organisées) sur son campus universitaire. Existant dans un avion qui oscille entre le naturalisme et le surréaliste, le dernier film de Kapadia explore la vie de trois femmes résidant à Mumbai et travaillant dans le même hôpital. Il y a Prabha (Kani Kusruti), une infirmière qui ne se sent pas amarrée depuis que son mari, désormais au secret, a déménagé en Allemagne pour travailler ; Anu (Divya Prabha), une jeune collègue qui sort secrètement avec un musulman malgré leur différence religieuse ; et Parvaty (Chhaya Kadam), une cuisinière sur le point d'être expulsée de sa demeure de longue date par des promoteurs cupides. Leurs luttes démontrent toutes diverses injustices auxquelles sont actuellement confrontés divers citoyens indiens, mais Kapadia fixe son point de vue sur la manière dont les femmes sont particulièrement calomniées. Car à quel point ce portrait d’inégalités rampantes entre les sexes, les castes et les ethnies est poignant,Tout ce que nous imaginons comme lumièrene vire jamais à la prédication brutale, permettant à ces dynamiques de relever subtilement et naturellement leurs vilaines têtes. Plus impressionnante encore est la capacité du directeur de la photographie Ranabir Das à capturer l'essence électrisante de la ville tout en s'appuyant principalement sur des sources de lumière naturelles et préexistantes. Mais les séquences les plus époustouflantes se déroulent vers la fin, lorsque les trois femmes se rendent dans une ville balnéaire isolée, chacune renégociant ses relations avec les hommes de sa vie – qu'ils soient ou non physiquement présents – à travers des moments de pure libération. . [Natalia Keogan]
24.
Les retours en arrière vers des décennies (relativement) récemment passées ont tendance à faire place à la nostalgie des poupées de mode et à la lueur chaleureuse de la reconnaissance. Quel coup de froid alors de voirLongues jambesmisez sur les années 1990 avec un ensemble de points de référence si malicieusement cauchemardesques :Le silence des agneauxavec un tueur moins professeur, une version plus solitaire et plus désolée deLes X-Files, quelquesSeptl'humidité, plus une tension étrangement toxique de retour dans un retour à ce rock'n'roll d'antan. Maika Monroe entre dans une phase plus adulte de sa carrière de reine des cris qui a duré 10 ans en tant qu'agent du FBI enquêtant sur un tueur en série mystérieux, fou, charismatique et totalement terrifiant (Nicolas Cage, l'homme qui peut faire tout cela en 15 secondes chrono). lorsqu'on y est invité); Le problème, c'est que oui, nous avons déjà vu une jeune femme déterminée poursuivre un démon rococo à de nombreuses reprises auparavant. C'est assez vrai queLongues jambesest avant tout un film d'horreur – et extrêmement bien réalisé, puisque le scénariste-réalisateur Oz Perkins utilise un cadrage légèrement biaisé et une atmosphère onirique pour déséquilibrer le public, même s'il semble qu'il devrait observer quelque chose de simple. Ce qui persiste, cependant, c’est l’absence précise d’une métaphore facile à suivre, alors que Perkins plonge dans tout un ensemble d’anxiétés potentielles : la sécurité combinée et l’inconnu du retour à la maison ; le sentiment d'impuissance dans un monde corrompu ; la solitude d'une femme qui se fraye un chemin dans un domaine dominé par les hommes ; et, bon sang, quelques creeps traditionnels qui s'intégreraient parfaitement dans lePrestidigitationunivers. Il y a un courant de terreur sous-jacent, imputable mais impossible à atteindre et à traiter pleinement, qui donne au film l'impression de regarder une chaudière tueuse en série des années 90 enregistrée accidentellement sur la VHS deL'anneau.[Jesse Hassenger]
23.
Le meilleur film d'animation de l'année et de loin le film le plus court de cette liste, d'une heureRegarder en arrièreest aussi le film le plus susceptible de vous faire fondre en sanglots. Influencé par l'horrible massacre d'animateurs lors d'un incendie criminel à Kyoto en 2019, le manga sincère de Tatsuki Fujimoto sur les sacrifices de la création trouve un partenaire idéal en la personne du cinéaste Kiyotaka Oshiyama. Studio Durian utilise un style d'une simplicité trompeuse pour reproduire les sauts dans le temps et les changements de tons de son histoire elliptique, tous des personnages grossièrement esquissés et des mouvements volumineux. Cela correspond à l'histoire de deux filles d'âge scolaire talentueuses, qui se découvrent grâce à leur amour du dessin et grandissent ensemble (et séparément) autour de cette même passion. Les montages d'images fixes jouent comme si nous feuilletions un album, chaleureux et évocateurs. Mais dans les nuances du cadre, dans les arrière-plans luxuriants et les détails intenses, les caractéristiques de l'animation AAA nous engloutissent subtilement dans son monde. Une simple scène de course sous la pluie, d'éclaboussures dans les flaques d'eau est une explosion d'émotion brute, tandis qu'un saut tardif dans le réalisme magique offre l'un des changements de perspective les plus convaincants de l'année. Les ficelles invisibles qui lientRegarder en arrière's mènent ensemble, le désir de transmettre la beauté, l'humour et la vérité dans leur art (même dans une bande dessinée idiote de Shonen appeléeCoup de pied de requin) deviennent plus étroits et plus résistants que n’importe quelle connexion plus tangible. Plus qu'un hommage,Regarder en arrièrecélèbre ceux qui créent et toutes les personnes (inspirations, collaborateurs, publics et/ou rivaux) pour qui ils créent. [Jacob Oller]
22.
La scénariste-réalisatrice India Donaldson est sortie en trombe avec ses débutsBon, un retrait trompeusement brutal du passage à l'âge adulte soigneusement emballé dans un voyage de randonnée relativement discret. Un jeu à trois entre Sam (Lily Collias), 17 ans, son père Chris (James Le Gros), qui a pris la pilule REI, et son vieux copain méga-divorcé Matt (Danny McCarthy),Bonaurait été beaucoup plus confortable car un quadruple s'était déroulé comme prévu. Mais le fils de Matt, âgé de 3 ans, abandonne les campeurs à la dernière minute, ce qui signifie que l'adolescente est coincée dans le club des garçons alors que les blagues de son père se transforment de manière nuancée en manières de conversation plus épineuses. Donaldson cadre parfaitement la randonnée des Catskills, sa caméra capturant exactement ce dont elle a besoin au milieu de la verdure luxuriante, mais c'est son oreille pour le dialogue et sa maîtrise de son excellent ensemble qui vend cette courte histoire de film. Collias est aussi douée pour paraître pointue que ses compagnons plus âgés pour jouer les idiots, tous suffisamment réalistes pour vendre les changements de ton et d'atmosphère, petits mais convaincants, dans lesquels évolue le film perspicace de Donaldson. [Jacob Oller]
21.Le sentiment que le temps de faire quelque chose est révolu
Riche d'un type d'ennui urbain spécifique à l'été, le portrait de Joanna Arnow de la vie citadine et de l'âge adulte d'une trentaine d'années est une interprétation rafraîchissante et stagnante de la vie à New York.Le Ressentir ça Le Temps Pour Faire Quelque chose A Passé joue comme les scènes coupées d'un film par ailleurs familier et au rythme rapide idéalisant New York, explorant plutôt à quel point la réalisation de soi peut être très ennuyeuse et peu sexy. La « Ville qui ne dort jamais » d'Arnow est en fait extrêmement endormie. Malgré un récit vague en partie centré sur Ann (Arnow) répondant aux besoins de ses intérêts sexuels soumis, d'abord avec un dominateur qu'elle connaît depuis de nombreuses années avant de s'aventurer vers d'autres partenaires,Le sentiments'attarde sur des moments sans intérêt comme la marche au ralenti pour un train F en retard, des réunions de travail lentes, plier le linge et réchauffer un dîner au micro-ondes. Pourtant, le film n'en est pas moins riche dans la mesure où il choisit de se concentrer sur ces activités banales de la vie d'Ann. Ces actions créent une tapisserie humoristique d’une femme ordinaire essayant de passer du jour au lendemain. Mais il y a aussi un côté intimidant dans la vie d'Ann, un sentiment d'insatisfaction face à des situations qui ne s'améliorent tout simplement pas. C'est à tel point que lorsqu'elle atteint enfin une romance stable, il est angoissant de se demander comment ou quand elle pourrait s'effondrer. Le film d'Arnow observe avec grâce et patience à quel point les moments d'inertie sont parmi les plus épuisants.[Brianna Zigler]
20.
Le cinéaste espagnol Víctor Erice (Le Sud,L'esprit de la ruche), à 82 ans, arrive avec son premier long métrage en 30 ans et son quatrième total. Il contient le mystère piégé en celluloïd d'un acteur qui a disparu sans laisser de trace en cours de production, les réflexions cinématographiques du réalisateur qui a laissé cette vie derrière lui après l'effondrement de son film, et un feu de joie grandissant de connexions ravivées alors que ce dernier est incité à reprendre ses recherches sur les décennies précédentes après coup. Mené par la performance robuste mais douce de Manolo Solo,Fermez les yeuxrelie les films et la mortalité en passant du mystère à l'élégie en passant par la séance. À juste titre, son point culminant se déroule dans une salle de cinéma. Un peu de lumière, un peu d'électricité, et les morts marchent à nouveau parmi nous. Mais ce n’est pas une ode au cinéma bon marché et aux yeux rosés – elle a été réalisée par quelqu’un qui ressent plus qu’un peu de ressentiment envers le cinéma. Au lieu de cela, il s'agit d'une prise de conscience plus honnête de la façon dont nous vieillissons et changeons, et du fait que les choses que nous faisons et les marques que nous laissons ne nous seront jamais totalement étrangères. Il y a de la beauté et du contentement durement gagné dans chaque image, alors qu'Erice revient à la réalisation dans une quête, apparemment, pour affronter son propre temps passé à faire des films. [Jacob Oller]
19.
Dans une autre année marquée par les redémarrages,, et des suites héritées de qualité et de complexité variables, un réalisateur de 94 ans a osé revenir à l'essentiel. Le meilleur de Clint Eastwood depuis des années (ce qui rend sa sortie rejetée d'autant plus déprimante),Juré n°2est un exemple de « films qu’ils ne font plus ». Une chaudière potentielle entre les mains d'un autre, Eastwood prendJuré n°2Le livre de poche de est sérieusement passionnant, s'appuyant sur la prémisse ridicule d'un futur père (Nicholas Hoult) faisant partie d'un jury pour un crime qu'il a peut-être commis. Avec sa mise en scène sobre, Eastwood piège le public dans le genre de dilemme éthique qu’il a exploré tout au long de sa carrière. Il s’agit moins d’un « sera-t-il attrapé ? » thriller; c'est un "Va-t-il se rendre?" thriller, mettant la pression sur Hoult pour qu'il découvre sa propre culpabilité ou son innocence. Donnant la performance la plus réprimée de son année chargée, Hoult a rarement été meilleur qu'en tant que futur parent, déchiré entre ce qu'il y a de mieux pour sa jeune famille et la bonne chose à faire. Soutenu par un casting phénoménal, dont Toni Collette, JK Simmons, Chris Messina, Kiefer Sutherland, Cedric Yarbrough et Zoey Deutch, le film navigue dans des eaux impossibles, porté par le suspense et la complexité. Junky mais nourrissant, pulpeux mais profond, ils ne les font plus comme ça. [Matt Schimkowitz]
18.
Comme une poignée d'ornements qui ornent le sapin de Noël d'une famille, le troisième long métrage de Tyler Taormina est une vitrine éclectique des détails petits mais significatifs qui définissent les traditions de vacances d'une famille de Long Island. Il n’y a pas exactement d’intrigue conventionnelle – un peu comme la façon dont nos réunions de famille sont souvent structurées de manière amorphe – mais être en présence du clan Balsano la veille de Noël est néanmoins suffisamment convaincant pour retenir notre attention. Les oncles concoctent leurs propres versions étranges de la charcuterie, les beaux-parents tentent maladroitement de s'intégrer dans une dynamique soudée et, bien sûr, les adolescents se faufilent et s'amusent eux-mêmes. La photographie de Carson Lund (dont le superbe premier long métrage,Eéphus, sortira au printemps) canalise un sentiment de nostalgie chaleureusement éclairée et la nature éthérée de la création d'un souvenir qui durera longtemps après que les chutes de neige de minuit soient fondues par le soleil du matin. Le casting d'ensemble, composé de Michael Cera, Gregg Turkington, Francesca Scorsese, Elsie Fisher et Sawyer Spielberg, est calibré de manière à ce que personne ne soit sous le feu des projecteurs ou ne devienne le centre d'intérêt principal, bien que le point de vue de l'adolescente Emily (Matilda Fleming) soit vaguement invoqué. sur. Le résultat final n’est, remarquablement, jamais flou, mais capture plutôt magistralement l’esprit débridé d’une saison qui signale la satisfaction et les conflits pour cette famille spécifique. [Natalia Keogan]
17.
Peu de performances cette année surpasseront celle de Marianne Jean-Baptiste dans le rôle de Pansy, une épouse et mère britannique qui a développé une intense misanthropie qui menace d'empoisonner ses relations les plus proches. Il est plus probable qu’improbable que son attitude aigrie soit le résultat de la pandémie, qui a démontré à quel point il est facile pour les gens de donner la priorité à l’égoïsme et à la paranoïa pour leur propre survie. Pansy a complètement étouffé toute affection restante envers elle par son mari Curtley (David Webber) et son fils Moses (Tuwaine Barrett), âgé d'une vingtaine d'années - elle a transformé leur maison en un environnement froid et stérile, se livre à des tirades à l'heure du dîner sur ses interactions quotidiennes et insulte les autres de manière audible alors qu'ils sont à portée de voix. La seule qui tente de pénétrer l'extérieur aigre de Pansy est sa sœur Chantelle (Michelle Austin), qui comprend qu'elle s'en prend, en partie, à cause du chagrin persistant dû à la mort de leur mère contrôlante. Le dialogue intelligent livré avec le vitriol hilarant de Jean-Baptiste (dont la précédente collaboration avec le scénariste-réalisateur Mike Leigh,Secrets et mensonges, la faisait jouer une jeune femme douce et à la voix douce) met l'accent sur sa gamme ainsi que sur celle de Leigh, qui continue de s'imposer comme l'un des meilleurs réalistes narratifs du jeu. [Natalia Keogan]
16.Langage universel
Une odyssée inspirée du cinéma iranien,Langage universelvoitLe réalisateur Matthew Rankin imagine une version intemporelle et hors du lieu de Winnipeg où le farsi et le français se mélangent harmonieusement.Langage universelchevauche les intrigues de plusieurs personnages différents : deux enfants trouvant de l'argent gelé dans un bloc de glace et se lançant dans une quête absurde pour le récupérer ; un homme (joué par Rankin lui-même) qui rentre chez lui après avoir quitté son emploi sans but au Québec ; et le guide touristique Massoud (Pirouz Nemati) guidant un groupe de touristes à travers l'histoire comiquement banale de Winnipeg. Projet collaboratif entre amis et mettant en vedette une distribution en grande partie non professionnelle, la vision surréaliste de Rankin de Winnipeg est aride et brutaliste, entrecoupée de magasins vendant des gâteaux d'anniversaire et des dindes vivantes, où les Tim Hortons sont réinventés alors que les salons de thé et les cimetières iraniens partagent des biens immobiliers avec l'autoroute. viaducs. Rankin envisage un Winnipeg qui n'a jamais émergé esthétiquement des années 80, mais qui a également tiré davantage de la diaspora iranienne que de l'influence occidentale et anglo-saxonne. Et au milieu de l'incroyable rareté de la ville natale de Rankin, les gens traversent des bancs de neige infinis pour trouver de petits moments de connexion intimes.Langage universelarticule une proximité tacite entre sa diversité de personnages à travers le brouillage des différences culturelles, pour créer un film sur la façon dont nous sommes tous, d'une certaine manière, les uns les autres.[Brianna Zigler]
15.
Pourquoi s'embêter à refaire le film muet classique de 1922Nosferatu, une variation sur le constamment refaitDraculaqui a déjà été repensé par Werner Herzog ? Dans une certaine mesure, Robert Eggers semble être, comme, pour l'amour du jeu - la gloire de la création d'images macabres qui étend et distend des vues familières dans de nouveaux cauchemars, un peu comme la main sombre que l'on voit atteindre la pauvre ville sans méfiance dans cette version du conte de vampire, uniquement visible du point de vue du public. Si c'était toute la version 2024 deNosferatuavait à offrir, ce serait plus que suffisant pour une soirée cinéma. Mais Eggers, béniqu'il est, utilise la performance physique engagée de Lily-Rose Depp pour suggérer notre fascination collective pour le macabre et le monstrueux. Ces images, lorsqu’elles sont suffisamment vivantes, peuvent ressembler à une forme de possession, se rapprochant de l’oubli afin de mieux comprendre et éventuellement détruire le mal qui peut sembler omniprésent. Autrement dit, malgréNosferatuC'est une minutie majestueuse et gothique, mais elle n'en est pas moins une pour les malades.[Jesse Hassenger]
14.
Il est tout à fait logique que Vera Drew, réalisatrice pour la première fois, ait fait ses armes en tant que monteuse pour des comédies épisodiques commeAu cinéma,Je pense que tu devrais partiretComédie Bang ! Claquer!. Alors que son premier long métrage coopte le personnage du Joker afin de raconter une histoire semi-autobiographique de sa transition, il s'agit également d'un pamphlet impitoyable sur l'état actuel de la comédie à Hollywood. Elle s'en prend à Lorne Michaels, au stand-up d'UCB et à l'adoption généralisée de blagues offensantes par des comédiens privilégiés qui se sentent menacés par un intérêt accru pour les voix marginalisées. Drew joue une version d'elle-même qui finit par se transformer en Harlequin, une comédienne en herbe qui doit comprendre ce que signifie le succès dans l'industrie par rapport à son propre cœur. Les camées de grands noms de la comédie comme Tim Heidecker, Maria Bamford, Bob Odenkirk et Scott Aukerman peuvent modifier les relations de Vera, mais sa condamnation impétueuse d'un paysage narratif de plus en plus volatile, reflétée par les tentatives de Warner Bros pour intimider Drew pour qu'il reste à l'écart de leur propriété intellectuelle, prouve parfaitement prémonitoire. [Natalia Keogan]
13.Chambres rouges
Les « Salles rouges » en ligne qui donnent son nom à ce techno-thriller québécois sont tachées de sang chaud et de dépravation frénétique, mais l'approche du scénariste-réalisateur Pascal Plante à l'égard de ces espaces est froide et contrôlée. Il ne s’agit pas seulement d’une technique stylistique, même si l’effet grésille, comme si l’on plongeait une lame fraîchement forgée dans un banc de neige glacée. C'est aussi une manière élégante d'exprimer les thèmes du film à travers la forme comme dans le contenu. Les sujets de ce film – à savoir les meurtriers sexuels sadiques et les hybristophiles qui les aiment – sont aussi lubriques que possible. Beaucoup de gens sont fascinés par ces extrêmes de la psychologie humaine, tout en ayant un peu honte de s’y intéresser. C’est la tension que Plante exploite dansChambres rouges, tournant lentement la vis sur le public à travers les actes croissants d'obsession du hacker impénétrable Kelly-Anne (Juliette Gariépy) envers le tueur en série accusé Ludovic Chevalier (Maxwell McCabe-Lokos). Plante et Gariépy gardent obscures les motivations de Kelly-Anne jusqu'à la toute fin du film, un jeu de poule qui culmine avec l'une des scènes les plus époustouflantes de la décennie où Kelly-Anne proclame son « amour » d'une manière scandaleusement insipide au tribunal. . Pendant ce temps, le visage placide de Gariépy sert de miroir à la fascination morbide du public, nous obligeant ainsi à confronter nos natures les plus basses. C'est nerveux, mais délibérément, ce qui le place bien au-dessus des films qui traitent de la provocation en soi. [Katie Rife]
12.N'attendez pas trop de la fin du monde
Angela (Ilinca Manolache) est épuisée, comme beaucoup d'entre nous ces jours-ci. Assistante de production pour une entreprise roumaine spécialisée dans les vidéos industrielles, elle passe 18 à 20 heures par jour coincée dans les embouteillages, la musique à fond à la radio. Les paroles sont grossières ; la qualité sonore est mauvaise. Parfois, elle hoche la tête tout en faisant des bulles avec sa bouchée de chewing-gum omniprésente, mais ni l'un ni l'autre n'indique de plaisir. Elle a besoin de ces moments de mouvement juste pour rester éveillée. Et comme ses patrons sont toujours prêts à le lui rappeler, elle fait partie des chanceuses. Dire que les films du cinéaste Radu Jude « se délectent » de la vulgarité et de l'absurdité n'est pas tout à fait exact ; il est plus exact de dire qu'ils identifient ces conditions comme endémiques à la vie au 21e siècle. Ici, le titre de ce film hybride satire/essai sur le lieu de travail fait référence à la torture au goutte-à-goutte des petites indignités et des compromis réticents qui caractérisent la vie sous le capitalisme tardif : les heures s'allongent, mais le salaire reste le même. Il y a moins de chips dans chaque sac et les lumières diminuent un peu à chaque fois que vous les allumez.N'attendez pas trop de la fin du mondedure 163 minutes, mais les petits moments frappent durement. Si cela ressemble parfois à un diagnostic sans plan de traitement, c'est parce que Jude ne sait pas non plus comment nous allons nous en sortir. [Katie Rife]
11.
Juste pour émettre un spoiler par élimination dès le départ :Crête rebellene se termine pas par une explosion cathartique de sang et de tripes, avec Terry (Aaron Pierre) prenant une vengeance fatale sur ses bourreaux, un groupe de flics du Sud qui financent certaines dépenses départementales via le processus tortueux de la confiscation civile. Certains décriraient l’insistance de Terry sur des formes non létales de riposte, si peu caractéristiques du scénariste-réalisateur Jeremy Saulnier, comme l’autre type de dérobade, à travers son insistance à suivre certaines règles systématiques dans un hybride de deux systèmes (le réel- système de justice pour la vie et films de vengeance cathartiques) où cela ne semble pas fonctionner très souvent. Mais les contraintes imposées à Terry s'alignent parfaitement avec la précision obstinée du personnage : il est trop exigeant pour supposer qu'il est le héros automatique de cette histoire, même s'il sait au fond de lui qu'il a raison. C'est, à son tour, ce qui fait de la performance de Pierre un tel triomphe : il passe la majeure partie deCrête rebellechevauchant la frontière entre l'attaque et la défense, jamais libéré des calculs mentaux qu'il doit effectuer en tant qu'homme noir affrontant une police corrompue. Le film roule à ses côtés, gardant la tension tendue même si l'on sait que des litres de sang ne couleront peut-être pas, tandis que Saulnier confirme son statut de maître du thriller sur la survie à une forme de décadence très américaine.[Jesse Hassenger]
10.
Les approches d'une intelligence perçante sur la différence et l'acceptation sont la spécialité d'Aaron Schimberg. Son troisième long métrage,Un homme différent,s'appuie sur les thèmes de son film de 2018Enchaîné pour la vie, une comédie dramatique en coulisses sur une actrice qui lutte pour se connecter avec sa co-star défigurée (Adam Pearson) sur le tournage d'un film d'art européen.Un homme différentutilise également la scène comme plate-forme pour explorer la construction de l'identité et les « masques » que nous portons dans la vie, ajoutant des couches au concept à travers l'histoire d'un acteur (Sebastian Stan) né avec une défiguration faciale dont les fantasmes les plus dégoûtants sont réalisé lorsqu’il subit une procédure expérimentale pour le rendre « normal ». (Si vous pouvez qualifier de ressemblant à Sebastian Stan de «normal».) Stan se transforme en sac de boxe alors que Schimberg le fait traverser un défi d'humiliation tragi-comique, contrastant son insécurité et son ressentiment avec le charisme fanfaron de sa co-star Pearson. Il y a ici une leçon de morale sur l'acceptation de soi et l'apparence n'est pas tout, mais l'écriture de Schimberg est trop intelligente – et trop cynique – pour tomber dans des clichés sucrés sur le fait que si vous vous aimez vous-même, tout ira bien. Ce ne sera pas le cas, mais vous devez quand même vous lever le matin. Le sens de l'humour aide, etUn homme différent's est délicieusement autodérision, parfois théâtral et sec comme un papier découpé. [Katie Rife]
9.
La cinéaste Jane Schoenbrun fait un grand pas en avant après le mauvais rêve immersif et solitaire deNous allons tous à l'Exposition universelleconstruire un cauchemar dysphorique dévorant avecJ'ai vu la télé briller. Utilisant l'obsession de la culture pop comme langage pour décrire un sentiment d'aliénation marginal – à la fois intrinsèquement trans et largement applicable – les écrans lumineux de Schoenbrun et la nuit éternelle remplacent le sentiment plus large que quelque chose ne va vraiment pas dans cette réalité. Au moins certaines choses ont du sensLe rose opaque, lequi lie Maddy (Brigette Lundy-Paine) et Owen (Justice Smith). Alors que ces deux solitaires se retrouvent (ou ne parviennent pas à se retrouver) grâce à cette série,J'ai vu la télé brilleralourdit leur vie avec des parents qui les jugent, des ex-amies pom-pom girls, des patrons merdiques. Devoirs et factures. L’extérieur est nul, mais l’intérieur est terrifiant. C'est pourquoi Owen a tant de mal à regarder là-bas, malgré les poussées incessantes de Maddy et les murs qui se rapprochent à la vitesse de la lumière suffocante. L'esthétique claustrophobe du film, tour à tour surréaliste et trop réelle, est un trou noir – le pire des cas rempli de souvenirs de toutes les chances d'évasion que vous aviez. Rempli de performances à couper le souffle, d'images inoubliables, d'horreurs imaginatives et d'une bande-son percutante,J'ai vu la télé brillerest aussi obsédant et urgent que son cri final et guttural. [Jacob Oller]
8.
En explorant les points communs entre les films de Sean Baker (empathie pour les travailleuses du sexe, attention portée aux diverses couches économiques), une signature peut-être sous-explorée est son sens aigu du lieu.Tangerine,Le projet Floride,Fusée rouge, et maintenantAnorase déroulent dans un quatuor d'États très différents mais peuplés, et il capture des coins souvent invisibles de chacun des quatre.Anorarevient à l'environnement plus urbain (et, éventuellement, à l'intrigue axée sur la poursuite) deTangerine, et dans quelques courts plans qui suivent Ani (Mikey Madison) depuis son concert dans un club de strip-tease du centre-ville de Manhattan jusqu'à sa maison de Brighton Beach, il y a tout un monde de lassitude des navetteurs. Il n'est pas étonnant que, malgré son savoir-faire dans le domaine dans lequel elle évolue, Ani finisse par se permettre de croire qu'elle se trouve dans une sorte d'histoire d'amour de conte de fées avec le fils immature d'oligarques russes qui propose le mariage après une semaine éclair de compagnie rémunérée. Alors qu'Ani, jouée avec une vivacité imparable par Madison, passe d'un drame de tranche de vie à une ivresse enivrante en passant par une farce avec un air de fraîcheur côtière dans l'air, Baker garde toujours les yeux et les oreilles sur son environnement: la lueur d'un manoir emprunté à Mill Basin, le souffle du vent de Coney Island, le grincement des essuie-glaces dans la neige. Ces détails soulignent l'immédiateté du présent d'Ani ; en dehors de son mariage (« Un mariage frauduleux ?! » comme elle le dit de manière mémorable), peu importe à quel point elle est bonne dans son travail, elle vit inconfortablement d'instant en instant.Anoran'est pas le film le plus drôle ou le plus dévastateur sur le plan émotionnel de Baker. Mais cela pourrait, dans sa lassitude effondrée de conte de fées, être le plus étrangement accessible.[Jesse Hassenger]
7.
L'adaptation libre de Bertrand Bonello d'Henry JamesLa bête dans la jungleimagine un futur envahi par l'IA, où il faudra purifier son ADN en libérant ses vies passées afin de supprimer les émotions dans un monde qui n'en a plus besoin. Ainsi se déroule la connexion temporelle entre Gabrielle (Léa Seydoux) et Louis (George MacKay). À travers trois périodes, Gabrielle et Louis sont continuellement attirés l'un vers l'autre dans leurs corps réincarnés, finalement incapables de satisfaire leur attirance inexplicable et rencontrant une série de fins violentes. Mais au lieu que ce processus efface les émotions de Gabrielle, elle les trouve renforcées dans ce lien partagé avec un parfait inconnu – qui remplit néanmoins chacune de ses incarnations d'une inévitable sensation d'effroi. Cela mène à une conclusion évocatrice du gémissement glaçant de Laura Palmer dans le dernier épisode deTwin Peaks : Le retour,et, semblable au troisième volet de la série de Lynch, Bonello capture une impression de peur et d'appréhension qui ne peut être clairement exprimée. La romance non réalisée se mêle à la solitude et à l'aliénation, qui se mêlent à la co-dépendance à la technologie pour simplifier les comportements humains les plus fondamentaux, le tout dans un monde ennuyeux mais ouvertement écologiquement ravagé, dystopique mais peut-être pas si éloigné de la réalité.La Bêteest un hybride de genre art et essai troublant et impénétrable – horreur, science-fiction, mélodrame – qui se demande jusqu'où les humains iront en niant leur propre humanité et si l'amour peut supporter cela ou nous déchirer.[Brianna Zigler]
6.
De ses scènes d'ouverture elliptiques en passant par les souvenirs d'enfance d'Elwood (Ethan Herisse), jusqu'à son passage tardif à la troisième personne, faisant allusion à un traumatisme qui l'a contraint à sortir de lui-même,Nickel GarçonsLa perspective unique à la première personne n'est qu'un aspect des débuts de fiction magistraux du réalisateur RaMell Ross. Basé sur le lauréat du prix Pulitzer de Colson Whitehead,Nickel Garçonssuit la vie d'Elwood à l'école réformée Nickel Academy de Floride, où un cruel coup du sort fait atterrir l'étudiant autrefois prometteur. Comme celle d’autres Noirs américains, la vie d’Elwood échappe essentiellement à son contrôle, régie par les caprices de la classe dirigeante blanche. En voyant le monde à travers ses yeux, nous ressentons chaque coup écrasant qu’il subit avec chaque injustice qui lui est imposée. Elwood se trouve à un carrefour philosophique : combattre le système grâce aux victoires progressives du mouvement des droits civiques ou essayer d'éviter les mines terrestres jonchant le campus en gardant la tête baissée et en purgeant sa peine. Ces points de vue, représentés par l'ami d'Elwood, Turner (Brandon Wilson) – dont nous habitons aussi occasionnellement la tête – et sa grand-mère Hattie (Aunjanue Ellis-Taylor), colorent la façon dont Elwood voit le monde et comment Ross le filme, faisant de chaque plan un texte riche. de métaphore et de sens. Parmi ces images, aucune n’est peut-être plus chargée qu’une brochure destinée à l’université noire qu’Elwood est censé glisser du réfrigérateur à mesure que son avenir se déroule.Nickel Garçonsne perd pas une image, nous plaçant dans la tête d'Elwood comme peu de films pourraient le faire et nous guidant à travers un passage à l'âge adulte savamment chorégraphié comme nous n'en avons jamais vu auparavant. [Matt Schimkowitz]
5.
Le meilleur documentaire de l'année vous fait bouillir le sang pendant 95 minutes jusqu'à ce que vous ne soyez plus sûr qu'il en reste. Co-réalisé par deux Palestiniens (Basel Adra et Hamdan Ballal) et deux Israéliens (Yuval Abraham et Rachel Szor),Aucune autre terreest un récit furieux des démolitions et des déplacements criminels qui imposent l'état d'apartheid dans le cadre de Masafer Yatta. Chronique d'années de résistance et d'oppression, encadrée par l'amitié douce-amère naissante entre l'activiste de longue date Adra et le journaliste Abraham, l'incroyable assemblage d'images du film rend son cas indéniable. La violence physique est omniprésente ; la séquence finale, capturée en octobre 2023, montre un colon israélien bousculant le cousin d'Adra, puis lui tirant une balle dans le ventre à bout portant avec un fusil. Mais le désespoir croissant et inéluctable est encore plus intimidant. Avec ses images poignantes et sa construction narrative serrée,Aucune autre terren’a pas besoin d’être choquant, ni d’être une leçon d’histoire aride. Tout ce qu'il essaie de transmettre est évident, aussi brillant et brutal qu'un bulldozer. À mesure que l’histoire d’un seul village se déroule, une vie palestinienne se déroule également, une vie de répétition, de reconstruction et de lutte. Ces histoires ne sont pas difficiles à trouver : chaque jour que nous passons à parcourir les atrocités du passé nous rappelle à quel point notre présent est devenu engourdi. Face à cela,Aucune autre terreest une réinnervation puissante et vitale. Que cela soit pratiquement caché au public américain est une lâcheté flagrante de la part de notre industrie cinématographique. [Jacob Oller]
4.
L'ouverture bruyante et agitée du Brady Corbet'sLe brutaliste, avec ses arrivées à Ellis Island renversées autour du navire jusqu'à ce qu'une Statue de la Liberté inversée apparaisse, est si simple que son audace est rejetée. Renverser la Statue de la Liberté ? Du hardcore ! Prendreque, Amérique! C'est un témoignage du drame implacable, dense et sombre de l'immigration de Corbet que cette image surmonte cette réaction initiale, poussant une vérité punitive sur ce qui attend l'architecte superstar hongrois László Tóth (Adrien Brody, jamais mieux) dans sa nouvelle maison. Survivant des camps de concentration séparé de sa famille (dont une excellente Felicity Jones dans le rôle de sa femme Erzsébet), Tóth est mâché et craché par les plus grandes forces de l'Amérique – sectarisme, chômage, sans-abri, toxicomanie – avant d'être arrêté comme du chewing-gum sur un trottoir. par la chaussure d'un connard d'industriel (Guy Pearce). En trois heures et demie, l'épopée de Corbet est aussi vaste que sa cinématographie VistaVision, couvrant trois décennies, un projet de construction définitif et l'écrasement répété d'une boule de démolition métaphorique dans le rêve américain d'un homme. La résistance de Tóth, à se laisser façonner par lui, à faire des compromis, propulse le film comme un piston. Dur, propre et imposant,Le brutalisteest une construction digne d'admiration. [Jacob Oller]
3.Des centaines de castors
Parfois en tant que critique de cinéma,écritSam Adams, "même une légère modification d'une formule usée ressemble à un radeau de sauvetage dans un océan de similitude." À travers cette lentille,Des centaines de castorsest un continent de comédie perdu, redécouvert après des décennies passées à la dérive. Plutôt que de peaufiner une tendance épuisée, le premier long métrage du scénariste-réalisateur-monteur-magicien d'effets Mike Cheslik est un exemple parfaitement idiot d'hilarité cinématographique intemporelle, déterré et remixé en quelque chose d'entièrement nouveau. Une extravagance multimédia d'idiotie glacée,Des centaines de castorsest un tour de force burlesque – et sa liste d’animaux sauvages ridicules, à taille humaine et en costume de mascotte, n’est que la pointe de l’iceberg. Les véritables stars de la série sont son trappeur mime-comique Jean Kayak (co-scénariste/star Ryland Brickson Cole Tews) et les effets visuels lo-fi sans fin du film. Alors que le malheureux chasseur se promène dans une comédie en noir et blanc sans dialogue, influencée en partie parLa légende de Zelda, celui de Charlie ChaplinLa ruée vers l'or, JibJabs, animation Terry Gilliam, Guy Maddin etÂne, l'humour physique se rapproche de la transcendance juvénile. Structuré selon une logique de dessin animé parfaitement pure qui rend les gags meilleurs à mesure qu'ils se répètent et se répètent,Des centaines de castorsse vante de plus de rires que les castors, et cela veut dire quelque chose. De sa bagarre dans un bar à son drame dans la salle d'audience en passant par son morceau « des chiens jouent aux cartes », c'est une comédie aussi drôle, inventive et impressionnante que celle que nous avons eue depuis des années.[Jacob Oller]
2.
Apparemment l'une des suites les plus attendues de l'année,Furieuxétait l’une des nombreuses bombes très médiatisées. Mais contrairementJoker 2etMégalopole,Furieuxa livré les talents débridés de son créateur sous une forme tout à fait satisfaisante, bien que différente de ce à quoi le public s'attendait.Furieuxn'était décidément pasMad Max : La route de la fureur. Au lieu d'une longue séquence de poursuite, le réalisateur George Miller a orchestré une tournée en cinq parties du Wasteland avec un bildungsroman passager clandestin suivant Furiosa (Alyla Browne enfant, puis Anya Taylor-Joy) à travers une odyssée palpitante. Chaque chapitre est le sienMad Maxfilm, arborant un décor distinct et savamment chorégraphié qui reviendrait à se montrer si Miller n'était pas si doué pour accrocher ses téléspectateurs avec créativité et ambition. Miller trouve des moments de résonance profonde dans les gestes partagés entre Furiosa et Praetorian Jack (Tom Burke) et le passage du temps via un arbre en train de germer. Ces fragments d’espoir ne viennent pas facilement. Furiosa doit repousser le charisme dérangé de Dementus (Chris Hemsworth) et les innombrables War Boys prêts à devenir kamikaze pour attirer l'attention d'Immortan Joe (Lachy Hulme). Miller découvre les profondeurs de son monde fantastique et du nôtre, tournantFurieuxen un mythe du futur proche, une légende de l'histoire classique et de la sagesse, de l'élégance et de l'horreur anciennes. En 2024, avec sa cinématographie torride et ses analogues aux chefs des cultes de la mort qui aboient pendant le carnaval et qui gouvernent nos terres en surchauffe,Furieuxpeut avoir l'impression de regarder le soleil, brûlant d'une immense puissance et férocité. Mais rassurez-vous, Miller avait le courage de rendre cela épique. [Matt Schimkowitz]
1.Challengers
Plus tôt ce mois-ci, le receveur des Rams de Los Angeles, Puka Nacuaditil était « un peu excité » alors qu’il parcourait son parcours, « prêt à récupérer le ballon ». Si cette citation – une collision certes idiote entre libido et compétition sportive de haut niveau – était diffusée entre des morceaux électroniques vrombissants diffusés depuis le Berghain, elle refléterait l'expérience de regarderChallengers. L'histoire d'un groupe de tennis toxique, rebondie à travers le temps par le scénario de Justin Kuritzkes, est une déconstruction captivante et énergique de ce dont nous avons faim. La réussite est-elle ce que recherchent vraiment les étalons du tennis Patrick (Josh O'Connor), Art (Mike Faist) et Tashi (Zendaya) ? Richesse? L'épanouissement sexuel ? Ou est-ce juste une question de pouvoir ? Alors que le réalisateur Luca Guadagnino et le directeur de la photographie Sayombhu Mukdeeprom nous font tourner la tête à travers des constructions de plans intelligentes et des manœuvres aérobies vertigineuses,Challengerstrouve que la beauté de la compétition se transforme lentement en quelque chose de plus proche de la collaboration. Nous n’avons pas tous besoin des mêmes choses, mais nous sommes tous plus heureux lorsque nous occupons les bons rôles. Alors que la longue relation entre Patrick et le faible Art évolue, que leur désir pour Tashi, dure comme des ongles, change et que Tashi regarde enfin ses propres besoins dans les yeux, la dynamique sexuelle et professionnelle du film se reflète et se réfracte avant de s'installer dans un film sublime et en sueur. embrasser. C'est une course captivante, exaltante et centrée sur la cuisse jusqu'à l'achèvement psychosexuel entre trois acteurs se délectant des couches. [Jacob Oller]
